Convocatorias y eventos
*Se convoca la séptima edición del Festival de Teatro ‘Clásicos a la Fresca’, que se celebrará en Madrid (Distrito de Ciudad Lineal) en junio de 2019. La fecha límite para la presentación de propuestas es el 15 de febrero de 2019.
*Hasta el 13 de diciembre está abierto el plazo para el casting que seleccionará a los dos actores y el cantautor o cantautora protagonistas de ‘Mitad del mundo’, premiado texto de Pablo Díaz Morilla que dirigirá Fran Perea para Factoría Echegaray.
*El 15 de diciembre llega la VII edición del festival participativo de los barrios de Bilbao la Vieja, San Francisco y Zabala, con casi 100 actividades gratuitas en todo tipo de espacios.
*Museo de Modelismo Naval-Julio Castelo Matrán en FUNDACIÓN MAPFRE
Huichi Chiu: El teatro es un laboratorio de ideas
-¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Vine a España porque quería ser bailaora de flamenco en 3 años pero me di cuenta enseguida de que eso era pura fantasía. Luego conocí a un joven actor y me recomendó la escuela de teatro de Mar Navarro, me dijo que yo tenía muchas cosas oscuras dentro de mí y que allí podría sacarlas. El primer año se entrenaba sólo el cuerpo y la voz, pero no texto, y como entonces yo casi no hablaba nada de castellano, era un plan perfecto para mí. Hice una entrevista y me aceptaron.
-¿Qué es el teatro para ti?¿Por qué haces teatro?…
Es un laboratorio de ideas, un lugar donde se aprende la importancia del «aquí» y el «ahora», y de la honestidad, la sinceridad con uno mismo, con los compañeros y con el público. Y ser generoso, vivir el momento con plenitud. Además gracias al teatro, y por un tema de nervios claro, voy bastante bien de vientre.
-¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos… ¿Cómo surgió tu proyecto actual?El año 2015 participé en «El señor Ye ama los dragones», que dirigió Luis Luque. Llevo muchos años haciendo teatro pero fue la primera vez que pisé el Teatro Español. Fue una experiencia inolvidable. También he estado dos años con la obra «Carne Viva», de Denise Despeyroux, haciendo de chinoitaliana. Este año hemos hecho una obra colectiva «Iliria», de Juan Ceacero, una versión contemporánea de “Noche de reyes» de Shakespeare. Iremos a Almagro-off en julio. Ahora mismo estoy en la última obra de Kubik Fabrik, «La historia de Usera», de Fernando Sánchez Cabezudo. Conocía a Fernando y su trabajo pero nunca había colaborado con él. Deduzco que me vio actuar en «Iliria», interpretando a la Rusa, la chica marimacho, y me llamó a raíz de eso. Aunque no estoy segura porque en realidad este personaje es un chaval de 16 años y Fernando podía haber llamado a un actor varón, a Alberto Jo Lee, por ejemplo. Pero bueno, yo estoy encantada y me siento muy afortunada. Es una obra llena de magia, ternura y generosidad. Es un homenaje al barrio de Usera y una despedida emotiva porque la sala Kubik va a cerrar sus puertas temporalmente. La obra cuenta con la participación de los vecinos y pone en escena historias reales que pasaron en el barrio. Los actores y los vecinos hemos formado una gran familia. Les echaré mucho de menos.
-¿Cómo fue el proceso de creación de tu trabajo?Cada trabajo tiene su propia metodología. En general, me siento muy cómoda con la expresión corporal y el trabajo sensorial. Lo primero para mí es memorizar bien los textos para poder sentirme libre con ellos. En este punto lo raro es que, cuando me piden que diga algo en chino, mi lengua materna, me resulta muy difícil y poco natural… Me estoy dando cuenta de que en muchas de las obras en las que he participado, mi personaje a menudo está en una posición de observador, como fuera de la vida y los líos de los otros personajes, y luego lo que dice tiene siempre un punto de ironía. Por ejemplo, el texto de mi personaje de esclava en la obra «El banquete», que lo escribió Alberto Conejero. O el de «El señor Ye ama los dragones», escrito por Paco Becerra. Y también este que digo en «Historias de Usera», que fue una suerte de experimento del novelista Alberto Olmos. A través de un blog contaba la historia de un adolescente chino que quería ser vampiro, como su abuelo, pero que de momento trabajaba en la tienda de alimentación de su padre. En parte reflejaba la visión estereotipada de los españoles respecto a la comunidad china pero también aportaba mucha ironía sobre la propia identidad de los chinos. Normalmente no suelen hacer bromas sobre ellos mismos por eso me intriga bastante la reacción de los espectadores chinos…
En la preparación de la obra, como todos los días he tenido que ir a Usera a ensayar, me he fijado bastante en los chavales, cómo hablan, cómo se mueven, qué lugares frecuentan, me he empapado de ese mundillo juvenil chino. En esta obra, el escenario de la sala se ha ampliado a todo el barrio, y sus vecinos y sus historias son los verdaderos protagonistas de la obra.
-¿Proyectos?
Hasta el día 3 de julio estoy con «Historias de Usera»; después tenemos que retomar los ensayos de «Iliria» y prepararnos para Almagro. Además de esto estoy empezando una obra nueva, «Moon River», con la actriz y dramaturga Irma Correa y dirección de Juan Ceacero. La obra habla de los desplazamientos de las personas y los cambios que provocan en sus vidas… tomando en parte como referencia la Odisea. Estrenaremos en octubre, en Luxemburgo.
Carmen Navarro: El teatro es un espacio donde crear realidades donde no las hay…imaginar y hacer imaginar
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Divertidos, ilusionantes…no paraba. Estaba en un grupo
independiente de teatro en Valencia y trabajaba mientras estudiaba en la
Escuela Superior de Arte Dramático y Danza. Hacíamos teatro de calle,
cabaret, teatro “convencional”. También bailaba. Todo era novedoso.
Aunque si soy sincera, mis inicios en el teatro eran las fiestas en casa
con toda la familia. Siempre terminaba disfrazada con ayuda de mi
abuela. Nos encerrábamos las dos en su habitación y abríamos su
“misterioso” armario empotrado, donde siempre encontraba el vestuario
perfecto para imaginar personajes diversos, que luego interpretaba
encima de la mesa para toda la familia.
¿Qué es el teatro para ti?
Es un espacio donde crear realidades donde no las hay…imaginar y
hacer imaginar. Es pura vida.
¿Por qué haces teatro?…
Es una necesidad vital. El aquí y ahora que supone subirse a un
escenario cada día, me hace estar en constante aprendizaje,
sorprendiéndome, divirtiéndome. Me apasiona y hace que me sienta
siempre en riesgo…cada día es distinto. En constante búsqueda.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?
En “DELICIA” de Triana Lorite y dirección de Alverto Velasco. En
“NO HAY MEJOR DEFENSA QUE UN BUEN TINTE” y “LAVAR,
MARCAR Y ENTERRAR”, texto y dirección de Juanma Pina.
“McBIG”, dirección de Jóse Martret. “AGASOJO POSTINERO A
PACA AGUIRRE”, con poemas de Paca Aguirre y texto y dirección de
Rafa Ponce. En “LA VOZ HUMANA” de J.Cocteau dirección de Inés
Piñole y dirección artística de Pedro Berdäyes.
…Háblanos de ellos…
Por orden. Para Delicia me llamaron de un día para otro para hacer
una sustitución “exprés” y ha resultado ser literalmente una “delicia”.
Reparto de lujo con compañer@s que además son amig@s. Volver a
compartir escenario con mi amiga Juana Cordero. Y encontrarme con
Triana Lorite y Alberto Velasco. Me interesa mucho lo que cuenta el
texto. Triana me parece una dramaturga con mucho futuro y con la que
me encantaría seguir trabajando en nuevos proyectos. Es una mujer
inteligentísima y con mucho que contar. Además te la comes de lo linda
que es. Delicia sigue de bolos, después de haber estado varios meses en
el teatro Lara.
Para “No hay mejor defensa que un buen tinte” me llamaron Juanma
Pina y Juan Camblor, responsables y creadores de la productora
MONTGOMERY. No los conocía, pero el texto me gustó desde la
primera lectura. Juanma escribe con un estilo muy surrealista y un
humor que al mismo tiempo y dentro de esa locura, muestra personajes
que son pura realidad. Con ellos he tocado la felicidad. Entrar a ensayar
cada día me hacía sentir que el mundo funcionaba. Y trabajar con Mario
Alberto Díez y Fran Arráez, una maravillosa sorpresa. Tan diferentes y
con los que aprendo cada día. Después Juanma me ofreció compaginar
el personaje de Gaby de “Lavar, Marcar y Enterrar” con Mirian Díaz
Aroca y dije sí sin pensarlo. “No hay mejor defensa” es el spin-off del
personaje que interpreta Mario Alberto en “Lavar…” Teatro en serie. Y
los dos personajes femeninos de ambas obras son completamente
diferentes y apasionantes. Un reto y una oportunidad de oro. Con
Juanma quisiera trabajar en todos sus proyectos, por sus textos, su
manera de dirigir, su forma de ser. Lo adoro.
En McBig fue también una sustitución exprés, pero siempre que me
llama Martret “lo dejo todo”. Imposible decir que no a un hombre que
ha hecho y sigue haciendo teatro de esa calidad con tan pocos recursos y
que ha convertido primero La Casa de la Portera y ahora La Pensión de
las Pulgas junto con Alberto Puraenvidia, en espacios de referencia,
imprescindibles en el panorama teatral actual. Todo el mundo que
conoce a Jóse, sabe que lo quieres desde el primer momento. Solo
estuve un par de meses en la obra, pero fueron intensos y gratificantes.
Y por último La voz humana…uno de los proyectos más personales,
con la compañía “betsyflora” que funda Inés Piñóle, Rosario
Santesmases y Pedro Berdayës. Llevábamos mucho tiempo trabajando
en ella. Inés veía la obra como un monólogo a tres voces. En el camino
pasaron dos actrices que finalmente dejaron el proyecto…y seguíamos
Rosario, Inés y Pedro dirigiendo, y yo. Mucho tiempo de intenso trabajo
interrumpido y vuelto a retomar, hasta que finalmente Inés, además de
dirigir entró como actriz. El resultado ha sido muy satisfactorio. Jóse y
Alberto nos dieron la oportunidad de estrenarla en La pensión de las
pulgas, el escenario soñado para la obra.
Tengo mucha suerte con las personas con las que trabajo y con los
textos y personajes que interpreto.
¿Cómo surgió tu proyecto actual?…
A Delicia llegué a través de Juana Cordero y Coral Bedregal. Juanma
me buscó y a Inés la conozco desde hace muchos años porque ambas
hemos estudiado con el maestro Fernando Piernas y somos amigas.
¿Cómo es el proceso de creación de tu trabajo?…
Mucha lectura de texto con mirada inocente. Análisis y estudio del
mismo y sentido común. Después me pongo en manos del direct@r, a
su servicio, como al servicio del personaje. Con confianza y sin juicio.
¿Proyectos?…
Sigo con NO HAY MEJOR DEFENSA QUE UN BUEN TINTE y
LAVAR MARCAR Y ENTERRAR en el teatro Lara los fines de
semana. Con DELICIA de bolos. Y con “betsyflora” estamos
preparando otro texto del que de momento no puedo hablar, además de
seguir con LA VOZ HUMANA, que esperamos poder reestrenar en
Julio.
Blanca Oteyza: Para mí el teatro es… vida. Es mi historia.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?
Desde el colegio. Siempre me gustaba hacer de narrador en las obras.
Era la que contaba o leía el cuento; y la que estaba más tiempo en escena…
Eso me gustaba.
Luego, pasé a hacer los guiñoles de las clausuras del cole.
Venía muchísima gente y era muy emocionante.
Y fui… «apuntando maneras»
Escuela, aprendizaje, viajes
Y caí en Buenos Aires.
Tuve el privilegio, de estrenar por primera vez como profesional
en el Teatro Cervantes de esa maravillosa ciudad, hasta la bandera .
Con maravillosos compañeros y de la mano del maestro David Amitin.
Y así empezó mi historia
¿Que es el teatro para ti?¿Por qué haces teatro?
Para mí el teatro es … vida. Es mi historia.
Llevo más de 28 o 29 años ligada a el.
Como actriz, productora, autora; desde hace unos años además, dirigiendo el teatro
«El Castillo», y como directora de su escuela de artes, y ahora…
Durante 17 años, junto con Miguel Ángel Solá tuvimos Compañía propia,
y mis dos hijas se han criado en camerinos y teatros.
Siempre he procurado tenerlas conmigo. Incluso estando de gira.
A Través del teatro, han transcurrido momentos muy importantes de mi vida .
Si quiero recordar a algo o a alguien de mi vida , siempre viene unido con :
«tal obra que estaba haciendo»
«en tal momento que estábamos de gira en …»
«cuando estábamos ensayando …»
Qué raro sería vivir sin teatro.
No me lo puedo imaginar
No sería Blanca Oteyza, sería otra persona
Hacer teatro es un reto y riesgo continuo. Son sueños
Es la verdad, el aquí y ahora. No hay trampa ni cartón .
Me emociono cuando hablo de teatro. Y me pasaría horas haciéndolo
A la vez es un juego. Y a la vez es una responsabilidad brutal, dar vida
a un personaje así, «en vivo y en directo » Que depende de ti.
Te vuelves un instrumento
Desnudarte y exponerte
… Lo encuentro valiente
¿En que proyectos has participado durante el último año?…
He terminado de representar junto con Mario Rochman «Pieza Inconclusa»
He seguido ampliando mi escuela de artes
He seguido dando clases
He seguido programando en el teatro «El Castillo»
He buscado y leído proyectos de teatro para interpretar y producir
y he encontrado
He seguido criando a mis dos adolescentes….
¿Como surgió tu proyecto actual?
De la mano de mi amigo Julio Bravo y de su talento
Quedamos a comer bastante a menudo y en uno de esos días, alrededor
de una buena mesa, me propuso dirigir «Addio del Passato»
Yo sabía que la estaba escribiendo, hablábamos de la obra de vez en cuando y siempre le dije que me parecía muy valiente y arriesgado, y a la vez que un proyecto precioso
Cuando me lo propuso me sentí muy, ¡ halagada, muy orgullosa !
Pero no dije enseguida que sí, tardé días y una comida o dos más .
Era mucha responsabilidad y la obra no es fácil ; seis actores, diálogos
llenos de emoción, a la vez poca acción, una versión de la Traviata que es barbara, la «Pensión de la pulgas «, y Julio Bravo estrenando y en boca de todos. Dios mío!!
¡Pues claro que dije que sí, como me iba a negar!
Y así empezó esta andadura de dos amigos, alrededor de una mesa y subidos en un mismo barco.
¿Proyectos?
Sí. Este año me subiré de nuevo al escenario .
Carolina Román: El teatro es el espacio más real y verdadero que conozco.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Yo empece a estudiar en el centro cultural Ricardo Rojas en Buenos Aires. Alli fundamos una pequeña compañía de teatro con la que recorrimos circuitos underground, nos estrenamos en el mítico «Ave Porco». Todos escribíamos, dirgiamos, actuábamos, vestíamos y colocábamos focos y lo que hiciera falta. En este lugar coincidíamos todos, me refiero a cualquiera que tuviese algo que contar , seas quien seas.Ya no hay Ave Porcos, ni Dorados, ni Nave Jungla, ni Morocos.Esta fue una época dorada y excitantemente creativa.
¿Qué es el teatro para ti?¿Por qué haces teatro?…
Es una manera de vivir, de contar historias desde una necesidad, un espacio vital en donde aportar nuestro granito de arena en esta realidad, y digo aportar, porque aquí le ponemos voz a muchas personas que necesitan ser escuchadas. Es el espacio más real y verdadero que conozco. Hago teatro para vivir acorde conmigo misma.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
En el último año estuve de gira con dos montajes míos. En Construcción bajo la dirección de Tristán Ulloa, del que soy autora y actriz junto a Nelson Dante y que tantas alegrías nos dio desde el premio a mejor obra en el Festival Internacional de Huesca, mas las dos nominaciones a los Premios Max de dramaturgia novel y dirección. Llevamos ya casi 4 años entre estreno y giras.Cada vez que la representamos se torna mas actual, es una obra que esperó su tiempo para que sea interesante, al principio nadie la consideraba, porque tratar un tema social como la crisis económica, la inmigración no les parecía atractivo.Si bien es una historia de amor, está contextualizada en Madrid y toda la realidad socioeconómica del momento como telón de fondo. El otro montaje del que también soy autora y actriz es Adentro, dirigida también por Tristán Ulloa.Nuestro éxito en el Maria Guerrero el año pasados propició su gira esta temporada.La suerte de haber tenido la sala llena a diario y unas críticas maravillosas ,hicieron que este año nos vuelvan a reprogramar en la Sala Princesa.Una oportunidad de oro estar otra vez en el Centro Dramático Nacional.Tambien es el segundo año en cartel Luciérnagas, de la que en sus inicios fui autora y directora.Actualmente están de gira con una adaptación de mi texto a cargo de otra directora.En otro campo estuve a cargo de la dirección de actores en la película «Tini el gran cambio de Violeta» próxima a estrenar esta semana,con la que tuve la suerte de trabajar en los míticos estudios Cinecittà. Tener tu propia oficina en la Fabbrica dei Sogni es un sueño cumplido.Acabo de estrenar Río Seguro en el Teatro del Barrio como autora y directora de este montaje, en el que cuento con los actores Jorge Monje, Aixa Villagran y Kike Guaza. Es mi última apuesta, y en este salto al vacío espero encontrar una red, es un momento muy complicado y poner en pie una obra es un acto de amor y de fe.Y por ultimo, esta semana acaba un ciclo llamado «microfusion» en el Microteatro Por Dinero, en el que tuve el gusto de participar en la dirección de un texto «Quiero ser como George Clooney» con los hilarantes Juan Martín Gravina y Roberto lezana.Es una fórmula neoyorquina, en donde un texto va a concurso y luego se elige la directora, a la vez los actores elegidos deben estar en una plataforma y la condición es no haber trabajado con ellos, me parece una muy buena oportunidad para todos y para salir del circuito endogámico.
¿Cómo surgió tu proyecto actual?…¿Cómo el proceso de creación de tu trabajo?…
Yo escribo desde la vomitona, siempre tengo historias que contar.El compromiso que siento es el de contar la misma realidad que todos vemos, pero desde mi propio lente.En eso soy escrupulosa, no me gustan los trabajos sin afinar.El texto es la guía y después viene lo mas interesante, la investigación, prueba y error, y así hasta lograr contar aquello que queríamos y de la manera que necesita ser contado,así es como trabajo.Oyendo la necesidad del montaje, dejando participar a cada uno en su rol.
¿Proyectos?…
Con mi compañía de teatro Adentro, ya estamos urdiendo el siguiente montaje.Tambien este año buscare novio para mi primer largometraje como directora y autora.Me acompañan en este sueño Ana Torrent, Ana Fernandez, Ana Wagener, Tristán Ulloa, Joaquin Climent y Roberto Enriquez entre otros actores.No puedo estar mejor acompañada.No es fácil sacar adelante un proyecto así, y aunque es una fórmula muy austera, todo lleva su tiempo, pero estoy segura de que lo lograremos.
Ángel Burgos: Convertirme en otros me hace mejor persona.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?
…Ohhhhhhhh !! Erase una vez ..jajajajajaj. En Valencia y después de terminar la carrera, en una Compañía de Títeres llamada MAGIA POTAGIA. Escribiamos las obras, construiamos los títeres, decorados,TODO. Varios años llenos de triunfos y muchos viajes por toda España. Ahí descubrí lo maravilloso de salir de gira, la espontaneidad de los críos, la improvisación, actuar al aire libre, la artesanía de este oficio.
¿Qué es el teatro para ti?
Una fabulosa manera de hacer feliz a la gente. Riendo o llorando pero siempre pensando. Vivir con el público la fascinación de soñar despiertos y muchas veces ser mi mejor terapia. Convertirme en otros me hace mejor persona.
¿Por qué haces teatro?…
Mi vocacion hecha realidad. Un día entré a un teatro a ver a ELS JOGLARS. No tenía ni idea de quienes eran. Representaban «ALIAS SERRALLONGA» el impacto fue tan grande que ese dia decidí que quería ser como ellos. Dejé la carrera y me metí EN ARTE DRAMÁTICO. Tenía 18 años y fué La mejor decisión que tomé en mi vida.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Imparable. jajajajajaajja!!!! He pasado del exito televisivo, firmar autógrafos y salir en las revistas a hacer animaciones por las discotecas para salir adelante. Teatros y personajes grandes e importantes y teatros pequeños y personajes grandes con la misma alegría. Siempre con entusiasmo y seguro de mí mismo. Es lo que nos queda.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Lo primero entretener con inteligencia y sentir siempre que el teatro es cultura y no aborregamiento. Hacer teatro para los institutos y colegios y conseguir que las nuevas generaciones de estudiantes se interesen y acudan a las salas.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Varias series de televisión y CLANDESTINA.
¿Cómo surgió tu participación en Clandestina?…Háblanos de este trabajo…¿Cómo ha sido el proceso?…
Cristina Bernal, su protagonista y autora, junto a Nacho Sevilla, su director me propusieron participar en el montaje. Leí la obra y cuando supe que habría canciones, el gran pianista NACHO OJEDA que con 19 años es todo un genio al teclado, textos y coreografías de Luis Santamaría, me entusiasmó. Una pieza que contempla tantas canciones prohibidas en 1928, que hace un recorrido por una época del cuplé que pienso, poca gente conoce, con referencias a personajes de la época, anuncios, lugares, aromas, sabores y clandestinidad, me pareció que era un lujo estar ahí. Y además en LA PENSIÓN DE LAS PULGAS, que es la casa donde vivió La Bella Chelito, osea, La Lady Gaga de entonces, una pionera en el arte del descaro y la picardia. Imagina la emoción de estar representado una fiesta clandestina de entonces, con canciones prohibidas, y muuuucho etc. y además en los salones de La Chelito. Una maravilla!!!. Ten en cuenta que La protagista de CLANDESTINA es La Bernalina, una íntima amiga de LA BELLA CHELITO y le pide prestada La casa y los salones a su amiga para poder hacer una fiesta íntima y muy privada con sus amigos de entonces. Mi personaje es El mayordomo de La Bella Chelito que cuida de todos los asuntos de la casa para que la fiesta sea perfecta.
Fueron unos ensayos inolvidables, escuchando musica de la época, bailando todos los días con Luís, montando las escenas con Nacho Sevilla viendo cine mudo… Despertando los personajes de la casa y recorriendo sus salones y llenándolos de CUPLÉ y canciones picantes y atrevidas.
Tengo que decirte que ya hemos actuado,fuera de Madrid, en teatros y versión a la italiana, con CLANDESTINA para cuatrocientos espectadores y la respuesta del público es impresionante. Con un diseño de luces de JORGE NEBREDA que es un sueño!! llevamos hasta candilejas. jajajajaja. y el público se lo pasa en grande!!!!
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Como voy tanto al teatro, me impregno de todo lo que veo y me nutro de muchos actores. También el cine me inspira y sacar imágenes y guardarlas en mi retina me llevan a otros caminos sugerentes. De cada buen montaje o buena película que veo, siempre saco algo. Ayer ví a Manuel Galiana en el estreno de su última función y aprendí latín en hora y media. Hay tantos maestros en activo …
¿Cómo están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. en tu trabajo?…
Pues un desastre absoluto!!! Los empresarios quieren ganar dinero, los actores queremos ganar dinero y el Gobierno lo que quiere es que trabajemos y llevarse nuestro dinero, pero invertir en el teatro privado como CULTURA, éso ya no les viene bien. Un desastre !!! Que tomen de ejemplo a Francia o Inglaterra y vean cómo cuida y protege el Gobierno a su Teatro y Colectivo!! En este país, al gobierno actual, el teatro ni les gusta ni les interesa. ¿Cuando va alguno de sus políticos a un estreno teatral, o hablan del Teatro? Pues eso…!!
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
De absoluto impacto, LAS CHIRIGÓTICAS con» Juanita Calamidad «en Los Luchana que me pareció una brutalidad. Con Rocío Marín en absoluto estado de gracia. Con toda esa guasa andaluza y un texto y canciones tan ingenioso y salvaje. LA RESPIRACIÓN de Alfredo Sanzol, brillante y llena de amor a la vida. Adoro a este autor. HAMLET en La Comedia: Deslumbrante. «TRES» en el Lara, dirigida por QUINO FALERO; una lección de cómo hacer comedia con tres actrices descomunales. LA MIRADA DEL OTRO en El teatro del Barrio… IMPRESCINDIBLE.
¿Proyectos?…
Estaré en el nuevo espectáculo que MIGUEL DEL ARCO dirigirá en el Teatro de la Zarzuela. Se llama «CÓMO ESTÁ MADRIZ».
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Sí. practicar budismo para ser felices y hacer felices a los demás, mantener el espíritu de lucha y llenarnos de PASIÓN, TENACIDAD Y CONFIANZA.
Miriam Montilla: Me gusta contar historias, meterme en la piel de otras mujeres, intentar entenderlas y ponerles cuerpo y voz
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?… Fueron un poco complicados porque una vez que me instalé en Madrid, yo venía de estudiar Arte Dramático en Córdoba, me costó mucho arrancar. Lo primero que hice fue una función dirigida precisamente por Miguel del Arco «En el Aire» y luego bajo la dirección de Verónica Forqué entré como actriz en La Tentación Vive Arriba. Estos fueron mis arranques Madrileños.
¿Qué es el teatro para ti?¿Por qué haces teatro?… Es lo que siento que se hacer. Yo siempre he sido muy tímida y cuando descubrí el teatro en el instituto supe enseguida que este era el medio para poder expresarme y crear. Me gusta contar historias, meterme en la piel de otras mujeres, intentar entenderlas y ponerles cuerpo y voz.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?… Estoy contenta. Tengo la suerte de haberme sentido muy apoyada por mis seres más cercanos, así que la lucha diaria por quedarte y mantenerte en esta profesión no ha sido muy dura, a veces dan ganas de tirar la toalla. Yo siento que mi carrera ha ido creciendo y madurando, despacio, como yo. Ahora la popularidad parece más importante que la formación, la experiencia y la madurez profesional. Yo pertenezco a una generación de actores y actrices que soñábamos al salir de la escuela con formar parte o tener nuestra propia compañía. Me quedo con el viaje, es lo importante.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…La de contar historias, conmover, remover y emocionar.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?.Háblanos de ellos… En los últimos siete años formé parte de Kamikaze Producciones y participé en los tres montajes de la compañía «La Función por Hacer», «Veraneantes» y «Misántropo» dirigidos por Miguel del Arco. También estuve la temporada pasada en «Amar es para Siempre» de Antena 3, haciendo el personaje de Serafina. Actualmente estoy en La Pensión de las Pulgas con «Pequeño Catálogo sobre el Fanatismo y la Estupidez» dirigido por Ignasi Vidal.
¿Cómo surgió tu participación en “Pequeño catálogo…”?…Háblanos de este trabajo…¿Cómo ha sido el proceso?…Pues me llamó Diego Molero, actor de la función, hablándome del proyecto y ofreciéndome los personajes femeninos. Leí el texto y me gustó mucho la agilidad de la escritura y lo llena que estaba de contenido. Me interesó el tema que Ignasi trata en la función y me pareció un reto hacer esa tres mujeres en un espacio como el de La Pensión de Las Pulgas.
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?… Pues no tengo un método único con el que me maneje. Por ejemplo, trabajar en este espacio te obliga a ser muy delicada en la creación, muy medida, buscar el «menos es más» sin perder el sentido de la teatralidad. Me gusta trabajar en casa rebuscando en el texto, en las palabras, porque son las que me van a dar a conocer a los personajes y así comenzar a respirarlos o intuirlos. Luego empiezo a asignarles a cada uno adjetivos, cualidades: soledad, dureza, vacío, inquietud, rigidez etc, con esto voy buscando su energía, su manera de moverse, su rapidez o torpeza…, en definitiva creando su universo que va a ser el mío. Este trabajo va apareciendo en los ensayos y bajo la mano de Ignasi y de Antonio Cano (ayudante de dirección) hemos ido creando.
¿Cómo están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…Bueno creo que esto es un tema del que se ha hablado muchísimo, la situación se ha endurecido para todos-as. Han desaparecido muchísimas compañías del panorama teatral y hemos dado un paso atrás en derechos laborales. La cultura se está convirtiendo en un lujo. Ante esto, han aparecido nuevos modelos de espacios, como las salas Of, donde se están haciendo cosas muyyy interesantes pero que no te permiten vivir de tu trabajo.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…Mira, no es un espectáculo que haya visto recientemente pero es el que quiero mencionar, «Liberto». Hablo de él por la valentía de las actrices, del texto, por la poesía, belleza y sencillez del espectáculo. Me conmovió y me removió mucho. Estuve días sin poderme desprender de ella.
¿Proyectos?…La próxima dirección de Miguel del Arco en la Zarzuela.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?… Seguir labrando la tierra a pesar de «las inclemencias del tiempo»
GASPAR CAMPUZANO: «Hago teatro porque para mí es una necesidad espiritual»
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
En el 1978. En aquel año, Paco, Juan Sánchez y yo, fundamos la Zaranda en Jerez.
¿Qué es el teatro para ti? ¿Por qué haces teatro?…
Para mí el teatro es una forma de entender la vida. Hago teatro porque para mí es una necesidad espiritual.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
El teatro me ha dado mucho más de lo que yo podía esperar. Hay que entregarse sin concesiones, hay que darlo todo al teatro sin esperar nada a cambio.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
El teatro debe ser el espejo de nuestra sociedad, para poder mirarnos por dentro y aprender de nuestros errores.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?… Háblanos de ellos…
He dirigido un espectáculo a la compañía Jerez Puro de la bailaora María del Mar Moreno, “Soníos Negros”, que clausuró el Festival de Flamenco de Jerez de la Frontera con muy buenas críticas. Este espectáculo rinde tributo a la figura de Manuel Torre, uno de los más legendarios cantaores jondos de todos los tiempos, y cuenta en su elenco con figuras de la talla de Manuel y Antonio Malena, El Tolo, etc.
Además de este proyecto he dirigido dos espectáculos, recientemente estrenados, a la compañía Tras el Trapo Teatro: “Radio Becker” y “El tren Chimeneo”. El primero es una parodia de la España de los años 50 a través de las emisiones radiofónicas de aquella época. “El tren Chimeneo” plantea un viaje por el mundo y los personajes de la escritora Gloria Fuertes. Estoy muy satisfecho con los dos.
¿Cómo surgió tu participación en el espectáculo que está programado en Lagrada?… Háblanos de este trabajo… ¿Cómo ha sido el proceso?…
Ana Oliva y María Duarte, las actrices del espectáculo “Leche y picón”, habían trabajado con Zaranda en “Homenaje a los malditos”. En una ocasión me comentaron que tenían un texto que parecía interesante pero que necesitaban a alguien que les ayudara con la dirección. Fui a los ensayos sin saber qué me iba a encontrar y al final terminé dirigiéndoles el trabajo.
Lo que más me llamó la atención del texto original es que parece que son dos fantasmas los que hablan desde el siglo XIX y lo que se está diciendo tiene tanta vigencia hoy día, que podría leerse en cualquier periódico. Muy poco ha cambiado esta España por mucho que nos intenten convencer de lo contrario.
En el proceso de creación le planteé a Javier Padilla, el encargado de la dramaturgia, que eliminara algunas partes demasiado literarias y se pusiera a escribir en otras en base a las acciones que se estaban desarrollando sobre las tablas. De ese modo la creación fue un proceso orgánico en el que actrices, dramaturgo y director íbamos poco a poco dando forma al trabajo.
¿Cómo creas tus personajes?… ¿Tienes un método?… ¿Cómo enfocas la dirección de escena cuando trabajas fuera de La Zaranda?…
Es una pregunta bastante difícil… Generalmente los personajes de Zaranda se van creando desde el silencio, buscando esa pequeña luz interior que haga que se iluminen. Método no, no tengo. Cada espectáculo es como la vida, viene de una manera diferente en cada ocasión. Es como la vida misma, difícil de explicar.
¿Cómo están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a tu trabajo?…
Bastante mal. Si trabajo llamas al número de funciones; bastante mal, ya que tanto para nosotros como para el resto de las compañías han decrecido de manera alarmante.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado? ¿Por qué?…
“La Máquina Idiota” de Ricardo Bartis. La vimos en Buenos Aires, en su mismo local de ensayos, y fue un impacto en todos los sentidos.
¿Proyectos?…
Actualmente el próximo trabajo con Zaranda.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Perseverar, tener fe.
Roberto Drago: Hago teatro porque me apasiona y me hace sentir vivo.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Mi padre me metió a clases de teatro ya desde que era pequeño en Argentina. Él era dentista de la Asociación Argentina de Actores y también hacía teatro. Al acabar mi formación en la escuela de Cristina Rota me llamaron para formar parte del elenco de «Rosencrantz y Guildenstern han muerto» dirigida por la propia Cristina Rota.
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro forma parte de mi infancia y de toda mi vida. Crecí rodeado de teatreros. Hago teatro porque me apasiona y me hace sentir vivo.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Mi trayectoria ha sido irregular; muchos años de televisión y teatro y luego, con la crisis, muchos proyectos quedaban en el camino o no duraban mucho tiempo. Ahora estoy combinando 3 obras de teatro y doy clases de interpretación. España se ha argentinizado en ese aspecto.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
El teatro debe tener la misma función que ha tenido siempre: concienciar, entretener, reflexionar…
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Pues estoy en la Compañía del Corral de Comedias de Almagro interpretando a Don Juan en «El Burlador de Sevilla». Estoy encantado con ese texto maravilloso y muy arropado por grandes compañeros. También estoy de gira con «El extraño caso de la Marquesa de Vadillo» con la compañía Teatro del Zurdo… Una compañía con la que quería trabajar hace tiempo y con amigos desde hace años. Encantado. También estoy con «El grito del Contrabajo» de Patrick Süskind bajo la dirección de David Lorente. Es una apuesta muy fuerte en la que he involucrado a mucha gente talentosa que tengo alrededor.
¿Cómo surgió tu participación en El Grito del Contrabajo?…
Hace años que estaba buscando un buen monólogo para hacer. Un día recordé que mi hermano (bajista) me había aconsejado que lo leyera cuando éramos adolescentes y me pareció perfecto. Hablé con David Lorente, ya que lo admiro como director y aceptó.
Háblanos de este trabajo…¿Cómo han sido los proceso?…
Lo primero que hicimos es la adaptación, con paciencia y cuidado para mantener la esencia del texto. Unos meses después empezamos a ensayar. Los ensayos han sido muy gratificantes, sin forzar, y explorando a través de ejercicios. Luego se incorporó mi hermano para definir el montaje. En el camino se fueron incorporando Concha Delgado en la ayudantía de dirección y Mirian Reyes en Regiduría.
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
No tengo un método definido, cada proyecto es distinto,pero intento rodearme de gente que me aporta y me ayuda.
¿Cómo crees está afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Es una auténtica barbaridad el 21% de IVA. Es evidente que al gobierno no le interesa que prospere la cultura, pero no van a poder destruir el deseo de los artistas.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Últimamente veo teatro buenísimo! «Othelo» de Gabriel Chamé; «El minuto del payaso», de Teatro del zurdo, «El más querido» de Denise Despeyroux. Hay mucho talento.
¿Proyectos?… En Enero protagonizo un capítulo de «El ministerio del tiempo» en TVE con un personaje precioso. Y seguiré con los tres montajes de teatro.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Creo que en España sobra talento y eso no se puede frenar. Hacer teatro en espacios no-convencionales es una buena alternativa para desarrollar los proyectos.
Nuria Benet: El teatro es el arte en el que el contacto con el público es más directo
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Cuando era adolescente me debatía entre dedicarme a la interpretación o a la música. Shakespeare y el hecho de que en mi casa ya había muchos músicos me hizo inclinarme hacia el teatro. Mi debut profesional se produjo en Londres, donde fui a continuar formándome tras acabar la licenciatura de arte dramático en la RESAD. Al final, estuve formándome y trabajando en el Reino Unido como actriz durante doce años. Regresé cuando Jordi Milán, director de La Cubana, con quien había trabajado en una producción en inglés, me hizo una oferta que no pude rechazar y entré en el elenco de Cómeme el Coco, Negro.
¿Qué es el teatro para ti? ¿Por qué haces teatro?
El teatro es el arte en el que el contacto con el público es más directo. Es un arte, cuya obra está en continuo cambio y evolución, que necesita al espectador para poder alcanzar su forma final y que, dada su naturaleza efímera, sufre la paradoja de que cada momento que vive es momento que muere y esto le confiere una valía añadida.
Al disfrutar de esta íntima relación con la platea el teatro puede ejercer un efecto directo en los espectadores, puede despertar conciencias, movilizar, emocionar y, por qué no, entretener y divertir.
Si a todos esos elementos se le añade el placer que esa comunión entre escenario y auditorio me produce, será fácil comprender por qué he elegido el teatro como modo de vida y, efectivamente, eso es en lo que se convierte: tu vida.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?
He tenido mucha suerte a lo largo de mi carrera. Es cierto que uno solo puede subir al tren de la suerte si está en la estación, preparado y dispuesto para poder cogerlo. Es decir, creo firmemente en la formación, y estoy convencida de que parte de la razón por la que nunca me ha faltado el trabajo es por mi versatilidad; y esa versatilidad, aunque tenga algo de innata, es fundamentalmente resultado de mi afán por educarme y seguir formándome como artista.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?
El teatro, para poder sobrevivir, ha de entretener con productos de calidad que motiven a productores, compañías y púbico por igual a continuar manteniéndolo vivo. Tiene que haber montajes dirigidos a diferentes públicos, pero siempre intentando alcanzar la excelencia, tanto si es un producto meramente comercial, como si es un infantil o una obra más intelectual. No hay que educar al público, ni ser condescendientes con él, hay que movilizarlo, hacerle reír, llorar, pensar, analizar, olvidar, provocar… cualquier emoción es buena, pero ha de producir algún tipo de marca en el espectador para que salga tocado y quiera volver.
¿En qué proyectos has participado durante el último año? Háblanos de ellos
Llevo un par de años de mucho trabajo (¡toca madera!). Dada la precariedad laboral que existe acepto prácticamente todos los proyectos que me ofrecen e interesan; las compañías son conscientes de la situación actual y ofrecen cierta flexibilidad con las fechas, aunque también se está convirtiendo en algo habitual el compartir personajes.
Este último año he participado en: La Ópera del Malandro, de Chico Buarque, estreno absoluto en España del musical brasileño basado en la Ópera de los Tres Peniques de Brecht. Con él gané el Premio Garnacha a la Mejor Actriz de Reparto. Junto a Teatro Defondo, la compañía que produjo este musical, dirigida por Vanessa Martínez y producida por Pablo Huetos, estoy en otros dos montajes: Los Atroces, una creación colectiva basada en el mito de los de Átridas y en El Sueño de una Noche de Verano, una versión familiar del clásico de Shakespeare. También actúo en El Extraño Caso de la Marquesa de Vadillo, dirigida por Luis Crespo y producida por Teatro del Zurdo, compañía en la que también soy asidua y por cuyo montaje, La Ventana de Chygrinskiy, de José Ramón Fernández, obtuve el Premio Arcipreste de Hita a la Mejor Actriz. Además interpreto el papel de Maestra de Ceremonias en NOC, Un Auténtico Vodevil, dirigido por David Quintana, un cabaré original y muy divertido con el que llevamos tres temporadas en la cartelera madrileña. Por último, participo en el montaje celebración del vigésimo aniversario de Teatro del Astillero, dirigido por Luis Miguel González, titulado Los Charlatanes, una sátira de humor negro sobre el panorama social contemporáneo.
¿Cómo surgió tu participación en las obras que tienes ahora en cartel en Madrid?
Para La Ópera del Malandro hice cásting y a raíz de allí me convertí en miembro asiduo de Teatro Defondo.
Como he dicho, El Extraño Caso de la Marquesa de Vadillo, es mi segundo montaje con Teatro del Zurdo, la primera vez que trabajé con ellos, bajo la dirección de Luis Bermejo, fue gracias a que este vio mi trabajo en Cómeme el Coco, Negro y pensó en mí para su próximo montaje.
Para NOC fui recomendada por alguien que había visto mi trabajo en La Ventana de Chygrynskiy.
Y para Los Charlatanes también los miembros de Teatro del Astillero habían seguido mi trayectoria con Teatro del Zurdo.
Háblanos de estos trabajos…¿Cómo han sido los procesos?
Muy variados.
Con La Ópera del Malandro, al ser un musical con música brasileira, nos sumergimos en la cultura de este país – hasta tuvimos coaching in fonética brasileña.
En Los Atroces, la tarea titánica de adaptar en una hora y media una saga que comprendía una miríada de personajes e historias entrelazadas, hizo que el trabajo de mesa fuera intenso y extenso. Una vez que tuvimos el esquema narrativo comenzamos a improvisar cada escena, estas eran grabadas y la directora, Vanessa Martínez, las transcribía y daba forma.
El Extraño Caso de la Marquesa de Vadillo tuvo un proceso más “tradicional”. Al partir de un texto ya escrito, los ensayos se desarrollaron con normalidad, aunque la dramaturgia fue cambiando y evolucionando a medida que el espectáculo iba tomando forma.
Los Charlatanes también ha tenido un extenso periodo dedicado al trabajo de mesa. La obra es un amalgama de escenas que tocan diversos temas actuales y a lo largo del proceso hemos ido seleccionando las que mejor funcionaban, o bien a nivel teatral, o bien a nivel de coherencia de contenido.
¿Cómo creas tus personajes? ¿Tienes un método?
No tengo un método establecido, este va cambiando dependiendo del tipo de montaje y proceso de ensayos. Algo que sí que necesito tener claro es la imagen del personaje. Esta puede aparecer (aun a riesgo de que suene manido) en un sueño, o puedo ver al personaje sentado en frente de mí en un vagón de metro, o reflejado en las páginas de una novela, o en un cuadro, o simplemente me viene un flash visual o una sensación física y a partir de ahí se va construyendo. Sin embargo, creo fervientemente en que, tanto si se trabaja de dentro a fuera como de fuera a dentro, el personaje tiene que respirar, tiene que retorcérsele las tripas, tiene que acelerársele el corazón, en resumen, tiene que tener verdad.
¿Cómo crees está afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?
Muy negativamente. Si ya antes era difícil movilizar al público para que viniera al teatro, ahora el factor psicológico de la subida del IVA va totalmente en contra de nuestra industria. España es un país donde el ir al teatro todavía no forma parte intrínseca de la cultura, como ocurre en el Reino Unido. Ponerle más trabas a que esto ocurra es contraproducente para la cultura de nuestro país.
Es cierto que, en contraposición, los teatreros hemos sabido movilizarnos para sobrevivir; se han creado nuevos espacios (como La Casa de la Portera) y nuevos géneros (como el Microteatro) que son un grito de rebeldía ante lo establecido. Pero existe la multiprogramación a la que están avocadas las salas y el demasiado frecuente “a taquilla” que proponen las compañías está teniendo un doble efecto. Por un lado, la amateurización de la profesión: cualquiera puede hacer teatro con muy poco dinero y sin pagar a nadie, teatro que las salas contratan porque tienen que llenar todos sus horarios – en general, no existe un filtro de calidad o coherencia artística a la hora de programar. Y por otro lado, poca gente puede vivir del teatro, con lo que, o, haces como yo, y estás en tropecientos proyectos, o tienes un trabajo paralelo que te dé de comer y te impida comprometerte plenamente a los proyectos teatrales, o eres una niña bien a la que su familia le subvenciona cual mecenas florentino. Es absolutamente necesario introducir la ley del mecenazgo cultural para que con la introducción de capitales privados se pueda reavivar y dar a la cultura la importancia y lugar predominante en la sociedad que se merece.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?
La paradoja del actor es que cuando trabaja no puede acudir al teatro e interesarse por lo que está en cartel. Así que, por desgracia, últimamente no he podido acudir mucho al teatro. Lo último que vi y que me interesó profundamente fue Trilogía de la Ceguera de Maeterlinck en el CDN. Cada obra corta era dirigida por un director joven y, aunque mantenían una coherencia formal, eran muy diferentes entre sí. Me pareció una idea muy positiva para dar a conocer repertorio clásico y mostrar el trabajo de jóvenes artistas.
¿Proyectos?
Ya sabes lo que se dice de los proyectos… que si se habla de ellos se truncan… así que hago mutis elegantemente.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?
Estrujarse la mente y la imaginación para seguir creando espectáculos de calidad que reten e interesen al público; reivindicar unos mínimos para que nuestro gremio no sufra; plantarse ante una industria que cada vez exige más y da menos, sin perder de vista los enormes esfuerzos que hacen las compañías para llevar un montaje adelante; y no olvidar que el teatro embellece y mejora la vida, la sociedad y la cultura.
Mario Tardón: Para mi el teatro es un lugar sagrado, mucho más grande de lo que yo seré jamás.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Mis inicios fueron de lo más maravillosos. Yo emepecé a estudiar en la ESAD de Murcia y el primer año ya conseguí trabajo en varias compañías conduciendo la furgoneta, llevando el sonido o tirando luces. Fue un año maravilloso en el que me conocí un montón de festivales de verano a los cuales acudía como técnico y me dedicaba a toda la trastienda teatral. No fue hasta un par de años después que los visité ya como actor. Y siento que fue una escuela maravillosa. Muy difícil es que yo esté fuera de foco en algún momento.
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro para mi es un oficio. Mi oficio. Lo que me da de comer, por lo tanto como tal lo trato. Con respeto y honestidad. Como edificio, para mi el teatro es un lugar sagrado, mucho más grande de lo que yo seré jamás, por ello siempre que piso un escenario me siento un priviligiado. Muchas veces pienso “Ojalá no se corra más la voz, que como todo el mundo se enetre de lo guay que es esto, todos van a querer hacer teatro”.
Hago teatro por que me apasiona y por que me da la posibilidad de conocer gente con mis mismo intereses. Es muy reconfortante conocer a personas que le dedican el mismo esfuerzo y pasión a lo mismo que tú.
¿Qué balance haces de tu trayectoria?…
Mi trayectoria como tal creo que es bastante disparatada. Me dan envidia las personas han decidido, que han podido “elegir”. Mi carrera se ha basado únicamente en la supervivencia. Pero no te creas, eso ha sido finalmente muy positivo. Jamás miraré mal a ningún compañero por el trabajo que desempeñe (lo he hecho todos, créeme) y como superviviente he tenido que aprender sí o sí..por lo tanto, al final, creo que soy un afortunado.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Para mi, en mi humilde opinión, creo que el teatro que hace falta es mayoritariamente entretinimiento. Mejor entretenimiento. Es que si me apuras te diría que no hace falta cultura si no ocio. Y paso a explicarme. Por el mero hecho de subirse a un escenario, un señor o una señora no está haciendo arte o cultura. Para ello ha de ser una persona muy inteligente, con mucho bagaje y experiencia y dominar el arte teatral a fondo. Entonces sí. Un señor experimentado leyendo un prospecto de Bisolvón encima de un escenario es puro arte. Ahora, lo que el público (en su mayoría) demanda y lo que la gran masa de la profesión le da (no nos engañemos) es ocio, es distracción ..Y A MUCHA HONRA. Sólo unos afortuados son capaces de hacer cultura. Y yo ante ellos me quito el sombrero. Lo que sería maravilloso y creo que sería positivísimo para la sociedad actual sería que esos genios fuesen capaces de hacer arte, remover conciencias y a la vez ser éxitos comerciales y abarrotar los teatros de Madrid. Ese es el teatro que nos hace falta en Madrid. Esa es mi opinión.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
En este último año he participado en “La ciudad oscura” de Antonio Rojano, dirigida por Paco Montes enclavado dentro de Escritos en escena. Un trabajo maravilloso pero que sólo tuvo 10 representaciones. Me dio mucha pena, la verdad.. Después estrené para SURGE una obra escrita por la excelsa Cristina Redondo y dirigida por el maravilloso Fernado Soto llamada “Delirare”. Un crucero del cual nunca quiero bajarme pero que debido a su propuesta formal arriesgada es digficil que zarpe. En verano comisioné la sección audiovisual en el festival Frinje en Matadero y conseguí programar a gente muy chula a la cual admiro. Luego volví a mi casa por un tiempo, que es Microteatro por dinero, donde siempre me acogen con gusto y me tratan con amor. Más tarde involucré en el proyecto más importante de mi vida y me salió redondo: mi boda. Y como viaje de novios, mi esposa Jimena La Motta y yo estamos cada día de martes a domingo en el Fernán Gómez actuando juntos. ¿Suena bien, verdad?.
¿Cómo surgió tu participación en Stockmann…?…Háblanos de este trabajo…
Yo soy muy amigo de Oriol Tarrason, director de la compañía catalana Les Antonietes. Nos invitó a ver el estreno de Stockmann hace dos años a Barna y allí que fuimos. Nos flipó. Un año más tarde estuvo representádola con el elenco original en Matadero dentro de Fringe14 y allí recibió muy buenas críticas y empezó su periplo para traerla a Madrid. Debido a lo largo del proceso y a la dificultad de producción pensó que lo mejor sería crear otro elenco residente en Madrid y ahí fue cuando me lo propuso. Obviamente lo pensé un nano segundo.
El trabajo de Stockamnn ha sido un proceso diferente pero enriquecedor. Ensayamos durante todo agosto sin descando para dejar la obra lista a finales de mes. Hicimos unas cuantas previas y lo dejamos en Septiembre. Cada uno hizo sus planes, bodorrio incluido, y la úlitma semana de mes volvimos con las pilas recargadas y retomamos la obra. Ese parón que puede parecer una pérdida de tiempo hizo que la obra se aposentase y creciese en intensidad y matices.
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Para crear personajes, lo más importante, para mí, es saber lo primero, el calzado que van a llevar. Y a partir de ahí comienzo a crear. Es como que necesito saber las bases, las columnas sobre las que apuntalaré toda la construcción. Ya ves tú que cosa más simple, pues a mi me ayuda muchísimo. En ello influye, por supuesto, que yo empecé a estudiar interpretación a través del cuerpo y del clown.
¿Cómo están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Pues negativamente claro. Lo del IVA por mucho que me lo explican no lo acabo de entender. Pero vamos, ni aunque me lo expliquen como si fuera un niño de cuatro años. Al final, lamentablemente , llego a la conclusión de que es un tipo de venganza extraña y miserable. Así que como tal, la acatamos. Como un yugo, como una carga. Y los recortes y la política de austeridad me parece una huida hacia delante en busca de los resultados más ruines y miserables que se pueden ansiar: réditos electoralistas, trucaje de cifras, ayudar a los propios y no a los extraños.. Vivimos en épocas confusas y más vale estar tranquilo porque como esto estalle, no sé donde nos va a colocar, la verdad.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Yo recomendaría a todo el mundo que vea “Constelaciones” ahora mismo en los Luchana. La entrega de Fran Calvo e Inma Cuevas es entera y te hacen viajar a través de su historia con mucho amor y pasión. Además lo dirige el maravilloso Fernando Soto, así que qué más se puede pedir. Otra opción más que entusiasmante es la obra “Todo irá bien” del gran Jose Manuel Carrasco en el teatro Lara. Una historia pequeña que cuatro actores levantan con pasión y que a mi me saltó las lágrimas y me arrancó carcajadas a partes iguales.
¿Proyectos?… Pues bueno, no muchos, pero sí muy emocionantes. En diciembre ruedo en “The promise” una producción internacional protagonizada por Christian Bale y Oscar Isaac la que será ya mi cuarta participación en una gran producción americana. Y alguna cosa más que aún no puedo contar. Pero vamos, no por nada, si no por que todavía no sé si saldrá.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
¿Qué hay más bonito que seguir haciendo lo que te apasiona en tiempos de crisis? Piensa, cuando estés echo polvo y sin ganas de seguir, que tranquilo, si has llegado hasta aquí.. ya sólo puede ir a mejor. Fuerza compañero.
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Gloria López: Para mí el teatro ha sido una forma de relacionarme con el mundo
Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Comence con 8 años en el colegio… escribia obras que luego dirigia e interpretaba con mis compañeros de clase…donde estudiaba habia dramatizacion, con 14 años descubri una sensacion extraña, unica , que solo me podia brindar la interpretacion.
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Para mi el teatro ha sido una forma de relacionarme con el mundo, con mi entorno, ha sido y es una forma de vida, de descarga, de placer, de comunicacion de mi ser, de tocar un lugar a medio camino entre la conciencia y un lugar que no sabria como llamarlo.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Mi trayectoria me ha dado la oportunidad de trabajar con directores como Miguel Narros, George Tabori, Emilio Hernandez, Juan Pastor, Calixto Bieito, Alvaro Lavin, Daniel Veronese….y de formar mi propia compañia junto a May Pascual hace diez años. Los personajes que he podido interpretar han sido un descubrimiento, una sorpresa un chute de energia de vida, un juego teatral , un reto de creatividad donde he disfrutado muchisimo.
¿En qué ha cambiado el teatro de tus inicios a hoy?…
Ha cambiado ? El teatro sigue dividido entre el teatro comercial mas parecido a la television, por otro lado el teatro que emociona y el publico se olvida de estar en la butaca y esta tambien el teatro que busca hacer “algo trasgresor, distinto” y muchas veces solo se queda en el camino del narcisismo, otras veces nos deja con la boca abierta. Ese es su riesgo.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
En Barcelona, con la funcion “Cena con amigos” una chica dijo“ es la primera vez que lloro en el teatro”. El teatro para crear vinculo con el espectador necesita de la emocion, tocar , acariciar, golpear, sacudir, el trabajo intelectual no produce ningun movimiento si no va acompañado de la emocion.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
De Gira con “Cena con amigos” por distintos lugares de España, siendo premiada en el Festival Nacional de Haro, junto a May Pascual como mejor actriz, y mejor direccion Daniel Veronese, tambien he participado en una pelicula, “Toro” junto a Luis Tosar y Jose Sacristan que se estrenara proximamente y pequeñas intervenciones en series de Television.
Cómo surgió “Cena con amigos”…?…Háblanos de este trabajo…
Cuando estabamos de gira con “La reina de belleza de leenane” el anterior espectaculo, en Uruguay, conoci a una directora que me hablo de esta funcion, inedita en España. La lei y hable con Veronese con el que llevabamos años hablando de ver si podiamos hacer algo juntos. Dijo que si y la aventura comenzó. La profundidad y la intensidad que Daniel ha dado a la obra ha sido decisivo para el resultado de la funcion. Daniel potencia lo que cada actor da, entra dentro de la persona y consigue que aporte lo mas personal y unico de si mismo.
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Los huelo, del derecho y del reves por delante y por detras, los huelo y dejo volar la intuicion, dejo que me toquen, el personaje sale de mi, un actor como decia Philippe Gaulier no puede ser mas que su alma. El personaje sale del actor, de lo que es.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…Mal obviamente…
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Un monologo sobre abusos.. impresionante…escrito por la misma actriz…me enamore de ella, llore, no me movi, tenia magia… pocas veces ocurre algo asi. Ojala pueda contar con ella en la siguiente produccion…
¿Proyectos?… Terminamos “ Cena con amigos” en el 2016 y nos pondremos manos a la obra en la preparacion del siguiente espectaculo para el 2017… Lo siento! No se revela el titulo!.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Daniel Veronese comenzó en una casa abandonada haciendo sus espectaculos de forma gratuita en Buenos Aires, a la tercera semana las colas daban la vuelta a la manzana…NECESIDAD DE CREAR.
Antonio de la Fuente: El teatro para mí es una forma de vida, así de claro y así de simple.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Profesionalmente vengo del teatro alternativo de los 80, acostumbrado por tanto a bregar en todos los campos de esta profesión, tanto artístico como técnico, y al igual que muchos/as de esa época con una formación casi autodidacta, una mezcla de práctica, experimentación, observación y mil tropiezos.
Terminado el instituto intenté entrar en la RESAD de Madrid y no hubo suerte. Entonces me dije: si no quieren que estudie pues trabajaré. Durante años tuve mi propia productora teatral (Producciones NO) y cuando me harté de pelearme con la administración decidí dedicarme casi exclusivamente a la interpretación. Aunque siempre compaginé mi carrera de actor (que es lo que realmente me ha dado de comer todos estos años) con la escritura (publicando y estrenando textos teatrales, novela y guiones para empresas) y también colaborando puntualmente como director teatral para compañías amigas.
¿Qué es el teatro para ti?…
Una forma de vida, así de claro y así de simple.
¿Por qué haces teatro?…
Por puro egoísmo: la aventura de ser otro y hurgar en mi mismo.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Muy positiva, volvería a repetir sin duda.
He trabajado en proyectos maravillosos y en otros que me han dado de comer, pero casi siempre he disfrutado mucho de mi profesión. Una profesión que (al igual que la escritura) me ha regalado momentos extraordinarios. También ha habido épocas muy duras, por supuesto, tanto económicas como emocionales, pero las he asumido como un pago por vivir “diferente”.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
No sabría decir cuál es la función del teatro hoy, ayer o mañana, pero sí creo que (al igual que cualquier otra obra artística) va más allá del mero entretenimiento.
Tampoco sé si el teatro puede ser capaz de cambiar algo la sociedad, de influir realmente en ella, pero desde luego el intentarlo debe ser un compromiso ineludible de cualquier artista, cuestionar la supuesta realidad y mostrar otras posibilidades, otras maneras de entender el mundo, y otras maneras de habitarlo.
Lo que sí defiendo es que, independientemente del genero o de las posibilidades, el nivel de exigencia, calidad y compromiso debe ser el máximo.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Inicié 2015 con las últimas funciones de BANSIA en la sala Azarte de Madrid, una tragicomedia de Carlos Pontini, una historia de rabiosa actualidad donde la dirección de Juanma Cifuentes sacó un punto cachondo y musical muy de agradecer. Me entiendo muy bien con Juanma y me regaló uno de esos personajes que permiten un arco amplio de registros pasando sorpresivamente del drama a la comedia, e incluso al musical.
Y nada más terminar BANSIA me embarqué en LA BALSA DE MEDUSA…
Y mientras navegaba con LA BALSA colaboré en LA PIEDRA (mediometraje sobre el mundo del arte y la creación de Teresa Solar Abboud), EL HUERTO (cortometraje de Pedro Lajara), y continué por supuesto con la promoción de mi colección de libros de teatro para niños y niñas, un proyecto en el que llevo trabajando desde hace años, una teoría o fantasía sobre cómo usar el teatro dentro del aula.
¿Cómo surgió tu participación en el espectáculo La balsa de la Medusa…?… Háblanos de este trabajo…
Contactaron conmigo gracias a Guadalupe Valero, encargada de vestuario y escenografía de esta producción, y que me conocía de mi paso por el Centro Dramático Nacional (REY LEAR y PLATONOV, dirigidos por Gerardo Vera).
El proyecto me atrapó por dos cosas: por la situación que planteaba el texto de Antonio Escribano y la dirección de Manu Bañez, y por estrenarse en un lugar tan especial como La Pensión de las Pulgas. Esas dos cosas unidas auguraban un reto interpretativo atípico al que no podía sustraerme.
En cuanto al proceso de trabajo, ha sido muy intenso, nunca había trabajado con un director tan preocupado en desmenuzar el texto y los personajes hasta el mínimo detalle. Y con un equipo que rápido se hizo familia, muy profesional y generoso, remando por igual para llevar esa Balsa a buen puerto.
¿Cómo creas tus personajes?… ¿Tienes un método?…
No soy muy de método. Suelo trabajar de una manera u otra dependiendo del director con el que me toque. Creo que como actor soy bastante moldeable, me adapto bien al director que me toque en suerte (como autor o director sin embargo soy más radical, menos dispuesto al diálogo).
Suelo acercarme al personaje desde la observación y procuro dejar que hable, que sea él el que me diga cómo ser, cómo moverme, cómo hablar. Me fascina cuando no me reconozco, cuando soy capaz de crear un personaje ajeno a mí pero desde bien dentro de mí mismo.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Fijate que yo creo que si lo que buscaban con el 21% era cargarse el entramado cultural de este país pues no les ha salido demasiado bien, porque desde que comenzó la famosa crisis (o robo o estafa institucional y bancaria) yo he trabajado en algunos de los proyectos más interesantes y creativos de toda mi carrera. Eso sí, sin apenas repercusión mediática y económica. Pero esa experiencia y aprendizaje no me lo quita nadie y será un cimiento muy sólido para futuros trabajos.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
El primero que se me viene a la cabeza es TRÁGALA TRÁGALA de Iñigo Ramírez de Haro, con dirección de Juan Ramos Toro, y que misteriosamente casi paso desapercibido en el teatro Español. Con un texto muy certero y afilado en la crítica, y un trabajo actoral envidiable, cantando, tocando instrumentos e interpretando a multitud de personajes dispares.
¿Proyectos?…
Pocas veces he sido de proyectos a largo plazo, acabo de cumplir 50 años (más de 20 de profesión) y por suerte todavía me queda mucho que aprender y arriesgar, y es muy probable que esta vez sea fuera de España.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Como ya comenté antes pienso que está siendo un momento muy intenso desde el punto de vista creativo. Vivimos una época donde ya no hay secretos ni estrategias, no para los que estamos en el filo, rozando la clandestinidad. Tener un buen producto no asegura ni éxito ni supervivencia, no en este país al menos. ¿Qué nos queda entonces? Capacidad de adaptación y mucha improvisación, vamos resolviendo día a día con imaginación y gran esfuerzo y porque crear es una necesidad que por ahora puede más que la frustración.
David González: Que el porno pague menos IVA que el teatro es paranormal.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Empecé haciendo teatro en la asociación de vecinos de mi barrio, Villa Rosa (Hortaleza) y en el grupo de teatro de mi instituto, el Conde de Orgaz.
¿Qué es el teatro para ti?…
Una de las cosas más importantes de mi vida.
¿Por qué haces teatro?…Porque lo amo, estoy enamorado del teatro.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…Muy positivo. Me gusta mucho mi profesión y que después de tanto tiempo, gente muy diferente, quiera seguir contando conmigo para sus proyectos, es mi mejor recompensa.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Creo que su función de hoy y de siempre ha sido y es, lúdica, social y pedagógica.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
La vuelta de «Iván-off» junto con la despedida y cierre de La casa de la portera, que tantas cosas buenas nos ha dado a tanta gente, gracias a José Martret y Alberto Puraenvidia. Y un par de espectáculos de bebés que forman parte de un proyecto personal mío.
¿Cómo surgió tu participación en Añicos…?
Pues gracias a Pablo Martínez Bravo, el director, que desde el principio pensó en mí para este proyecto….
Háblanos de este trabajo… Ha sido un trabajo intenso, apasionante, complejo, como trabajar en cualquier obra de Carlos Be, siempre es un reto… y eso me pone. Con unos compañeros maravillosos, Raquel Pérez, Carlos López y Sara Moraleda. Lo hicimos para el Frinje 2015 y que tenga continuidad en La pensión de las pulgas es estupendo.
¿Cómo creas tus personajes?…
Con trabajo y mucho amor…
¿Tienes un método?…
Supongo que todos los actores lo tenemos, cada uno el suyo, que se hace a lo largo de tu vida, con tus estudios, tus experiencias y en mi caso además, con mi querida Raquel Pérez, a la que siempre le consulto cosas, una de las actrices y coach a la que más admiro.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
De una manera terrible, sin sentido. Y lo más triste, destruyendo puestos de trabajo y creando subempleos… No entiendo que un país no cuide su cultura, el teatro es un bien de todos. Que el porno pague menos IVA que el teatro es paranormal.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?…
«Fluxus» de Jesús Amate
¿Por qué? por su estupendo texto, su humor absurdo, surrealista e inteligente… ah! y su maravillosa reflexión sobre el plano de metro.
¿Proyectos?…
Pues tengo varios, pero son proyectos, y ya sabemos que en esta profesión hasta que no se materialicen es mejor no contarlos…
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Pues tratar de no perder nunca el sentido del humor, las ganas de contar cosas, la ilusión por llegar a los demás… Todos somos únicos y especiales, y tenemos algo que nos diferencia de los demás sólo hay que saberlo o encontrarlo… y trabajar, creer en uno mismo, trabajar, mucho amor, trabajar, pasión y trabajar…
Mariano Rochman: Yo creo que el teatro es reflexión, emoción y posibilidad de hacernos preguntas, y un excelente vehículo para soñar e imaginar
¿Cómo surge el proyecto que presentáis en el Teatro Lara?…Háblanos del montaje, del texto…
El proyecto surge con la idea de formar un equipo con Adriana Roffi, donde realizamos una etapa de dramaturgia juntos y luego una segunda etapa donde ella dirigió y yo formé parte del reparto de actores.
Yo propuse como punto de partida un cuento de Borges, «La Intrusa», empezamos trabajando con una escaleta con la historia que queríamos contar y fuimos desarrollando el texto con a partir de ella, escena por escena. La base la teníamos clara una relación fraternal que compartían el amor de pareja. En seguida nos dimos cuenta que era mejor dar vuelta el género de los personajes del cuento de Borges, es decir en lugar de dos hermanos que compartían una mujer, pusimos dos hermanas que compartían un mismo hombre. Nos parecía más interesante, más rebuscado y sobre todo nos alejábamos de la violencia de género que hoy por hoy es tan actual.
En relación al montaje fue muy fluido, un proceso creativo muy intenso donde los actores aportamos muchas cosas, incluso los autores modificamos ciertas escenas para favorecer el avance de la acción y la historia que queríamos contar.
¿Hubo ocasión durante el proceso para que las actrices aportasen ideas en la puesta en escena?…¿Cómo ha sido el trabajo con ellas?…
Sí hubo muchas ocasiones donde aportaron ideas las actrices, por ejemplo las transiciones entre escenas son importantes ya que tienen que ver con el paso del tiempo, lo cual una de las actrices propuso cantar e incluso las elecciones de las canciones salió como propuesta de la actriz. Otro tema fue el vestuario, que surgió como parte del proceso creativo por parte de los actores. Hay propuestas musicales que aporté yo como actor, vamos que hubo mucho de creación en el montaje por el equipo de actores.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear esta propuesta?…
Sí, Borges ha sido además referencia en la forma de contar la historia, la obra abre con un monólogo de un relator que introduce al público en los datos y pormenores de la obra que van a ver, lo hace a modo de mito, de leyenda… comienza diciendo «me lo contó un compañero de gimnasio donde entrenaba boxeo; su hermano mayor era compañero del instituto de los primos Rivas…» ahí está la clave, un relato transmitido de alguien a su hermano, que conoció a dos primos que se apellidaban Rivas, como las protagonistas de la obra, y que a su vez se lo contó a quien nos viene a presentar la obra, es decir está la deformación de historia, del mito, de lo transmitido en boca en boca hasta lo que llega a nuestros oídos hoy por hoy.
Creo también que hay claras influencias de Veronese, Daulte y Spregelburd. Dramaturgos y directores con los cuales Roffi y yo nos hemos formado y vinculado.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?¿Por qué haces teatro?…
Mis inicios fueron en Argentina, algo vocacional y pasional. Comencé estudiando interpretación mientras estudiaba derecho y trabajaba vendiendo viajes y luego teléfonos móviles. Un buen día decidí apostar el todo por el todo por el teatro y dejé la carrera de derecho, asustando mucho a mis padres que son universitarios, jeje.
Luego poco a poco me fui vinculando a compañeros, conociendo directores, haciendo castings, etc. etc.
Varios años después, ya en España, comencé a escribir y a dirigir merced a una beca que me otorgó Casa de América para hacer un curso de 2 meses con prestigiosos autores y directores, ahí empezó un camino diferente para mi.
¿Por qué hago teatro? mmm… ¡Qué pregunta! Lo primero que quiero decir es: simplemente porque me apasiona. Me mueve sensaciones y emociones interiores que no me mueve ninguna otra cosa.
Yo creo que el teatro es reflexión, emoción y posibilidad de hacernos preguntas, y un excelente vehículo para soñar e imaginar; incluso lo que no podemos o no nos animamos… Ahí lo dejo.
¿Qué balances haces de tus trabajos como director-actor de teatro?… Háblanos de los más recientes…
Eso depende del día, de mi ánimo. Hay días que me levanto pensando que lo que hago no tiene ningún valor, que no le interesa a nadie y otros me doy cuenta o recibo respuestas que me hacen sentir que mi camino está siendo interesante.
Mis trabajos todos han sido sacados adelante con mucha tenacidad, con mucho esfuerzo. Tengo claro mi convicción y no me detengo. Sí hay algo que me dices es que no paro, que siempre estoy haciendo, sé que es cierto, pero no me conformo con eso, la verdad.
Cuesta mucho que las personas que cortan el bacalao, me refiero a los productores y programadores te escuchen, te lean y se interesen por ver que estás haciendo. Todo lo que voy logrando tiene que ver con formar parte de una productora, con saber un poco de producción y de haberme autoproducido mucho.
Siento que cada vez voy definiendo mi estilo, donde se puede ver que eso lo he escrito o dirigido y me parece que tener un sello que ha uno lo identifique es interesante.
Las Hermanas Rivas me ha dado muchas satisfacciones, que Javier Yagüe lo haya leído en mitad del proceso de escritura y me diga que le gustaba y que quería que lo estrenemos en La Cuarta Pared, fue algo que me llenó de orgullo. Luego vino la temporada en el Teatro Del Arte y el placer de ser programados en la Red de Teatros de La Comunidad de Madrid. Entrar ahora al Teatro Lara lo vivo como un enorme logro, sabemos que hoy por hoy es un espacio que casi todos quieren entrar y que no es nada fácil.
Me espera un otoño-invierno dulce, cosechando muchas cosas que sembré hace mucho tiempo. Mi obra «Pieza Inconclusa Para Sofá y Dos Cuerpos» la cual además dirigí con la prestigiosa actriz Blanca Oteyza sale de gira nacional y será editada por ediciones Antígona en finales de septiembre, con el sentido honor de contar con un prólogo de Pepe Henríquez, una de la súltimas cosas que ha escrito; Aitana Galán estrenará en noviembre un texto mio, «Sin Anestesia» en el Teatro del Arte, hay varios bolos cerrados de «Las Hermanas Rivas» y apostando para poder lograr producir «Noches de Hotel» una obra que escribí hace 2 años y que enamora a todo el mundo pero por diferentes circunstancias no he podido estrenar, sólo hacer una lectura dramatizada en el Matadero que fue un placer y la constatación del interés que genera ese texto. ojalá 2016 sea el año de su estreno.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Emocionar, reflexionar y hacernos sentir que estamos vivos. No creo que el teatro tenga ni vaya a cambiar el mundo. Lo único que no puede pasar en teatro es generar aburrimiento. Eso es insoportable.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Un genocidio cultural. Algo injusto cuando lo comparas con el fútbol, los toros o el porno, actividades que tienen un IVA muy peor que muy inferior. Los 13 puntos que subieron al IVA cultural es insostenible y elimina cientos de miles de puestos de trabajo y si lo comparas con el resto de Europa dan ganas de o irte o de salir a prender fuego. Te da la sensación que la cultura, más precisamente el teatro y el cine, están siendo asfixiados a propósito, para que no sean espacios de reflexión. Yo no puedo entender que dejen de apoyar festivales y que por ejemplo los toros y si hilo más fino El Toro de La Vega estén subvencionados. Yo creo que la cultura tendría que tener un IVA reducido no superior al 10%, sinceramente no puede tener el mismo gravamen tomarte una copa o comprarte un coche que una entrada de teatro o cine.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Veo mucho teatro. sinceramente son pocas las obras que me encantan. Lo último que me fascinó fue «Un Hombre Con Gafas de Pasta», una delicia de texto, dirección e interpretación.
¿Proyectos?…
Además de intentar sacar adelante «Noches de Hotel», tengo una propuesta como actor para 2016, un drama que me obligará a bajar a mis mas profundas miserias. Quiero dirigir algo y acabar una obra que me está costando hacerlo, algo de la temática se me resiste.
¿Se pueden hacer propuestas combativas hoy en día?…
Deberíamos definir «combativas», sí te refieres a un teatro que agite consciencias, no lo creo. Me parece que una persona frívola, poco interesada por la cultura, que nunca va al teatro o rara vez va a ver a la estrella de televisión de turno, no podemos convencerla, combatirla, simplemente porque no estará ahí, sentada en el patio de butacas. Yo no tengo que ir a ver una obra que combata la religión o la intolerancia o el problema de la atención sanitaria de los sin papeles, ya soy consciente como casi toda la gente del mundo del teatro. A la persona ficticia que ponía de ejemplo antes, sinceramente le da igual. Yo creo que el teatro es algo que debe estar en la cultura de base, en los colegios primarios y sobre todo secundarios, me parece que es una buena manera de abrir mentes y corazones; que las cosas que esencialmente importan tengan el lugar que merecen, eso es hacer propuesta combativa y cultural.
Tamar Novas: El teatro para mí es una forma de mantenerme vivo y despierto
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Yo empecé a trabajar como actor con 11 años en «La lengua de las mariposas», una película de Jose Luis Cuerda, con Fernando Fernán Gómez. Entré en el cine por casualidad. Tras «Mar Adentro» empecé a formarme como actor y compaginaba mis estudios en la universidad. Mi primera experiencia en el escenario fue con «La noche justo antes de los bosques», un monólogo de Koltés, dirigido por Carlos Neira, el primer maestro de teatro que tuve en Santiago de Compostela. Al empezar pronto y por la suerte de haber tenido trabajo regular como actor, no he tenido la experiencia de ningún otro oficio. Mis otras facetas están relacionadas con el audiovisual (algunos cortos que dirigí en la facultad, banda sonora, montaje…)
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro para mí es una forma de mantenerme vivo y despierto, una diversión y un oficio que cultivar, una forma de sentirme útil y al servicio de algo que hasta ahora ha tenido mucho sentido en mi vida.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Me he balanceado con mucha fortuna, he trabajado con mucha gente que admiro y de la que he aprendido muchísimo… pero espero que queden aún muchas aventuras profesionales interesantes, acabo de empezar!.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Creo que el teatro es una necesidad, y por tanto cumple una función vital para las personas. El teatro puede servir para despertarnos, agitar conciencias o dar luz sobre asuntos que están más en la sombra. Yo disfruto del teatro cuando un espectáculo me entretiene, o me acerca realidades que desconocía. Pero lo más especial y difícil para mí en el teatro, sea como espectador o actor, es sentir que la vida misma está presente en una sala, que puede ocurrir cualquier cosa y que público y actores comparten un espacio común en el que viajar. Creo que esa sensación es un misterio que merece la pena.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
No puedo estar más contento, he participado en el CDN con «El viaje a ninguna parte», que fue una experiencia maravillosa (una pena no haber podido llevar este espectáculo a otras ciudades), después he rodado con Gerardo Herrero «La playa de los ahogados», que se estrenará próximamente, «Códice», de Jorge Casinello para la TVG y «Un otoño sin Berlín», ópera prima de Lara Izagirre, con Irene Escolar, Ramón Barea y Paula Soldevilla, entre otros. Ahora estoy a punto de empezar a grabar una serie que tiene un repartazo y una gran historia…, además de estar con «Hambre, Locura y Genio».
¿Cómo surgió tu participación en el montaje de Hambre, locura y genio…?…Háblanos de este trabajo…
En los últimos años he tenido la inmensa fortuna de trabajar en varios montajes con Juan Carlos Corazza. Ha sido y sigue siendo mi maestro. Que siga contando conmigo es una alegría para mí, porque con cada trabajo noto un crecimiento enorme como actor, además de tener espacio para trabajar en la música, y aprender de todo el proceso. El trabajo con él es una investigación continua, con una libertad absoluta dentro de un lenguaje y dirección muy específica. Hay una participación colectiva constante de todo el equipo durante el proceso de creación. La imagen más clara que me viene para explicar el proceso es la de una orquesta cuyos músicos tienen espacio, no sólo para aportar y tocar como más les gusta, sino para ensayar y cambiar continuamente, en búsqueda de respetar al máximo la partitura, en este caso de Strindberg, con dos obras cortas de gran complejidad. No hay muchas ocasiones como actor ni espectador de acercarse a este autor, y de esta manera, no sólo porque es compleja, sino porque es un alimento y disfrute inmenso para el actor.
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Cada trabajo y circunstancias son un mundo, pero lo fundamental para mí es respetar la obra, encontrar y cumplir la misión que tiene mi personaje en la historia y ponerme al servicio de que sea un trabajo vivo. Y eso, por lo menos a mí, me requiere mucha dedicación y entrega, por eso uno de los pasos fundamentales es enamorarme del proyecto y estar bien acompañado.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Creo que es devastador, y sobre todo, poco inteligente.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
De las últimas cosas que he visto lo que más he disfrutado es «The valley of astonishment», de Peter Brook. Disfruto siempre de sus montajes porque hay mucho juego, sencillez, y sobre todo porque todo está muy vivo.
¿Proyectos?…
Viajar a Mexico con «Hambre, locura y genio», tengo unas ganas enormes. Empiezo a grabar una serie para TVE , y tengo una película para después con una historia, reparto y director magníficos… No puedo contar nada más de ninguno de estos dos proyectos…
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Apostar por lo que creemos que es bueno para la gente, aunque suponga un riesgo, en la medida que cada uno pueda, claro…
Cualquiera Teatro: Es difícil porque no quieren que hagamos, y nos ponen mil palos en la rueda…
¿Cómo surge la obra que presentáis en el Teatro Alfil?…Habladnos del texto…Del proceso de escritura… De la puesta en escena…
Vanesa: La obra surge a partir de un número de clown, en ese momento formábamos pate de Colectivo Clown grupo con el que realizábamos cabaret cómicos. Se nos ocurrió para crear un número y se fue haciendo más largo.
Encarna: Comenzamos a trabajar la idea de dos chicas perdidas en un bosque con cámara en mano grabando un documental de miedo. Nos pusimos a jugar y a investigar con el tema del terror y vimos que un número de 10 minutos se nos quedaba corto para todo lo que queríamos contar. Así que nos liamos la manta a la cabeza y decidimos embarcarnos en nuestro primer proyecto como actrices, productoras y directoras. Nadie dijo que fuera fácil y de hecho seguimos aprendiendo de esta experiencia en el Teatro Alfil.
Vanesa: La verdad que es toda una aventura. El proceso de creación y ensayos fue de 10 meses. La creación fue a través de improvisaciones, lo que pensábamos que funcionaba nos lo quedábamos y seguíamos probando. Dentro de este camino tenemos que destacar la colaboración de la música original de Juan Méndez, quien nos acompañó con su música en nuestras improvisaciones y a la vez aportaba sus composiciones que también modificaban y hacían crecer nuestro trabajo.
Encarna: Si, nosotras le grabábamos videos caseros en parques, salas de ensayo, casas o cualquier sitio en el que veíamos que podíamos ensayar.
Vanesa: Y así poco a poco fue tomando forma generando coreografías, texto y secuencias de acciones a través del ensayo y error. Cuando tuvimos el boceto más definido pensamos que necesitábamos una mirada de fuera que nos marcara lo que nosotras como actrices no alcanzábamos a ver, ya que consideramos que dentro de la creación de una obra la figura del director/a es muy importante. Y aquí fue cuando decidimos contar con Hernán Gené. Acudimos a él porque nosotras nos conocimos en su escuela. Es una persona a la que admiramos y con la coincidimos en la forma de ver el teatro.
Encarna: Si, nos dio el empujón final y a él le tenemos que agradecer la puesta en escena. Nos comentó la idea de crear una escenografía no realista con paneles en los que realizamos sombras chinescas y luces led en el suelo, que delimitan el espacio.
¿De qué referentes estéticos o temáticos os habéis nutrido para este trabajo?…
Encarna: Como es un proceso desde la improvisación, los referentes surgen de ese subconsciente que despiertas cuando pones en marcha tu proceso creativo. Está claro que conforme la obra tomaba forma intentábamos conseguir más ideas a través del enfoque que le dábamos: dos chicas perdidas en un bosque, terror y comedia.
Vanesa:- Había ideas o secuencias claras que venían de películas de El gordo y el flaco en el clown o El Exorcista desde el miedo.
Encarna: al final es como dice Gabriel Chame: «En la tragedia se encuentra la comedia».
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que os embarcáis?¿Qué os anima a participar en ellos?…
Encarna: Buena pregunta….en nuestro caso, las dos juntas hasta ahora hemos realizado siempre comedia. Y los proyectos surgen de ideas, imágenes o situaciones que vivimos que nos divierten y queremos llevarlas a escena. En otros casos, puede partir de un texto que te atrae y quieras investigarlo.
Vanesa: No todos los proyectos tienen la misma motivación. En nuestro caso, partimos de lo que nos divierte. Otras veces se parte del para qué, que quiero contar o si quiero lograr algo con esta obra. En mi caso trabajo con Teatro Foro, planteando a través del teatro un problema y buscando alternativas de solución junto con los espectadores. Esos son proyectos en los que tu prioridad es generar un cambio real en la sociedad a través del teatro. En esos casos más que la actriz me anima la militancia política.
¿Por qué hacéis teatro?…
Encarna:- La verdad es que nunca sé que contestar…sólo recuerdo que la primera vez que me subí a un escenario el veneno del teatro pinto mi sangre. Lo que hizo que desde ese momento decida seguir en esto toda mi vida. Creo que el teatro al igual que el arte en general es necesario para la sociedad. Ya sea a través de la comedia, el drama, el absurdo, la tragedia…Considero que todas las personas deberían absorber arte de una forma u otra.
Vanesa: y crear…todas las personas para mí, desde pequeñas tendrían que tener ese espacio de creación, Teatro hacemos todos los días no? aunque no seamos consientes de eso. Yo elegí el teatro en primer lugar por el juego, por todas las vidas que puedo vivir, porque en el teatro descubrís y podés ser todos los personajes que quieras. Y por otro lado, también veo al teatro además de un espacio de juego, un espacio de reivindicación, de cambio personal y social. El teatro es muy potente….
Encarna: si, la verdad que si…aunque a veces duele mucho…de ahí que lo llame veneno (risas).
¿Cómo fueron vuestros inicios en el teatro?…¿Cuál ha sido vuestra evolución?…
Encarna: Empecé en el instituto, decidí especializarme en ello haciendo la carrera de arte dramático y me mude a Madrid para seguir formándome, ya que esta es una carrera de fondo, que nunca termina. Mis primeras obras fueron en Murcia, de allí me vine a Madrid, estudié audiovisual, participé de distintos montajes y fui especializándome en comedia, con cursos de clown, comedia en cámara, etc.Seguiremos investigando y buscando…como decía esto no para…
VAnesa: nunca!! Yo arranque en Mar del Plata, haciendo teatro independiente. Bueno, fui a la universidad pero estuve un año…no me llevo muy bien con la formación artística reglada. Después fui a Barcelona dónde estudié Teatro del Oprimido y por fin llegué Madrid dónde también continué mi formación en comedia.
¿Qué montaje que hayáis visto últimamente os ha interesado?¿Por qué?…
Encarna: Pues en el festival de teatro de Almagro vimos un Otelo adaptado y dirigido por Gabriel Chamé. Un clásico traído al mundo del clown, bailando entre la comedia y la tragedia, nos ha hecho disfrutar muchísimo. Una dirección y una interpretación fabulosas. Si llegara a Madrid es una obra que hay que ver.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en estos tiempos?
Vanesa: Si bien es cierto que en estos momento está más difícil que nunca porque no hay ningún tipo de apoyo al teatro. la gente tiene menos dinero y la del subida del IVA no hizo ningún favor, considero que tenemos que seguir creando porque puede ser un gran momento para el teatro en España ya que en tiempos de crisis la creatividad y la necesidad de decir algo aumenta. Cada vez surgen más salas pequeñas, compañías independientes , actores y actrices generando sus propios proyectos. Eso antes no se veía mucho… , justamente eso es lo que nos tiene que dar fuerza para seguir creando y peleándola a través de lo que hacemos: teatro.
¿Proyectos?…
Encarna: Nosotras ahora queremos seguir creciendo con la obra y tenemos en mente un par de números que nos gustaría comenzar a trabajar y cada una por su lado ha comenzado a trabajar en distintas cosas. Yo ahora mismo estoy con los ensayos de dos obras de microteatro.
Vanesa: Yo estoy con una obra de teatro foro sobre temática laboral, y otra de teatro periódico en la calle.
Cristina Medina: A mi el escenario me sirve para poder descargar toda esa energía que en el mundo real no sabría como hacer.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro? Pues muy ilusionante…Como sigue siendo ahora…Es cierto que fueron difíciles, pero la ilusión y la juventud de aquel momento podía con eso muuucho mas
¿Qué es el teatro para ti? Es una forma de vida…. Además de una liberación personal… A mi el escenario me sirve para poder descargar toda esa energía que en el mundo real no sabría como hacer.
¿Por qué haces teatro?… Por necesidad, necesito expresarme, desarrollarme creativamente hablando… No se, porque no lo puedo evitar, de momento…supongo que el día que ya no tenga mas nada que decir me callaré y punto.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?… Si yo supiera eso, estaría forrada…Hay productos que funcionan para las masas porque tienen esos componentes, supongo que un poco de actualidad, problemas reconocibles para el espectador y personajes que se asemejen a ellos y su cotidianidad????
¿En qué proyectos has participado durante el último año? Háblanos de ellos…
He estado absolutamente volcada en «A grito pelao».
¿Cómo surgió tu participación en “A grito pelao”? Háblanos de este trabajo…
Yo no participo en «A grito pelao»…. Es un proyecto mío, de mi compañía Pez en Raya…Surge de una llamada de mi bajista, Nani Conde -primo mío y músico con mas de 20 años de experiencia también- que me dice «prima, algún día tendremos que hacer algo juntos, no? Y yo le dije, pues si…Venga, vámonos!!!! Y hasta hoy!.
¿Cómo creas tus personajes? ¿Tienes un método?…
Yo me centro primero en la creación del espectáculo y luego empiezo a escuchar que personaje le va mejor al espectáculo que estoy haciendo…Que tipo me vale mejor para contar lo que quiero contar y entonces lo hago y ya esta…Mi método es intentar vender verdad en todo momento…. Recursos? Todos los que he ido aprendiendo durante los años que llevo en el escenario… Que son ya unos cuantos.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Pues como todo el mundo sabe, fatal…Pero no podemos dejar que eso pueda con nosotros… La gente que tenemos la necesidad de crear nuestras propias historias lo seguiremos haciendo contra viento y marea y de eso se aprovechan, pero que le vamos ha hacer? que hagan lo que quiera y que en su consciencia caigan el como se están cargando la cultura de este país…Basándose en 4 compañías subvencionadas y 4 circuitos que cada vez dan mas pena, que cada vez nos regatean mas, que cada vez cuenta menos la creatividad y mas las relaciones sociales…En fin, no me tires de la lengua que me vengo abajo!!! Jajajaja.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente te ha interesado? ¿Por qué? Hace poco vi la obra «Como si pasara un tren», no tiene nada que ver con lo que yo hago pero me gusto mucho…Se dedicaban también a vender verdad en el escenario y eso es lo que a mi me gusta, es la magia del teatro y sigue existiendo.
¿Futuros Proyectos?… Ui! Cosas y ruido alrededor, mucho… Proyectos serios de verdad e interesantes, de momento no!.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?… Si…. Al ataaaaaaqueeerrrrrrr!!!!!.
Rulo Pardo: El teatro ha de mover conciencias y entretener
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
LA PRIMERA VEZ QUE ME SUBI A UN ESCENARIO FUE CON 7 AÑOS, EN LA E.G.B. HACIENDO UNA OBRA PARA PADRES, TENÍA 4 FRASES Y RECUERDO PERFECTAMENTE EL SENTIR EL PUBLICO MIRANDOME AL HABLAR Y REIR CUANDO LAS SOLTABA (REPRESENTABA A LA MUJER DEL PROTAGONISTA NO ERA DIFICIL) Y AHÍ YA PUDE SENTIR ESE PODER DE DIRIGIR LAS FRASES AL PUBLICO, ESA INTUICIÓN DE LA ATENCIÓN DEL PUBLICO.
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
PORQUE TENGO QUE HACERLO. PORQUE ES UNA MANERA DE ENTENDER A RULO PARDO, DE ENCONTRARLO EN EL PASO DEL TIEMPO. PARA MI EL TEATRO ES UN TODO, NO ES METERTE EN LA PIEL DE UN PERSONAJE SOLAMENTE, SON MUCHAS COSAS QUE NO SE PUEDEN SEPARAR, LA PARTE ARTISTA, LA CREADORA TAMBIÉN, SE CONVIERTE EN UN ACTO DE NECESIDAD VITAL EL CONTAR COSAS.
¿Qué balance harías sobre trayectoria?…
MUY POSITIVA, ME CONSIDERO UN VERDADERO AFORTUNADO (NO SOLO POR TRABAJAR EN ESTOS TIEMPOS) SINO PORQUE SIENTO QUE LOS PROYECTOS EN LOS QUE HE PARTICIPADO HASTA AHORA ME HAN LLENADO, ME HAN HECHO CRECER PROFESIONALMENTE, TIENE QUE VER CON LA GENTE CON LA QUE HE TRABAJADO, HE TENIDO EL PRIVILEGIO DE TRABAJAR CON GENTE A LA QUE ADMIRO Y JUNTOS CREAR MOMENTOS HERMOSISIMOS, TANTO EN EL ESCENARIO COMO FUERA DE EL. ESO ES PARA MI EL TEATRO EN LA VIDA, NO SOLO ACTUAR SINO DESPUES CONSERVAR Y CRECER CON ESAS LINEAS TRAZADAS ENTORNO TUYO.
Háblanos de Sexpeare y su periplo artístico…
SI SEXPEARE LLEVA 20 AÑOS EN LOS ESCENARIOS DE TODA ESPAÑA ES PORQUE SIEMPRE HIZO LO QUE QUISO, ESO A VECES ES COMPLICADO PARA COMER, SOBRE TODO LOS ÚLTIMOS AÑOS, PERO CREO QUE LA TRAYECTORIA DE SEXPEARE SE EXPANDE DENTRO DE NOSOTROS DOS SIN SABER QUE NOS DEPARARA LA PROXIMA AVENTURA. NUNCA NOS HEMOS SENTIDO ATADOS A TENER QUE HACER ESTO O AQUELLO, EL PERIPLO DE SEXPEARE NO TENGO NI IDEA TODAVÍA CUAL ES PORQUE SIGUE CRECIENDO, ESTAMOS A PUNTO DE CREAR UNA NUEVA HISTORIA CON UN EQUIPO DE PROFESIONALES MARAVILLOSOS PARA TEATROS DEL CANAL, FUE UN ENCARGO DEL FESTIVAL DE ALMAGRO Y PARA HACERLO HEMOS TENIDO QUE APARCAR LA SIGUIENTE PIEZA EN LA QUE ESTABAMOS YA TRABAJANDO. PERO ESO ES LO BONITO, EL DECIDIR QUE AHORA VAMOS A DARLE UN TIEMPO A ESTO NUEVO A VER QIUE OCURRE, SIN MIEDO A NADA. (Ojo; no pensar que con lo que digo Sexpeare no para de currar, estamos jodidos como todo hijo de vecino… Pero estamos contentos)
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
CREO QUE AHORA MAS QUE NUNCA DEBE SER FIEL A LAS DOS PARTES QUE DEBE CUMPLIR, LA DE MOVER CONCIENCIAS (DADO LOS DIAS QUE TENEMOS) Y POR OTRA PARTE LA DE ENTRETENER SIN MAS (PRECISAMENTE PARA OLVIDARTE DE LOS MOMENTOS QUE TENEMOS).
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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
EMPECÉ EL AÑO CERRANDO LA GIRA DE «LOS MACBEZ» DE ANDRES LIMA, UNO DE LOS VIAJES MAS DIFICILMENTE HERMOSOS QUE HE TENIDO, PUES LA FUNCION SE CRITICO MUCHO (EN MADRID) Y DURANTE EL TRANSCURSO DEL AÑO SE CONVIRTIÓ EN UNA OBRA NECESARIA Y ME ATREVERÍA A DECIR QUE VISIONARIA, (FUERA DE MADRID ARRASAMOS)
«CANICULA» UN EXPERIMENTO PRECIOSO CON UNOS COMPAÑEROS DE VIAJE REALMENTE HERMOSOS, CUANDO LEI EL TEXTO ME ENAMORE DESDE LA PRIMERA PAGINA, Y EL TRABAJO QUE HIZO VICENTE COLOMAR COLOCANDOLA EN UN LUGAR TAN EXTREMO HIZO QUE SE CONVIRTIERA EN ESA PIEZA DIVERTIDAMENTE INCOMODA, EL PUBLICO REIA SORPRENDIENDOSE DE LAS COSAS DE LAS QUE SE REIA, FUE TODA UNA DELICIA QUE REGRESA EN SEPTIEMBRE A MADRID.
«H» DE SEXPEARE, ES LA TERCERA VEZ QUE REPONEMOS ESTA FUNCIÓN EN MADRID, LA ULTIMA FUE HACE 10 AÑOS Y LO MAS INCREIBLE DE TODO, HA SIDO QUE MUCHA GENTE DE LA QUE HA VENIDO HA HECHO LA REFLEXION DE COMO HA CAMBIADO TANTO EL PANORAMA TEATRAL DE LA CIUDAD, LLEGARON A DECIR: «-COMO ANTES SE HACIAN ESTAS BARBARIDADES DE FUNCIONES Y AHORA CUENTA MUCHO ENCONTRAR ALGO ASÍ»-(juro que son palabras del público)
«FAMELICA» DE MAYORGA, UN VERDADERO RETO PARA UN ACTOR, UNA DE ESAS OBRAS PARA QUE TE RELAMAS DE GUSTO COMO ACTOR EN EL ESCENARIO, CREO QUE HASTA EL MOMENTO UNO DE LOS TEXTOS MAS DIFICILES A LOS QUE ME HE ENFRENTADO. CUATRO ACTORES SOLOS DELANTE DE UN TEXTO DURANTE UNA HORA CUARENTA Y CINCO, SIN NADA QUE DISTRAIGA, ESO ME HACE MUUUUCHO TILIN EN ESA PARTE QUE NO CONTROLO DE MI MISMO, EN ESA «PATATA» QUE EN OCASIONES SE CONVIERTE EN «BRAVA»
«DANZAD DANZAD MALDITOS» NO PUEDO DECIR MUCHO PORQUE ESTOY EN PLENO PROCESO, PERO TRAS VER LOS ENSAYOS, HE DE DECIR QUE NO DEJARA INDIFERENTE A NADIE, QUE ESA BESTIA PARDA LLAMADA ALBERTO VELASCO VA A CREAR UNO DE ESOS ESPECTACULOS QUE NECESITA MADRID, NO SOLO POR LA FUNCIÓN SINO POR LA ENTREGA Y ENERGIA QUE TIENE ESE GRUPO, SON TRECE ACTORES DANDO LO MEJOR DE SI MISMOS Y ESAS COSAS SON NECESARIAS PARA QUE SALGAS DEL TEATRO «DANDO LAS GRACIAS POR DEDICARME A ESTO», ESTOY MUY ORGULLOSO DE ESTAR AHI.
¿Cómo surgió tu participación en Famélica?…Háblanos de este trabajo…
ME LLAMO JUANMA DIEZ PARA HABLARME DEL TEXTO, TENÍA MUCHAS GANAS DE HINCARLE EL DIENTE A UN MAYORGA, LO RECONOZCO, PERO LA PRIMERA VEZ QUE LO LEÍ ME ATRAPO COMPLETAMENTE, NO SE SI TANTO POR EL CONTENIDO, CREO QUE ME ATRAPO POR TENER LA VISION COMO ACTOR DE PODER DECIR ESOS TEXTOS TAN HERMOSOS. ENTRAR EN ESOS LUGARES TAN COMPLEJOS. EL PROCESO FUE BASTANTE EXTRAÑO, DURO MUCHO Y EN ESE TIEMPO TRAZAMOS TODAS LAS LINEAS POSIBLES QUE PERMITE EL TEXTO, DE ESA MANERA LLEGO UN MOMENTO QUE ENLOQUECIMOS, FUE CUANDO LO TUVIMOS QUE MOSTRAR Y SEGUIR TRABAJANDO EN ELLO, ES UN TEXTO DE UNA COMPLEJIDAD EXTREMA, POR ESO NECESITABAMOS SABER COMO LLEGABA Y QUE ES LO QUE EL ESPECTADOR RECIBIA, POR ESO DURO TANTO EL PROCESO, CASI SEIS MESES. CREO QUE ESO HA HECHO QUE AHORA PODAMOS HACER LLEGAR DE UNA MANERA MAS CLARA LAS IDEAS QUE PLANTEA LA DRAMATURGIA DEL TEXTO. ESTAMOS MUY CONTENTOS CON EL RESULTADO… Y JUAN MAS.
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
TODO EL MUNDO TIENE UN METODO AUNQUE NO LO LLAME ASÍ, YO POR EJEMPLO SE QUE LO TENGO PERO NO SABRÍA DECIRTE BIEN COMO ES. SE QUE PARTO DEL EXTERIOR DE LOS PERSONAJES, ME VIENE DE LA INMEDIATEZ DE SEXPEARE, TENER QUE CREAR HISTORIAS CON PERSONAJES MUY EXTREMOS DESDE LA ESCRITURA DEL GUIÓN. YO TENGO UNA VISIÓN DEL PERSONAJE QUE LUEGO A LA HORA DE ENSAYAR POCO A POCO SE VA ASENTANDO EN MI. NO TRABAJO DE DENTRO HACIA FUERA, NO SOY PARTIDARIO DE TENER QUE REBUSCAR EN MI PARA SENTIR, TRATO DE PONERME EN LA PIEL DE ESE PERSONAJE Y ENTENDER SU SITUACIÓN. TIENE MAS QUE VER CON APOYARME EN LAS PALABRAS QUE ELIJO PARA QUE SEAN LAS DE ESE CARACTER. LAS PALABRAS SON LAS QUE ME CONECTAN EMOCIONALMENTE CON EL.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
MUY MAL, PERO QUE MUY MAL. ESTAMOS VIVIENDO UNA LOCURA DE SITUACIÓN, NO HABLO SOLO DEL IVA CULTURAL, LA CRISIS HA HECHO QUE LA GENTE SE LANCE A HACER COSAS SIN PARAR, LO CUAL ESTA MUY BIEN, DE VERDAD, NO CRITICO COMO CADA UNO SE GANA EL PAN, ME ENCANTA Y YO TAMBIÉN LO HE HECHO, PERO ESO TAMBIEN TIENE UNA CARA NEGATIVA: (ARTISTICAMENTE) LA MULTIPROGRAMACIÓN ESTA ACABANDO CON GRAN PARTE DE SECTORES DE ESTE OFICIO, PARTES IMPRESCINDIBLES PARA UNA FUNCIÓN, ESCENOGRAFIAS, ILUMINACION, ETC… NO VOY A CRITICAR QUE AHORA ENTRAS CORRIENDO A MONTAR SIN PODER ESTAR EN EL ESCENARIO UN RATO TRANQUILO PORQUE EN EL ALFIL SIMPRE LO HICE, PERO EL HECHO DE ACTUAR UN DIA A LA SEMANA POR EJEMPLO, HACE QUE UNA FUNCIÓN NO CREZCA BIEN, ES IMPOSIBLE RECORDAR LA SENSACION DE LA FUNCION ANTERIOR DE UNA SEMANA PARA OTRA. ESO NO ES BUENO PARA DOMINAR BIEN UNA FUNCIÓN. Y (EMPRESARIALMENTE) NO TENGO LOS DATOS CIERTOS PERO CALCULO A OJO, SI EN MADRID HAY UNAS SESENTA SALAS, ENTRE TEATROS, OFF, AUDITORIOS, SALAS, ETC… (puede que me quede corto) Y ALGUNAS DE ELLAS TIENE CUATRO ESPECTACULOS, ESTAMOS HABLANDO DE QUE HAY UNOS CIENTO OCHENTA ESPECTACULOS AL DIA Y QUEREMOS QUE TODOS ESTEN LLENOS. ESTO EN TIEMPOS DE CRISIS… VOLVIENDO AL PRINCIPIO DE LA PREGUNTA, MAL…MAL VAMOS POR AQUI.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
TEATRO EN LA CIUDAD (ABADIA) VER LOS TRES ESPECTACULOS, ME HA GUSTADO POR LA INICIATIVA DEL PROYECTO, CREO QUE ES IMPORTANTE QUE AHORA SE UNAN FUERZAS PARA HACER COSAS INTERESANTES.
¿Proyectos?…
LO MAS INMEDIATO, «DANZAD, DANZAD MALDITOS», RETOMAR «SEXQUETCHES» CON SEXPEARE PARA JULIO, VAMOS A RESCATAR EL PRIMER ESPECTACULO DE SEXPEARE CON LA PRIMERA FORMACIÓN, FELE MARTINEZ Y DAVID TENREIRO, LO HACIAMOS POR BARES Y AUNQUE NOS HAN OFRECIDO SALA VAMOS A HACERLO POR BARES, REIVINDICANDO ESE MADRID CANALLA DE HACE 20 AÑOS QUE ENTRABAS EN UN LUGAR Y HABÍA UNA ACTUACIÓN, PERO NO POR ELLO TIENES QUE PAGAR EN ESE LUGAR COMO SI FUERA UNA SALA PARA HACER TEATRO, ES UN BAR CON UN ESCENARIO, NO AL REVÉS.
REPONER «CANICULA» SEPTIEMBRE.
Y EL MAS IMPORTANTE. EMPEZAR LOS ENSAYOS DE LA NUEVA DE SEXPEARE «RINCONETE Y CORTADILLO» (DE CERVANTES) CON DRAMATURGIA DE ALBERTO CONEJERO Y DIRECCION DE SALVA BOLTA.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?.
SI; COMER BIEN… SEGUID TENIENDO PUNTO DE VISTA… HACER EJERCICIO… SABER VER TEATRO… SENTIRSE GUAPO… SENTIRSE TEATRO.
Paco Déniz: Los creadores generan riqueza porque sus mentes esconden tesoros.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Empecé como aficionado en Santa Brígida mi pueblo, ubicado en Gran Canaria. Allí formé parte de la compañía La otra esquina; Dios, de Woody Allen. Los 80 son nuestros de Ana Diosdado o Aquí no paga nadie de Darío Fo fueron algunos de los títulos que representamos.
Pasé tres años en la universidad dando tumbos (uno estudiando geografía e historia y otros dos filología hispánica). En ese tiempo estuve formándome como actor en diversos cursos que organizaba el Servicio Insular de Cultura, el Aula de teatro de la Universidad o La Casa de Cultura de Schamman.
En 1994 me estrené como actor profesional encarnando uno de los guardias de La Verbena de la Paloma dirigido por Jesús Castejón, Historia de un soldado dirigido por Quino Falero y en colaboración con la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria e incluso el protagonista de Las preciosas ridículas de Moliere dirigido por Jorge Reyes para el Festival Internacional de otoño de Las Palmas vinieron después. Juan Ramón Pérez de la compañía los Profetas del mueble bar me animó a venir a la península para continuar mi formación, en concreto a Barcelona, aunque por aquello del catalán escogí Madrid. Finalmente me titulé en el 2000 en Interpretación textual por la R.E.S.A.D. y desde entonces resido y trabajo en Madrid.
¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Compositor de bandas sonoras para televisión.
Como miembro del grupo de música a Capella Vocal Factory compuse e interpreté la banda sonora de Aquí no hay quien viva y en solitario las dos últimas temporadas de esta serie más las seis primeras de La que se avecina bajo la firma de Big Bang Boka. Presenté un concurso para televisión Canaria llamado Locos de la cabeza en el que también firmaba la música y cantaba con los artistas invitados.
Realizé locuciones para empresas nada mas llegar a Madrid y por tonterías de la edad no aproveché el tirón.
Por supuesto también trabajé de camarero nada más terminar mis estudios en la R.E.S.A.D. hasta que Ernesto Caballero me ofreció el papel de Azolán en Las amistades peligrosas.
En mi juventud fuí jardinero, primero como acompañante de mi padre que también era operador del cine del pueblo ( Mi infancia fue un poco Cinema Paradiso) y luego como extra en verano para mis gastos. De esa etapa conservo unas manos de labrador encallecidas por las azadas, la tierra, la lluvia y el calor. De hecho me veo a mi mismo como un hombre de campo.
¿Qué es el teatro para ti?…
Mi profesión, mi manera de ganarme la vida. Aquello para lo que me he formado. El trabajo con el que mantengo a mi familia y pago mis impuestos. Mi vocación y uno de los motores más importantes de mi vida.
¿Por qué haces teatro?…
Porque se me da bien y porque me gusta.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
He logrado más de lo que esperaba en algunas cosas y mucho menos de lo pensé en otras. Estoy contento con lo que he logrado pero en absoluto conforme. Tengo muchísimo más que ofrecerme a mí mismo y a los demás.
¿En qué ha cambiado el teatro de tus inicios a hoy?…
Antes los espectáculos tenían más vida. Sobre todo en gira. Tal vez ahora haya más medios donde hacerse ver y eso es de agradecer. Siempre ha existido el off pero antes se tendía a lo macro. Grandes salas, grandes producciones, grandes giras. Ahora todo es micro. Se busca la intimidad, la exclusividad. Las giras son más cortas. Es un momento interesante en el que compiten modelos distintos. Mientras se respeten los convenios laborales todo me parece estupendo.
Hay que intentar generar y sobre todo mantener modelos sólidos y que se entienda de una vez que siendo fuertes generamos riqueza.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Soy un gran defensor del entretenimiento, del “pasarlo bien”. Uno va al teatro para descubrir algo nuevo, o para evadirse, desconectar del día a día y entrar en otra realidad. El espectador desea sorprenderse y en el fondo está deseando ser cómplice de lo que le proponemos. Ahora bien, cuanto más y mejor trabajado está un espectáculo más se abandona y disfruta un espectador.
¿En qué proyectos has participado durante el último año? Háblanos de ellos…
Arranqué la temporada con la gira de Montenegro, Las Comedias Bárbaras bajo la dirección de Ernesto Caballero para el Centro Dramático Nacional donde disfruté de primera mano al Premio Nacional de Teatro Ramón Barea. Todo un ejemplo de saber estar, saber hacer y saber liderar.
Luego vino Rinoceronte de Ionesco de nuevo bajo la batuta de Ernesto y el C.D.N. Representaba el papel de El Lógico. Una parodia de los ideólogos que generan las corrientes de pensamiento. Hacía pareja con el gran Juan Antonio Quintana con quien coincidí en Esperando a Godot. Realmente hicimos un grupo humano formidable. La compañía era sobresaliente (Pepe Viyuela, Fernando Cayo, Fernanda Orazzi…). Con Ernesto Caballero trabajo muy a gusto porque me da mucha libertad. Terminé rapeando un monólogo por petición suya lo que terminó siendo un regalo inesperado.
Participé en un ciclo de radioteatro en la Ser de la obra Sí, pero no lo soy de Alfredo Sanzol, dirigido por Lucía Quintana y Sánchez Cabezudo. Y he picoteado algo de televisión. Como actor un abogado sin escrúpulos en Vis a Vis, un reportero comprometido en Sin identidad y un presentador superado por las circunstancias en Anclados.
Como músico e interprete se me puede escuchar en la cabecera de la serie Aquí Paz y después Gloria. Proyecto que no firmo pero en el que participé activamente todo el verano. Finalmente desembarqué en el Teatro de la Ciudad.
¿Cómo surgió tu participación en Edipo…?
Hace quince años Alfredo montó como trabajo de fin de curso Como los griegos de Berkoff (texto inspirado en Edipo Rey). Alfredo quiso montar este Edipo con el mismo reparto. Un fin de ciclo y un inicio de otro.
Háblanos de este trabajo…
Edipo Rey habla sobre el destino, sobre lo inevitable del mismo y sobre cómo la naturaleza de cada uno nos lleva a un lugar que no podemos evitar.
Este mes se cumplió un año desde que hicimos nuestro primer taller (tuvimos tres) antes de comenzar los ensayos oficiales. Eso nos permitió tanto a los actores como al director ahondar en el estilo y en el sentido del texto.
El resultado es una representación de una hora de duración sin transiciones que produce un efecto hipnótico en el espectador ya que no te permite abandonar la atención en ningún momento. Con sólo cinco actores (Juanan Lumbreras, Eva Trancón, Elena González, Natalia Hernández y servidor) y respetando el texto original (versión de Alfredo Sanzol) se cuenta y representa al público esta historia mítica sin artificios de ningún tipo. Una mesa, cinco sillas y el escenario son nuestros elementos de trabajo. El texto queda así desnudo al servicio del público. Ha sido un reto para todo el equipo.
¿Cómo creas tus personajes?…
Cada uno es diferente. Te voy a decir cómo he creado a Creonte. Alfredo se preguntaba qué entendíamos hoy en día por personaje trágico, así que en el proceso de creación de los personajes partimos de referentes reales. Buscamos en nuestro pasado situaciones de personas cercanas que nos resultaran trágicas o que no hubiesen quedado resueltas en el pasado, improvisamos con esas situaciones y luego hicimos una segunda ronda de improvisaciones en la que defendíamos la dignidad de esas personas o de los actos que en un principio no comprendíamos. De esa defensa surgió la dignidad a partir de la cual uno justifica su manera de actuar ante el mundo. Esa dignidad fue el primer motor que tuvo cada uno de nosotros para enfrentarse a los personajes. Nuestro vestuario por ejemplo esta basado en fotos de las personas que habíamos escogido. Yo en mi caso trabajé con la figura de mi padre ( ya fallecido ). Él me acompaña cada noche cuando interpreto a Creonte y también le invito a sentarse a la mesa. Como buen jardinero llevo un ramo de flores en la mano como lo podía haber llevado él mismo.
¿Tienes un método?…
Lo primero que hago es aprenderme el texto en su totalidad para no tener que pensar en él durante el ensayo. No soporto como espectador no entender a un actor así que me esmero en desgranar lo mejor posible el texto y cada palabra. Por lo demás trato de escuchar al director e intentar comprender qué es lo que quiere y a partir de ahí me dejo llevar por mi instinto o por la técnica adquirida en los procesos anteriores.
Dentro de mis métodos sobre todo en función sigo una pauta:
-Me gusta escribir todo mi texto como si fuese un monólogo y me lo aprendo de carrerilla. Lo recito completo antes de hacer la función una, dos o tres veces depende del tiempo que tenga. Esto me sirve para que la boca «no piense» lo que va a decir y me sirve para “resetear» la línea de acción del personaje desde su aparición hasta su última salida.
-Me gusta recitarlo en la sala para afinarme con ella porque entiendo que soy un instrumento pero mi caja de resonancia es el teatro en el que voy a actuar esa noche.
-Hago unos masajes para relajar mis cuerdas vocales y al ataque.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Los recortes en nuestro sector han sido un atentado injustificado y absurdo al tejido laboral que teníamos creado. El consumidor no debe pagar un 21% de IVA por la entrada de los espectáculos que además no le desgrava lo más mínimo. Es un atraco a mano armada y obliga al sector a la precariedad constante. Está más que demostrado que el gobierno recauda menos con la subida de este impuesto y con ello han borrado el tejido laboral que teníamos construido. Con respecto a la media europea es desorbitadamente alto y sinceramente lo interpreto incluso como un impedimento para que el ciudadano tenga acceso al ocio y la cultura. Sólo la cultura aporta el 4% del P.I.B. y podría aportar mucho más si se apoyase al sector porque tiene capacidad de crecimiento y es una fuente de riqueza para todos.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado? ¿Por qué?…
Por motivos obvios Medea y Antígona.
De Medea por supuesto me cautivó su protagonista ( Grande la Medea de Aitana ) y la fuerza plástica e indómita que caracteriza el teatro de Andrés Lima.
De Antígona me sorprende una vez más el talento innato de Miguel para acceder al gran público con un espectáculo total. El Creonte de Carmen Machi fue una inspiración para mi, una experiencia liberadora.
¿Proyectos?…
Los que vengan.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Seguir creando. Los creadores generan riqueza porque sus mentes esconden tesoros.
Carlos Manuel Vázquez López: A pesar de nuestra valía y profesionalidad no logramos obtener recursos para que tanto la sociedad oyente como la sorda, reconozca nuestro trabajo y valoren la labor artística y humanitaria que llevamos a cabo.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Mis inicios en el teatro fueron en el colegio «La Purisima» para niños sordos en Zaragoza. Allí algunos años preparábamos una pequeña obra para navidad y otra para fin de curso, pero la verdadera afición por el teatro me llegó cuando vine a Madrid. Nos juntamos un grupo de jóvenes en una asociación de personas sordas y desde ese momento hasta ahora.
¿Qué es el teatro para ti?…
Para mi el teatro es una forma más de expresión artística y, en mi caso, al ser una persona sorda, una forma de transmitir, en mi propia lengua, para hacer accesible el teatro a toda la comunidad sorda. Sin nuestra labor las personas sordas no podrían disfrutar del arte del teatro en su propio idioma.
¿Por qué haces teatro?…
En primer lugar como forma de expresión personal y en segundo por difundir el teatro de calidad en Lengua de Señas Española (en adelante LSE).
¿Que balance harías sobre tu trayectoria?…
A pesar de nuestra compañía de teatro de tener pocos recursos y apoyos el balance de mi trayectoria dentro de «El Grito» es muy positivo.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
A parte de la función artística, en nuestro caso, el primordial objetivo es el hacer accesible el teatro a las personas sordas y que así puedan disfrutar de buenas obras en su propio idioma.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
He trabajado en «Método Grönholm», una magnifica obra de Jordi Galcerán y en este momento estoy involucrado en «Signos encadenados» haciendo el papel protagonista. Son obras de una temática muy actual y que han obtenido bastante éxito
¿Cómo surgió tu participación en el espectáculo que estrenáis en el Ciclo Una mirada diferente?…
En realidad la obra «Signos encadenados» no estaba preparada para el festival «Una mirada diferente» sino que iba a ser nuestro próximo estreno. Poder estrenarla en el festival es un sueño y todo ello gracias al director que confió en mi para el papel protagonista.
La obra es un thriller, muy poco visto en teatro, pero con un aire cómic. Al ser representada en LSE gana un especial interés debido a la intensidad y expresividad de actuar en LSE.
¿Cómo creas tus personajes?…
Pues, básicamente, a través del ensayo. Muchas horas de trabajo detrás de cada papel y un esfuerzo en la adaptación de textos. La constancia y el trabajo, también el compromiso, hacen que pueda meterme en el papel de cada representación.
¿Tienes un método?…
Nuestro único método es el trabajo y la constancia. Por supuesto la colaboración en equipo.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
El aumento del IVA nos ha afectado directamente en la contratación y en el numero de representaciones anuales. antes de la subida nos movíamos bastante por España, y después, con el aumento de IVA los presupuestos de asociaciones y entidades son escasos, y no disponen de presupuestos para poder contratarnos. Somos una compañía sin ánimo de lucro.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente te ha interesado?. ¿Por qué?…
«The Hole», es un espectáculo visual, con poco guión y para una persona sorda es mucho más fácil su comprensión. Me hubiera gustado ir a muchas obras más pero al carecer de interpretación a la LSE, me es imposible el llegar a comprenderlas, y muy pocas tienen sobre titulado para poder leer los diálogos.
¿Proyectos?…
Tengo varios proyectos en mente, con «El Grito», no solamente teatro sino en otras disciplinas artísticas. Pero, de momento estamos con «Signos encadenados» y esperamos que a la gente le guste.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Claro que si.
Que se apoye, de verdad, a los grupos de teatro cuya labor es hacer accesible este género a las personas sordas.
Que se baje el IVA del 21% para tener más actuaciones y poder difundir nuestra maravillosa labor a cuantos mas sitios posibles
Que nazcan cursos que motiven a los jóvenes sordos por el arte, que se creen festivales, como éste, y que la gente sepa de nosotros. Hacernos visibles antes una sociedad que no nos conoce.
En éstos tiempos una compañía de teatro de oyentes tiene muchos más recursos, prestigio y oportunidades que nosotros. A pesar de nuestra valía y profesionalidad no logramos obtener recursos para que tanto la sociedad oyente como la sorda, reconozca nuestro trabajo y valoren la labor artística y humanitaria que llevamos a cabo.
RAFA CASTEJÓN: El teatro es un lugar de encuentro y reflexión
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Pues prácticamente desde que nací estoy en ello.
Mis padres eran actores así que mamé el teatro desde el principio. Dormía en las cestas de la ropa, tomaba la papilla con los técnicos…En las compañías de zarzuela donde mis padres estaban contratados siempre que había un papel de niño lo hacía yo: La revoltosa, Agua, azucarillos y aguardiente, El bateo, La leyenda del beso, y un largo etc. La primera vez que salí a un escenario tenía 4 años. Durante años trabajé en compañías de zarzuela; en la Compañía “Isaac Albéniz” cuyo empresario era Juanjo Seoane y su director Ángel Fdez. Montesinos, en el Teatro Lírico Nacional La Zarzuela cuyo director era Joaquín Deus, combinándolo con mis estudios, hasta la edad de 12 años. Ahí me tomé un respiro de las tablas y me dediqué a estudiar exclusivamente. A los 19 “retomé” la carrera y hasta ahora.
¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Di mis pasitos como técnico de iluminación y regidor pero al final me decanté por la interpretación. La cabra tira al monte.
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Un lugar de encuentro y reflexión. Y según el tipo de teatro un arte imprescindible y necesario.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
He cumplido ya las bodas de plata como profesional. 25 años.
Creo que el balance es muy positivo. Tengo mucha suerte de poder vivir exclusivamente de la actuación, que me apasiona. Esto, lamentablemente, no lo pueden decir muchos compañeros en estos momentos tan duros para la profesión. Me siento privilegiado. También reconozco que trabajo muy duro para que esto sea así pero con todo y con eso algunas veces tampoco depende sólo de ti.
He podido trabajar con directores excelentes: Helena Pimenta, Juan Carlos Corazza, Calixto Bieito, Adolfo Marsillach, mi hermano Jesús Castejón, Tamzin Townsend, Juan Carlos Perez de la Fuente, Emilio Sagi y un largo etc.
He interpretado papeles maravillosos, entre otros: el Marqués de Poza del Don Carlos de Schiller, el Don García de La verdad sospechosa, el Autor de Comedia sin título, Samuel en El niño judío, Carlos en el Método Gronholm, y taaantos otros…
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Siempre recuerdo las palabras que les dirige Hamlet a los actores. «…cuyo objeto ha sido y sigue siendo poner un espejo ante la vida; mostrar la faz de la virtud, el semblante del vicio y la forma y carácter de toda época y momento…»
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Desde que en el 2012 entrara a dirigir la compañía Helena Pimenta y me llamara trabajo en la Compañía Nacional de Teatro Clásico. Una etapa maravillosa con tres exitazos consecutivos y con grandes compañeros de reparto; “La vida es sueño”, “La verdad sospechosa” y “Donde hay agravios no hay celos”.
¿Cómo surgió tu participación en el montaje de Hambre, locura y genio…?…Háblanos de este trabajo…
Aparte de actor, dentro de la Compañía Teatro de la Reunión, soy productor junto a Juan Carlos Corazza de la misma, así que siempre estamos pensando, dentro de nuestras modestas posibilidades, en textos para poder llevar a escena. Juan Carlos organizó un taller de investigación y creación sobre varias obras cortas de Strindberg en el Centro Cultural Conde Duque, donde en estos momentos Teatro de la Reunión tiene su sede, e invitamos a Antonio Fuentes (el director y programador del Teatro Lara) a ver este trabajo, a Antonio le encantó y nos propuso llevarlo al Lara.
Elegimos dos obras de las cinco con las que estábamos trabajando en ese taller y empezamos la preproducción, producción y explotación de lo que Juan Carlos llamó “Hambre, locura y genio” título genérico que abarca las dos obras “Débito y crédito” (si no me equivoco nunca representada en nuestro país) y “El pelícano”, esta obra mas conocida y representada, del autor sueco mas importante de todos los tiempos.
La temporada en el Off del Lara ha sido un éxito total de crítica y público con el 100% de ocupación y con muchísima gente quedándose en la calle sin entradas.
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
No me gusta mucho la palabra método, la verdad. Lo asocio con una especie de rigidez.
Y creo que tiene que ser todo lo contrario. Flexibilidad, movimiento, búsqueda, investigación. Probar de una manera u otra hasta que encuentras la mejor para esa historia y ese personaje. Ser objetivo. Dejar el ego en la puerta de la sala de ensayo. No juzgarte ni juzgar. Alimentar la imaginación. Confianza.
Si se necesita mucho compromiso con el trabajo y con la profesión. Mucho ensayo. En casa, con los compañeros… trabajo, trabajo y trabajo. No decía eso Chejov en Tres hermanas??
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Es la muerte!!
Pero si hay compañías que tienen que suspender su gira por el maldito iva!!!!
Y otras que no pueden ni empezar a trabajar!!
Y los números no le salen al gobierno. Está comprobado que se recauda menos porque desaparece el tejido industrial!! Entonces???? Por qué no lo bajan ya???
A nuestra compañía (16 personas en este momento) nos mata. Llega la hoja de taquilla y es para echarse a llorar!!
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Lamento decirlo pero han sido unos meses de tanto trabajo con “Hambre, locura y genio” y “Donde hay agravios no hay celos” que tengo la sensación de que lo último que vi fue a la Xirgu en Yerma!!!! 🙂
¿Proyectos?…
La gira de «Donde hay agravios no hay celos” con la CNTC, después….los Dioses dirán…
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Esa: seguir creando!! E intentar que sea con profundidad!!
Aitor Tejada: El teatro debe ser el espejo de la sociedad que vivimos para que los espectadores nos sintamos afectados por lo que vemos y podamos reflexionar
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Empecé en Vitoria con 16 años en la escuela de la Cooperativa Denok, una compañía de teatro de allí, hasta que di el salto a Madrid a la RESAD.
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro es mi forma de vida y mi pasión. La primera vez que vi una función de teatro profesional debía tener 14 o 15 años y sentí que yo quería dedicarme a eso, así que se puede decir que fue vocacional. Tras 20 años de carrera como actor, junto a Miguel del Arco constituimos Kamikaze Producciones y «La función por hacer» cambió mi vida. Me pasé al otro lado, la producción.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Pues no puedo estar más contento. Viví una magnífica época como actor trabajando con grandes directores y grandes compañías. Y ahora desde Kamikaze estamos levantando proyectos que me apasionan y además con muy buena respuesta del público. No puedo pedir más.
¿En qué ha cambiado el teatro de tus inicios a hoy?…
Creo que ha cambiado mucho. En cuanto a la interpretación creo que se ha dado un vuelco enorme, ahora hay una búsqueda de la verdad escénica que a mí me interesa más. En cuanto a la producción ahora hay mucha más diversidad. Nuevos autores y nuevos directores tienen más opciones de presentar sus trabajos en lugares poco habituales y el público responde a esas nuevas propuestas.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
El teatro debe ser el espejo de la sociedad que vivimos para que los espectadores nos sintamos afectados por lo que vemos y podamos reflexionar. El teatro tiene que emocionar, hacer llorar, hacer reír…
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos y de tu función…
2014 fue todo el año para «Misántropo», gira, temporadas en Madrid y Barcelona, además de una gira americana de un mes con «La función por hacer». En estas 2 funciones, además de la producción, soy el ayudante de dirección. También en ese año llevamos a cabo los talleres y la organización de Teatro de la Ciudad que han desembocado ahora en 2015 con los estrenos de Antígona, Medea y Edipo Rey .
¿Cómo surgió tu participación como productor de Antígona en el Teatro de la Ciudad…?…Háblanos de esta experiencia…
Miguel del Arco, Andrés Lima y Alfredo Sanzol comenzaron a pensar en unir sus fuerzas en un proyecto y para ello nos liaron a sus productores Joseba Gil, Gonzalo Salazar y yo para sacarlo adelante. Ha sido una experiencia muy emocionante en la que se ha conseguido que tres equipos creativos trabajen juntos y lleguen a buen puerto. Una experiencia extenuante pero que visto el resultado, tanto artístico como de funcionamiento interno, sé que va a ser una experiencia única que no sé si volveré a vivir. Todo gracias al esfuerzo de más de 60 personas que han confiado y han querido participar con nosotros y que hemos podido llevar a cabo gracias al apoyo de José Luis Gómez y todo el personal de Teatro de la Abadía.
¿Te ayuda en la producción el haber sido actor?…
Muchísimo. Porque haber estado en el otro lado hace que sepa en muchos momentos lo que está pasando por la cabeza de un actor y prevenir algunas cosas. Creo que en esta profesión, que es un trabajo de grupo, a todos nos vendría muy bien estar alguna vez en el puesto de los otros para saber cómo se viven las cosas en cada departamento.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
A compañías pequeñas como la nuestra nos está haciendo polvo. Las giras apenas existen. Ahora mismo se contrata los sábados de cada mes con lo que yéndote bien tienes 4 bolos al mes. Y pensar en ir a taquilla sin actores famosos es un riesgo que una compañía como la nuestra no puede asumir. Amortizar la inversión de un espectáculo es cada vez más complicado y si no hay amortización no hay nuevo espectáculo.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Aunque la vi hace ya casi un año en la Sala Cuarta Pared, diría que es «Yo de mayor quiero ser Fermín Jiménez» de la compañía valenciana Pont Flotant. Un espectáculo aparentemente sencillo, lleno de poesía y buen humor que nos enfrenta a qué es lo que realmente queremos hacer con nuestras vidas.
¿Proyectos?…
Muchos. Este año junto a Jordi Buxó, de Buxman Producciones, vamos a coproducir 2 espectáculos: «La clausura del amor», escrita y dirigida por Pascal Rambert, con Bárbara Lennie e Israel Elejalde y «La isla púrpura», escrita y dirigida por José Padilla. Y con Kamikaze empezaremos a finales de año a ensayar un nuevo espectáculo que se estrenará en 2016 del que pronto podremos hablar.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Pues no parar. A pesar de todas las dificultades que nos encontramos creo que es el momento de unir esfuerzos con otras productoras o con otros directores para demostrar que tenemos cosas que contar.
Que Revienten los Artistas 
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