«Tutto brucia» de Motus en Conde Duque
Motus sigue reinterpretando a los clásicos, trayéndolos a la actualidad y ofreciéndonos una pátina nueva y atractiva que sigue hablándonos de los grandes temas del pensamiento. En este caso con una reintrpretación de la «Hécuba» de Eurípides en conexión con los grandes cambios que han sucedido en los últimos tiempos y que nos abocan hacia un final catastrófico. Todo arde es lo que la heroína que se apoya en los débiles, en los muertos, nos transmite, a través de una escenografía postapocalíptica en la que la ceniza-tierra y el fuego son los elementos esenciales para gritar y lamentarse sobre ellos, es lo poco que queda después de un incendio, cenizas y lamentos. Motus sigue creando piezas mágicas, trascendentales, que sumergen al público a través de la música y la interpretación en la vivencia del texto, en su esencia. Imprescindibles.
Luis Mª García
«Benamor» en el Teatro de la Zarzuela
Aunque no es lo mejor que creó Pablo Luna, Benamor fue la opereta que le hizo más famoso allá por el año 1923. Corrían los felices años 20 y el pueblo solo quería diversión, cosas livianas, juerga, exotismo y experimentación con cosas nuevas… Ahora que faltan dos años para que se cumpla el centenario y que parece que se avecinan unos nuevos años 20, Enrique Viana nos propone una muy buena oportunidad de disfrutar de la música de Luna y la historia fantástica y adelantada al futuro de Antonio Paso y Ricardo González del Toro.
El montaje escénico es espectacular y Daniel Bianco no ha escatimado detalle para darle brillantez, no huele a polvo ni a caspa. La calidad de los intérpretes está de acuerdo con el montaje, y los tres personajes que interpreta el propio director Viana sobresalen aportando una frescura propia de este vodevil, en el que se ha cubierto muy bien el intermedio a través de creaciones de personajes, un pastelero y su mujer para no perdérselos, que explican la época pasada e ironizan con la nuestra.
Este montaje es una apuesta ganadora, un win-win Viana-Bianco que se agradece y se celebra.
Luis Mª García
Rousseau, el origen del melodrama en la Fundación Juan March
La Fundación Juan March continua con el formato Melodramas que mira hacia los orígenes del género y recupera dos obras del compositor Georg Anton Benda. Pueden disfrutar también en vídeo de la representación gracias a la labor recopilatoria que está creando una videoteca interesante a través de su página web.
En 1770, Jean-Jacques Rousseau y Horace Coignet estrenaron Pigmalión, el primer melodrama de la historia. En su intento de reproducir los sentimientos humanos de la manera más realista posible, el filósofo y compositor “inventó” este género híbrido que combina acción declamada y composición musical. Muy pronto, la Europa de la Ilustración se rindió ante este experimento escénico, del que Georg Benda llegaría a ser un auténtico especialista. El compositor bohemio, que en 1775 había estrenado su melodrama Ariadna en Naxos, recurriría al texto de Rousseau −adaptado al alemán− para componer su exitoso Pigmalión en 1779. En la quinta edición del formato Melodramas, la Fundación mira hacia los orígenes del género y recupera Pigmalión y Ariadna en Naxos de Benda.
En eta ocasión, de la mano de Carles Alfaro en la dirección artística y con el Piano de Rosa Torres-Pardo, se nos ofrece una versión más contemporánea utilizando un potente diseño de proyecciones que acompañan al espectáculo creado por Amador Artiga y que nos sumerge en un mundo onírico en el que Ernesto Arias y Celia Pérez ponen toda la carne en el asador, demostrando su experiencia con este tipo de textos clásicos y ofreciéndonos un espectáculo depurado, muy cuidado y de gran calidad.
Un género francés que llegó a España un poco más tarde y que renovó nuestra tradición del Siglo de Oro sobre el que es necesario seguir investigando y dando muestras de su inestimable existencia, lo que se agradece a la Fundación.
Luis Mª García Grande.
«Los Asquerosos» en el Teatro Español
Jordi Galcerán y Jaume Buixó han adaptado la novela de Santiago Lorenzo en un montaje teatral que se ha estrenado este jueves 20 de diciembre en el Teatro Español de Madrid y que permanecerá hasta el 24 de enero. Secun de la Rosa y Miguel Rellán protagonizan la obra, cuyo original literario fue una de las grandes obras en castellano de 2018. Toda una apuesta para adaptar una novela al teatro que ha dado una pequeña joya que nadie esperaba y que nadie debería perderse.
En ‘Los asquerosos’ con solo dos personajes enlazados dramatúrgicamente por un teléfono móvil inexistente y una escenografía que recuerda a pequeñas maquetas desplegables, como casitas de muñecas, se habla de encontrar la felicidad a través de las cosas más simples, de la soledad, de la «parquedad gozosa», de la «austeridad fiera», como el autor lo define ¿Hemos aprendido a valorar lo que tenemos y a disfrutar con lo mínimo después de haber visto peligrar nuestro sistema de vida a causa de un virus?
Un texto muy rico en palabras y un reto para memorizar por el actor pero que se despliega con ganas en la interpretación de Secun de la Rosa y Miguel Rellán, creando dos personajes únicos, que se hacen querer a pesar de ser los desplazados de la sociedad, los raros. Lo que menos importa en el texto es la historia, lo que importa es el fondo y la crítica social que contiene y que saben transmitir estos actores con socarronería, esta es la palabra.
Toda una crítica a estos tiempos en los que vivimos confusos y en los que necesitamos una luz que nos guíe y un sitio donde respirar profundamente, sin prisas. Piénsenlo.
Luis Mª García Grande
Siglo mío, bestia mía
escrita por Lola Blasco y dirigida por Marta Pazos en el CDN
Cada día que acudo a un teatro, espero que, al levantarse el telón, me hablen desde un lenguaje actual, de temas que me interesen, me inquieten, me interroguen…y me interesa que me sorprendan en la forma en que me lo transmiten. Estos puntos de partida, que debieran ser esenciales, no suele ser lo habitual en la escena española. Normalmente me encuentro con discursos confusos y abstractos…instalados en puestas en escena donde la obra todavía se enreda más. He acudido a Siglo mío, bestia mía esperando de nuevo la posibilidad de un espacio en el que, más allá de reflexionar sobre nuestro tiempo, me atrapasen en el patio de butacas durante un par de horas, olvidando el reloj y el afuera. La obra es un gran poema épico, lleno de metáforas transparentes sobre el ser humano y un tiempo lleno de monstruos que nacen de nosotros y se instalan en nuestro entorno. Y la puesta en escena es poética y conceptual, sin repelerse una de estas líneas con la otra, al revés, se funden creando un universo pictórico no convencional. Todo está inventado pero, a veces, uno se encuentra con una relectura de las ideas que corresponden a la caligrafía de este tiempo.
Adolfo Simón
«TeaTrAROT» en el Fernán Gómez
Una tirada de tarot mágico al amanecer… un haiku como puente al pensamiento… una micro instalación poético
plástica… un paisaje de teatro de objetos revelador.
Esta es la nueva propuesta de Adolfo Simón que se puede disfrutar estos días de manera gratuita en el Teatro Fernán Gómez de Madrid.
Esta propuesta, a medio camino entre la superstición y el teatro, parte de las preguntas que le surgieron a Simón durante el inicio del confinamiento provocado por la COVID-19 y éste ejerce de mago, conjurador y chamán del espectador. En este encierro, pensando en el futuro incierto que nos esperaba se intentó hacer poética con nuestra inquietud por lo que va a venir… La pieza consiste en una tirada personalizada de Tarot que va a originar una pequeña pieza de teatro de objetos que sugerirá al espectador la explicación de su futuro. Los sentimientos que se provocan al jugar con lo íntimo del espectador, con su pensamiento mediante potentes imágenes surgidas durante la puesta en escena de la tirada, no van a dejar indiferente a nadie. Todo el mundo sale algo «tocado» al haber experimentado sensaciones que le atañen personalmente… esa es la magia del teatro, esa es la poética de la vida, incierta, pero que merece la pena disfrutar a cada minuto.
Junto con la representación, el espectador podrá disfrutar de una exposición-instalación de las 7 tiradas que surgieron durante el confinamiento y que han quedado reflejadas en sendas burbujas que aluden al sentido de nuestra vida.
¿Se lo van a perder? Salgan de su casa para ir al TEATRO. Teatro vivo y siempre en evolución a pesar de las circunstancias. Teatro seguro y cumpliendo todas las normas de seguridad.
Para ir solamente hay que presentarse los días sábado 3, domingo 4, viernes 9, sábado 10 y domingo 11 de octubre entre las 17 (1 espectador cada 20 minutos) y 21.45 en la sala Polivalente del renovado teatro y esperar turno o bien reservar turno en el correo gestiondeaudiencias@teatrofernangomez.es.
Luis Mª García Grande.
Con lo bien que estábamos en el Teatro Español
Con lo bien que estábamos(Ferretería Estéban) parecería que hace alusión al momento actual pero no, es un juego surreal gracias al cual, dos personajes anodinos, se vean transformados por la experiencia de una obra de teatro que llega a su pequeña ciudad. En realidad es un homenaje a los cómicos de siempre, a esos personajes de carácter que daban vida y consistencia a todas la películas y obras de teatro de un tiempo que parece de otro siglo. A veces hay que recuperar la teatralidad esperpéntica en la que nos vemos reflejados gracias a espejos deformantes. Un delirio musical que nos reconcilia que el teatro de siempre.
Adolfo Simón
La Gaviota en el Teatro de la ABADÍA
La gaviota de Chejov ya es un clásico, no puede faltar en una programación que quiera realizar un periplo por los grandes textos del siglo XX. Tanto en cine como en teatro se han visto muchas versiones y adaptaciones, unas más fieles al texto y otras, lecturas contemporáneas. La propuesta que se presenta en el Teatro de la Abadía es una lectura personal de Álex Rigola que, a pesar de beber del texto original, se centra en las biografías de los intérpretes que ha participado en el proceso de creación. En este caso, como viene siendo en las últimas propuestas del director, la puesta es escena es prácticamente invisible, es la prolongación de lo que sería el entramado escénico de un ensayo y, a partir de ahí, con los intérpretes prácticamente en primera persona biográfica; incluido su aspecto, transitan a caballo entre sus experiencias y lo que les inspira el texto. Nos encontramos pues ante un trabajo meta teatral donde la teatralidad desaparece de la escena para dar paso a un «presente esencial». La obra de Chejov se queda al fondo, difuminada y aparece un relato que conecta con la sociedad de hoy y sus dificultades para «ser» y no «estar».
Adolfo Simón
«TEATRAROT» en el FERNÁN GÓMEZ CENTRO de ARTE
Del 2 al 11 de octubre en la Sala Polivalente de este teatro municipal El teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa inaugura sala con Teatrarot, de Adolfo Simón
Adolfo Simón presenta una instalación poético-plástica
Teatrarot nos ofrecerá tarot, objetos y una muestra que nos enseña cómo han sido para
el autor las semanas de confinamiento
Laia Ripoll, directora artística de escena del teatro, inaugura esta sala con un montaje
nada convencional: Teatrarot, de Adolfo Simón. Esta performance nos ofrece un homenaje
a Madrid por los momentos vividos durante el confinamiento. El público, que accederá
de uno en uno a la sala, podrá vivir una experiencia única, ya que el autor e intérprete,
Adolfo Simón, le echará las cartas que el mismo espectador interpretará a través de los
objetos que se le muestren. Sin palabras, todo a través de gestos y objetos con poesía
visual, se traducirá lo que las cartas muestren. El recorrido termina en una visita por
siete instalaciones que nos enseñan lo que las cartas le han contestado al autor durante
sus siete semanas de confinamiento.
Adolfo Simón nos habla de este montaje como de un “diario de confinamiento”. “Es una
propuesta de teatro objetos como eje del diario de confinamiento. Un juego mágico para
iniciar cada una de las jornadas del encierro entre las paredes de mi casa, para volar lejos
con la imaginación. Cuando termine el confinamiento, habré compuesto el mismo
número de páginas de paisajes objetuales como de días de encierro que, podrían
mostrarse en un espacio transitable por el público. Esta propuesta en vivo, a modo de
consulta individual de adivinación, se podrá llevar a cabo en una instalación circular de
aislamiento, donde, en una mesa circular que girará en el sentido de las agujas del reloj,
mostraría al intrépido visitante, su paisaje interior”.
TEATRAROT es una creación de Adolfo Simón con música original de Miguel Ángel Simarro. Se podrá ver los viernes, sábado y domingo del 2 al 11 de octubre de 17 a 22 horas: 1 espectador cada 20 minutos aproximadamente. Entrada gratuita previa reserva en la web del teatro.
https://www.teatrofernangomez.es/actividades/teatrarot
AS ONE en Matadero Madrid
As One es una pieza sobre el autodescubrimiento y la búsqueda de la verdadera felicidad, presentada a través de la visión de Hannah, un ser humano autocrítico, a veces absorto en sí mismo, divertido, inteligente y que necesita respuestas. Hannah es transgénero, y esta ópera es su propia odisea desde la juventud hasta la edad adulta. Es una historia humana universal y, por ello, solamente deseo que con esta ópera el público aprenda que todos debemos ser fieles a nosotros mismos. La Sala Max Aub de Matadero ha retomado la programación con una ópera de pequeño formato que, además, trata un tema de rabiosa actualidad, la identidad de género. Con un juego de espejos sencillo entre el cantante y la cantante, vamos descubriendo como resulta el descubrimiento de su verdadera identidad en el personaje protagonista y la sociedad de su entorno. La puesta en escena es poética y llena de juegos escénicos donde la realidad se nutre de efectos mágicos.
Adolfo Simón
Suspensión de Nueveuno en el Teatro Circo Price
«Suspensión» es el resultado de dos años de trabajo de un gran equipo. Las coreografías de malabares han sido entrenadas y revisadas hasta el extremo, la música ha sido compuesta durante la creación, la escenografía evoluciona constantemente, la magia entrenada hasta la saciedad, las grabaciones de padres, hermanos, abuelas y novias rehechas hasta destilar la esencia de la propuesta. Con estas palabras presentan la pieza antes de su inicio y generan unas expectativas que se cumplen con creces durante la función, es más, diría que todos los elementos puestos en juego se retroalimentan y construyen momentos no vistos antes en el circo. Aquí se parte de el arte de los malabares pero también entra la magia en juego y muchos más elementos teatrales que dan un carácter poliédrico a la pieza.
Adolfo Simón
Rito y cotidianeidad en el CDN
He vuelto al lugar que más amo, el teatro. De nuevo en ese espacio que te confronta con la realidad y la magia; ahora alterado por la máscara del público y la distancia entre butacas. El Centro Dramático Nacional ha inaugurado su temporada con dos piezas muy distintas que tal vez son muestra del perfil de su programación futura. Por un lado «Noche oscura» en la Sala Nieva, allí asistimos a un viaje al rito y la poesía. Una propuesta física y sensorial que se agradece en estos tiempos perturbadores. En los escenarios empiezan a aparecer obras que se nutren de múltiples lenguajes, atrayendo a un público joven que ha de renovar el patio de butacas de nuestros teatros.
Y en el María Guerrero, la segunda pieza de Carolina África: «Otoño en abril». En esta propuesta, la autora y directora nos sumerge en la intimidad de un núcleo familiar compuesto por mujeres que luchan por que su lugar y destino en el mundo no se vea enturbiado por una sociedad llena de tópicos masculinos. La cotidianeidad se ve alterada por sueños y pesadillas que a veces consiguen la luz al final del túnel.
Adolfo Simón
«La geometría del trigo» en el Teatro Galileo
Gracias es esta reposición de la obra de Alberto Conejero podemos volver a disfrutar de un texto muy cuidado, muy pensado y poético al cien por cien. La geometría que forman los campos de trigo cuando se ven al pasar por una carretera, casi perfecta, quedará después espica a espiga desgranada y casi molida por la piedra agrietada de un viejo molino que nos remite a la España rural y que viaja a través de ella, por parcelas. Esta es la pequeña metáfora que se me ocurre al ver cómo se van desgranando las vidas de los personajes ideados por Conejero, de manera sutil, poco a poco moliendo una historia que podría suceder en cualquier pequeña localidad y que viaja de sur a norte de la geografía española y en la que sumerge a los personajes pasando del presente al pasado con sutiles cambios de vestuario, ya que lo importante aquí es lo que no se ve: el pensamiento, la idea, la sociedad y las sensaciones que tratan sobre la soledad y la muerte a través de las vidas vividas en nuestros pequeñas parcelas que forman esos poliedros.
Luis Mª García Grande.
«Traición» vuelve al Teatro Pavón
«Traición» dirigida por Israel Elejalde vuelve al teatro después de casi estrenarse antes de la pandemia. Las más bajas pasiones nos afectan a todos, independientemente de la clase social a la que pertenezcamos, y Pinter nos quiere demostrar cómo con una historia, que comienza en el momento final y va marcha atrás, la traición se ha ido pergeñando creando una obra maestra por su dramaturgia y tiempo . Elejalde, con buen ojo, ha elegido un texto atrayente y se ha inspirado en los años 70 ingleses, ambientándolo con música bien elegida y sustituyendo la figura del camarero por una pianista observadora que introduce un nuevo juego dramático en la obra. La escenografía y vestuario potencian ciertos efectos dramáticos al jugar con el blanco y negro, el gris y el color a medida que la acción cambia y refleja así estados de ánimo, sugiriendo espacios pero no delimitándolos, en parte porque se quiere indeterminar a través del espacio el pensamiento humano, sus caminos y vericuetos para lograr lo fines egoístas que mueven nuestras más bajos deseos.
Luis Mª García Grande
«Amores que matan» en ALQUIBLA TEATRO VIRTUAL
En Alquibla Teatro se han embarcado en un nuevo proyecto, la creación de un espacio virtual con el que van a desarrollar un programa de acciones teatrales en directo a través de plataformas de servicio de videoconferencias para encuentros virtuales en vivo. El proyecto nace bajo el lema “RUMBO A LO MEJOR”, con el que parafrasean la obra de Samuel Beckett ‘Rumbo a lo peor’, que contiene la máxima beckettiana del ‘Da igual. Prueba otra vez. Fracasa otra vez. Fracasa mejor’.
Y ya que estamos viviendo tiempos donde los barcos de la profesión van a la deriva, no hay mejor noticia que seguir comprobando como los cómicos no se quedan nunca en un rincón; están acostumbrados a viajar a ninguna parte pero nunca a la inacción. «Amores que matan» ha sido la segunda pieza que he disfrutado desde mi casa, ese ha sido el teatro que he elegido aunque podría haber seleccionado un parque o una terraza…si algo podemos encontrar de interesante en estas experiencias online es que el teatro lo llevas contigo a cualquier lugar. La pieza en cuestión, indaga de nuevo en el cruce de lo vivo con lo virtual, consiguiendo que la técnica se ponga a favor para que varios espacios y personajes estén conectados aunque no habiten el mismo «escenario». La pieza es sarcástica, llena de golpes de humor negro que es la mejor medicina en estos tiempos, para salir del encierro mental que habitamos.
Adolfo Simón
Llévame contigo de Alquibla Teatro online
‘Llévame contigo’ es una historia de soledad, de desamor, de un intenso y agónico dolor sobrellevado entre una derrotada comicidad, unos desgarradores boleros y el alcohol como únicas vías de escape para poder sobrellevar el paso del tiempo y no dejarse arrastrar por la tentación del suicidio. Es una historia que el contexto, determinado por la pandemia del covid19, le confiere una especial dimensión de actualidad, no solo personal, sino social. La crisis sanitaria mundial ha traído muchas cosas terribles y en medio de ese horror, gracias al empeño de muchos artistas, se han buscado fórmulas y propuestas para seguir en la brecha. La Compañía Alquibla Teatro con Antonio Saura al frente, ha realizado un ejercicio de malabarismo teatral al adaptar el texto a los limites de una habitación cerrada, rompiendo las paredes para que, desde la distancia, el espectador virtual se sienta y se siente al lado de la intérprete para vivir sus sensaciones. Un ejercicio meta teatral que no esconde nada, ni cada rincón del lugar, ni cada gesto de la actriz…ni que, en en realidad, estamos ante una ficción que atraviesa la realidad.
Adolfo Simón
El murmullo de las casas, pieza online en el Festival Internacional de Teatro Virtual
La pandemia nos ha traído experimentos virtuales de todo tipo de disciplinas escénicas, ya nada será igual, a partir de ahora convivirán propuestas presenciales con otras online sin ningún problema; más allá de que lo vivo nos haga sentir más intensamente las emociones que nos trasmitan. Lo que deberá seguir desarrollándose y evolucionando es lo virtual, ahí se ha de buscar el lenguaje y técnica apropiada para que no sea solo un producto audiovisual. En el Festival Internacional de Teatro virtual; ya se han creado muestras conjuntas, se ha podido disfrutar de muchas propuestas curiosas, el domingo 30 de agosto se cerró esta edición con una pieza muy sugerente: El murmullo de las casas. La Compañía argentina cuerpoequipaje presentó una propuesta performática de streaming en vivo concebida y realizada en el contexto de aislamiento social preventivo y obligatorio. El trabajo presentó una dramaturgia coreográfica que orquestó la presencia de las siete performers (desde sus casas) con diseños sonoros, visuales y multimedias. En algunos momentos asistimos a una especie de collage donde esas intimidades de encierro construían un paisaje emocional y sensorial muy interesante.
Adolfo Simón
«Casa con dos puertas, mala es de guardar» en Fiesta Corral de Cervantes de Madrid
Casa con dos puertas, mala es de guardar es una de las comedias de Calderón más famosas, frescas, interesantes, chispeantes y divertidas, un artilugio teatral perfecto, donde la trama se retuerce hasta prefigurar el vodevil, pero manteniendo siempre una versificación clara y accesible, de gran belleza, eficacia y lirismo. Ambientada a principios del siglo pasado, esta versión tiene el acierto de combinar el verso con el ritmo del charlestón. Una versión que cumple la premisa de una tarde fresca en el tórrido verano de Madrid.
Luis García Grande
«Llévame hasta el cielo» en Teatro Galileo
A veces tenemos la sensación de que si no nos lanzamos al abismo no resolveremos los problemas que nos rodean y que nos hacen la vida difícil y Lolita ha decidido lanzarse a producir teatro en estos tiempos tan inciertos. Después, pequeños seres luminosos nos guían para no acabar cayendo en ese agujero… «Llévame hasta el cielo» plantea estos pequeños agujeros negros que nos quieren tragar y de los cuales, a veces nos salvan seres que aparecen por casualidad en nuestras vidas. Hacer una comedia de nuestras pequeñas tragedias no es fácil, producir obras de teatro y mojarse tampoco… pero siempre mejor con amigos como Juan Carlos Rubio o Luis Mottola. Fresca, rápida y divertida, la pieza y la protagonista, para pasar el verano en el patio del Galileo, esta pequeña pieza nos ameniza el verano caluroso y asfixiante de Madrid.
Luis Mª García
#La pira en el CDN
El Centro Dramático Nacional ha vuelto a los escenarios con la trilogía “LA PIRA”, un streaming catártico sobre la experiencia del confinamiento. A través del tríptico: La conmoción, La distancia y La incertidumbre, pudimos transitar de nuevo por el Teatro María Guerrero y el Valle Inclán virtualmente, como voyeurs, desde casa, como si mirásemos a través de la cerradura de una puerta. Para realizar estas propuestas se ha convocado a un equipo de autoría que ha dado el testigo a un equipo de dirección que, con la complicidad de intérpretes, han construido pasajes donde la realidad se fundía con la ensoñación; el mejor juego para sumergirnos en ese espacio extraño que hemos habitado todo el mundo, encerrados en casa. Conmovidos, distanciados y llenos de incertidumbre hemos acudido a cada una de las citas, esperando reconocernos y redescubrirnos frágiles ante una experiencia que todavía no sabemos qué ha significado ni lo que nos transformará. Así, poco a poco, dejaremos de asistir a los teatros desde casa, aunque sea en directo…para retomar la vida, si el destino nos los permite.
Adolfo Simón
Ciclo V.O. en Dt Espacio Escénico, segundo bloque
Conferencias performáticas…
«Queer Me Up!» por Ricardo Recuero. De la mano de Ricardo Recuero realizamos un recorrido por la historia del arte vinculado al colectivo LGTBI+, desde las primeras manifestaciones como la Copa Warren hasta las últimas y más contemporáneas propuestas artísticas.
«#Autotune 2020 – Pandemic Edition» por Álvaro Prados. “#Autotune” es un viaje a través del cual el poeta se transforma en una estrella pop haciendo que nos preguntemos qué es exactamente eso que conocemos como poesía. Utilizando textos de autoría propia y relacionando ideas de la Teoría Queer con letras de canciones del verano, frases lapidarias de programas de telebasura y personajes marginales catalogados como freaks.
Ambas propuestas tenía carácter didáctico, desde el juego y el divertimento, fue curioso observar como la historia tiene múltiples lecturas y si lo miramos con ojos libres, nos sorprenderá insólitamente.
Piezas poético performáticos
«Crisálida» por La Casa Colorada Producciones. Un viaje a través de la historia personal de Marina y su búsqueda de identidad mediante la transformación, contado por personajes transhumanos, que representan su pasado y futuro, y recorren los diferentes espacios de su cerebro.
«Y ser sólo esa carne débil…» por Estigma. Nos propusieron un pensamiento en acción, un intento de revolución, un viaje por una mente desviada y anormal.
Estas otras dos piezas presentadas en el ciclo, tenían un formato más escénico, más evocador y surreal, pretendiendo que el espectador, vía zoom, se sumergiera en un delirio mental. Crisalida, en particular, nos trasladó a mundos de una plasticidad exquisita.
Adolfo Simón
Más creación ONLINE
*CANTAR EN TIEMPOS REVUELTOS-TEATRO DE LA ZARZUELA
*DIARIO DE SUEÑOS en LA QUINTA ESPACIO ABIERTO
*Una clase de ballet a guitarra en el CND
Cápsulas CND: <https://www.youtube.com/watch?v=OAAqyoNmKt8&feature=youtu.be>
*“LA PIRA”, un streaming catártico sobre la experiencia del confinamiento en el CDN
*LA CASA ENCENDIDA…Terraza magnética
https://www.lacasaencendida.es/
Teatreo ‘Las tres vidas de Cardenio’ en la Casa Museo Lope de Vega
La compañía teatral Lear Producciones propone un viaje alrededor de un personaje que Cervantes y Lope compartieron, el loco Cardenio. La fábula de este personaje, la de un amante abandonado por su amada y traicionado por un amigo, sirvió de inspiración a Cervantes en varios capítulos de su Quijote y está a su vez relacionado con una figura de tinte autobiográfico que Lope desarrolló en La Arcadia. Para completar el juego literario en el que se basa este teatreo, Shakespeare escribió a posteriori una comedia titulada Historia de Cardenio, que profundiza en los conflictos del joven con su amada Lucinda. La coincidencia de un personaje con el mismo nombre que navega en las plumas de varios autores, sirve para plantear una triple duda a la hora de dar el protagonismo al personaje para el amor de una joven y de paso, los cómicos juegan a ser trileros escénicos. Pero lo más importante e interesante de esta apuesta es la posibilidad de volver a ese jardín intimista que hay en la Casa de Lope donde, de nuevo, nos encontramos los «enmascarillados» con los actores sin máscara, en una disposición que juega con todo el espacio y donde somos por momentos, protagonistas de la mentira del teatro que es lo más parecido a la vida.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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