Siglo mío, bestia mía
escrita por Lola Blasco y dirigida por Marta Pazos en el CDN
Cada día que acudo a un teatro, espero que, al levantarse el telón, me hablen desde un lenguaje actual, de temas que me interesen, me inquieten, me interroguen…y me interesa que me sorprendan en la forma en que me lo transmiten. Estos puntos de partida, que debieran ser esenciales, no suele ser lo habitual en la escena española. Normalmente me encuentro con discursos confusos y abstractos…instalados en puestas en escena donde la obra todavía se enreda más. He acudido a Siglo mío, bestia mía esperando de nuevo la posibilidad de un espacio en el que, más allá de reflexionar sobre nuestro tiempo, me atrapasen en el patio de butacas durante un par de horas, olvidando el reloj y el afuera. La obra es un gran poema épico, lleno de metáforas transparentes sobre el ser humano y un tiempo lleno de monstruos que nacen de nosotros y se instalan en nuestro entorno. Y la puesta en escena es poética y conceptual, sin repelerse una de estas líneas con la otra, al revés, se funden creando un universo pictórico no convencional. Todo está inventado pero, a veces, uno se encuentra con una relectura de las ideas que corresponden a la caligrafía de este tiempo.
Adolfo Simón
TOTOLÍN-Entredós en el Teatro REAL
Producción de Títeres Etcétera, con la colaboración de la AAIIC de la Junta de Andalucía, nueva producción en el Teatro Real.
Un músico y un payaso entablan en un circo una amistad llena de peripecias en las que se pondrán narices rojas y tocarán a dúo el saxofón. El espectáculo, que habla de la capacidad de superación y de lucha por hacer realidad nuestros sueños, es un tributo a los payasos augustos como Charlie Rivel, Grock o los Rudi Llata, portadores de un humor ingenuo y profundo a la vez. Con una puesta en escena que combina los lenguajes musical y titiritero, Totolín entraña una tierna historia de dos amigos que apela a la sonrisa. El mundo del clown y los títeres ha evolucionado mucho en las últimas décadas, ya no es un arte menor si no que, en la actualidad, se realizan proyectos donde la documentación, la dramaturgia y la experimentación escénica llevan a resultados que, aunque se enfoquen para público familiar, adquieren un producto final que nada tiene que envidiar a los montajes pensados desde la espectacularidad y para un público habitual de teatro. Totolín contiene elementos muy sugerentes como son la música en directo, el documento audiovisual y la manipulación exquisita de un títere a escala natural.
Adolfo Simón
Metamorphosis Dance en los Teatros del Canal
Elkarrizketa Ilunak (Conversaciones a oscuras)
Una de las señas de identidad del proyecto de Metamorphosis Dance es el desarrollo de un lenguaje coreográfico muy físico, heredero de los grandes coreógrafos del s. XX. Esto se traduce en una búsqueda que ahonda en las posibilidades artísticas brindadas por el uso de una técnica que, partiendo de lo académico, deconstruye la fisicalidad clásica al incorporar elementos contemporáneos actuales. Y es a partir del cuerpo que construyen un universo en el que se crean paisajes cargados de formas que se difuminan y se hacen presentes gracias al movimiento y la luz. Una pieza energética que avanza en ritmo y volúmenes escénicos.
Adolfo Simón
Con lo bien que estábamos en el Teatro Español
Con lo bien que estábamos(Ferretería Estéban) parecería que hace alusión al momento actual pero no, es un juego surreal gracias al cual, dos personajes anodinos, se vean transformados por la experiencia de una obra de teatro que llega a su pequeña ciudad. En realidad es un homenaje a los cómicos de siempre, a esos personajes de carácter que daban vida y consistencia a todas la películas y obras de teatro de un tiempo que parece de otro siglo. A veces hay que recuperar la teatralidad esperpéntica en la que nos vemos reflejados gracias a espejos deformantes. Un delirio musical que nos reconcilia que el teatro de siempre.
Adolfo Simón
La Gaviota en el Teatro de la ABADÍA
La gaviota de Chejov ya es un clásico, no puede faltar en una programación que quiera realizar un periplo por los grandes textos del siglo XX. Tanto en cine como en teatro se han visto muchas versiones y adaptaciones, unas más fieles al texto y otras, lecturas contemporáneas. La propuesta que se presenta en el Teatro de la Abadía es una lectura personal de Álex Rigola que, a pesar de beber del texto original, se centra en las biografías de los intérpretes que ha participado en el proceso de creación. En este caso, como viene siendo en las últimas propuestas del director, la puesta es escena es prácticamente invisible, es la prolongación de lo que sería el entramado escénico de un ensayo y, a partir de ahí, con los intérpretes prácticamente en primera persona biográfica; incluido su aspecto, transitan a caballo entre sus experiencias y lo que les inspira el texto. Nos encontramos pues ante un trabajo meta teatral donde la teatralidad desaparece de la escena para dar paso a un «presente esencial». La obra de Chejov se queda al fondo, difuminada y aparece un relato que conecta con la sociedad de hoy y sus dificultades para «ser» y no «estar».
Adolfo Simón
AS ONE en Matadero Madrid
As One es una pieza sobre el autodescubrimiento y la búsqueda de la verdadera felicidad, presentada a través de la visión de Hannah, un ser humano autocrítico, a veces absorto en sí mismo, divertido, inteligente y que necesita respuestas. Hannah es transgénero, y esta ópera es su propia odisea desde la juventud hasta la edad adulta. Es una historia humana universal y, por ello, solamente deseo que con esta ópera el público aprenda que todos debemos ser fieles a nosotros mismos. La Sala Max Aub de Matadero ha retomado la programación con una ópera de pequeño formato que, además, trata un tema de rabiosa actualidad, la identidad de género. Con un juego de espejos sencillo entre el cantante y la cantante, vamos descubriendo como resulta el descubrimiento de su verdadera identidad en el personaje protagonista y la sociedad de su entorno. La puesta en escena es poética y llena de juegos escénicos donde la realidad se nutre de efectos mágicos.
Adolfo Simón
Annie en los Teatros del CANAL
El clásico infantil por excelencia llega de nuevo a nuestros escenarios para potenciar también la presencia del público menudo de cada casa, era curioso ver a los espectadores pequeños con su mascarilla y cuidando la distancia; a veces, los pequeños nos dan más lecciones de respeto que muchos mayores. Y de nuevo, la magia y las canciones nos han suavizado este tiempo extraño.
Adolfo Simón
Suspensión de Nueveuno en el Teatro Circo Price
«Suspensión» es el resultado de dos años de trabajo de un gran equipo. Las coreografías de malabares han sido entrenadas y revisadas hasta el extremo, la música ha sido compuesta durante la creación, la escenografía evoluciona constantemente, la magia entrenada hasta la saciedad, las grabaciones de padres, hermanos, abuelas y novias rehechas hasta destilar la esencia de la propuesta. Con estas palabras presentan la pieza antes de su inicio y generan unas expectativas que se cumplen con creces durante la función, es más, diría que todos los elementos puestos en juego se retroalimentan y construyen momentos no vistos antes en el circo. Aquí se parte de el arte de los malabares pero también entra la magia en juego y muchos más elementos teatrales que dan un carácter poliédrico a la pieza.
Adolfo Simón
Las cosas en la distancia de Poliana Lima en Conde Duque
Una alegoría poética y minimalista que explora los sentimientos de permanencia y resistencia, indagando en la función de la mujer en la sociedad actual, así como su capacidad de aguante y obstinación frente a las diversas fuerzas que la hostigan. En el patio interior del Conde Duque el público se sitúa alrededor y tras las ventanas de los pisos superiores, desde ahí asistimos a la presencia de un gran grupo de mujeres que, distribuidas a lo largo de la extensión empedrada, generan un paisaje corporal, creando ecos físicos y movimientos que transforman la energía del lugar.
Adolfo Simón
Jekyll & Hyde, El Musical en los TEATROS del CANAL
Este musical fue estrenado en Madrid en el año 2000 con el cantante Raphael como protagonista. La producción estuvo tres años en cartel y gira por España. La misma producción se estrenó en México en el año 2016, durante dos temporadas, con gran éxito de público y críticas. Jekyll & Hyde el Musical, con su estética gótica, se sitúa en la órbita de espectáculos clásicos del género. Ahora vuelve a nuestros escenarios intentando mantener viva la historia del debate que sostiene el mundo entre el bien y el mal. Una producción que aglutina a un grupo de profesionales que se desdoblan en múltiples personajes para recrear la historia de este hombre ambicioso.
Adolfo Simón
Rito y cotidianeidad en el CDN
He vuelto al lugar que más amo, el teatro. De nuevo en ese espacio que te confronta con la realidad y la magia; ahora alterado por la máscara del público y la distancia entre butacas. El Centro Dramático Nacional ha inaugurado su temporada con dos piezas muy distintas que tal vez son muestra del perfil de su programación futura. Por un lado «Noche oscura» en la Sala Nieva, allí asistimos a un viaje al rito y la poesía. Una propuesta física y sensorial que se agradece en estos tiempos perturbadores. En los escenarios empiezan a aparecer obras que se nutren de múltiples lenguajes, atrayendo a un público joven que ha de renovar el patio de butacas de nuestros teatros.
Y en el María Guerrero, la segunda pieza de Carolina África: «Otoño en abril». En esta propuesta, la autora y directora nos sumerge en la intimidad de un núcleo familiar compuesto por mujeres que luchan por que su lugar y destino en el mundo no se vea enturbiado por una sociedad llena de tópicos masculinos. La cotidianeidad se ve alterada por sueños y pesadillas que a veces consiguen la luz al final del túnel.
Adolfo Simón
«Amores que matan» en ALQUIBLA TEATRO VIRTUAL
En Alquibla Teatro se han embarcado en un nuevo proyecto, la creación de un espacio virtual con el que van a desarrollar un programa de acciones teatrales en directo a través de plataformas de servicio de videoconferencias para encuentros virtuales en vivo. El proyecto nace bajo el lema “RUMBO A LO MEJOR”, con el que parafrasean la obra de Samuel Beckett ‘Rumbo a lo peor’, que contiene la máxima beckettiana del ‘Da igual. Prueba otra vez. Fracasa otra vez. Fracasa mejor’.
Y ya que estamos viviendo tiempos donde los barcos de la profesión van a la deriva, no hay mejor noticia que seguir comprobando como los cómicos no se quedan nunca en un rincón; están acostumbrados a viajar a ninguna parte pero nunca a la inacción. «Amores que matan» ha sido la segunda pieza que he disfrutado desde mi casa, ese ha sido el teatro que he elegido aunque podría haber seleccionado un parque o una terraza…si algo podemos encontrar de interesante en estas experiencias online es que el teatro lo llevas contigo a cualquier lugar. La pieza en cuestión, indaga de nuevo en el cruce de lo vivo con lo virtual, consiguiendo que la técnica se ponga a favor para que varios espacios y personajes estén conectados aunque no habiten el mismo «escenario». La pieza es sarcástica, llena de golpes de humor negro que es la mejor medicina en estos tiempos, para salir del encierro mental que habitamos.
Adolfo Simón
La escena Fénix
“La Escena Fénix”
El teatro ha sobrevivido durante milenios a guerras, ideologías, religiones y pandemias y siempre ha resurgido de sus cenizas.
Cuando parecía que estábamos llegando a un lugar donde respirar artísticamente, aparece un nuevo golpe que nos pone a prueba, pero siempre, salimos a flote porque estamos acostumbrados a sobrevivir: El teatro es el gran superviviente en la historia del arte.
Y no podía ser de otro modo en la situación mundial que estamos viviendo. Tras el golpe emocional que nos llegó al principio del encierro, lo primero que apareció fue la generosidad y la espontaneidad de todo el mundo. Cerrar los teatros y otros espacios de ocio fue algo difícil de asimilar; tuvimos la sensación de falta de oxígeno y ante esa situación, los cómicos llenaron las redes con propuestas creativas con las que acompañarnos y entretenernos durante el encierro.
A las múltiples propuestas creadas en casa, haciendo virtud de la dificultad, aparecieron también plataformas online que facilitaban la asistencia desde nuestro salón a espectáculos grabados, que podíamos ver entrando en diferentes enlaces virtuales. El Centro de Documentación de las Artes Escénicas y Musicales fue uno de los espacios más visitado y que mayor oferta propuso a los internautas. Y los centros oficiales escénicos desplegaron iniciativas diversas que voy a tratar de recoger en este artículo.
El Teatro de la Abadía fue uno de los primeros en proponer un catálogo para disfrutar virtualmente bajo el lema: Teatro confinado. Gracias a esta iniciativa entramos en las casas de diferentes artistas, convertidas en escenarios íntimos desde los que nos conmovían, documentaban y entretenían a partes iguales. También desde La Abadía, concretamente desde el área de formación y en colaboración con A.D.E.-Asociación de Directores de Escena y A.A.I.-Asociación de iluminadores, se realizaron una serie de encuentros de libre asistencia en los que dos creadores de diferentes trayectorias dialogaban en cada sesión sobre su forma de entender lo escénico.
Los Teatros del Canal abrieron una sala virtual a la que llamaron La Cuarta Sala. En ella, a través de la plataforma de Youtube, cada día, mostraban una creación de diferentes disciplinas gracias a la colaboración desinteresada de muchos artistas que grabaron y editaron en su domicilio una pequeña pieza de danza, teatro de objetos, música, video creación, etc. Esta sala continúa abierta a día de hoy con una interesante colaboración que se ha creado junto a la Unión de actores y que nos permite disfrutar de textos de autores y autoras, clásicos y contemporáneos, recreados por intérpretes de diferentes trayectorias y registros.
El Centro Dramático Nacional también abrió un espacio virtual: La ventana del CDN, donde se mostraron creaciones, se propiciaron encuentros y generaron diálogos escénicos. Al final de esta experiencia, se realizaron tres sesiones de teatro en los edificios del CDN que se transmitieron en directo y abierto a todo el espectador que quiso conectarse. Estas piezas, recogidas en un tríptico, tuvieron como nombre LA PIRA.
El Teatro de la Zarzuela retransmitió una creación en capítulos rodada en el propio escenario y patio de butacas bajo el título de Zarzuela en abierto o cantar en tiempos de crisis. La Compañía Nacional de Teatro Clásico también abrió un espacio donde se podía disfrutar de entrevistas y piezas creadas por profesionales del verso y jóvenes inquietos que aplicaron nuevas tecnologías a nuestro rico patrimonio del Siglo de Oro.
Las redes sociales fueron un escenario constante donde había encuentros, conferencias y diálogos con casi todas las entidades e instituciones de las artes escénicas… Asociación de iluminadores, Teatro de la Zarzuela, Fernán Gómez Centro de Arte, Teatro Español, AISGE y La Academia de las Artes Escénicas de España facilitaron el acceso a grabaciones y conversaciones en vivo gracias a las que conocimos mejor las distintas propuestas de creación o múltiples formas de abordar los procesos artísticos; en muchas de las ocasiones fueron clases magistrales.
Siempre estuvo flotando la pregunta o la curiosidad de cómo se estaba viviendo la extraña realidad de este tiempo y la inquietud ante un futuro incierto.
Cuando las autoridades permitieron que el público pudiera acudir de nuevo a espacios cerrados. El Teatro del Canal fue uno de los primeros en abrir con una concentrada programación de Madrid en danza a la que era preciso acudir con todo tipo de protección, también se pudo disfrutar vía streaming de los espectáculos. El Teatro Real realizó un gran esfuerzo técnico y sanitario para levantar el telón con una versión de semi escenificación de La Traviata, una experiencia que devolvió el ánimo a artistas y público.
Durante el verano fueron retomando su actividad espacios de pequeño formato como el Teatro Galileo, la Sala DT, el Corral de Cervantes que cambió de ubicación este año… y pese a los repuntes de contagio y gracias a un gran esfuerzo por parte de la organización, Madrid pudo tener una versión reducida de sus Veranos de las Villa que demostró que el teatro es un lugar seguro y sano. Por suerte, otros emblemáticos Festivales también asumieron el compromiso con su público como el Grec de Barcelona, Festival de Almagro, Festival de Mérida, Sagunt a escena, etc.
Conforme fue avanzando el verano aparecieron propuestas de teatro al aire libre como las realizadas en la Puerta del Ángel o el Parque Juan Carlos I. Y en septiembre, a pesar de no tener una situación sanitaria resuelta en nuestro país, pero habiendo comprobado que los cines y los teatros no son lugares de contagio, se han empezado a presentar las programaciones futuras y a subir los telones del Centro Dramático Nacional, Teatro Español, Teatros del Canal, Teatro de la Abadía, Fernán Gómez Centro de Arte, Teatro de la Comedia, Teatro Real, Teatro de la Zarzuela, Teatro Circo Price, Conde Duque y muchas de las salas alternativas y teatros comerciales con propuestas con las que animar al público a acudir sin miedo a disfrutar del arte de Talía.
Muestras como clasicOFF en Nave 73, Miradas al cuerpo XIII en el Teatro Lagrada, V Festival Visible (Arte inclusivo) organizado por la Sala Tarambana con la participación de otros espacios y la VII Muestra SURGE MADRID que en octubre desplegará múltiples creaciones y experiencias escénicas por muchas salas de la ciudad y la comunidad han devuelvo el oxígeno, de alguna forma, a nuestros escenarios.
Y si los artistas han dado muestra de su generosidad e ingenio a pesar de que muchos estaban en situación precaria por el encierro, la suspensión de bolos y actividades durante el verano, sin saber a día de hoy cuándo se resolverá esta situación y esperando que no tenga resultados catastróficos…otros espacios, los balcones de todo el país, se convirtieron en escenarios espontáneos para aplaudir a la sanidad y ofrecer momentos de creatividad con los que aliviar el tiempo detenido.
Desde aquí quiero agradecer a todos los que han aportado su granito de arena, su locura, su juego, su ingenio para hacernos más fácil ese tránsito por el desierto de nuestros hogares. Ojalá esta pesadilla no hubiera ocurrido pero hay que pensar que, de nuevo, el arte ha sido un espacio de encuentro y salud para todos los que estábamos aislados del afuera.
Adolfo Simón
Llévame contigo de Alquibla Teatro online
‘Llévame contigo’ es una historia de soledad, de desamor, de un intenso y agónico dolor sobrellevado entre una derrotada comicidad, unos desgarradores boleros y el alcohol como únicas vías de escape para poder sobrellevar el paso del tiempo y no dejarse arrastrar por la tentación del suicidio. Es una historia que el contexto, determinado por la pandemia del covid19, le confiere una especial dimensión de actualidad, no solo personal, sino social. La crisis sanitaria mundial ha traído muchas cosas terribles y en medio de ese horror, gracias al empeño de muchos artistas, se han buscado fórmulas y propuestas para seguir en la brecha. La Compañía Alquibla Teatro con Antonio Saura al frente, ha realizado un ejercicio de malabarismo teatral al adaptar el texto a los limites de una habitación cerrada, rompiendo las paredes para que, desde la distancia, el espectador virtual se sienta y se siente al lado de la intérprete para vivir sus sensaciones. Un ejercicio meta teatral que no esconde nada, ni cada rincón del lugar, ni cada gesto de la actriz…ni que, en en realidad, estamos ante una ficción que atraviesa la realidad.
Adolfo Simón
El murmullo de las casas, pieza online en el Festival Internacional de Teatro Virtual
La pandemia nos ha traído experimentos virtuales de todo tipo de disciplinas escénicas, ya nada será igual, a partir de ahora convivirán propuestas presenciales con otras online sin ningún problema; más allá de que lo vivo nos haga sentir más intensamente las emociones que nos trasmitan. Lo que deberá seguir desarrollándose y evolucionando es lo virtual, ahí se ha de buscar el lenguaje y técnica apropiada para que no sea solo un producto audiovisual. En el Festival Internacional de Teatro virtual; ya se han creado muestras conjuntas, se ha podido disfrutar de muchas propuestas curiosas, el domingo 30 de agosto se cerró esta edición con una pieza muy sugerente: El murmullo de las casas. La Compañía argentina cuerpoequipaje presentó una propuesta performática de streaming en vivo concebida y realizada en el contexto de aislamiento social preventivo y obligatorio. El trabajo presentó una dramaturgia coreográfica que orquestó la presencia de las siete performers (desde sus casas) con diseños sonoros, visuales y multimedias. En algunos momentos asistimos a una especie de collage donde esas intimidades de encierro construían un paisaje emocional y sensorial muy interesante.
Adolfo Simón
‘InCovidsació en Do Major’ de Sol Picó en el teatro Romano de Sagunt a Escena
Sagunt a Escena, que organiza el Institut Valencià de Cultura, l’Ajuntament de Sagunt y la Diputació de València, inauguró el pasado miércoles las actuaciones previstas en la edición de este año en el teatro Romano, con un espectáculo inédito que se estrenó con carácter absoluto. Se trata de la obra ‘InCovidsació en Do Major’, un espectáculo creado por Sol Picó con Jesús Salvador ‘Chapi’. Después de la sinergia que se estableció en su último trabajo, la producción del IVC ‘Animal de séquia’, la bailarina Sol Picó y Jesús Salvador ‘Chapi’ se han unido de nuevo para crear ‘InCovidsació en Do Major’ un espectáculo de danza en el que la improvisación, la repetición, el minimalismo y el concepto vírico de la situación actual, así como la ternura hacia nuestros mayores, el reencuentro con nuestros seres más queridos y el deseo de normalizar de alguna manera las relaciones sociales rinden un homenaje a la sociedad en general. Además, el espectáculo contó con la colaboración especial de Carles Dénia. Sol Picó se dirigió al público asistente antes de empezar el espectáculo para invitarnos a ir a los teatros, con mascarilla, con distancia…a seguir con el rito que nos reconfortará tras este tiempo incierto. Cuando se hizo el oscuro, la puerta principal del teatro se abrió al compás de la excelente banda que acompañó en directo la función, y como si esa puerta fuera la del tiempo y el futuro, fueron apareciendo cuerpos que desgranaron coreografías llenas de tensión y dramatismo. En el último tercio del espectáculo, Sol Picó apareció bajo el reflejo de la luna, sumergiéndose en el corpus de este teatro donde la memoria está incrustada en sus piedras. Una noche emocionante porque, aunque el público estaba enmascarado y distante, nos volvimos reunir frente a la danza y la música; el mejor antídoto contra el virus.
Adolfo Simón
Quintanadas online de Los Quintana
Los Quintana tiene una legión de seguidores en varios países, su público espera siempre la presentación en su ciudad, la última vez que los vi fue en el Teatro Calderón de Madrid y volví a disfrutar con sus locuras cabareteras. La pandemia mundial ha bloqueado todas las actividades creativas, montajes y giras. También a Los Quintana les ha afectado esta nueva situación que vivimos en todas partes. Pero, la necesidad de estar cerca de sus fans y seguir dando lo mejor a través del humor; tan necesario en este momento. Se han adaptado a este nuevo escenario que es el virtual y con algunos de sus clásicos números más nuevas creaciones se han asomado a la ventana del streming. Quintanadas es un loco culebrón donde los personajes transitan entre el delirio y sus deseos. La estética kitch del grupo, sus excesos dramáticos y sus versiones musicales absurdas nos deleitaron en su primera incursión online. Hay un filón en este formato para el grupo que, además, estableció contacto con los fans, interactuando durante la pieza.
Adolfo Simón
«Casa con dos puertas, mala es de guardar» en Fiesta Corral de Cervantes de Madrid
Casa con dos puertas, mala es de guardar es una de las comedias de Calderón más famosas, frescas, interesantes, chispeantes y divertidas, un artilugio teatral perfecto, donde la trama se retuerce hasta prefigurar el vodevil, pero manteniendo siempre una versificación clara y accesible, de gran belleza, eficacia y lirismo. Ambientada a principios del siglo pasado, esta versión tiene el acierto de combinar el verso con el ritmo del charlestón. Una versión que cumple la premisa de una tarde fresca en el tórrido verano de Madrid.
Luis García Grande
La Traviata desde My opera player en el Teatro Real
La Traviata se presentó anoche en el Teatro Real desde la plataforma My opera player en el contexto singular que todos estamos viviendo ahora. El director de escena Leo Castaldi ha ideado una versión de concierto semiescenificada, en colaboración con el iluminador Carlos Torrijos y el equipo técnico del Teatro Real, utilizando elementos de atrezzo, vestuario y caracterización procedentes de los fondos del Teatro. La Traviata, ópera en tres actos con música de Giuseppe Verdi (1813-1901) y libreto de Francesco Maria Piave, basado en la novela y obra de teatro La Dame aux camélias (1848 y 1852) de Alejandro Dumas hijo volvió a subir el telón del teatro tras los meses que ha estado cerrado por la pandemia. En el gran coliseo de Madrid estamos acostumbrados a ver propuestas de muy diferente estilo, barrocas a veces y otras muy conceptuales…Si no fuera porque sabemos que este espectáculo está condicionado por el virus que ha alterado nuestra existencia, bien podría ser una elección dramatúrgica ya que, aunque se indica concierto semiescenificado, en realidad, los personajes sienten y se expresan en profundidad, sin contacto eso si; aunque la historia de la enfermedad de Violeta lo justifica de algún modo. Hay algo de paisaje humano, sobre todo desde el coro, que observa la acción como una sociedad que ve pasar la vida y la muerte ante sus ojos. Una ocasión interesante para observar de otro modo el bell canto, sin artificio, lleno de intensidad y emoción…en una jugada del destino sobre un tablero de ajedrez en rojo y negro.
Adolfo Simón
#La pira en el CDN
El Centro Dramático Nacional ha vuelto a los escenarios con la trilogía “LA PIRA”, un streaming catártico sobre la experiencia del confinamiento. A través del tríptico: La conmoción, La distancia y La incertidumbre, pudimos transitar de nuevo por el Teatro María Guerrero y el Valle Inclán virtualmente, como voyeurs, desde casa, como si mirásemos a través de la cerradura de una puerta. Para realizar estas propuestas se ha convocado a un equipo de autoría que ha dado el testigo a un equipo de dirección que, con la complicidad de intérpretes, han construido pasajes donde la realidad se fundía con la ensoñación; el mejor juego para sumergirnos en ese espacio extraño que hemos habitado todo el mundo, encerrados en casa. Conmovidos, distanciados y llenos de incertidumbre hemos acudido a cada una de las citas, esperando reconocernos y redescubrirnos frágiles ante una experiencia que todavía no sabemos qué ha significado ni lo que nos transformará. Así, poco a poco, dejaremos de asistir a los teatros desde casa, aunque sea en directo…para retomar la vida, si el destino nos los permite.
Adolfo Simón
Ciclo V.O. en Dt Espacio Escénico, segundo bloque
Conferencias performáticas…
«Queer Me Up!» por Ricardo Recuero. De la mano de Ricardo Recuero realizamos un recorrido por la historia del arte vinculado al colectivo LGTBI+, desde las primeras manifestaciones como la Copa Warren hasta las últimas y más contemporáneas propuestas artísticas.
«#Autotune 2020 – Pandemic Edition» por Álvaro Prados. “#Autotune” es un viaje a través del cual el poeta se transforma en una estrella pop haciendo que nos preguntemos qué es exactamente eso que conocemos como poesía. Utilizando textos de autoría propia y relacionando ideas de la Teoría Queer con letras de canciones del verano, frases lapidarias de programas de telebasura y personajes marginales catalogados como freaks.
Ambas propuestas tenía carácter didáctico, desde el juego y el divertimento, fue curioso observar como la historia tiene múltiples lecturas y si lo miramos con ojos libres, nos sorprenderá insólitamente.
Piezas poético performáticos
«Crisálida» por La Casa Colorada Producciones. Un viaje a través de la historia personal de Marina y su búsqueda de identidad mediante la transformación, contado por personajes transhumanos, que representan su pasado y futuro, y recorren los diferentes espacios de su cerebro.
«Y ser sólo esa carne débil…» por Estigma. Nos propusieron un pensamiento en acción, un intento de revolución, un viaje por una mente desviada y anormal.
Estas otras dos piezas presentadas en el ciclo, tenían un formato más escénico, más evocador y surreal, pretendiendo que el espectador, vía zoom, se sumergiera en un delirio mental. Crisalida, en particular, nos trasladó a mundos de una plasticidad exquisita.
Adolfo Simón
XIX Ciclo V.O. en Dt Espacio Escénico
Ni la pandemia ha podido con la cita obligada de cada año y ya casi son veinte, con el ciclo V.O. que organiza Dt. Una programación que indaga en los discursos menos convencionales que rara vez se ven en las carteleras habituales. En V.O. tiene prioridad los temas más reivindicativos sobre género y sexualidad…y siempre, desde un tratamiento elaborado y lúdico. Este año son dos semanas y ya, en el ecuador de la muestra, se ha podido comprobar que el zoom es un espacio posible para buscar opciones desde las que se pueda seguir mostrando la rebeldía con respecto a las normas estancas. Y, además, con el tratamiento que han dado a cada propuesta, se ha podido sentir la cercanía con los creadores y hemos podido viajar en sus imaginarios a través de enlaces virtuales. A continuación, unos breves sobre las piezas presentadas y una invitación a participar en las que nos esperan en esta semana…
“Historia Queer del Flamenco” por Fernando López presentó su reciente compendio sobre las figuras “raras” y espacios “marginales” a lo largo de la Historia del Flamenco para abrir un debate sobre cómo la manera según la cual relatamos nuestro pasado determina de manera ineluctable el modo que tenemos de sentir, de percibir y de pensar el presente. Una conferencia muy interesante y seria para poder asimilar la memoria de nuestras raíces populares.
«Lo Kuir en escena», conferencia-charla por L. Arán Narros Redondo y Paula Alegría. En esta propuesta encontramos nociones de teoría kuir muy relacionadas con la teatralidad, como puede ser la archiconocida “performatividad” de lo kuir (Butler: 1990) que hace alusión al aparataje repetitivo y discursivo del género mediante los roles. A través de autoras como Miranda Fricker explicaron, en términos de injusticia hermenéutica el vacío de significantes que nublan la propia experiencia de colectivos oprimidos por los ejes opresivo estructurantes.
«Metodologías carroñeras para cuerpos invertidos», por Colectivo Vacaburra. Una conferencia-Freak en formato desbordado alrededor de la lectura escénica de los cuerpos sexuados. Bastardía disciplinar, investigación desleal ubicada en la mezcla, en la búsqueda de carroña metodológica y en la incoherencia corporal.
«Sexualidades des-generadas», por Gena Baamonde -mullerona-, un charloteo variado alrededor de la práctica escénica sexuada y des-generada que, en los últimos años, se hace eco de los cuestionamientos que ponen en riesgo los rígidos moldes que conforman el binomio de género y el mandato de la heteronormatividad, mostrando sexualidades habitualmente relegadas del discurso escénico, como la sexualidad lesbiana.
«Free Wee Party (La Fiesta del Pipí Libre)- confinada», por La Fabulosa. Esta pieza es una acción reivindicativa, lúdica y festiva, que junto a Free Wee Project propone la eliminación de la división por género binario de los baños públicos a través del arte. 22 artistas han diseñado unos iconos de carácter neutro. La Fabulosa se une a esta reflexión para visibilizar el proyecto y sumar aliados en una acción que incita a la transformación social. Intervenimos los baños para que hacer pipí sea libre e inclusivo, porque hacer pipí, lo hacemos todes.
https://dtespacioescenico.com/temporada-2019-2020/queer-me-up/
Sesiones por zoom, imprescindible enviar correo electrónico a:
reservas@dtespacioescenico.com
para recibir la invitación.
Teatreo ‘Las tres vidas de Cardenio’ en la Casa Museo Lope de Vega
La compañía teatral Lear Producciones propone un viaje alrededor de un personaje que Cervantes y Lope compartieron, el loco Cardenio. La fábula de este personaje, la de un amante abandonado por su amada y traicionado por un amigo, sirvió de inspiración a Cervantes en varios capítulos de su Quijote y está a su vez relacionado con una figura de tinte autobiográfico que Lope desarrolló en La Arcadia. Para completar el juego literario en el que se basa este teatreo, Shakespeare escribió a posteriori una comedia titulada Historia de Cardenio, que profundiza en los conflictos del joven con su amada Lucinda. La coincidencia de un personaje con el mismo nombre que navega en las plumas de varios autores, sirve para plantear una triple duda a la hora de dar el protagonismo al personaje para el amor de una joven y de paso, los cómicos juegan a ser trileros escénicos. Pero lo más importante e interesante de esta apuesta es la posibilidad de volver a ese jardín intimista que hay en la Casa de Lope donde, de nuevo, nos encontramos los «enmascarillados» con los actores sin máscara, en una disposición que juega con todo el espacio y donde somos por momentos, protagonistas de la mentira del teatro que es lo más parecido a la vida.
Adolfo Simón
Renacimiento de La Tristura en los Teatros del CANAL
La Tristura abandona con «Renacimiento» la búsqueda de una teatralidad escénica contemporánea para indagar sobre todos los factores, humanos y técnicos que construyen los cimientos de la escena, ese espacio y tiempo que nunca ve el público, cuando todavía no se ha levantado el telón. En otras ocasiones, creadores inquietos han mostrado lo que ocurre detrás del decorado, en los camerinos o en los despachos donde se decide lo que se lleva a escena. Pocas veces sabemos que pasa cuando llegan los técnicos y construyen la luz, la escenografía o el sonido de la ficción y, sobre todo, nunca sabemos lo que ocurre en sus vidas, en sus aspiraciones o sueños. La pieza es una deconstrucción donde la teatralidad no existe porque se intenta que la vida se cuele entre bastidores.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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