CLAUDIA FACI: Yo no tengo miedo a hacer mi trabajo. Me siento responsable de decir y hacer ciertas cosas y no me pesa. Hago lo que hago, por amor.

¿Cómo fueron tus inicios en la danza?¿Cómo fue surgiendo tu personal lenguaje en el escenario?…
Pertenezco a una saga de bailarinas así que me inicié en la danza a la vez que en todo lo demás. Y luego, como en todo lo demás, fui desarrollando mi propio punto de vista. Después de haber pasado gran parte de mi vida subida a un escenario, de haber bailado de muy distintas maneras y de haber participado en todo tipo de producciones tanto de danza como de teatro debo confesarte que tengo serias dudas acerca de la posibilidad de que existe realmente un lenguaje personal. El lenguaje es una convención, es algo que repetimos y copiamos constantemente. En realidad, no hay nada nuevo en lo que yo hago. Es todo una cuestión de foco y de cómo cada cual administra lo que hay pero no creo que estemos inventando lenguajes. Y es precisamente esto lo que me sigue fascinando del teatro y de la danza, que siendo lo mismo, sigue siendo pertinente realizar la ceremonia de ofrecerse a la mirada y a la presencia de los otros. Lo que nos diferencia a unos de otros es lo que perseguimos con nuestro trabajo, lo que nos mueve y lo que queremos que haga, pero eso no es una cuestión de lenguaje.

¿Qué evolución has hecho a lo largo de este tiempo? ¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Durante este tiempo simplemente he vivido. La vida, o parafraseando a Jose Luis Pardo, esa inclinación a la muerte que hace que merezca la pena vivir, es un proceso continuo de transformación y pérdida. Supongo que lo que he hecho en estos años no ha sido tanto ganar como perder, no tanto conquistar como rendirme. No me refiero a tirar la toalla, ni a agachar la cerviz, ni a aceptar imposiciones de ninguna clase, eso jamás, hablo de aceptar asumir cierta responsabilidad. Eso es lo que más ha cambiado a lo largo del tiempo. Por lo demás, creo que no hecho otra cosa que insistir sobre lo mismo, de distintas maneras, desde distintos lugares, pero siempre en la misma búsqueda.

¿Es importante tener colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico? ¿En qué medida participan del proceso de creación?…
Lo importante es sacar adelante el proyecto que una tiene entre manos y trabajar lo más a gusto posible; si para ello conviene más repetir colaboración o encerrarse a trabajar sola o introducir agentes nuevos, es cosa de cada proyecto y de cada individuo.
Hace ya mucho tiempo que Roland Barthes se dio cuenta de que “el autor” había muerto. Esa figura inventada e impuesta por el patriarcado no me sirve para nada. Yo hago la mayor parte de mi trabajo sin nadie alrededor, es más, cuanto más lejos mejor, pero en realidad no puedo decir que trabaje sola porque estoy llena de tanta gente que si tuvieran que hacerse presente todos, entre vivos y muertos no cabrían en ninguna sala. No me creo lo de tener una voz propia, ni siquiera podría asegurar que mi cuerpo es mío. Tampoco tengo ninguna pretensión de propiedad sobre nada de lo que hago. Como todas, soy una acumulación de voces ajenas, de encarnaciones prestadas y de referencias robadas. El proceso de creación es en sí mismo una confluencia de subjetividades que me atraviesan, una superposición de cuerpos, una mezcla de espacios. Por tanto, para mí, un proceso de creación, aunque transcurra sin cruzarse con ser humano alguno, solo es posible como colaboración, como proceso de disolución en el que desaparezco por completo como sujeto individual y mis límites se vuelven difusos.

Impartes cursos habitualmente…¿Cómo enfocas el trabajo en ellos…? ¿Cuáles son los objetivos?
Para empezar procuro que los asistentes entiendan que aquello no va de una que dice cómo se hacen las cosas y los demás obedecen sino de trabajar juntos para descubrir algo que nunca sabemos de antemano qué será, solo sabemos que lo que nos une es el interés por todo lo que tiene que ver con la creación escénica. A partir de ahí, lo que pase dependerá de las necesidades concretas de las personas que formen el grupo. Yo no tengo nada que enseñar a nadie, lo que tengo es una experiencia que compartir y lo hago con sumo placer. En cada caso trato de encontrar la manera que más le aproveche al interlocutor pero siempre hay un espíritu común; algo que tiene que ver con desterritorializar, con abolir fronteras y sobre todo con ampliar el punto de vista sobre el hecho escénico.

¿Cómo ves el panorama de la danza en nuestro país?¿Qué colectivos te interesan?…
¿El panorama de la danza? ¿Existe tal cosa? Puedo decirte que si miro a los artistas se me llena el corazón de amor y entusiasmo, si miro a los agentes del Régimen (ministros, programadores, directores artísticos, directores generales, consejeros, concejales) se me encoge tanto que me invade la náusea.
Me interesan particularmente los colectivos de jóvenes que han recibido inputs bien diferentes a los míos. Gente que al crecer en un mundo que se tambaleaba y en el que a nadie le importaba un carajo lo que viniera detrás han tenido que buscarse la vida no solo para hallar respuestas sino – y sobre todo- para encontrar las preguntas. Personas que han llegado a interesarse por lo escénico no como oficio o profesión -o no sólo- sino como parte de un proceso de subjetivación.

¿Qué temas o propuestas te seducen a la hora de poner en pie un proyecto?…
Persigo lo que desconozco, lo invisible, lo que en primera instancia parece imposible. Dependiendo de la ocasión, le pongo un nombre u otro pero a estas alturas la dirección está bastante clara.

Háblanos del proyecto que presentas en el Festival de Otoño a Primavera.
Por todo lo que he venido respondiendo hasta aquí creo que conviene aclarar es que lo que presento no es un espectáculo de danza. Yo no tengo ningún interés en establecer la diferencia entre disciplinas porque lo que hago no responde a ninguna pero en este caso, digamos que la pieza dialoga con el teatro. En concreto con el repertorio universal. Se trata de una propuesta basada en los Acreedores de Strindberg en cuyo título he introducido un guión (A-creedores) para no llamar a engaño haciendo creer a nadie que va a ver representado el texto del autor sueco tal cual, a la manera tradicional. Ese guión que desvía el sentido de la palabra también desvía el curso de la obra. Y cuando nos desviamos solemos acabar en un lugar distinto al previsto. A-creedores es un intento de plantarle cara al repertorio. El repertorio es esa instancia característica del patriarcado que designa las obras que deben formar parte del relato oficial de la historia. El repertorio pertenece al mundo de los hombres y de las pollas y August Strindberg es una de las figuras que más me interesan de ese mundo. El reto principal que me ha planteado este intento ha sido encontrar la manera de plantarme frente a la autoridad patriarcal y decirle: “tus preguntas no son las mías, no te atrevas a intentar secuestrarme en tu subjetividad, tus malentendidos son tu tumba y te has metido en ella solito así que tú verás cómo sales… Mientras haces tus cosas yo te espero en la fiesta. ”
No quiero des-velar nada más porque adoro los secretos y porque lo que propongo es una experiencia estética; algo que no se puede apresar ni aprehender ni comprender a través de las palabras. Solo diré que si estamos hablando de esto es porque Fernanda Orazi, Pablo Messiez y yo queríamos hacer algo juntos y la cosa acabó tomando estos derroteros.

¿Cómo está afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a tu trabajo?…
Supongo que los que nunca hemos tenido nada más que nuestra imaginación para inventarnos y nunca contamos con papá estado para llevar a cabo nuestras tareas, lo acusamos de manera diferente que aquellos que dieron por sentado que su lugar en el mundo tenían que facilitárselo las autoridades competentes. Yo nunca he pedido permiso para hacer lo que hago y ni voy a dejar de hacerlo ni pienso participar en los debates estériles que el Régimen nos lanza cual cebos para que acabemos por abandonar la que en verdad es nuestra tarea. La cuestión de la cultura y el arte no tiene tanto que ver con el IVA y con todas esas patrañas con las que se entretienen tanto los medios oficiales.

¿Se pueden plantear propuestas arriesgadas hoy?…
Respondo con una cita: “… yo me pregunto en qué pensará la gente cuando dice que un trabajo es arriesgado. ¿A qué riesgo se refieren?, ¿al de que nunca más te programen en una sala?, ¿al de dormir debajo de un puente? ¿o al de que te de un infarto del subidón? ¿Cual les parecerá más grave?».
Yo no tengo miedo a hacer mi trabajo. Me siento responsable de decir y hacer ciertas cosas y no me pesa. Hago lo que hago, por amor. No me puedo hacer cargo de ansiedades ajenas y menos de aquellas producidas por la sumisión a la subjetividad heteronormativa, patriarcal, burguesa y decadente. Cada una elige de qué es esclava y yo lo soy de otras cosas pero no del miedo. Por otra parte, no concibo la creación sin riesgo. Sería como follar si cuerpo o algo así. Para mi no solo se puede sino que se debe.

¿Qué le pedirías a las Instituciones Culturales para la cultura?…
Que desaparecieran discretamente cuanto antes.

¿Qué espectáculo de danza has visto últimamente que te haya interesado? ¿Por qué?…
Este tipo de preguntas me acojonan porque no me fio de mi memoria y porque odio un poco confundir las cosas con los nombres. Suelto lo primero que me viene a la mente: me ha interesado mucho FLACO-MEN de Israel Galván. Me parece un ejemplo extraordinario de rigor en la creación y de generosidad con las personas que van a verle. Finalmente, el hecho teatral más simple –y al que más atención presto yo- es el encuentro con las personas que llenan un teatro y ahí es donde se juega todo. Israel ha encontrado la manera de hacer de ese encuentro una especie de oportunidad para la revelación, para explorar ciertas experiencias físicas que solo pueden darse en el teatro.

25 de marzo de 2015 | Categorías: COREÓGRAFOS Y BAILARINES, DIRECTORES, ENTREVISTAS | Tags: Acreedores de Strindberg, August Strindberg, Claudia Faci, FERNANDA ORAZI, Festival de Otoño a Primavera, FLACO-MEN de Israel Galván., José Luis Pardo, pablo messiez, Roland Barthes | Deja un comentario