«Mr. Gaga» en Teatros del Canal proyectada dentro de «Madrid en Danza»
Ohad Naharin, director artístico de la Compañía de Danza Batsheva, está considerado como uno de los coreógrafos más importantes del mundo. Al encontrarse con él en un punto de inflexión crítico en su vida personal, este documental enérgico y perspicaz le presentará a un hombre de gran integridad artística y visión extraordinaria.
En este documental, que se grabó durante un período de ocho años, el director Tomer Heymann mezcla imágenes de ensayos íntimos con un extenso archivo invisible e impresionantes secuencias de baile. El resultado es la historia de un genio artístico que está garantizado para hacer que tu corazón se detenga.
«Las semillas de esta película se plantaron hace unos 20 años, cuando vi por primera vez al grupo de danza Batsheva de Naharin en el escenario. Mi cabeza y mi corazón experimentaron un gran trastorno, como un magnífico cóctel de alcohol y drogas, pero sin alcohol y sin drogas. Un continuo de movimiento, música, energía, sexualidad, sensualidad y bailarinas de las que podrías enamorarte sin saber por qué. A partir de esa noche, me convertí en un consumidor obsesivo del arte de la danza de Batsheva. Naharin es un hueso duro de roer, un personaje muy complejo y contradictorio, lo que lo convierte en un tema fascinante para la imagen de un documental». Tomer Heymann, director de Mr. Gaga.
Naharin fue nombrado Director Artístico de la Compañía de Danza Batsheva en 1990 y ha mantenido desde entonces ese cargo, excepto en el Temporada 2003–4, cuando ostentó el título de Coreógrafo de la casa. Durante su mandato en la compañía, Naharin ha coreografiado cerca de 30 obras para Batsheva y su división junior, Batsheva – The Young Ensemble.
La fascinante habilidad coreográfica de Naharin y su ingenioso vocabulario de movimiento de textura suprema lo han convertido en uno de los artistas invitados favoritos de las compañías de danza de todo el mundo. Sus obras han sido realizadas por destacadas empresas y ha recibido muchos premios y honores por sus ricas contribuciones al campo de la danza.
Además de su trabajo para el escenario, Naharin ha sido pionero en Gaga, un lenguaje de movimiento innovador. Gaga, que enfatiza la exploración de la sensación y la disponibilidad para el movimiento, es ahora el método de entrenamiento principal para los bailarines de Batsheva. Gaga también ha atraído a muchos seguidores entre los bailarines de todo el mundo y ha atraído al público en general en Israel, EE. UU., Europa y Australia, donde se ofrecen clases abiertas con regularidad.
«Giselle» de la Compañía Nacional de Danza en el Teatro de la Zarzuela
Joaquín de Luz ha arriesgado en su primera propuesta de ballet como estrenado director de la CND y se ha propuesto reinventar Giselle a través del tamiz del Romanticismo español, inspirado por la poesía de Gustavo Adolfo Bécquer al igual que el poeta Théophile Gautier que se inspiró en las leyendas alemanas de Heinrich Heine y ayudado por el dramaturgo Borja Ortiz de Gondra. Se introducen elementos de escuela bolera y tradición española sin abandonar el hilo argumental y principales estrofas coreográficas.
La protagonista la encarna Giada Rossi, una Giselle correcta, con un equilibrio en las formas, . A su lado, Alessandro Riga sobresale como un Albrecht con una técnica precisa y una ejecución brillante. La escenografía, bien cuidada, recuerda los polvorientos decorados de algunas compañías rusas pero completamente renovados gracias a proyecciones e iluminación que nos actualizan la imagen sin sacarnos de esa clasicidad de la que tenemos, a veces, nostalgia.
Un único «pero» que se debería revisar es el intermedio en el que, como ahora no se puede salir a descansar, nos sumergen en una total oscuridad en lo que se prepara el siguiente acto. Quizás cuidando más este pequeño margen y aportando algo de creatividad el público pueda sentirse más relajado.
Una buena propuesta para disfrutar durante este invierno y que esperemos que siga adelante creando el inicio de un repertorio que ha empezado con la joya de la corona principal en el ballet clásico.
Luis Mª García Grande
Metamorphosis Dance en los Teatros del Canal
Elkarrizketa Ilunak (Conversaciones a oscuras)
Una de las señas de identidad del proyecto de Metamorphosis Dance es el desarrollo de un lenguaje coreográfico muy físico, heredero de los grandes coreógrafos del s. XX. Esto se traduce en una búsqueda que ahonda en las posibilidades artísticas brindadas por el uso de una técnica que, partiendo de lo académico, deconstruye la fisicalidad clásica al incorporar elementos contemporáneos actuales. Y es a partir del cuerpo que construyen un universo en el que se crean paisajes cargados de formas que se difuminan y se hacen presentes gracias al movimiento y la luz. Una pieza energética que avanza en ritmo y volúmenes escénicos.
Adolfo Simón
Las cosas en la distancia de Poliana Lima en Conde Duque
Una alegoría poética y minimalista que explora los sentimientos de permanencia y resistencia, indagando en la función de la mujer en la sociedad actual, así como su capacidad de aguante y obstinación frente a las diversas fuerzas que la hostigan. En el patio interior del Conde Duque el público se sitúa alrededor y tras las ventanas de los pisos superiores, desde ahí asistimos a la presencia de un gran grupo de mujeres que, distribuidas a lo largo de la extensión empedrada, generan un paisaje corporal, creando ecos físicos y movimientos que transforman la energía del lugar.
Adolfo Simón
Rito y cotidianeidad en el CDN
He vuelto al lugar que más amo, el teatro. De nuevo en ese espacio que te confronta con la realidad y la magia; ahora alterado por la máscara del público y la distancia entre butacas. El Centro Dramático Nacional ha inaugurado su temporada con dos piezas muy distintas que tal vez son muestra del perfil de su programación futura. Por un lado «Noche oscura» en la Sala Nieva, allí asistimos a un viaje al rito y la poesía. Una propuesta física y sensorial que se agradece en estos tiempos perturbadores. En los escenarios empiezan a aparecer obras que se nutren de múltiples lenguajes, atrayendo a un público joven que ha de renovar el patio de butacas de nuestros teatros.
Y en el María Guerrero, la segunda pieza de Carolina África: «Otoño en abril». En esta propuesta, la autora y directora nos sumerge en la intimidad de un núcleo familiar compuesto por mujeres que luchan por que su lugar y destino en el mundo no se vea enturbiado por una sociedad llena de tópicos masculinos. La cotidianeidad se ve alterada por sueños y pesadillas que a veces consiguen la luz al final del túnel.
Adolfo Simón
Leonor Leal en los Teatros del Canal con «Nocturno»
Con unas críticas estupendas y nominada a los XXII Premios Max, como mejor intérprete femenina de danza y como mejor espectáculo, llega Leonor Leal y su equipo para que disfrutemos de un espectáculo creativo, centrado en la dramaturgia y en la investigación… y no defrauda. Todos los flamencos dicen que El Flamenco es una manera de vivir, y aquí se demuestra que con una tabla de lavar antigua, o una botella y sin cante, sin faralaes ni farolillos, seas payo o gitano, podemos seguir creando desde esta manera de ver la vida.
Luis Mª García Grande
Estrenado en la Bienal de Flamenco de Sevilla 2018, Nocturno es un solo de Leonor Leal (Jerez de la Frontera, 1980) con acompañamiento en directo del guitarrista Alfredo Lagos y el tremendamente creativo e ingenioso percusionista Antonio Moreno, que saca sonidos a cualquier objeto, desde una botella a una antigua tabla de lavar. Como sugiere su nombre, la pieza, en algún sentido abstracta, tiene la serenidad de la noche, unas luces de penumbra que remiten al sueño o a la vigilia noctámbula, todo dominado por una elegante austeridad escénica que da protagonismo al cuerpo de Leonor Leal, siempre guiado por los estrictos códigos del flamenco. Pero no el flamenco escénico al uso.
Aparece a mucha distancia del número de tablao y prescinde del cante. Se centra, a cambio, en la dramaturgia, en la investigación. Leal confiesa que el objetivo principal de la pieza era experimentar una ampliación de su vocabulario coreográfico, centrado esta vez en el desarrollo sonoro y espacial. Para llegar al puerto deseado hizo alianzas de envergadura. Por un lado el músico experimental Jean Geoffroy, con quien diseñó un sugerente espacio sonoro, y por otro, con María Muñoz, líder de la compañía Malpelo, con quien confeccionó la dramaturgia de su propuesta, gestada en parte en L’Animal a l’esquena, el laboratorio de investigación que Malpelo mantiene en Celrá, Cataluña.
«El salto» de Jesús Carmona en Teatros del Canal
Dentro del ciclo Canal Baila, de los Teatros del Canal, hemos podido disfrutar esta semana del resultado que está teniendo en su investigación, gracias a la residencia en el Centro Coreográfico de esta entidad, el bailarín Jesús Carmona, que ha decidido indagar en su relación con la masculinidad y las nuevas maneras de abordarla estéticamente y como manera de crecimiento personal. En escena ocho bailarines y tres músicos nos presentan diversos cuadros surgidos de la experimentación en la forma de la danza, en las imágenes que se nos ofrece de lo masculino y cómo se ha ido desarrollando a lo largo del tiempo. El espectáculo parte de un flamenco clásico para evolucionar a una estética contemporánea, influido por la mano del director de escena Ferrán Carvajal y en el que se canaliza una fuerte energía en el baile y en la interpretación. Si bien es cierto que no existe aún, ya que el proceso de investigación sigue su curso, un hilo acabado, aunque sí un buen inicio y cierre de espectáculo, sí que podemos apreciar el esfuerzo que se hace en el camino hacia una nueva creación y ese «salto» en la evolución artística de un bailarín.
Luis Mª García Grande
«En la cuerda floja» de Ana Morales en Teatros del Canal
La 12ª edición de residencias artísticas en el Centro Coreográfico Canal para creadores y compañías profesionales (consolidadas o emergentes) se inicia con el nuevo espectáculo de Ana Morales: «En la cuerda floja». Una creación que intenta indagar en nuestros estados de ánimo y que plantea utilizar el desequilibrio como algo necesario para avanzar y vivir. El flamenco roto, contemporáneo y con una fuerza arrolladora de Morales refleja perfectamente esa búsqueda constante que hacemos, muchas veces de manera subconsciente del equilibrio y desequilibrio, de nuestra salida del estado de confort en busca de algo nuevo. Quebrado sería la palabra perfecta para definir la sensación que nos genera verla sobre las tablas. Un quebrado virtuoso, eso sí, un quebrado que sabe transmitir la búsqueda del interior y que consigue mostrarnos a través de su baile. Es un acierto por parte de Teatros del Canal haberle dado la oportunidad de esta residencia artística de creación y consolidar el tejido profesional y empresarial de las compañías, facilitando recursos y espacios con unas condiciones excepcionales que permiten en estos tiempos tan inciertos a estos artistas investigar, crear, desarrollarse y compartir los procesos creativos.
Luis Mª García
El murmullo de las casas, pieza online en el Festival Internacional de Teatro Virtual
La pandemia nos ha traído experimentos virtuales de todo tipo de disciplinas escénicas, ya nada será igual, a partir de ahora convivirán propuestas presenciales con otras online sin ningún problema; más allá de que lo vivo nos haga sentir más intensamente las emociones que nos trasmitan. Lo que deberá seguir desarrollándose y evolucionando es lo virtual, ahí se ha de buscar el lenguaje y técnica apropiada para que no sea solo un producto audiovisual. En el Festival Internacional de Teatro virtual; ya se han creado muestras conjuntas, se ha podido disfrutar de muchas propuestas curiosas, el domingo 30 de agosto se cerró esta edición con una pieza muy sugerente: El murmullo de las casas. La Compañía argentina cuerpoequipaje presentó una propuesta performática de streaming en vivo concebida y realizada en el contexto de aislamiento social preventivo y obligatorio. El trabajo presentó una dramaturgia coreográfica que orquestó la presencia de las siete performers (desde sus casas) con diseños sonoros, visuales y multimedias. En algunos momentos asistimos a una especie de collage donde esas intimidades de encierro construían un paisaje emocional y sensorial muy interesante.
Adolfo Simón
CANAL BAILA
https://www.redescena.net/noticia/6932/el-centro-coreografico-canal-estrena-el-ciclo-canal-baila/?
‘InCovidsació en Do Major’ de Sol Picó en el teatro Romano de Sagunt a Escena
Sagunt a Escena, que organiza el Institut Valencià de Cultura, l’Ajuntament de Sagunt y la Diputació de València, inauguró el pasado miércoles las actuaciones previstas en la edición de este año en el teatro Romano, con un espectáculo inédito que se estrenó con carácter absoluto. Se trata de la obra ‘InCovidsació en Do Major’, un espectáculo creado por Sol Picó con Jesús Salvador ‘Chapi’. Después de la sinergia que se estableció en su último trabajo, la producción del IVC ‘Animal de séquia’, la bailarina Sol Picó y Jesús Salvador ‘Chapi’ se han unido de nuevo para crear ‘InCovidsació en Do Major’ un espectáculo de danza en el que la improvisación, la repetición, el minimalismo y el concepto vírico de la situación actual, así como la ternura hacia nuestros mayores, el reencuentro con nuestros seres más queridos y el deseo de normalizar de alguna manera las relaciones sociales rinden un homenaje a la sociedad en general. Además, el espectáculo contó con la colaboración especial de Carles Dénia. Sol Picó se dirigió al público asistente antes de empezar el espectáculo para invitarnos a ir a los teatros, con mascarilla, con distancia…a seguir con el rito que nos reconfortará tras este tiempo incierto. Cuando se hizo el oscuro, la puerta principal del teatro se abrió al compás de la excelente banda que acompañó en directo la función, y como si esa puerta fuera la del tiempo y el futuro, fueron apareciendo cuerpos que desgranaron coreografías llenas de tensión y dramatismo. En el último tercio del espectáculo, Sol Picó apareció bajo el reflejo de la luna, sumergiéndose en el corpus de este teatro donde la memoria está incrustada en sus piedras. Una noche emocionante porque, aunque el público estaba enmascarado y distante, nos volvimos reunir frente a la danza y la música; el mejor antídoto contra el virus.
Adolfo Simón
Ciclo V.O. en Dt Espacio Escénico, segundo bloque
Conferencias performáticas…
«Queer Me Up!» por Ricardo Recuero. De la mano de Ricardo Recuero realizamos un recorrido por la historia del arte vinculado al colectivo LGTBI+, desde las primeras manifestaciones como la Copa Warren hasta las últimas y más contemporáneas propuestas artísticas.
«#Autotune 2020 – Pandemic Edition» por Álvaro Prados. “#Autotune” es un viaje a través del cual el poeta se transforma en una estrella pop haciendo que nos preguntemos qué es exactamente eso que conocemos como poesía. Utilizando textos de autoría propia y relacionando ideas de la Teoría Queer con letras de canciones del verano, frases lapidarias de programas de telebasura y personajes marginales catalogados como freaks.
Ambas propuestas tenía carácter didáctico, desde el juego y el divertimento, fue curioso observar como la historia tiene múltiples lecturas y si lo miramos con ojos libres, nos sorprenderá insólitamente.
Piezas poético performáticos
«Crisálida» por La Casa Colorada Producciones. Un viaje a través de la historia personal de Marina y su búsqueda de identidad mediante la transformación, contado por personajes transhumanos, que representan su pasado y futuro, y recorren los diferentes espacios de su cerebro.
«Y ser sólo esa carne débil…» por Estigma. Nos propusieron un pensamiento en acción, un intento de revolución, un viaje por una mente desviada y anormal.
Estas otras dos piezas presentadas en el ciclo, tenían un formato más escénico, más evocador y surreal, pretendiendo que el espectador, vía zoom, se sumergiera en un delirio mental. Crisalida, en particular, nos trasladó a mundos de una plasticidad exquisita.
Adolfo Simón
Más creación ONLINE
*CANTAR EN TIEMPOS REVUELTOS-TEATRO DE LA ZARZUELA
*DIARIO DE SUEÑOS en LA QUINTA ESPACIO ABIERTO
*Una clase de ballet a guitarra en el CND
Cápsulas CND: <https://www.youtube.com/watch?v=OAAqyoNmKt8&feature=youtu.be>
*“LA PIRA”, un streaming catártico sobre la experiencia del confinamiento en el CDN
*LA CASA ENCENDIDA…Terraza magnética
https://www.lacasaencendida.es/
XIX Ciclo V.O. en Dt Espacio Escénico
Ni la pandemia ha podido con la cita obligada de cada año y ya casi son veinte, con el ciclo V.O. que organiza Dt. Una programación que indaga en los discursos menos convencionales que rara vez se ven en las carteleras habituales. En V.O. tiene prioridad los temas más reivindicativos sobre género y sexualidad…y siempre, desde un tratamiento elaborado y lúdico. Este año son dos semanas y ya, en el ecuador de la muestra, se ha podido comprobar que el zoom es un espacio posible para buscar opciones desde las que se pueda seguir mostrando la rebeldía con respecto a las normas estancas. Y, además, con el tratamiento que han dado a cada propuesta, se ha podido sentir la cercanía con los creadores y hemos podido viajar en sus imaginarios a través de enlaces virtuales. A continuación, unos breves sobre las piezas presentadas y una invitación a participar en las que nos esperan en esta semana…
“Historia Queer del Flamenco” por Fernando López presentó su reciente compendio sobre las figuras “raras” y espacios “marginales” a lo largo de la Historia del Flamenco para abrir un debate sobre cómo la manera según la cual relatamos nuestro pasado determina de manera ineluctable el modo que tenemos de sentir, de percibir y de pensar el presente. Una conferencia muy interesante y seria para poder asimilar la memoria de nuestras raíces populares.
«Lo Kuir en escena», conferencia-charla por L. Arán Narros Redondo y Paula Alegría. En esta propuesta encontramos nociones de teoría kuir muy relacionadas con la teatralidad, como puede ser la archiconocida “performatividad” de lo kuir (Butler: 1990) que hace alusión al aparataje repetitivo y discursivo del género mediante los roles. A través de autoras como Miranda Fricker explicaron, en términos de injusticia hermenéutica el vacío de significantes que nublan la propia experiencia de colectivos oprimidos por los ejes opresivo estructurantes.
«Metodologías carroñeras para cuerpos invertidos», por Colectivo Vacaburra. Una conferencia-Freak en formato desbordado alrededor de la lectura escénica de los cuerpos sexuados. Bastardía disciplinar, investigación desleal ubicada en la mezcla, en la búsqueda de carroña metodológica y en la incoherencia corporal.
«Sexualidades des-generadas», por Gena Baamonde -mullerona-, un charloteo variado alrededor de la práctica escénica sexuada y des-generada que, en los últimos años, se hace eco de los cuestionamientos que ponen en riesgo los rígidos moldes que conforman el binomio de género y el mandato de la heteronormatividad, mostrando sexualidades habitualmente relegadas del discurso escénico, como la sexualidad lesbiana.
«Free Wee Party (La Fiesta del Pipí Libre)- confinada», por La Fabulosa. Esta pieza es una acción reivindicativa, lúdica y festiva, que junto a Free Wee Project propone la eliminación de la división por género binario de los baños públicos a través del arte. 22 artistas han diseñado unos iconos de carácter neutro. La Fabulosa se une a esta reflexión para visibilizar el proyecto y sumar aliados en una acción que incita a la transformación social. Intervenimos los baños para que hacer pipí sea libre e inclusivo, porque hacer pipí, lo hacemos todes.
https://dtespacioescenico.com/temporada-2019-2020/queer-me-up/
Sesiones por zoom, imprescindible enviar correo electrónico a:
reservas@dtespacioescenico.com
para recibir la invitación.
Caída del cielo de Rocío Molina en Madrid en Danza/Teatros del CANAL
Cierre espléndido a la breve edición del Festival Madrid en Danza con el que hemos recuperado el placer de ocupar las butacas de un teatro o de seguir viajando virtualmente por la creación contemporánea. Rocío Molina realiza un viaje fascinante desde la bata de cola con la que aparece al principio, atrapada en sus volantes blancos. Como un ser invertebrado se deshace del vestido para quedarse sin forma en la escena, con la piel transparente, esperando adoptar una nueva identidad, a partir de ahí, muta y transmuta a un cuerpo robótico aflamencado del que se desprenderá para buscar la comodidad de la privacidad fuera de escena…de este realismo cotidiano, se transforma en un detritus de basura, arrastrándose por la escena como un pincel que genera un paisaje abstracto espectral: un momento en la pieza donde se alcanzan altas cotas artísticas, para volver al cuerpo liberado de ataduras y tópicos, haciendo un guiño al público artificial que la observa en el patio de butacas. Locura, intensidad, arte en esencia.
Adolfo Simón
Susana San Juan de El Curro DT
Después de todo lo experimentado virtualmente desde casa, he vuelto a sumergirme en los espacios vivos donde se apuesta porque el teatro recupere su sentido más profundo. Dt Espacio Escénico siempre es una invitación a descubrir propuestas diferentes en el laberinto de ese lugar. Allí he viajado por muchos paisajes imprevistos. Y ahora, después del encierro, he vuelto, a ese caja de muñecas rusas que, por mucho que entres en espacios sin luz, aparece la llama del rito en algún rincón, sutilmente. Anoche, sentado en la silla, volví a sentir la curiosidad del niño que espera descubrir un nuevo y pequeño universo. Y de repente, la voz de una actriz llega desde debajo de la grada, al fondo…como en una perspectiva inquietante, una figura temblorosa parece volar…otra actriz se golpea sin querer el pecho y suena hueco…se apaga una vela y llega su olor a mi nariz tapada con la mascarilla…un coro de voces suena en la sala de al lado…y de repente…las tuberías suenan porque algún vecino de arriba ha usado el agua…Una sinfonía sensorial se compone a medio camino entre la vida y la ficción para devolvernos el placer de atravesar la realidad en un juego escénico. He visto muchas fórmulas curiosas técnicas en este tiempo…Me pregunto cómo se puede conseguir virtualmente la experiencia vivida ayer…
El espectáculo a propósito de las partes de la novela “Pedro Páramo” de Juan Rulfo, tienen como personaje central a Susana San Juan, una mujer que no era de este mundo, como el teatro.
Adolfo Simón
AL DESNUDO de Metamorphosis Dance / Iratxe Ansa e Igor Bacovich en Madrid en Danza/Teatros del CANAL
El nuevo proyecto de Metamorphosis Dance pretende mostrar al público los pilares en los que se sustenta el proceso creativo de los artistas que integran la compañía: Iratxe Ansa e Igor Bacovich. Se trata de un espectáculo de danza contemporánea que se acerca a los instrumentos creativos de la pareja con ayuda del artista visual Danilo Moroni. La danza contemporánea llega al programa del Festival con una propuesta transgresora, no solo en las piezas de baile ejecutadas si no, también, en el juego escenográfico y lumínico que por momentos, se convierten en un intérprete más. Así, el baile, el espacio, la luz y la música van fusionándose, creando un lenguaje inquietante donde percibimos el instante presente creativo pero también, las fases anteriores, en su proceso de investigación. Pocas veces nos asomamos al momento en que los cuerpos empiezan a escribir en el cuaderno de ensayo.
Adolfo Simón
Origen de Marco Flores e Ignacio Prego en Madrid en Danza/Teatros del CANAL
Origen reúne a dos influyentes artistas del momento: Marco Flores, bailaor y Premio Nacional de Flamenco, e Ignacio Prego, premiado clavecinista de referencia. Su nuevo proyecto nos adentra en un mundo de fantasía en el que la música antigua y el baile flamenco se dan la mano desde una visión libre de ortodoxias y purismos. Una pieza sobria y conceptual, un viaje a través del cuerpo y las máscaras, para llevaros a espacios oníricos donde la música empuja el imaginario de Marco Flores para luchar contra fantasmas del alma. Un espectáculo que tendrá larga vida.
Adolfo Simón
Un cuerpo infinito de Olga Pericet en Madrid en Danza en los Teatros del CANAL
Carmen Amaya ha sido una de las figuras más importantes en la historia del flamenco, su estela, muchos años después de su muerte sigue siendo alargada, inspirando y provocando a las nuevas generaciones, ella se atrevió a cambios que nadie antes se había atrevido. Olga Pericet se ha sumergido en el universo de Carmen Amaya para hacerle un homenaje y al tiempo, para batirse poéticamente con ese enorme legado y sale airosa del propósito. Podría haber sido un suicidio escénico pero Olga Pericet siempre ha estado indagando, inquieta en sus propuestas y eso le acerca al viaje personal y creador de Carmen Amaya. Sobre una inmensa constelación dibujada sobre el escenario, transitan personajes y épocas para observar, desde otro tiempo, un tiempo de cuerpos en burbujas y emociones contenidas… y a pesar de todo esto, el estallido aparece en la escena y en el brío de los pies de Olga Pericet en el escenario…No solo encontramos el perfume de Carmen Amaya si no también, el aroma futuro de Olga Pericet.
Adolfo Simón
Fandango Avenue de SARA CALERO en Madrid en Danza/Teatros del CANAL
La bailarina Sara Calero presentó anoche el estreno absoluto de su última creación, Fandango Avenue, en el marco del 35º Festival Internacional Madrid en Danza en los Teatros del CANAL. En este nuevo espectáculo, la artista se acerca al fandango, una de las formas musicales y dancísticas más importantes y representativas de la Península Ibérica, declarado Bien de Interés Cultural en 2010 y origen de un buen número de estilos flamencos. Cuando alguien preguntaba como podría ser la escena tras la pandemia, aparecía mucha incertidumbre sobre como podrían cohabitar los intérpretes con los músicos en escena, por ejemplo. No se exactamente como se ha visto afectado el espectáculo de Fandango Avenue por todo lo que hemos vivido, lo que está claro es que podría ser una elección estética y funcional lo que se mostró anoche en el escenario. Se cuidaron las distancias óptimas, hubo muchos cambios escénicos y movimientos de los artistas, sobre todo de Sara, claro está. Y sin embargo, nada me hizo pensar que había sido una elección forzada por la situación que estamos viviendo, todo tenía sentido y lugar coherente. Tal vez, en los audiovisuales había un sutil homenaje a las calles vacías de las ciudades y la necesidad de que ese paisaje gris fuese sustituido por flores gigantes de colores. El espectáculo es una suerte de collage donde las piezas se van encadenando, cambiando la paleta musical, vocal y dancística del lienzo de la escena conforme avanza la propuesta. Además, ante el éxito de venta del aforo reducido, he podido tener ocasión de ver online la obra, algo que ya hemos integrado en el encierro, la escena en la pantalla.
Adolfo Simón
Volver al lugar de los sueños
Cuando pase el tiempo, podremos contar que…»Vivimos una experiencia insólita, estuvimos encerrados en casa durante tres meses y en ese tiempo, no pudimos refugiarnos ni un solo día en ese lugar donde todo se altera, el tiempo, las historias, el encuentro en vivo en los teatros.» Y podremos decir algunos, la noche del 17 de junio volvió el rito, nos reencontramos en la casa de la imaginación: El Teatro. Anoche volvió a abrir sus puertas los Teatros del Canal y allí estuve, no podía faltar a la cita porque, durante esto tiempo de aislamiento he sentido la falta de ese lugar donde abstraerme de la realidad, ese espacio donde experimentar todo tipo de emociones, como muchas veces no se sienten en la vida. Después de mucho tiempo volví a prepararme para la ceremonia, me volví a vestir para ir al teatro y acudí como quien va a una cita especial; las mariposas revoloteaban en mi estómago al llegar al edificio. El telón ya estaba levantado en la calle, la música y la animación nos recibían antes de entrar en el hall del teatro donde la medida de temperatura sería la prueba final para poder acceder a la sala. El patio de butacas y el escenario ya nos esperaban con cierta teatralidad, por un lado, una agrupación de música nos hacia más fácil la espera y en las butacas que no podían ser ocupadas, naturaleza verde y figuras estáticas creaban una atmósfera extraña que evitaba la sala distante y vacía. Y se hizo un leve oscuro tras las palabras de Blanca Li para recordar a las víctimas de la pandemia. Y sobre el oscuro, aparecieron los pasos de Israel Galván, transfigurado bajo una leve luz, realizando un rito mágico con sus manos y su cuerpo, tratando de realizar un exorcismo al momento que vivimos, para despejar la niebla y el miedo ante un futuro incierto. Durante una hora asistimos a una pieza breve y sencilla, cargada de emoción. Poco importa si lo que allí ocurrió y se vio no dejará satisfecho a todo el mundo, tal vez a mí no ha provocado lo que otras obras en un patio de butacas pero, lo importante creo no era lo teatral anoche, era la posibilidad de romper el maleficio de un teatro cerrado, recuperar el espacio de la emoción y el encuentro, dejando claro que el teatro no es un lugar de peligro, es un espacio de VIDA y SANACIÓN!. Las entradas para las obras programadas en este peculiar Madrid en danza están agotadas pero se pueden ver vía online, consultar en la web del Teatro. Larga vida al TEATRO!!!.
Adolfo Simón
LOS TEATROS DEL CANAL REABRIRÁN AL PÚBLICO EL 17 DE JUNIO CON EL FESTIVAL ‘MADRID EN DANZA’
Primer teatro que abre sus puertas tras el confinamiento en la región y uno de los primeros en España. Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid reabrirán al público el próximo 17 de junio.
Con ‘Madrid en Danza’, el primer festival que se celebrará tras la crisis del COVID-19
Se han implementado todas las medidas de seguridad e higiene, y será obligatorio el uso de mascarilla
Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid reabrirán al público a partir del próximo 17 de junio, convirtiéndose en el primer teatro de la región y uno de los primeros en España que alza el telón tras el confinamiento. Así, la Comunidad de Madrid continúa retomando la actividad de sus espacios culturales tras el cierre provocado por la crisis COVID-19.
La directora de los Teatros del Canal, Blanca Li, ha afirmado que “la cultura es un bien esencial, los teatros públicos tienen una responsabilidad con los artistas y los creadores que son el eslabón más frágil de este sector”. Y ha añadido que “la cultura y el arte son fundamentales y necesarios en este momento, tal y como hemos podido comprobar durante la pandemia”.
Por su parte, la consejera de Cultura y Turismo, Marta Rivera de la Cruz, ha señalado que con esta reapertura “damos un paso más en la vuelta a la normalidad cultural”. “Los Teatros del Canal mantuvieron abierto el telón hasta el último momento y siempre dijimos que abriríamos en cuanto nos fuera posible. Nos hemos estado preparando para esta reapertura durante todo el estado de alarma, y además mantuvimos la actividad durante el confinamiento, de manera virtual, gracias a La Cuarta Sala”, ha destacado la consejera.
Asimismo, Rivera de la Cruz ha señalado que “es muy importante que esta vuelta se haga con total responsabilidad por parte de todos”. Y ha añadido que “como teatro público nos debemos a todos los ciudadanos que lo sostienen, y pedimos ahora a los madrileños su colaboración, su paciencia y su cariño para afrontar esta nueva etapa. Entramos en terreno que no conocemos y lo importante es que se levante el telón con todas las garantías. Tendremos que trabajar juntos, pero es muy importante lanzar el mensaje de que los teatros vuelven a la vida”.
De este modo, la reapertura del centro tendrá lugar bajo estrictas medidas de seguridad e higiene, a través de un protocolo creado al efecto y que garantiza la seguridad, tanto del público como de sus trabajadores. Un protocolo para cuya puesta en marcha la directora de los Teatros del Canal, Blanca Li, ha estado en contacto con otros teatros europeos para seguir con atención las propuestas que se han hecho en esta materia. Entre otras medidas, será obligatorio el uso de mascarillas en el interior del recinto, el aforo será reducido y las entradas tendrán formato online.
“Los Teatros del Canal actuarán como laboratorio en esta era de las artes escénicas post covid. Todo lo que aprendamos lo compartiremos, por supuesto, con todos los teatros públicos y privados que nos lo demanden”, ha afirmado Rivera de la Cruz.
Asimismo, la consejera madrileña ha explicado que la actividad de los Teatros del Canal dará comienzo con el festival Madrid en Danza, que este año celebra su XXXV edición bajo la dirección de la bailarina y coreógrafa Aída Gómez. “Qué mejor que la danza para recuperar la actividad teatral y la ilusión por vivir la cultura en vivo”, ha destacado.
Todos los detalles sobre el protocolo de seguridad y la programación de Madrid en Danza se darán a conocer a través de una rueda de prensa que tendrá lugar en los próximos días.
LOS TEATROS DEL CANAL, “ABIERTOS” DURANTE EL CONFINAMIENTO
Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid han mantenido su actividad y mostrado los mejor de las artes escénicas de manera virtual a lo largo del confinamiento. Así, el pasado 27 de marzo se ponía en marcha La cuarta sala del Canal con el fin de promover la creación artística .
Este proyecto ha reunido la creación de grandes artistas como Blanca Li, directora del centro y encargada de inaugurar La cuarta sala con una pieza titulada She, con motivo del Día Mundial del Teatro. Por otro lado, este escenario virtual ha contado con Antonio Najarro, exdirector del Ballet Nacional de España, con Pisando flores, que tuvo una gran acogida recibiendo aplausos virtuales de seguidores procedentes de Chile o Países Bajos. Y es que La cuarta sala ha sido un ejemplo de la proyección y el alcance internacional que posibilitan esta clase de iniciativas.
También Isabel Coixet ha colaborado con su vídeo Llevando medicinas a mi madre, en el que la directora de cine recorría las calles recitando el poema de Lou Reed We are the people; la cantante Edith Salazar interpretó al piano su obra Besaré tu piel; y una propuesta diferente llegó de la mano de la intérprete de danza contemporánea María del Mar Suarez, La Chachi, que aportó una escena muy doméstica con su Yo me quedo en bata, Mariquilla. Diálogo cuarenteno con una bata.
La Comunidad de Madrid y los Teatros del Canal cumplen con esta iniciativa un doble objetivo de mantener el contacto con el público y ofrecer un nuevo escenario -a través de Internet- a los creadores, actores, directores, bailarines, coreógrafos, músicos, compositores, escritores, artistas plásticos, fotógrafos y video artistas, que cuentan así con un nuevo espacio público de expresión, intercambio, encuentro y creación.
Más información sobre los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid en http://facebook.com/teatrosdelcanal y http://www.teatroscanal
MiraMiró de Baal en Cuarta Pared dentro de Teatralia 2020
MiraMiró es un espectáculo de danza y animación de vídeo que se inspira en el universo plástico de Joan Miró. Una selección de la obra pictórica del artista enmarca la pieza. Los pequeños de la casa disfrutaron de la combinación de proyecciones y trabajo corporal, una experiencia sorprendente ya que, ante sus ojos…la pantalla se fundía con los bailarines, creando plasticidad inspirada en la obra de Miró.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
Debe estar conectado para enviar un comentario.