Nada de Ultramarinos de Lucas en Cuarta Pared
Antón abandona el aula el primer día de clase, y decide no volver nunca más al instituto. Ha descubierto que nada importa, así que no merece la pena hacer nada. Antón se sube a un ciruelo que hay en el jardín de su casa y desde ahí vocea sus pensamientos, increpando a sus compañeros cuando van a clase. Les hace ver que la vida no significa nada, que nada tiene sentido, les habla de su insignificancia comparados con el universo y el devenir de la historia, y les invita a que tampoco hagan nada, y se queden, como él, mirando el cielo. Con esta pieza han inaugurado la celebración de sus veinticinco años en la escena la Compañía Ultramarinos de Lucas. Durante este mes podremos disfrutar de varios trabajos que, desde el compromiso y el respecto al público les ha llevado por múltiples escenarios durante este tiempo. Nada es una buena prueba de ello.
Adolfo Simón
CHOY KA FAI – SoftMachine: Surjit & Rianto en los Teatros del Canal
El creador de Singapur Choy Ka Fai reivindica con este proyecto a los artistas asiáticos contemporáneos. Se conoce a Surjit Nongmeikapam como uno de los pioneros de la danza contemporánea en la India. Su ecléctica formación en danzas tradicionales indias y artes marciales han configurado un lenguaje único y personal. Rianto, por su parte, es un virtuoso bailarín de la ciudad indonesia de Banyumas, que se especializa en lengger, una danza tradicional erótica centrada en el género. En su baile aparece no solamente ataviado como mujer sino que su proceso de transformación es orgánico, visceral y total. Un espectáculo que pasa por el documento teórico para llevarnos a la exposición dancística de dos miradas peculiares y auténticas sobre la tradición de sus culturas.
Adolfo Simón
Tres sombreros de copa en el Teatro María Guerrero
Cuando tengo la suerte de volver a ver un Mihura, un Tono o un Jardiel en escena, me doy cuenta de varias cosas…De la riqueza de autores de estilo personal que tenemos, muy adelantados a su tiempo en aquella España negra y que no son lo suficientemente valorados hoy en día. Y, también me pregunto dónde está ese tipo de autor en la actualidad…El humor, el ingenio y el disparate que no estaba reñido con la denuncia inteligente, es algo que hoy cuesta encontrar salvo raras excepciones. Si este país no fuese tan cateto culturalmente, miraría, recuperaría, potenciaría y respetaría a tanto autor y obras maravillosas que hay en nuestra historia teatral desde tiempos inmemoriales. Ahora tenemos la ocasión de ver una propuesta que bebe de la estética del tiempo en que se escribió y que salta a lenguajes contemporáneos en todas las formas como está tratada la pieza. El día que fui había mucho público mayor que seguro buscaba esas obras que ya no encuentra fácilmente en la cartelera, habría que conseguir que nuevos públicos vayan y conozcan esa riqueza teatral.
Adolfo Simón
El desguace de las musas de La Zaranda en el Teatro Español
Vuelve de nuevo La Zaranda a pasear sus monstruos y pesadillas por nuestros escenarios. Pocas compañías se distinguen con solo leer el título o ver alguna imagen de cada propuesta. En esta ocasión, la mordaz visión de esta compañía, con su estética catártica, mira a la memoria de los viejos artistas de cabarets de mala muerte. Allí, desvelan los miedos y ambiciones inútiles de los personajes que crearon un mundo de ensoñación y pesadilla para tiempos turbulentos del pasado y de ¿hoy?.
Adolfo Simón
Correspondencia personal de Lorca en el Teatro Lara
Lorca es inagotable, se puede convertir en teatro o poesía hasta sus silencios. Ahora, llega al escenario del Teatro Lara una propuesta de Histrión Teatro dirigida por Juan Carlos Rubio donde descubrimos su visión íntima de la vida y el teatro. La propuesta es muy sencilla a la vez de mágica. Los dos actores juegan a convertirse en el poeta y sus fantasmagorías mientras extraen misivas escritas al viento. Y en la sala pequeña… Besarte, mimarte, follarte…una pieza de Ramón Paso en la que se nos muestra a la generación joven de estos tiempo confusos, llenos de delirio y desesperación vital.
Adolfo Simón
Lear (desaparecer) en los Teatros del Canal
Carlos Tuñón, junto a Gon Ramos, propone una reflexión sobre el diálogo intergeneracional y sus complejidades y para ello ponen en marcha un dispositivo escénico en el que la frontera entre la ficción y la realidad se diluye. Por momentos ubicamos el drama ficcional pero en otras ocasiones, la participación activa del respetable construye planos donde se dan la mano la trama shakespeariana con las circunstancias de los asistentes. Un juego de teatro inmersivo que tan de actualidad está en nuestros escenarios y que convierte al público en protagonista de las historias. Hasta el final, se invita a los asistentes a bajar el telón imaginario.
Adolfo Simón
Grieg y Sibelius, dramaturgos en la Fundación Juan March
La música de los países nórdicos está indefectiblemente unida a los nombres de Edvard Grieg y Jean Sibelius. En la forja de un arte nacional, ambos compositores colaboraron con importantes dramaturgos, pero en su catálogo también reservaron espacio para géneros infrecuentes como el melodrama. Durante años, Grieg estuvo trabajando en su melodrama Bergliot sobre un texto del Nobel noruego Bjørnstjerne Bjørnson, que a su vez se basa en las sagas nórdicas. Mientras que el finlandés Sibelius compuso diversos melodramas de reducidas dimensiones, todos ellos con textos originales en sueco. Este corpus tan desconocido transita entre la inspiración en la mitología nórdica y la evocación simbolista que equipara el paisaje escandinavo con el estado anímico del protagonista.
Con la puesta en escena de estos cinco melodramas, este formato dedicado a este género prácticamente desconocido tanto en teatros como en salas de conciertos alcanza su cuarta edición. Y resulta un lujo y experiencia sensorial asistir a un concierto teatralizado donde la música, la interpretación y el espacio simbólico adquiere dimensiones mágicas que nos transportan a parajes de ensoñación. Durante una hora y pico, nos sumergimos en un sueño exquisito del que cuesta despertar al final.
Adolfo Simón
Una noche con Forsythe con la COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA en los Teatros del Canal
Sigue vivo ese legado de William Forsythe (Nueva York, 1949) construido durante los 20 años que permaneció al frente del Frankfurt Ballet, en las grandes compañías de ballet del mundo, que casi de manera inequívoca mantienen vivas sus obras de este período. No es excepción la Compañía Nacional de Danza. José Carlos Martínez, director del ente público, organiza ahora su segunda gala Forsythe con un trío de piezas emblemáticas que permitirán entender la fascinación que su trabajo produce. Además el triptico es excelente en su variedad y composición. A una primera parte donde el virtuosismo de los bailarines se pudo disfrutar gracias a la aparente composición clásica en The Vertiginous Thrill of Exactutude, aunque siempre juega con lo formal y la ruptura de la misma. Le siguió una obra, Artifact Suite en la que planos de figuras componen y descomponen paisajes de una sincronía apabullante. Y en la segunda parte, la enigmática coreografía: Enemy in the Figure. Un magistral y complejo trabajo donde lo contemporáneo y lo clásico se dan la mano para crear un universo nuevo poético donde, como en las anteriores, se descubre el buen estado del elenco de nuestros bailarines y bailarinas. Excelente programa.
Adolfo Simón
El coronel no tiene quién le escriba en el Teatro Infanta Isabel
La tragedia del viejo coronel es el reflejo de la injusticia en el mundo. Su capacidad de resistencia ante las adversidades que le presenta el destino es infinita, guiado por una rebeldía tan sólida como su esperanza y su fe en el ser humano. Nos encontramos ante una puesta en escena sencilla, basada en el relato y el trabajo de los actores, centrada la acción en Imanol Arias que compone un personaje a medio camino entre la decadencia y la lucidez.
Adolfo Simón
Jesus Christ Superstar en EDP Gran Vía
Tras un increíble éxito de público y crítica en su gira internacional, vuelve a Madrid este año 2019, el musical Jesus Christ Superstar dirigido por Massimo Romeo Piparo, con música de Andrew Lloyd Webber y letras de Tim Rice. El espectáculo cuenta con la interpretación del impresionante actor Ted Neeley en el papel de Jesús, el inolvidable protagonista de la película de Norman Jewison de 1973. De la mano de la productora LETSGO en colaboración con Show Bees, la obra maestra que ha triunfado en el West End de Londres y en Broadway se representará en el Teatro EDP Gran Vía desde el 22 de mayo de 2019. Esta ópera rock del reconocido compositor Andrew Lloyd Webber será representada en su idioma original, en inglés con subtítulos. La trama del show está inspirada en la historia bíblica, pero tiene marcadas diferencias con la interpretación cristiana. Con Jesus Christ Superstar, Tim Rice cuenta la leyenda de Cristo de una manera completamente única. Pero no es solo su guión el que es sólido como una roca. Con su música, Andrew Lloyd Webber ha hecho una contribución formidable al éxito del espectáculo. La variedad de bloques musicales que utiliza es extensa. En la música de Jesus Christ Superstar, las partes sinfónicas se combinan con blues, folk y pasajes del evangelio, mientras que los himnos se intensifican mediante efectos de sonido electrónicos. Esta mezcla acústica corre paralela al libreto, en el que el pasado y el presente se entrelazan. El compositor, cantante y actor Ted Neeley ha interpretado el papel de Jesús durante más de treinta años. La razón por la que Ted Neeley sigue desempeñando el papel de Jesús en esta versión de Jesucristo Superstar es el resultado de un anhelado y prolongado deseo del director italiano Massimo Romeo Piparo. Piparo quería celebrar el 20 aniversario de la ópera rock Jesus Christ Superstar de una manera única.
El espectáculo que llega ahora al Teatro EDP Gran Vía considerado de esta forma una de las obras musicales dramáticas más importantes del siglo XX. Tras casi 23 años de éxito, Jesus Christ Superstar continúa de actualidad conquistando al público de todas las edades gracias a varios factores: la gran obra artística de Massimo Romeo Piparo y su equipo y la fuerza impulsora de una historia universal, con valores positivos y sentimientos fuertes, en la que la música se convierte en protagonista.
Luis Mª García Grande
A mí lado de Ultramarinos de Lucas en Rompiendo el cascarón
A mi lado cuenta la aventura de una mujer y un hombre que habitan un pequeño mundo de color blanco, un lienzo por pintar. Ambos se conocerán a través del juego y viajarán, movidos por la curiosidad, para finalmente encontrarse el uno al otro. Como si de dos colores primarios se tratase, los do personajes van trazando lineas y creando formas sutilmente ante los ojos de los pequeños, una experiencia que construyen también los asistentes al finalizar la pieza.
Adolfo Simón
Fictionality Shows en Microteatro x dinero
Alba recibe una llamada de su Fictionality Show favorito. «Sra. García, su hija ha sido secuestrada. Tiene exactamente sesenta minutos para encontrarla». Sigue la moda de introducir en el teatro experiencias «escape» con tintes de televisión agresiva. Hoy en día, mirar la televisión es como vivir una experiencia moral al límite, ahí se nos ve realmente como podemos ser en la intimidad, algo de esto nos proponen en esta pieza…responder a una serie de preguntas que, al no tener tiempo para pensar, hay que reaccionar de forma instintiva. Teatro de adrenalina máxima.
Adolfo Simón
CORPS NOIR de Stéphane Gladyszewski en Naves Matadero
Interesado en el cuerpo, las imágenes y la luz, Stéphane Gladyszewski trabajó como fotógrafo antes de licenciarse en Bellas Artes en la Universidad de Quebec en Montreal (UQAM) y en la Concordia University. Atraído por el movimiento, se inició en el baile a través de la improvisación. En Corps Noir, Gladyszewski elige convertirse en el medio del mensaje, exponer su yo interior y producir un autorretrato basado en la complejidad de su identidad y las construcciones fantasmagóricas de la psique. De este modo, asistimos a una sesión entre la construcción escénica de las turbulencias de la mente del performer y la instalación de objetos que desvelan el viaje creativo del personaje entre su vida diaria y el escenario.
Adolfo Simón
ESTADO VEGETAL en el TEATRO ESPAÑOL
Estado vegetal ronda incansablemente alrededor de un diálogo imposible, el de los seres humanos y las plantas. Un diálogo fallido con la naturaleza que es, quizás, nuestro monólogo más innato. Una pieza que nos hace reflexionar sobre qué somos y qué hacemos con el mundo que habitamos, en estos tiempos en los que la naturaleza se está revelando contra nuestros abusos. Juego escénico y desdoblamiento interpretativo.
Adolfo Simón
Sopro de TIAGO RODRIGUES | TEATRO D. MARIA II en los Teatros del Canal
Pieza que pretende preservar el patrimonio inmaterial que atesoran los oficios que el teatro ha jubilado. El arte de la escena es el más efímero de todos, cada noche nace y se evapora. Y dentro de este rito maravilloso, hay personajes que realizan tareas imprescindibles y que, o están entre cajas o en la penumbra…las taquilleras, los regidores, los técnicos y, como no, los apuntadores, son igual de magos que los actores, autores o directores, pero no están bajo los focos. Sopro es un homenaje a estos seres imprescindibles y lo hace desde un juego de susurros y espejos con el que nos involucran en un rito sencillo y emocionante. Una pieza que habla del tiempo, de la inutilidad, de la poesía y la magia de un arte que no morirá nunca, por mucho que se transforme. Imprescindible trabajo para todos los que amamos el teatro.
Adolfo Simón
Dead Hamlet en el Teatro Alfil
Dead Hamlet de Sennsa Teatro laboratorio (International Physical Theatre Research Company) es una versión libre de Hamlet para teatro físico y danza que se inspira en el clásico. Aquí, todos los personajes parece que vuelven del más allá para narrar la historia de esta tragedia donde el poder y el deseo es el motor de la trama. Una propuesta ágil, basada en el teatro gestual que cada vez tiene más adeptos.
Adolfo Simón
Capriccio en el Teatro Real
La nueva producción de Capriccio de Richard Strauss supone también el estreno en el Teatro Real de la última ópera del compositor bávaro, con una puesta en escena del celebrado Christof Loy y dirección musical del experto straussiano Asher Fisch. Capriccio es la respuesta de Strauss a la pregunta que persigue a la ópera como forma de arte desde su nacimiento: ¿Debe pesar más la música o la palabra?. Del compositor de desgarradoras tragedias como Salomé o Elektra sorprende descubrir una exquisita comedia que sintetiza todo su lenguaje musical en un ejercicio de brillantes armonías y texturas. A la medida del libreto, la pieza se convierte en una obra de teatro musicalizada, íntima y mágica, gracias a la cual transitamos por varios tiempos para debatir sobre qué tipo de mezcla ha de resultar de drama y música. Diálogos y exposición de diferentes perspectivas sobre la creación escénica se desarrollan en un mundo actual que bebe del clasicismo. Música y drama, una combinación exquisita.
Adolfo Simón
El deseo como lenguaje
¿Qué hay que hacer en un escenario?…¿Para que subir el telón de la oscuridad?…¿Qué diálogo hay que establecer con el patio de butacas?…¿El teatro es un lugar para los sueños?¿Para cumplir deseos?…Solo el cuerpo tiene respuestas a estas preguntas, el cuerpo y la materia. Gonzalo Simón ha lanzado una idea al aire y para respirarla ha convocado a cuatro diosas de la escena, cuatro fantásticas mujeres con códigos diferentes… Mónica Runde, Elisa Sanz, Beatríz Francos e Inés Narváez. De nuevo una propuesta con sentido en Surge, un espacio para construir imágenes, lenguaje…poética…a partir de ideas, universos y deseos diferentes. Podría haber resultado un cocktail indigesto y sin embargo, nos hacen transitar por ensoñaciones y poemas surreales. Una pieza viva y en constante evolución…Que interesante sería ver lo que ocurre en la función 100.
Adolfo Simón
COMUNIDAD3S en el CDN
Comunidad3s es una propuesta que aúna todos los lenguajes de teatro inmersivo y participativo que tan de actualidad están hoy en día. Si metemos en una batidora un poco de propuesta escape más unos toques de teatro virtual y una pizca de aportaciones biograficas de los asistentes, se genera una partida por relevos en la que grupos formados en la nube, ante la huida de la difunta Tierra a un nuevo planeta, tendrán que comunicarse y realizar tareas para sobrevivir y no ser expulsados del ¿paraíso?…Esa mecánica parece que ha sido el eje del proceso de esta propuesta que ubica al espectador en el luhar de protagonista y deja la catársis desde la escena instalada en la pantalla de un móvil. Por suerte, al final, se recupera el rito, esencial para la evolución del ser humano.
Adolfo Simón
«La gloria de mi mare» por Choni Cía. Flamenca en Fernán Gómez
La figura de la madre siempre ha estado muy presente en la cultura del café cantante, la copla y el flamenqueo… Todo se mezcla en este montaje: el teatro de variedades, el humor, el cante y baile flamenco, la copla, la improvisación y un espíritu algo travesti encarnado en esa madre de la bailaora que va de café en café intentando despuntar.
La propuesta escénica está muy cuidada, con una escenografía básica pero muy sugerente que nos traslada a esos camerinos imposibles de pueblos españoles en los que no sabes qué es lo que te vas a encontrar, nos muestra ese mundo oscuro de empresarios y artisteo pero dado la vuelta con gracia y con una visión positiva de ver la vida. La dirección ha apostado por un toque algo esperpéntico en la figura de los personajes, sobre todo de la madre interpretada por Juanjo Macías, para alcanzar ese gracejo que es necesario para describir situaciones en las que sólo una madre de artista sabe meterte y salir de ellas con gracia y sin vergüenza. El cante y baile elegidos nos trasladan constantemente a esa Andalucía del tablao de madera mediante unas siguiriyas, unas alegrías o una caña o alguna copla lejana que se deja escuchar en un viejo tocadiscos.
Una joya que brilla más si han vivido alguna de esas noches flamencas.
Luis Mª García Grande
Cuerpos a contra luz en Surge
Desde que se inició la presente edición de Surge Madrid he estado transitando por su programación y no siempre me he encontrado con propuestas que conectasen con la filosofía y espíritu de este escaparate. Hoy, por fin, he asistido a dos piezas claramente de riesgo y búsqueda. Mónica Runde e Inés Narváez han llevado por diferentes salas, hoy estaban en el Umbral de la Primavera, su pieza performática La Luz, una instalación en el hall de la sala donde unos tules y el reflejo de luces sobre los cuerpos de las intérpretes generaban una ensoñación donde la arquitectura y la naturaleza se fundían. Y en la Sala Dt, se presentaba la pieza Tocar Con-mover, surgida del laboratorio realizado por Guillermo Weickert con un grupo de profesionales de la danza teatro. Una obra sensorial, llena de imágenes y sensaciones suspendidas donde la piel y el movimiento llenaban la escena de emociones potentes.
Adolfo Simón
Memoria del circo
Desde el Price dedicamos la temporada a estas memorias de circo, para compartirlas, conocerlas y re-conocerlas. Pero, sobre todo, para intervenir en ellas. Mitos de circo, historias familiares, grandes nombres que evocan décadas pasadas. La pista es nuestra hoja en blanco y las compañías invitadas traen las fotos, los lápices, el pegamento, las tijeras, plumas, cuentas, lentejuelas. Esta temporada es un cuaderno que recoge distintos relatos: compañías que crean a partir de investigaciones históricas, sabiendo que su visión es personal, única, pero que está hecha con amor, atención y respeto.
Con estas este texto presenta María Folguera, directora del Price el Festival Circo en Primavera donde se han mostrado propuestas más cercanas al circo teatral que al de grandes atracciones acrobáticas. Por este escenario de recuerdo ha pasado Ramper, Miss Mara y este fin de semana se ha homenajeado a Pinito del Oro. Una obra que hace un recorrido por su vida y obra desde la mirada de otra dimensión, más allá de su famoso trapecio. Y como ocurre en la memoria de los que ya no están, el recorrido vital y artístico está servido entre brumas y nostalgia. Más que una biografía u homenaje, hemos visto una ensoñación sobre el miedo y el riesgo a vivir.
Luis Gª Grande
LE ES FÁCIL FLOTAR en el TEATRO PAVÓN KAMIKAZE
Bob Esponja ha muerto. Su cuerpo ha explotado después de ingerir millones de partículas de plástico, residuos que se han desprendido de una masa flotante de basura, bautizada como el Séptimo Continente, que flota a la deriva por el Océano Pacífico. La noticia de su muerte genera una gran conmoción entre el público infantil. Su creador, Stephen Hillenburg, aún en estado de shock, se plantea si otro futuro es posible. Este es el punto de partida de una pieza sencilla que transita entre la conferencia didáctica y el cabaret trasnochado. Un divertimento que nos hace pensar, con una sonrisa, sobre las catástrofes ambientales que producimos constantemente en nuestra sociedad actual. Y también nos muestran el fin de los mitos de la infancia que, muchas veces, nos deja frágiles ante los sueños perdidos.
Adolfo Simón
Tríptico de estéticas en Surge
Ya hemos atravesado el ecuador de la edición de Surge Madrid de este año. Hoy viernes, el programa era variado en estéticas y formatos. Desde Azarte hubo dos propuestas, una trasversa con la Compañía OVERture con ZONA DE RUIDO en la que nos invitaban a una pequeña excursión por el barrio de Chueca para ver la realidad del momento en paralelo a la grabada en un video que vemos a través del móvil; dos tiempos al tiempo, algo muy propio de nuestra sociedad actual. Y más tarde, dentro de la sala…Guionízame de Tornabucle, una pieza de humor delirante que entronca muy bien con la estética y programación habitual de la sala. Y como cierre del día, una experiencia no convencional en Cuarta Pared, la pieza Tribu del Colectivo Fango en la que se nos muestra sutilmente el despojamiento del ser civilizado en el que vivimos a diario en la sociedad, ese que amordaza la bestia primaria que todos tenemos dormida en nuestro interior: Rito cotidiano frente al rito ancestral.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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