Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

ENTREVISTAS

400 + 1 entrevistas

Vamos a empezar el año cuarto de QRLA, hasta hoy hemos publicado gran cantidad de eventos y notas informativas…Y hemos publicado 400 entrevistas a diferentes creadores artísticos para promover sus proyectos…Antes de seguir con nuestra tarea y con la entrevista 402, hemos pensando en incluir en la revista la entrevista que hace unos días publicó ABC al director de QRLA, Adolfo Simón, así conoceréis más a fondo a nuestro equipo. Esperamos que os interese.
Luis García-Grande
Co-director de QRLA

 

«El sentido del arte es situar a la sociedad ante los temas que ha de resolver»

Autor, actor, director y pedagogo, el nombre de Adolfo Simón está detrás de algunas de las más originales y atrevidas apuestas escénicas de nuestro teatro

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JUAN IGNACIO GARCÍA GARZÓN – @ABC_Cultural Madrid 13/09/2016

Nacido en Torrent (Valencia) en 1959, Adolfo Simón ha impulsado propuestas teatrales de concienciación contra el sida y de reflexión sobre el 11-M, entre otras iniciativas de fuerte compromiso social, ha dirigido con audacia, intensidad y hondura un buen puñado de textos de autores contemporáneos, ha escrito obras que se interrogan sobre las incertidumbres del ser humano («No fue un sueño», «¿Hay alguien ahí?», «Jack», «Sebastián», «Kromlech» , «David & Goliat»…), hace teatro de objetos y teatro para bebés, y en verano activa el Centro Dramático Rural en Mira (Cuenca). Es un animal de teatro que se suele mover por los márgenes situados fuera de los focos y en territorios mestizos donde los géneros se confunden. En esta entrevista traza una cartografía de su universo creativo.

Empecemos por el final. Sus dos últimos montajes, «Books» y «Karenina Express», son delicados ejercicios de teatro de objetos. ¿Puede explicar cómo ha llegado a ese proceso de depuración no sé si minimalista?

IMG_20151105_120352.jpgLas crisis pueden ser una oportunidad. Desde el principio de mi carrera artística no solo ha habido crisis económicas, también las hubo creativas, pero no lo consideré un obstáculo sino una posibilidad para reflexionar o indagar en otra dirección; curiosamente, esas crisis o las trabas que han podido surgir, no han hecho más que servirme de estímulo para defender la intuición que me ha movido siempre. Durante tres décadas he desarrollado diferentes proyectos, persiguiendo siempre aquello que creía era necesario para mí como creador y para un público de este tiempo. En otros momentos he apostado por textos y autores contemporáneos, poco a poco he ido buscando lo esencial y sencillo en la escena, tras un año y pico de pausa creativa, investigando otras dinámicas y poéticas, indagué en el teatro de objetos y lo conecté con los libros de artista, me encerré un tiempo en un espacio rural de creación y ahí surgieron «Books» y «Karenina Express»: el silencio y la poesía visual como propuesta para unos tiempos llenos de dolor y desencanto existencial.

En su universo teatral, parece que le interesa o pesa más lo pequeño que lo grande.

dscf1105Siempre digo en broma que cuando tenga la ocasión de hacer un espectáculo con cuatrocientos focos no sabré qué hacer con ellos. Nunca he buscado el efectismo, siempre he trabajado desde lo accesible a nivel material y humano, teniendo muy en cuenta qué quería contar para que la escena no fuese un espacio sin discurso ético, un territorio de confusión; prefiero iluminar con una vela o susurrar al oído que mover grandes plataformas y elementos en un escenario para no contar nada.

Repasando su carrera, se percibe que tiene especial interés por los proyectos teñidos de compromiso social (concienciación sobre el sida, 11-M…). ¿Por qué?

Hablaba al principio de crisis, en las múltiples que he tenido para profundizar en mi imaginario, hubo un antes y un después de los terribles atentados del 11-M. A todos nos afectó muchísimo; aquel día recuerdo que iba a un ensayo que se suspendió y cuando volvía para mi casa sentí que era un zombi perdido en la ciudad. No pude ayudar en nada aquellos días, me quedé bloqueado; pasado un tiempo, decidí que, si era un hombre de teatro, tenía que hacer algo desde la escena para aliviar aquel horror y dolor que se había instalado en nuestra ciudad. Convoqué a autores, a once, para que escribiesen un texto breve sobre los hechos y así surgió «11 voces contra la barbarie». A estas voces se sumaron otras del mundo de la escena y de la sociedad civil y aunque fue complicado, al año siguiente llenamos de teatro los escenarios de Madrid para reflexionar sobre este atentado terrible. DSCF1304.jpgAntes había buscado textos que hablaran sobre las desigualdades o temas que preocupasen a la sociedad en cada momento, pero el discurso directo y comprometido fue otro tras el 11-M. A partir de entonces, todos los años realizo con alumnos o profesionales acciones escénicas para seguir alertando sobre el sida, la violencia de género, la inmigración, el racismo, la pobreza o la identidad sexual. Es extraño que algo terrible como el 11-M me permitiese ver con claridad dónde tenía que poner el acento ético en mi trabajo. Después vendría… «Grita: ¡Tengo sida!», «Heridas», «Teatro x alimento»… Para mí es necesario situar a la sociedad frente a los temas que ha de resolver, ese es para mí el sentido del arte.

Tras sus comienzos en Barcelona, se trasladó a Madrid en 1983 y aquí sigue. Ha estado vinculado a la Sala Cuarta Pared. Cuéntenos ese itinerario y por qué decidió establecer en Madrid su campamento.

Aunque nací en Valencia, mi padre era de Madrid y siempre se hablaba de esta ciudad como un lugar especial, pero al que no vinimos nunca durante mi infancia y adolescencia. El paso por Barcelona fue casual, aproveché la oportunidad para desplazarme a allí a trabajar muy joven y no lo dudé, aunque siempre estuvo Madrid en el punto de mira. De nuevo, no ir directo a los lugares me permitió descubrir el teatro en la Ciudad Condal donde estaba en plena efervescencia. Ver los primeros trabajos del Teatre Lliure y el ambiente de aquella ciudad me dejó una impronta importante para el devenir de mi trabajo posterior. Pero tenía que llegar a Madrid, una vez aquí tardé en encontrar un lugar con el espíritu que había vivido en Barcelona. Aquí, en Madrid todo estaba cambiando, pero todavía había muchos lastres de las formas de hacer de otra época. Cuando descubrí Cuarta Pared en la sede original, en la calle del Olivar, sentí que había encontrado mi lugar. Ahora hay actividades para niños en todas partes, pero no puedo dejar de recordar que en los principios de los noventa fue en Cuarta Pared donde realicé los primeros talleres para niños y jóvenes en esta ciudad. Fue una experiencia hermosa en la que ya intentamos hacer algo más que divertirnos. Ha pasado un cuarto de siglo y ahora hay muchas posibilidades de ocio y aprendizaje en nuestra ciudad a las que se acude asiduamente, pero aquellos principios fueron difíciles a la hora de plantear otra poética escénica, muchos compañeros se quedaron en el camino y aun así, se construyó un circuito y formas de hacer para la escena que han nutrido mucho a otros espacios y profesionales «a posteriori» y que, esta última crisis que estamos viviendo y la mala gestión cultural de nuestras instituciones casi ha desahuciado; no solo se echa a personas de sus casas, a veces también se expulsa al teatro de los escenarios y casi nadie protesta sobre esto cuando la cultura es tan importante y necesaria como la educación o la sanidad para el desarrollo del ser humano.

«La cultura es tan importante y necesaria como la educación o la sanidad para el desarrollo del ser humano»

Ha trabajado con textos de bastantes autores españoles contemporáneos y usted mismo es también dramaturgo, ¿se atreve a aventurar un diagnóstico sobre la salud de nuestra literatura dramática?

En mi primera etapa como director, que casi duró dos décadas, tuve la suerte de llevar a la escena obras de autores como Sergi Belbel, Juan Mayorga, Rodrigo García, Angélica Liddell, Raúl Hernández Garrido, Beth Escudé i Gallés, José Ramón Fernández, Carlos Be, Francisco Nieva… Y muchos más. En aquel tiempo todos estábamos trabajando y aprendiendo, descubriendo y redescubriéndonos… Siempre me ha movido la curiosidad, encontrar nuevos discursos literarios, escénicos o formativos. Así he indagado en nuevas kareninaenhabitar1dramaturgias, cabaret, «clown», danza contemporánea, todas estas experiencias han ido conformando mi particular manera de entender la escena. Ahora creo que todo es demasiado inmediato y que no hay conexión entre las disciplinas. En los noventa organicé y dirigí en Cuarta Pared los cursos «Aforo de verano», allí acudían a estos talleres todo tipo de artistas o estudiantes, los bailarines hacían dramaturgia y los autores indagaban en el «clown», había mucha curiosidad y necesidad de descubrir nuevas formas que solo se podían apreciar en lo que fue un referente para todos nosotros en aquella época, el Centro Nacional de Nuevas Tendencias Escénicas. Hoy tengo la sensación de que se hace un cursillo y ya se cree que se conoce la materia y se pone en marcha y se expone frente al público de inmediato. Creo que hay mucha confusión en el panorama, habría que darle la oportunidad al público para que opinase más. Creo que habría que distinguir en la cartelera qué está en proceso, de prueba o ya es una propuesta definitiva. Si volviese a dirigir textos de autores de hoy, habría, no obstante, unos cuantos nombres sobre los que me interesaría trabajar en su poética.

Es uno de los pocos directores que ha montado una obra de Angélica Liddell, «Nubila», autora muy celosa a la hora de dirigir sus propios textos. A mí me pareció un montaje formidable. Háblenos de la experiencia.

Sumergirse en la obra de Angélica Liddell es una experiencia transformadora si lo haces sin límites y honestamente. Aún recuerdo aquel verano en el que nos encerramos todo el equipo y yo en una sala de ensayos. Allí entramos para descubrir sin pretenciosidad que se escondía tras las palabras y las imágenes de «Nubila». Angélica ha sido para mí, junto a otros dos o tres autores a los que he dirigido, una oportunidad de sentir que todo el material y el proceso es un enigma, un trayecto que no sabes cómo terminará y ni si sobrevivirás a él. Recuerdo que se escribía, durante la representación, el texto en unos paneles de papel, al revés y alguien me dijo que esa era la escritura de la muerte. Creo que Angélica escribe en trance, como una médium y si estás disponible, la experiencia de trabajar en su obra se convierte en eso, en un rito ancestral donde el tiempo se detiene y te obliga a caer en un abismo del que van surgiendo flores monstruosas de gran belleza que hablan por sí solas en la escena, creando un universo único y transformador para quien lo hace y quién lo observa desde el escenario. Seguramente, «Nubila» fue una de las experiencias en las que más crecí como director que intenta escribir en escena entre las líneas del texto del autor.

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«Angélica Liddell ha sido para mí, junto a otros dos o tres autores a los que he dirigido, una oportunidad de sentir que todo el material y el proceso es un enigma»

También ha hecho talleres de teatro para bebés, un ámbito en el que habla de dramaturgia invisible. ¿Cómo es ese teatro? ¿Difiere mucho en lo esencial del teatro para adultos?

Mi curiosidad me ha llevado también a conocer a fondo el teatro para la infancia, leyendo, escribiendo, asistiendo a espectáculos, etc. Siempre digo que el teatro para niños no se hace, salvo excepciones, con el respeto que merece. Por suerte esto ha cambiado bastante en los últimos tiempos. Cuando descubrí el teatro para bebés me quedé fascinado, era un espacio donde la sensorialidad, las artes plásticas, la poesía se instalaban para crear diminutos universos con los que captar la atención de los más pequeños. Conseguí realizar algunas propuestas tanto aquí en España como en Argentina y Chile.unnamed.jpg Toda esta indagación me llevó a elaborar un taller donde la tarea fundamental era construir una dramaturgia exenta de palabras, había que «escribir» con otro tipo de lenguajes y las posibilidades que surgen entonces son maravillosas, de nuevo, un espacio diferente en el que desarrollarme como hombre de teatro. Creo que no es erróneo cuando aparece la publicidad en la que dice: «Teatro para espectadores de 0 a 100 años» porque al final, lo que se propone es un viaje poético y vivencial que a todo tipo de espectadores le puede beneficiar. Al principio era complicado que entendiesen este tipo de propuestas porque requería de otro tipo de disposición en la escena, otra relación escena-público, ahora ya se tienen más oportunidades de ser programadas estas obras, pero eso también ha llevado a que a cualquier cosa se le llama teatro para bebés y debiéramos ser más serios a la hora de elaborar o programar este tipo de propuestas porque es para el imaginario más frágil, el de los bebés y lo que ahí se siembre, generará el público del mañana.

Autor, director, actor. ¿Una esquizofrenia llevadera? ¿Cómo combina todos esos aspectos de la creación escénica?

Procuro estar atento, en los espacios de pausa o crisis que vivo, para escuchar hacia dónde he de dar el paso siguiente, a veces es un trayecto interesante y en otras ocasiones he de dar un giro porque me había metido en un paisaje creativo donde no me sentía cómodo ni útil. Si no siento que lo que hago está conectado profundamente, termino huyendo de allí. Prefiero estar en ningún lugar o viajando a ninguna parte que quedarme en un espacio cómodo y de funcionario que cumple su horario y punto. Tanto cuando gestiono, imparto talleres, escribo, dirijo o en las pocas ocasiones que he actuado, he de sentir que he de hacer eso porque va a tener sentido y utilidad para mí y para quien tenga contacto con ello, sin pensar en el éxito económico y social ni en la trascendencia; si ese hubiera sido mi objetivo, habría movido los hilos de mi carrera de otro modo. Al final, esta locura de jugar al teatro y a mil roles, es lo que me ha salvado de la locura personal, si el teatro no se hubiera cruzado en mi vida no sé qué habría sido de mí.

Mantiene asimismo una faceta pedagógica que, supongo, le exigirá un proceso de reflexión y clarificación de muchos conceptos de cara a quienes escuchen sus lecciones. Comente, por favor, esa faceta de sus actividades.

_mbq1050Cuando me preguntan por qué imparto clases siempre dejo claro que no es por tener unos ingresos mensuales sino porque de ese modo sigo aprendiendo yo también. Para mí, mis clases, que en estos momentos imparto dentro de la asignatura de dramaturgia en el curso regular de Cuarta Pared, me permiten seguir en contacto con todo lo que surge cada año en cualquier disciplina escénica o artística y una vez experimentado por mí, lo comparto con los alumnos. Además, he de seguir indagando en toda la documentación que tenemos desde el origen del teatro hasta hoy. Así que es una experiencia inagotable que me ayuda a seguir creciendo y descubriendo para transmitirlo en las clases, con el objetivo primordial de que los que asisten a ellas se interesen en esta profesión no como seres manipulables sino como personas con criterio e identidad. Vivimos tiempos en los que la manipulación está al pie de la calle y es muy fácil conseguir que un joven termine siendo un clon tuyo o que piense como uno. A mí lo que me interesa en ponerles en contacto vivencial con el arte en todas sus múltiples facetas y que ahí, descubran y construyan su propio ideario. Sé que no son tiempos propicios para la ética y la poética, pero mi deber es transmitirles valores y herramientas, después, ellos tendrán que elegir y moverse en esta sociedad compleja para encontrar su propio lugar, en el teatro o en la vida.

«Realizo acciones escénicas para seguir alertando sobre el sida, la violencia de género, la inmigración, el racismo, la pobreza o la identidad sexual»

Ha creado un Centro Dramático Rural en un pueblo de Cuenca, con cursos, jornadas culturales y hasta un concurso de piezas breves de teatro. ¿Cómo surgió el proyecto y se ha ido desarrollando?, ¿cómo acogen los vecinos esta experiencia singular?

De nuevo, la casualidad o la causalidad de este largo viaje me ha llevado a volver a los orígenes, a Mira, el pueblo de mi madre donde iba en ocasiones a visitar a mis padres y donde me dejaron una pequeña casa en el centro del pueblo cuando murieron. Si yo hubiera tenido que elegir un lugar donde instalar un espacio de creación seguramente no habría sido en este pueblo pero, ahí llevo varios años apuntalando un espacio donde convoco a cómplices artistas que van a vivir allí experiencias y dejan su impronta en las calles y recovecos del lugar. Sin la generosidad de todos ellos no habría sido una realidad que hoy, tras mucho esfuerzo y empeño, empieza a tener sus pequeños frutos, allí hemos llevado a cabo, gracias a los audiovisuales que ha realizado Garcygrande sobre los mayores del lugar, cuatro documentales a los que hemos llamado «Retratos de memoria». La peculiaridad del lugar hace que cada calle esté separada por un pequeño muro blanco y he convocado a jóvenes artistas de artes plásticas para que vayan llenando los muros con su arte, creando así el «Museo en los muros de Mira-Arte al aire libre», algo que cuidan los vecinos cuando no estamos allí y que me enorgullece mucho porque al final es para ellos, para que el pueblo sea cada vez más hermoso y atraiga a gente de otros lugares. También han residido allí, en estancias creativas, profesionales de la talla de Sonia Megías o Mónica Runde para poner en marcha sus nuevos proyectos. Y la otra propuesta que está teniendo cierta resonancia es el Certamen de Textos Breves de Teatro Francisco Nieva del que ya se han realizado dos ediciones en las que se han presentado y seleccionado textos de autores tan importantes como Guillermo Heras, Pedro Víllora, Chema Rodríguez-Calderón, Raúl Hernández Garrido o Rafael Ruiz Pleguezuelos. Este año se presentarán los textos de la segunda edición en el Salón Internacional del Libro Teatral de la Asociación de Autores de Teatro en Madrid. Todos estos pequeños logros sé que irán creando un eco en aquel lugar de La Mancha del que ahora sí quiero acordarme.img_0067 (1).jpg

 

Por último, el futuro. ¿Qué proyectos tiene entre manos?

Pues llevar «Books» a la Casa do Marioneta dentro del Festival Muscarium #2, Festival de Artes Performativas em Agualva, Cacém, Sintra, en octubre y seguir buscando lugares donde mostrar esta pieza y «Karenina Express». El nuevo curso de Dramaturgia 2016/17 en Cuarta Pared. La preparación del programa para el año que viene en el Centro Dramático Rural, donde habrá más danza, fotografía, artes plásticas, teatro y nuevas estancias de creación; probablemente la primera con una universidad americana que nos tiene muy ilusionados. Y, sobre todo, seguiré indagando en mis últimas búsquedas escénicas sobre el teatro de objetos y libros de artista, concretamente en dos piezas que ya están en proceso: «ABC», un libro caja-teatro que espero estrenar a primeros del año próximo, y «Álbum», el teatro de sombras más pequeño del mundo. De todo esto espero hablar más cuando se presenten. Y lo más importante, seguir atento a mi discurso personal, huyendo del ruido que nos aturde en esta sociedad deshumanizada.


Juanma Cifuentes: El teatro para mí es mi filosofía de vida

cifu¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Mis inicios en el teatro fueron como creo que son para casi todos. Primero en el colegio haciendo las típicas representaciones de fin de curso. Luego interesándome por ello y buscándome la vida para encontrar un grupo de teatro en este caso en mi ciudad, para hacer algo que no sabes como hacerlo bien, pero sabiendo que te gusta mucho(Grupo de Teatro Albernia en Albacete). Divertirte enormemente con este oficio o profesión o Arte y después planteandote tomarlo de una manera más seria y convenciendo, por aquel entonces, a mis padres que quería ser actor. Hasta conseguir la primera meta importante que fue hacer unos exámenes y acceder a la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid. La trayectoria hasta ese momento fue un recorrido desde la ilusión, las ganas de aprender, la responsabilidad de hacerlo bien, el placer de divertirte haciendo lo que más te gusta y la responsabilidad de aceptar esta profesión como la única opción de vida.

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¿Qué es el teatro para ti?…
El teatro para mí es mi filosofía de vida. Actualmente y profesionalmente no concibo esta sin mi medio de vida. El teatro es un aspecto fundamental para el ser humano que ha acompañado a todas las civilizaciones y que ha ayudado a establecer la sociedad en todos las etapas de la humanidad. Es una disciplina de nexo social que ha ayudado a través de los tiempos a unir, a conocerse, a identificarse, a educarse, a medirse, a celebrarse, a comprenderse, a emocionarse y a entretenerse a un pueblo que siempre lo ha reclamado, exigido, amado y respetado. Por desgracia no se si estas finalidades se han olvidado, perdido y dejado de lado para intentar llevarlo a otro sitio en el que el teatro no creo que se sienta a gusto y está perdiendo su identidad, esperemos que no para morir definitivamente, si no para renacer como Ave Fenix y recuperar el sitio de importancia que creo que hay que otorgarle, justamente.

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¿Por qué haces teatro?…
Hago teatro porque a dia de hoy, no se hacer otra cosa. Siempre digo medio en serio, medio en broma que si tuviese que ganarme la vida de fontanero, me moriría de hambre. Es cierto, yo no soy productivo, salvo cuando estoy en escena. Y no me refiero a que sea o no sea mas o menos bueno a ojos de los espectadores, me refiero a que se hacer lo que hago y punto. Soy feliz haciendo lo que hago, disfrutando de lo que soy encima de un escenario, sin importarme apenas lo que piense o deje de pensar un critico, un compañero o un espectador. Me entrego al juego escénico pensando exclusivamente en mi felicidad, plena, absoluta, sincera y curativa. Así que el teatro para mí es mi terapia diaria, mi yoga descontracturante, mi Taichi particular, mi recarga de baterías diaria que permite que siga vivo hasta el fin de mi existencia.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
He estado involucrado en una serie de televisión llamada “Gym Toni”, una experiencia que no me ha gustado nada y que lamento que las nuevas formas de hacer televisión se aparten de la excelencia y traten a los actores y al equipo como esclavos al servicio del producto. Esa ha sido mi experiencia, no tiene porque compartirla nadie de los que allí han estado pero fue el motivo que me llevo a dejar la serie en la tercera temporada. Después me dediqué a hacer una de las cosas que más me gusta en estos momentos, la dirección y la docencia. Dirigí y adapte un “Buscón” para Antonio Campos, luego “Clásicas envidiosas”, un texto de Chema Muñoz que desde que lo leí, me apetecía dirigirlo y ambos están vendiendose muy bien y cosechando muchos triunfos, como se decía antiguamente. He dirigido uso cuantos títulos de opera: “Dido y Eneas”, “Bastian y Bastian, “Liebe Mozart” y he participado en otras series de televisión como: “ Cuéntame”. El musical de el “Hombre de la Mancha” de nuevo pero esta vez con la Orquesta Sinfónica de Ciudad Real. He estado dando clases o impartiendo conocimientos en Aisge y en el Instituto Tomás Navarro donde he dirigido una obra escrita y dirigida por mi que se llama: “Una hora Lorca” y sigo con mis clases particulares de coach vocal e interpretativo que llevo haciéndolo desde hace años. La parte que más me ha llenado de todo este proceso de este ultimo año por supuesto las dos puestas en escena y la labor de docencia.

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¿Cómo surgió tu proyecto actual?…
Si como proyecto actual te refieres a “Clásicas envidiosas”, he de decirte que Chema Muñoz, estuvo colaborando conmigo en la dirección de otro espectáculo que por desgracia no llegó a estrenarse que se llamaba “Señor Presidente”, no el micro teatro del mismo título que ese si se estrenó, sino la obra de teatro escrita por mi. Allí nos conocimos y allí Chema me propuso leer la obra. La leí, le dije lo que me parecía y el me dijo: “Que bien que pienses así de ella porque vamos a hacerla y quiero que la dirijas”. Sacamos unas fechas en común y disciplinadamente nos pusimos con el montaje. El resultado, una comedia inteligente, deliciosa y muy divertida. Con un reparto de lujo y un equipo de primera.

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¿Cómo fue el proceso de creación de tu trabajo?…
El proceso fue como deben ser todos los procesos, un ejercicio de búsqueda hasta encontrar lo que de verdad te convence. Como cualquier proceso creativo y contando con un equipo que respondía a cualquier estímulo que yo planteaba, sin cansancios, sin excusas y con mucho entusiasmo, llegamos a convertir esta experiencia en un juego escénico de aquellos con los que disfrutas haciendo, viéndolo y compartiéndolo. Un espectáculo que ha ido creciendo y que sólo con los pocos pases que hasta ahora se han hecho ha conseguido una magnifica gira y estar en un teatro de la Gran Vía haciendo una temporada merecidísima. Y todo lo que se le viene encima¡¡¡¡¡¡. Chinchilla, Almagro, Ciudad Rodrigo. El Gran Via y las giras ya cerradas por Comunidad de Madrid, Castilla León, etc…

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¿Proyectos?…
Mis proyectos a día de hoy son: Descansar, Nueva serie “La Catedral del mar”, nueva dirección y actuación “Genialogía”, otra opera para Noviembre y para Enero una propuesta para ir a dirigir a Miami una obra de teatro. Seguir con las clases. Así que de momento muy _


Huichi Chiu: El teatro es un laboratorio de ideas

hui1-¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Vine a España porque quería ser bailaora de flamenco en 3 años pero me di cuenta enseguida de que eso era pura fantasía. Luego conocí a un joven actor y me recomendó la escuela de teatro de Mar Navarro, me dijo que yo tenía muchas cosas oscuras dentro de mí y que allí podría sacarlas. El primer año se entrenaba sólo el cuerpo y la voz, pero no texto, y como entonces yo casi no hablaba nada de castellano, era un plan perfecto para mí. Hice una entrevista y me aceptaron.

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-¿Qué es el teatro para ti?¿Por qué haces teatro?…
Es un laboratorio de ideas, un lugar donde se aprende la importancia del “aquí” y el “ahora”, y de la honestidad, la sinceridad con uno mismo, con los compañeros y con el público. Y ser generoso, vivir el momento con plenitud. Además gracias al teatro, y por un tema de nervios claro, voy bastante bien de vientre.

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-¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos… ¿Cómo surgió tu proyecto actual?El año 2015 participé en “El señor Ye ama los dragones”, que dirigió Luis Luque. Llevo muchos años haciendo teatro pero fue la primera vez que pisé el Teatro Español. Fue una experiencia inolvidable. También he estado dos años con la obra “Carne Viva”, de Denise Despeyroux, haciendo de chinoitaliana. Este año hemos hecho una obra colectiva “Iliria”, de Juan Ceacero, una versión contemporánea de “Noche de reyes” de Shakespeare. Iremos a Almagro-off en julio. Ahora mismo estoy en la última obra de Kubik Fabrik, “La historia de Usera”, de Fernando Sánchez Cabezudo. Conocía a Fernando y su trabajo pero nunca había colaborado con él. Deduzco que me vio actuar en “Iliria”, interpretando a la Rusa, la chica marimacho, y me llamó a raíz de eso. Aunque no estoy segura porque en realidad este personaje es un chaval de 16 años y Fernando podía haber llamado a un actor varón, a Alberto Jo Lee, por ejemplo. Pero bueno, yo estoy encantada y me siento muy afortunada. Es una obra llena de magia, ternura y generosidad. Es un homenaje al barrio de Usera y una despedida emotiva porque la sala Kubik va a cerrar sus puertas temporalmente. La obra cuenta con la participación de los vecinos y pone en escena historias reales que pasaron en el barrio. Los actores y los vecinos hemos formado una gran familia. Les echaré mucho de menos.

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-¿Cómo fue el proceso de creación de tu trabajo?Cada trabajo tiene su propia metodología. En general, me siento muy cómoda con la expresión corporal y el trabajo sensorial. Lo primero para mí es memorizar bien los textos para poder sentirme libre con ellos. En este punto lo raro es que, cuando me piden que diga algo en chino, mi lengua materna, me resulta muy difícil y poco natural… Me estoy dando cuenta de que en muchas de las obras en las que he participado, mi personaje a menudo está en una posición de observador, como fuera de la vida y los líos de los otros personajes, y luego lo que dice tiene siempre un punto de ironía. Por ejemplo, el texto de mi personaje de esclava en la obra “El banquete”, que lo escribió Alberto Conejero. O el de “El señor Ye ama los dragones”, escrito por Paco Becerra. Y también este que digo en “Historias de Usera”, que fue una suerte de experimento del novelista Alberto Olmos. A través de un blog contaba la historia de un adolescente chino que quería ser vampiro, como su abuelo, pero que de momento trabajaba en la tienda de alimentación de su padre. En parte reflejaba la visión estereotipada de los españoles respecto a la comunidad china pero también aportaba mucha ironía sobre la propia identidad de los chinos. Normalmente no suelen hacer bromas sobre ellos mismos por eso me intriga bastante la reacción de los espectadores chinos…
En la preparación de la obra, como todos los días he tenido que ir a Usera a ensayar, me he fijado bastante en los chavales, cómo hablan, cómo se mueven, qué lugares frecuentan, me he empapado de ese mundillo juvenil chino. En esta obra, el escenario de la sala se ha ampliado a todo el barrio, y sus vecinos y sus historias son los verdaderos protagonistas de la obra.

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-¿Proyectos?
Hasta el día 3 de julio estoy con “Historias de Usera”; después tenemos que retomar los ensayos de “Iliria” y prepararnos para Almagro. Además de esto estoy empezando una obra nueva, “Moon River”, con la actriz y dramaturga Irma Correa y dirección de Juan Ceacero. La obra habla de los desplazamientos de las personas y los cambios que provocan en sus vidas… tomando en parte como referencia la Odisea. Estrenaremos en octubre, en Luxemburgo.

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Mar Gómez Glez: Escribo teatro porque la realidad tiende a superarme y en ocasiones me encuentro con circunstancias que soy incapaz de aprehender

marau¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Yo empecé en el colegio, con unos 11 años, actuando. Sobre todo haciendo papeles de hombre, porque en mi colegio éramos sólo niñas y no había (hay) tantas obras escritas para mujeres. Después, con dieciséis años, encontré un grupo de teatro que dirigía David Fraile, antes de entrar en la Cuarta Pared, y con ellos estuve muchos años. Mi primera obra profesional la co-escribí con Pablo Calvo, un infantil, para la compañía Yacer Teatro en el 2003. Me postulé como actriz, pero me llevé el trabajo de dramaturga, y desde entonces aunque lentamente, no he dejado de escribir.

¿Qué es el teatro para ti?¿Por qué haces teatro?…
No puedo contestar a la primera pregunta, realmente no estoy segura de ser capaz de contestar algo que defina qué es el teatro para mí. Escribo teatro porque la realidad tiende a superarme y en ocasiones me encuentro con circunstancias que soy incapaz de aprehender. No es que yo sea tonta, pero soy lenta, y gracias al teatro puedo conocer en profundidad a unos personajes y entrar en sus circunstancias de forma pausada, llegando hasta los límites de esa situación y descubriendo o intentando acercarme a su misterio.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Las pasadas Navidades se estrenó mi obra CIFRAS en su traducción al inglés NUMBERS en Newark (New Jersey), fue algo muy bonito porque se trata de una de las ciudades más diversas de todo Estados Unidos y la obra trata sobre inmigración. En Febrero y Marzo se representó en Los Angeles mi obra 39 DEFAULTS, una obra que yo siempre re-escribo para adaptarla al tiempo y el lugar en donde se representa, ya que es una obra en donde se plantea la discusión política de una forma muy directa.

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¿Cómo surgió tu proyecto actual?…
La idea de “Fuga mundi” surgió alrededor del año 2003, cuando yo escribía mi tesis de master en la Universidad Carlos III del cine y teatro sobre inmigración español. Muchas de las obras que encontré en mi investigación me pareció que daban, con la mejor de las intenciones, una imagen muy paternalista del inmigrante, del extraño, del otro. Una de las excepciones fue “Animales Nocturnos”, de Juan Mayorga, que vi precisamente en el Teatro Guindalera. No sabía quién era Juan Mayorga y fue la primera vez que visitaba Guindalera, la obra me impactó tanto que hice gestiones para conocerle y le pedí por favor que me dejase acudir a la clase que entonces impartía en la RESAD, “El dramaturgo como historiador”. Tomé la clase como oyente, en esta clase leímos “El Tuzaní de la Alpujarra” de Calderón de la Barca y la discusión en clase liderada por Juan me animó a pensar en una obra que hablase del momento en que España dejó o pretendió crear la ficción de ser un país homogéneo. Quise situar la obra en un convento, y que en esta obra hablasen sólo mujeres porque las mujeres hemos sido también extranjeras dentro de nuestro propio país, de cara al discurso oficial histórico, en el que mayoritariamente no aparecen. Con esta obra me dieron una beca como artista residente en la Residencia de Estudiantes en el 2005 y allí la escribí mientras daba clases en New York University en Madrid, por aquel entonces me pidieron que diese una clase sobre Sor Juana Inés de la Cruz y el personaje de la escultora fue tomando forma, con Sor Juana, La Roldana y Teresa de Ávila. Se puede decir que esta obra marcó profundamente mi carrera casi a pesar mío, ya que yo entré a estudiar un doctorado en hispánicas en New York University, ya en Estados Unidos, y queriendo escribir una tesis sobre Roberto Bolaño, terminé escribiendo una tesis sobre la propia Santa Teresa y su concepto del secreto, que ahora, viendo el montaje de Guindalera, y después de hablar mucho con Juan Pastor en los meses previos al estreno, me doy cuenta de que ya estaba en la obra. Para mí la puesta en escena de “Fuga mundi” da a la expresión “¿qué fue antes, el huevo o la gallina?” una nueva dimensión.
En “Fuga mundi” no quise hablar directamente del tema de la cuestión del encuentro con los otros, sino a través del arte. La premisa de una escultora tallando una imagen de la Virgen con la cara de una morisca que se interpreta según y cómo se mire como una obra santa o una obra hereje, me servía para investigar el tema de cómo manipulamos (y manipulan) nuestra propia percepción según determinados intereses políticos o personales, o ambos. Por eso en la obra no falta Cervantes ni su ironía, y además de la cita sobre los moriscos con la que termina la obra, era necesario introducir “El retablo de las maravillas”, que explica perfectamente la postura de uno de los personajes, la MARQUESA, en quizá el momento más cómico de la obra.
Mientras yo tenía en la mente escribir una obra sobre “los otros” inmigrantes, en las primeras lecturas públicas me sorprendió cómo se iba interpretando la obra en relación al arte y su capacidad de puente, no ya con “los otros” sino con “lo Otro”, ese Otro absoluto e inaccesible que sólo el arte y, para algunos, la religión, la meditación o las drogas, pueden llegar a hacer presente. La relación entre JUANA y su escultura es el eje central de la obra, como bien me hizo notar mi amiga la escritora mexicana Carmen Boullosa, que viene apoyando la obra desde hace años y me invitó a leerla en el Museo del Barrio en Harlem. Es una obra que trata de lo que miramos y de lo que no miramos, de cómo nos miramos a nosotros mismos, de cómo miramos a los demás y de cómo miramos lo que no se puede mirar y está velado.

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¿Cómo fue el proceso de creación de tu trabajo?…
Yo prefiero escribir con actores y con compañía, pero FUGA MUNDI era mi primera obra y la escribí yo sola en mi cuarto, organizaba alguna lectura con mis amigos y me daban notas.

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¿Proyectos?…
Ahora estoy trabajando con dos actrices en una historia de amor, y va a haber dos producciones de CIFRAS (nuevamente en su traducción al inglés) en el extranjero, una en Munich y otra en Bombay, de la mano de Rebeca Cobos.


Carmen Navarro: El teatro es un espacio donde crear realidades donde no las hay…imaginar y hacer imaginar

nava¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Divertidos, ilusionantes…no paraba. Estaba en un grupo
independiente de teatro en Valencia y trabajaba mientras estudiaba en la
Escuela Superior de Arte Dramático y Danza. Hacíamos teatro de calle,
cabaret, teatro “convencional”. También bailaba. Todo era novedoso.
Aunque si soy sincera, mis inicios en el teatro eran las fiestas en casa
con toda la familia. Siempre terminaba disfrazada con ayuda de mi
abuela. Nos encerrábamos las dos en su habitación y abríamos su
“misterioso” armario empotrado, donde siempre encontraba el vestuario
perfecto para imaginar personajes diversos, que luego interpretaba
encima de la mesa para toda la familia.

¿Qué es el teatro para ti?
Es un espacio donde crear realidades donde no las hay…imaginar y
hacer imaginar. Es pura vida.

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¿Por qué haces teatro?…
Es una necesidad vital. El aquí y ahora que supone subirse a un
escenario cada día, me hace estar en constante aprendizaje,
sorprendiéndome, divirtiéndome. Me apasiona y hace que me sienta
siempre en riesgo…cada día es distinto. En constante búsqueda.

¿En qué proyectos has participado durante el último año?
En “DELICIA” de Triana Lorite y dirección de Alverto Velasco. En
“NO HAY MEJOR DEFENSA QUE UN BUEN TINTE” y “LAVAR,
MARCAR Y ENTERRAR”, texto y dirección de Juanma Pina.
“McBIG”, dirección de Jóse Martret. “AGASOJO POSTINERO A
PACA AGUIRRE”, con poemas de Paca Aguirre y texto y dirección de
Rafa Ponce. En “LA VOZ HUMANA” de J.Cocteau dirección de Inés
Piñole y dirección artística de Pedro Berdäyes.

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…Háblanos de ellos…
Por orden. Para Delicia me llamaron de un día para otro para hacer
una sustitución “exprés” y ha resultado ser literalmente una “delicia”.
Reparto de lujo con compañer@s que además son amig@s. Volver a
compartir escenario con mi amiga Juana Cordero. Y encontrarme con
Triana Lorite y Alberto Velasco. Me interesa mucho lo que cuenta el
texto. Triana me parece una dramaturga con mucho futuro y con la que
me encantaría seguir trabajando en nuevos proyectos. Es una mujer
inteligentísima y con mucho que contar. Además te la comes de lo linda
que es. Delicia sigue de bolos, después de haber estado varios meses en
el teatro Lara.
Para “No hay mejor defensa que un buen tinte” me llamaron Juanma
Pina y Juan Camblor, responsables y creadores de la productora
MONTGOMERY. No los conocía, pero el texto me gustó desde la
primera lectura. Juanma escribe con un estilo muy surrealista y un
humor que al mismo tiempo y dentro de esa locura, muestra personajes
que son pura realidad. Con ellos he tocado la felicidad. Entrar a ensayar
cada día me hacía sentir que el mundo funcionaba. Y trabajar con Mario
Alberto Díez y Fran Arráez, una maravillosa sorpresa. Tan diferentes y
con los que aprendo cada día. Después Juanma me ofreció compaginar
el personaje de Gaby de “Lavar, Marcar y Enterrar” con Mirian Díaz
Aroca y dije sí sin pensarlo. “No hay mejor defensa” es el spin-off del
personaje que interpreta Mario Alberto en “Lavar…” Teatro en serie. Y
los dos personajes femeninos de ambas obras son completamente
diferentes y apasionantes. Un reto y una oportunidad de oro. Con
Juanma quisiera trabajar en todos sus proyectos, por sus textos, su
manera de dirigir, su forma de ser. Lo adoro.
En McBig fue también una sustitución exprés, pero siempre que me
llama Martret “lo dejo todo”. Imposible decir que no a un hombre que
ha hecho y sigue haciendo teatro de esa calidad con tan pocos recursos y
que ha convertido primero La Casa de la Portera y ahora La Pensión de
las Pulgas junto con Alberto Puraenvidia, en espacios de referencia,
imprescindibles en el panorama teatral actual. Todo el mundo que
conoce a Jóse, sabe que lo quieres desde el primer momento. Solo
estuve un par de meses en la obra, pero fueron intensos y gratificantes.
Y por último La voz humana…uno de los proyectos más personales,
con la compañía “betsyflora” que funda Inés Piñóle, Rosario
Santesmases y Pedro Berdayës. Llevábamos mucho tiempo trabajando
en ella. Inés veía la obra como un monólogo a tres voces. En el camino
pasaron dos actrices que finalmente dejaron el proyecto…y seguíamos
Rosario, Inés y Pedro dirigiendo, y yo. Mucho tiempo de intenso trabajo
interrumpido y vuelto a retomar, hasta que finalmente Inés, además de
dirigir entró como actriz. El resultado ha sido muy satisfactorio. Jóse y
Alberto nos dieron la oportunidad de estrenarla en La pensión de las
pulgas, el escenario soñado para la obra.
Tengo mucha suerte con las personas con las que trabajo y con los
textos y personajes que interpreto.

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¿Cómo surgió tu proyecto actual?…
A Delicia llegué a través de Juana Cordero y Coral Bedregal. Juanma
me buscó y a Inés la conozco desde hace muchos años porque ambas
hemos estudiado con el maestro Fernando Piernas y somos amigas.

¿Cómo es el proceso de creación de tu trabajo?…
Mucha lectura de texto con mirada inocente. Análisis y estudio del
mismo y sentido común. Después me pongo en manos del direct@r, a
su servicio, como al servicio del personaje. Con confianza y sin juicio.

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¿Proyectos?…
Sigo con NO HAY MEJOR DEFENSA QUE UN BUEN TINTE y
LAVAR MARCAR Y ENTERRAR en el teatro Lara los fines de
semana. Con DELICIA de bolos. Y con “betsyflora” estamos
preparando otro texto del que de momento no puedo hablar, además de
seguir con LA VOZ HUMANA, que esperamos poder reestrenar en
Julio.


Blanca Oteyza: Para mí el teatro es… vida. Es mi historia.

MD07. MADRID, 22/09/07.- La actriz Blanca Oteyza posa durante la entrevista que concedió a Efe con motivo de su primera incursión en el teatro clásico con "El perro del hortelano", de Lope de Vega, a las órdenes del director británico Laurence Boswell, que hace compatible con la serie televisiva "CLA No somos ángeles". EFE/Kiko Huesca

 

¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?
Desde el colegio. Siempre me gustaba hacer de narrador en las obras.
Era la que contaba o leía el cuento; y la que estaba más tiempo en escena…
Eso me gustaba.
Luego, pasé a hacer los guiñoles de las clausuras del cole.
Venía muchísima gente y era muy emocionante.
Y fui… “apuntando maneras”
Escuela, aprendizaje, viajes
Y caí en Buenos Aires.
Tuve el privilegio, de estrenar por primera vez como profesional
en el Teatro Cervantes de esa maravillosa ciudad, hasta la bandera .
Con maravillosos compañeros y de la mano del maestro David Amitin.
Y así empezó mi historia

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¿Que es el teatro para ti?¿Por qué haces teatro?
Para mí el teatro es … vida. Es mi historia.
Llevo más de 28 o 29 años ligada a el.
Como actriz, productora, autora; desde hace unos años además, dirigiendo el teatro
“El Castillo”, y como directora de su escuela de artes, y ahora…
Durante 17 años, junto con Miguel Ángel Solá tuvimos Compañía propia,
y mis dos hijas se han criado en camerinos y teatros.
Siempre he procurado tenerlas conmigo. Incluso estando de gira.
A Través del teatro, han transcurrido momentos muy importantes de mi vida .
Si quiero recordar a algo o a alguien de mi vida , siempre viene unido con :
“tal obra que estaba haciendo”
“en tal momento que estábamos de gira en …”
“cuando estábamos ensayando …”
Qué raro sería vivir sin teatro.
No me lo puedo imaginar
No sería Blanca Oteyza, sería otra persona
Hacer teatro es un reto y riesgo continuo. Son sueños
Es la verdad, el aquí y ahora. No hay trampa ni cartón .
Me emociono cuando hablo de teatro. Y me pasaría horas haciéndolo
A la vez es un juego. Y a la vez es una responsabilidad brutal, dar vida
a un personaje así, “en vivo y en directo ” Que depende de ti.
Te vuelves un instrumento
Desnudarte y exponerte
… Lo encuentro valiente

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¿En que proyectos has participado durante el último año?…
He terminado de representar junto con Mario Rochman “Pieza Inconclusa”
He seguido ampliando mi escuela de artes
He seguido dando clases
He seguido programando en el teatro “El Castillo”
He buscado y leído proyectos de teatro para interpretar y producir
y he encontrado
He seguido criando a mis dos adolescentes….

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¿Como surgió tu proyecto actual?
De la mano de mi amigo Julio Bravo y de su talento
Quedamos a comer bastante a menudo y en uno de esos días, alrededor
de una buena mesa, me propuso dirigir “Addio del Passato”
Yo sabía que la estaba escribiendo, hablábamos de la obra de vez en cuando y siempre le dije que me parecía muy valiente y arriesgado, y a la vez que un proyecto precioso
Cuando me lo propuso me sentí muy, ¡ halagada, muy orgullosa !
Pero no dije enseguida que sí, tardé días y una comida o dos más .
Era mucha responsabilidad y la obra no es fácil ; seis actores, diálogos
llenos de emoción, a la vez poca acción, una versión de la Traviata que es barbara, la “Pensión de la pulgas “, y Julio Bravo estrenando y en boca de todos. Dios mío!!
¡Pues claro que dije que sí, como me iba a negar!
Y así empezó esta andadura de dos amigos, alrededor de una mesa y subidos en un mismo barco.

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¿Proyectos?
Sí. Este año me subiré de nuevo al escenario .


TIME OUT en Surge Madrid-Entrevista

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¿Cómo surgió la propuesta que presentáis en Surge?
En nuestra formación como bailarines estábamos muy unidos y después de trabajar unos años cada uno por su cuenta nos volvimos a encontrar, esta vez por las ganas de HACER juntos.La idea de ser mas fuertes en la union y de tener una infraestructura que nos permitiera llevar a cabo diferentes proyectos hizo que naciera Aula 3 plataforma de creación. TIME OUT nace de esta unión, partimos de un concepto común y tres maneras diferentes de afrontarlo. 3 CARAS DE UNA MISMA MONEDA.

¿Cómo ha sido el proceso de creación?
Muy sencillo en el entendimiento personal. Tres idiomas que se han conseguido hablar y entender. Habido una experiencia muy enriquecedora. Vemos las cosas, las imaginamos y las creamos desde sitios muy diferentes, esto ha hecho que el trabajo sea muy personal y diferente a lo anteriormente vivido.
El proceso fue madurando pasando por sitios diversos como son: C.C. Eduardo Urculo; Espacio en Blanco; Canal; Conde Duque; La Nave del Duende. En todas sacamos algo y ello nos animaba a sacar adelante la pieza larga. El pasar por el Certamen Coreográfico de Madrid el pasado Diciembre 2015 nos hizo mucho bien porque pudimos presentar un boceto de lo que ahora es Time Out. El caso es que de ahí salimos premiados con la beca-residencia para ayuda a la creación en La Nave del Duende (Casar de Cáceres). En la Nave pudimos ahondar más en el proceso y cerrar los 50 minutos aproximados de la pieza. Toda una experiencia.

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¿Qué os parece un Festival cómo Surge?
En estos últimos años Madrid se ha llenado de bailarines y creadores por la mejora en la oferta de formación. Paralelamente, debido a la famosa crisis y los recortes, la oferta de programación y la opción de trabajar en compañías consolidadas se ha visto mermada o totalmente amputada por el cierre de compañías. Esto ha hecho (y no decimos nada que no se sepa) que la creatividad surja por defender lo que a uno le mueve y para lo que se ha formado toda su vida. El hecho de lanzarse a crear no a todo el mundo le gusta pero en estos tiempos en que todo se reinventa es, dentro de lo malo, emocionante. No con ello defendemos lo que ha sucedido en este país con la cultura, pero por ver cosas buenas creemos que la gente joven se está moviendo y está surgiendo algo diferente que aunque no sume a lo anterior si podrá generar otros modelos y otras formas de trabajar. En cuanto al “Surge” nos parece un festival necesario. Sin idea de sustituir a ningún festival que haya podido desaparecer (es una pena) es una oportunidad para esos valientes que se atreven con el sector y que quieren defender su manera crear.

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¿Cómo es la situación actual para la creación contemporánea?
Evidentemente no vamos a decir que esté bien para nada. Hablando de la danza en particular, es una pena que un país con tanto potencial en el sector esté tan poco explotado. La formación y la creatividad de los españoles es un potencial que se ve fuera. Podemos comprobarlo observando los elencos de muchas compañías europeas llenas de españoles a día de hoy. Esto no es nuevo y tampoco malo. Lo que sí da pena es que en otros países la danza tenga tanta visibilidad en televisión, teatros durante todo el año, universidades y lo más importantes institutos y colegios y aquí casi nada o nada. Creemos que la lacra de la danza en España está en que no nos hacen valorar este arte desde pequeños. Los beneficios para la sociedad y para el sector en si está probado que son brutales. El fomento de la creatividad, el contacto con los compañeros y el conocimientos de nuestro propio cuerpo desde pequeños haría de la sociedad española una sociedad más empática, libre pensante y sensible. A parte de esto, el posible público que no se hace a los 30 años, son esos niños/as. Si sumamos el tema del IVA al 21% (que hacen difícil que una producción sea rentable) y la no facilidad para jóvenes de acudir a teatros a ver danza lo veo difícil.
Esto es lo que hace difícil que uno se lance a crear con facilidad o no tire la toalla a medio camino. Si no hay para quien bailar , no se bailará. Creemos muy mucho en el fomento de la danza dentro de la educación no artística y la mayor visibilidad en medios de comunicación. Esto retroalimentará todo y hará más productivo las pocas inversiones que se hacen hoy en todo el resto del engranaje.


Quique y Yeray Bazo…”Nada que perder” en Cuarta Pared

bazo-1¿Cómo fueron vuestros inicios en el teatro?

Fue nuestro tío, el director de escena Eduardo Bazo, quién nos inoculó el virus

del teatro. Fue él quien nos puso en contacto con el teatro desde niños, cuando

íbamos a ver los montajes que hacía para compañías canarias como para la

emblemática Delirium Teatro. Sin embargo, no se nos había pasado por la

cabeza la idea de dedicarnos profesionalmente a la escritura dramática hasta

que, nuestro propio tío, nos animó a escribir la dramaturgia para una nueva

puesta en escena de la ópera infantil Brundibar. Se trataba de un proyecto que

estaba llevando para el Teatro Real, el Coro de la Escolanía del Orfeón

Pamplonés, ABAO y Ópera de Cámara de Madrid. Nos lanzamos de cabeza

con esa imprudencia que sólo puede dar la ignorancia. Escribimos, nos

equivocamos, volvimos a escribir… y quedamos enganchados. Decidimos que

queríamos formarnos y volver a visitar las tablas. Así comenzó este camino de

aprendizaje en el que seguimos.

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¿Cómo surgió vuestra participación en Nada que perder?

Todo empezó en los Laboratorios de escritura dramática que convoca Espacio

de Teatro Contemporáneo (ETC) de la Cuarta Pared. Allí formamos parte de un

proceso de investigación y escritura en el que conocimos a Juanma Romero y

a Javier G. Yagüe (co-autores de Nada que perder). Fue una experiencia de

aprendizaje compartida y de trabajo en equipo que sentó las bases para que,

posteriormente, Javier nos reuniese de nuevo para escribir la nueva producción

de la Compañía Cuarta Pared.

Habladnos del proceso de escritura…

Desde el principio Javier tenía claro que quería apostar por un proceso largo y

reflexivo, donde tuviésemos libertad para investigar todas las posibilidades de

la trama, los personajes, el estilo… ¡De hecho la escritura llevó más de año y

medio! Cada semana nos reuníamos para comentar los materiales escritos,

aportar nuevos elementos, replantear puntos de vista. El tramo final de la

escritura se hizo con los actores, haciendo crecer las escenas e incorporando

los hallazgos que Marina Herranz, Pedro Ángel Roca y Javier Pérez-Acebrón

encontraban en sus improvisaciones.

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¿De qué referentes estéticos o temáticos os habéis nutrido para este proyecto?

Nada que perder es una obra muy heterogénea en cuanto a sus referentes.

Formalmente parte del requisito de que todas las escenas debían de

construirse a partir de la fórmula del interrogatorio. Esto nos llevó a tomar como

punto de partida el género del thriller y la serie negra; en este sentido los

referentes iban desde la narrativa (Connolly, Pelecanos, Price, Markaris,

Simenon, etc.), series de televisión (The Wire, Better Call Saul, The Closer…

pero también otros referentes como The Good Wife, Breaking Bad o, aunque

parezca extraño, The Walking Dead) y, por supuesto, teatro (Paradivino,

Corman y Rebeldías posibles, producción anterior de la Cia. Cuarta Pared, que

nos ayudó a entender el paso siguiente que teníamos que dar). A nivel

temático, el referente fundamental era el periódico. Partimos de una

recolección de artículos periodísticos que Javier había rescatado desde 2006

hasta la actualidad. De estos artículos seleccionamos las noticias que más nos

impactaban y las usamos como trampolín para decidir la trama. Más allá de los

artículos, resultaron cruciales las cartas al director. Ese otro material nos ayudó

a dar voz a el tercero, personaje que participa en las escenas como una suerte

de conciencia que se hace y hace preguntas continuamente.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que os embarcáis? ¿Qué os

anima a participar en ellos?

Nosotros tenemos la suerte de ser dos que escriben juntos. Eso hace que se

pongan más temas sobre la mesa. Las ideas surgen de cosas que leemos, que

vemos, que suceden y nos remueven de alguna manera. A veces es por

curiosidad: encontramos un tema que nos “pica”, nos ponemos a leer y

documentarnos hasta que nos decidimos a escribir sobre él. Otras veces es

como una forma de reacción a algo que nos afecta; una manera que tenemos

de “negociar” con la realidad en que vivimos.

¿Cuál ha sido vuestra evolución como autores?

Nosotros empezamos en esto de escribir teatro de una forma muy intuitiva, un

poco “callejera”. Luego tuvimos la enorme suerte de conocer a quien se ha

convertido en nuestro maestro, José Sanchis Sinisterra, que nos invitó a

participar en ese maravilloso proyecto que es el Nuevo Teatro Fronterizo.

Gracias a José, y acompañados por un nutrido grupo de escritores, iniciamos

un proceso de aprendizaje en el NTF: haciendo talleres, escribiendo y leyendo

mucho teatro. La otra pata clave en nuestra formación y evolución ha sido la

Sala Cuarta Pared, que nos seleccionó para participar en dos ediciones de sus

laboratorios de escritura en ETC. De hecho, nos gusta decir que la Cuarta

Pared ha sido nuestra “mili”. Sus procesos de investigación tienen un alto nivel

de exigencia y su apuesta por la innovación y el riesgo, nos han hecho dar un

paso más en nuestra escritura.

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¿Creéis que se puede aprender a escribir teatro?

Cuando uno se sienta a escribir teatro sin tener formación, te das cuenta de

que es un género complejo con unas reglas propias. Eso quiere decir que hay

una técnica que puedes aprender. Hay algo que privilegia al escritor de teatro y

es que tiene la oportunidad de aprender de los mejores autores de su país.

Dramaturgos como Juan Mayorga, Alfredo Sanzol, Alberto Conejero, José

Sanchis Sinisterra, María Velasco, y muchos otros, dan talleres que se

convierten en verdaderos revulsivos para los autores que asistimos.

¿Tenéis un método para escribir?

Antes de escribir una sola letra dedicamos mucho tiempo a hablar sobre lo que

queremos escribir; primero en nuestra oficina hasta que nos bloqueamos; y

después dando un paseo por lo que llamamos “la otra oficina”: la calle. Este

proceso nos suele llevar mucho tiempo. Luego nos enfrentamos a la página en

blanco con una sola regla: si algo de lo escrito no convence a uno de los dos,

va fuera (previa deliberación, claro; a veces hay que vender cara la derrota).

¿Hay que esperar a que un texto se haya estrenado para publicarlo?

¡Por supuesto que no! Como defiende el dramaturgo César López Llera “el

teatro también se lee”. Es cierto que el teatro es un género literario pensado

para terminar de completarse sobre las tablas. Pero también puede, y se debe,

disfrutar como lectura, sin importar que haya sido estrenada o no. De lo

contrario, numerosas obras valiosísimas quedarían en el olvido sólo porque no

tuvieron la difícil suerte de ser estrenadas.

¿Por qué escribís teatro?

La respuesta a esa pregunta tiene bastante que ver con el motor de Nada que

perder. Al igual que le ocurre al personaje de el tercero en la obra, nosotros

escribimos porque no sabemos… y queremos saber, o al menos intentarlo.

Para nosotros la escritura teatral es la forma que tenemos de hacernos

preguntas que nos inquietan.

¿Se puede vivir hoy de escribir teatro?

En nuestro caso no. Pero podemos decir que tenemos la suerte de que nos

ganamos la vida escribiendo. Eso es gracias a que trabajamos como creativos

y guionistas en el mundo de la publicidad y los eventos. También es una

escritura muy exigente, con sus propias reglas, unos plazos frenéticos y un

condicionante fundamental: supeditarse a la tiranía del cliente. Pero, a cambio,

es un oficio del que nunca te aburres, muy cambiante, en el que siempre estás

buscando formas de reinventarte y hacer cosas nuevas. No en vano, tiene una

regla de oro: “eres tan bueno como tu último trabajo”.

¿Habéis realizado otras tareas en teatro además de la escritura?

Respetamos demasiado el oficio de dirección o interpretación como para

intentar inmiscuirnos en él.

¿Cómo veis la situación teatral en estos momentos?

Vivimos un momento muy interesante. Contamos con una de las generaciones

más preparadas y activas del teatro español. Autores, directores y actores se

unen en proyectos creativos de lo más variopinto e innovador. Las salas del off

se han convertido en espacios donde han podido mostrar sus obras, donde las

han testado y reevaluado. Esto ha generado mucho conocimiento en los

equipos y ha permitido que no pocos de ellos se asomen a los grandes teatros

de nuestro país. Es cierto, que esto se ha hecho gracias a un gran voluntarismo

que no siempre ha ayudado al resultado artístico. Sin embargo, ahora

empezamos a ver un esfuerzo por profesionalizar la actividad, apostando por

establecer unas condiciones dignas de trabajo. Avanzar por este camino

enriquecerá enormemente nuestro panorama teatral.

¿Es diferente en Canarias?

En Canarias vivimos un gran momento, algo que queda claro si pensamos en

las trayectorias que tienen en marcha dramaturgos como Antonio Tabares o

José Padilla. Pero, además, es una Comunidad que está haciendo un trabajo

muy importante para formar a sus autores gracias al impulso de compañías

como 2RC Teatro, que han creado Canarias escribe teatro, una iniciativa con

actividades de formación (han hecho talleres con autores de la talla como

Antonio Tabares, Borja Ortiz de Gondra, José Ramón Fernández o Sergi

Belbel), y les da la oportunidad de testar los trabajos surgidos en esos talleres

ante un público y nada menos que en una sala del prestigioso Teatro Cuyás.

De este trabajo está resultando la creación de un grupo de autores que ya

están cosechando éxitos.

¿Qué montaje que hayáis visto últimamente os ha interesado? ¿Por qué?

(Q) Rinconete y Cortadillo de Alberto Conejero, dirigido por Salva Bolta. Un

hermoso homenaje a la palabra de Cervantes y a la habilidad que tuvo para

retratar a este país. Conejero convoca a los dos pícaros lendrosos, ya

maduros, para congelarnos la sonrisa en la cara al hacer que nos demos

cuenta de que las miserias de las que nos reímos siguen siendo las mismas

desde hace siglos.

(Y) Muñeca de porcelana de David Mamet, dirigido por Juan Carlos Rubio. He

de reconocer que el texto me decepcionó un poco. Aunque da igual, porque

sale de José Sacristán.

¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de

crisis?

Pensar lo que pensara Negrín, aunque a él no le sirviera de mucho: “resistir es

vencer”.

¿Proyectos?

Ahora estamos embarcados en dos proyectos que nos tienen muy ilusionados.

El primero lo estamos llevando a cabo con nuestros compañeros de

Nuevenovenos (www.nuevenovenos.com), un colectivo de creadores del

mundo de las artes escénicas y el audiovisual del que formamos parte. Se

llama Contexto Teatral y es un portal sobre nuevas dramaturgias que vamos a

lanzar esta primavera. Se trata de una herramienta on line con la que

queremos dar a conocer la obra y los autores que conforman el rico panorama

actual de la dramaturgia española (y que poco a poco también abriremos al

panorama internacional). El otro proyecto es el montaje de nuestra obra Tres

días sin Charlie, un texto que fue reconocido con la Mención de Honor en la

última edición del Premio Lope de Vega. Es una obra que recorre los tres días

que duraron los atentados al Charlie Hebdo, narrados desde un prisma muy

particular: el de los comentarios y las reacciones que esos ataques provocaron

en la ciudadanía, expresados conforme sucedían, a través de Internet y las

Redes Sociales.


Carolina Román: El teatro es el espacio más real y verdadero que conozco.

roman0¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Yo empece a estudiar en el centro cultural Ricardo Rojas en Buenos Aires. Alli fundamos una pequeña compañía de teatro con la que recorrimos circuitos underground, nos estrenamos en el mítico “Ave Porco”. Todos escribíamos, dirgiamos, actuábamos, vestíamos y colocábamos focos y lo que hiciera falta. En este lugar coincidíamos todos, me refiero a cualquiera que tuviese algo que contar , seas quien seas.Ya no hay Ave Porcos, ni Dorados, ni Nave Jungla, ni Morocos.Esta fue una época dorada y excitantemente creativa.

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¿Qué es el teatro para ti?¿Por qué haces teatro?…
Es una manera de vivir, de contar historias desde una necesidad, un espacio vital en donde aportar nuestro granito de arena en esta realidad, y digo aportar, porque aquí le ponemos voz a muchas personas que necesitan ser escuchadas. Es el espacio más real y verdadero que conozco. Hago teatro para vivir acorde conmigo misma.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
En el último año estuve de gira con dos montajes míos. En Construcción bajo la dirección de Tristán Ulloa, del que soy autora y actriz junto a Nelson Dante y que tantas alegrías nos dio desde el premio a mejor obra en el Festival Internacional de Huesca, mas las dos nominaciones a los Premios Max de dramaturgia novel y dirección. Llevamos ya casi 4 años entre estreno y giras.Cada vez que la representamos se torna mas actual, es una obra que esperó su tiempo para que sea interesante, al principio nadie la consideraba, porque tratar un tema social como la crisis económica, la inmigración no les parecía atractivo.Si bien es una historia de amor, está contextualizada en Madrid y toda la realidad socioeconómica del momento como telón de fondo. El otro montaje del que también soy autora y actriz es Adentro, dirigida también por Tristán Ulloa.Nuestro éxito en el Maria Guerrero el año pasados propició su gira esta temporada.La suerte de haber tenido la sala llena a diario y unas críticas maravillosas ,hicieron que este año nos vuelvan a reprogramar en la Sala Princesa.Una oportunidad de oro estar otra vez en el Centro Dramático Nacional.Tambien es el segundo año en cartel Luciérnagas, de la que en sus inicios fui autora y directora.Actualmente están de gira con una adaptación de mi texto a cargo de otra directora.En otro campo estuve a cargo de la dirección de actores en la película “Tini el gran cambio de Violeta” próxima a estrenar esta semana,con la que tuve la suerte de trabajar en los míticos estudios Cinecittà. Tener tu propia oficina en la Fabbrica dei Sogni es un sueño cumplido.Acabo de estrenar Río Seguro en el Teatro del Barrio como autora y directora de este montaje, en el que cuento con los actores Jorge Monje, Aixa Villagran y Kike Guaza. Es mi última apuesta, y en este salto al vacío espero encontrar una red, es un momento muy complicado y poner en pie una obra es un acto de amor y de fe.Y por ultimo, esta semana acaba un ciclo llamado “microfusion” en el Microteatro Por Dinero, en el que tuve el gusto de participar en la dirección de un texto “Quiero ser como George Clooney” con los hilarantes Juan Martín Gravina y Roberto lezana.Es una fórmula neoyorquina, en donde un texto va a concurso y luego se elige la directora, a la vez los actores elegidos deben estar en una plataforma y la condición es no haber trabajado con ellos, me parece una muy buena oportunidad para todos y para salir del circuito endogámico.

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¿Cómo surgió tu proyecto actual?…¿Cómo el proceso de creación de tu trabajo?…
Yo escribo desde la vomitona, siempre tengo historias que contar.El compromiso que siento es el de contar la misma realidad que todos vemos, pero desde mi propio lente.En eso soy escrupulosa, no me gustan los trabajos sin afinar.El texto es la guía y después viene lo mas interesante, la investigación, prueba y error, y así hasta lograr contar aquello que queríamos y de la manera que necesita ser contado,así es como trabajo.Oyendo la necesidad del montaje, dejando participar a cada uno en su rol.

"Adentro" de Carolina Román Dirección: Tristán Ulloa Reparto: Nelson Dante, Araceli Dvoskin, Noelia Noto, Carolina Román Alexandra Alonso-Santocildes (Escenografía), Eduardo A. Chacón (Iluminación), Clara Bilbao (Vestuario), Nelson Dante (Espacio Sonoro), Perucha (Caracterización) Diego Sabanés (Ayudante de dirección), Isidro Ferrer (Diseño cartel), marcosGpunto (Fotos), Paz Producciones (Vídeo)

¿Proyectos?…
Con mi compañía de teatro Adentro, ya estamos urdiendo el siguiente montaje.Tambien este año buscare novio para mi primer largometraje como directora y autora.Me acompañan en este sueño Ana Torrent, Ana Fernandez, Ana Wagener, Tristán Ulloa, Joaquin Climent y Roberto Enriquez entre otros actores.No puedo estar mejor acompañada.No es fácil sacar adelante un proyecto así, y aunque es una fórmula muy austera, todo lleva su tiempo, pero estoy segura de que lo lograremos.roman8

 


Gustavo Galindo y Mamen Camacho: ¡Hemos venido a jugar!

real¿Cómo surge la obra presentada en La Pensión de las Pulgas?.
G- No fue fruto de una búsqueda consciente, si me pongo interesante diría que
este montaje me eligió a mí y no al revés. Primero me llegó “Los cabellos de
Absalón” de Calderón, y no daba crédito a la potencia que tenía el texto.
Recuerdo la cara de Mamen cuando leímos juntos una de las escenas
principales que pasa de ser encantadora a terrorífica, ahí supe que teníamos
algo gordo entre manos. Se lo pasé a mi socio Iván Luís y decidimos montarlo.
Esta primera obra me llevó a “La venganza de Tamar”, de Tirso de Molina, las
dos tratan acerca de la familia del rey David y sus hijos .
Planteando hacerlo viable a instancias de producción, decidimos fusionar
ambas obras y centrar las tramas en el ámbito doméstico de la familia. Toda la
acción sucede dentro de una casa.
Aunque el espectáculo se planteó y estrenó para
un escenario a la italiana el espacio de La pensión de las pulgas nos viene que
ni pintado.

¿Hubo ocasión durante el proceso para que aportasen ideas el resto del
equipo en la puesta en escena?.
M- Apareció como por arte de magia el proyecto Ensayando un clásico
organizado por el festival de Almagro y justo el año pasado era sobre las
Mujeres en Tirso de Molina. Nos permitía hablar y dejarnos aconsejar, y nos
proporcionaba un espacio de ensayo durante un tiempo. Esto hizo que la idea
se pudiera materializar y comenzara a rodar.
G- Cada responsable de los distintos departamentos <vestuario, iluminación, escenografía, etc.> iba lanzando propuestas, asesoradas por reconocidos
profesionales, y desde dirección se iban encauzando. Y de ahí surgió una gran
cantidad de trabajo previo a los ensayos. Luego con los actores las cosas
toman forma de verdad y muchas ideas caen y surgen otras.

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¿Cómo ha sido el trabajo con ellos?
M- El texto estaba cerrado por Gustavo y la línea de dirección bastante hablada
entre nosotros, pero el proceso de ensayos ha sido relajado y extendido en el
tiempo, hemos montado escenas que luego han variado completamente. En el
largo periodo, todos hemos tenido el hueco para proporcionar nuestras
herramientas e ideas.
G- Sí, ha habido de todo, momentos fructíferos, momentos de tensión, mucha
complicidad, algún susto… Pero todos y cada uno de ellos han alimentado y
enriquecido el montaje que ahora compartimos con el público.

¿Hay algún referente técnico o artístico del que se ha partido para crear este
espectáculo?
M- ¡La función está llena de referentes! Ya he comentado que ha sido un
proceso larguísimo. Pues podría equiparar las horas de ensayos a las previas en
las que Gustavo y yo hemos hablado, y hablado, y hablado, y relacionado
películas, signos religiosos, música, escritos, imágenes… A los dos nos encanta
el cine, y la obra fotografía la historia de una familia que se desmorona, así que
no es muy difícil comenzar <además de por los relatos bíblicos> por referentes
tipo “El padrino”, “El violinista en el tejado”…
G- …o la trilogía “Nacional” de Berlanga, “Celebración” de Thomas Vinterberg y
“El desencanto” ; en
la pintura el cuadro “Iván el terrible” de Illia Repin; “Cien años de soledad” e
incluso canciones de Serrat y Sabina, las de nuestros padres.
En cuanto al proceso de dirección el trabajo de Declan Donnellan es siempre
muy inspirador. Pero también hay referencias en la puesta en escena a
Lubitsch, Hitchcock… Y mucho de las neurosis familiares de cada uno.

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¿Por qué haces teatro?…
M- Supongo que es una mezcla de curiosidad, atracción y asombro por la
observación del comportamiento humano, y deseo de vivir en muchos zapatos.
¡Hemos venido a jugar!
G- Yo no tengo ni idea. Creo que es un misterio o una necesidad. Atenta contra
toda lógica y más teniendo en cuenta las di’cultades, restricciones y
privaciones que debes afrontar para sacar adelante un montaje. Y a pesar de
ellas te sientes eufórico cada vez que surge una idea estimulante, un momento
de vida en escena, la hermandad y armonía de un equipo o un espectador te
confiesa que lleva días tocado por algo de la obra.

¿Qué balances haces de tus trabajos como director de teatro?
G- Yo jamás me he considerado un director de teatro. Es una faceta que debo
afrontar para interpretar las obras que me estimulan. Me gusta trabajar las
escenas con los actores pero llevo mal tomar decisiones escénicas.
Evidentemente, con la práctica voy adquiriendo más experiencia y con los años
me vuelvo más incisivo a la hora de ver la vida y plasmarla en el teatro.
Además en este montaje he contado con la codirección de Mamen, que ha
sabido alimentar mi imaginario y ha aportado inteligencia y concreción. Mamen
es mucho más práctica que yo pero compartimos cierta sensibilidad ante el
misterio y la belleza del mundo.
M- Hasta ahora había dirigido “Veranillo de un minuto”, un monólogo; y una
adaptación ñaque de “La vida es sueño” para dos actores. Nunca me había
atrevido con tantos, fuera del ámbito de teatro universitario, en el que dirigí
“Así que pasen cinco años”.
Comencé en esta función ocupándome de la asesoría de verso y el movimiento
y terminé tomando decisiones escénicas hasta que Gustavo llegó un día y me
dijo: . Él me animó y ahora le he
cogido el gusto.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que
vivimos?
G- Evito pensar en esos términos. Basta teorizar sobre la función del teatro
para desvirtuar la función que el teatro tenga de por si. Acepto el misterio del
teatro tanto como profesional como espectador. Pero he salido de un teatro
sabiendo que lo que ha sucedido ahí dentro ha transformado mi vida para
mejor.
M- No podría concretar una función, supongo que la que ha tenido siempre, la
de espejo de nosotros mismos. Es una herramienta viva y cercana que nos da
la posibilidad de vernos, denunciar, educar, sensibilizarnos, disfrutar de la
palabra, entender, hacernos preguntas y removernos por dentro. Y en esta
sociedad de la pantalla en la que vivimos, poder disfrutar de un lugar de
encuentro con gente de carne y hueso es todo un lujo.
Sólo tengo claro que cuando salgo de una buena función, algo se transforma en
mí, se llena de entusiasmo provocado por una especie de sensación de
conexión con lo trascendente, con la belleza. Me parece pura magia.
G- Copiota, eso lo he dicho yo.
M- Yo lo he expresado mejor.

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¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?
M- Se ha aumentado el pluriempleo para sobrevivir, la multiprogramación de
las salas, la imposibilidad de entrar en circuitos, de conseguir bolos, giras. Las
provincias son imposibles, los pueblos solo tienen dinero para contratar teatro
amateur y las compañías que sobreviven lo hacen como acto de fe soñando
con el cambio. La creatividad es un hecho y no falta el talento, pero todo sería
mucho más llevadero sin palos en las ruedas.
G- Son síntomas. Veintiuno es solo un número, en este caso desolador. Aunque
esa cifra fuese menor, o incluso cero, hay un mal sistémico que va más allá,
que es la di’cultad que conlleva dedicarse profesionalmente a cierto tipo de
actividades . El trabajo, el esfuerzo, las horas invertidas
en formación, ensayos, o funciones…si no tienen una compensación económica
convierte en descabellada y quijotesca cualquier iniciativa.
Hasta donde yo sé, somos la única producción de un montaje de teatro del
Siglo de Oro que hay ahora mismo en Madrid, esto ya es signi’cativo teniendo
en cuenta el patrimonio teatral que poseemos. La sociedad está saturada a
nivel institucional de ruido y mediocridad. Esto choca con la gran capacidad,
creatividad y riqueza artística que tenemos en nuestro país. Y que te puedan
meter en la carcel por el contenido de una obra o la enfermiza interpretación
que hagan de el es otro síntoma. El arte comparte la
amoralidad de los sueños.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?
M- Alfredo Sanzol es uno de los directores que más me divierte y me conmueve
con sus obras. “La respiración” volvió a hacerlo.
En “Rapsodia para un hombre alto” de Félix Estaire, José Ramón Iglesias e
Ignacio Jiménez, además de conseguir arrancarme alguna lagrimilla, me
cargaron de preguntas esenciales, de esas que luego te rondan toda la noche.
Y últimamente disfruto mucho de las obras de Cuarto y Mitad, de María Prado y
Fernando de Retes. La última, “Desde los escombros” es una verdadera
bofetada de realidad muy poética.
G- Todavía sigo tocado por “El cuento de invierno” dirigida por Declan
Donnellan.
Disfruté mucho viendo “Historia de España en 70 minutos” dirigida por Ernesto
Filardi, de la compañía Dramakina teatro. Se les puede ver en Nave 73.

¿Proyectos?
G- Rentabilizar el año y medio de trabajo de CRÓNICA DE UNA CASA REAL y
recompensar el esfuerzo de mis actores con el máximo número posible de
funciones. Pero hay una obra de Calderón que ya me está ronroneando en los
oídos. Continuará…
M- Sería maravilloso que, ahora que nuestra “Crónica de una casa real” ha
encontrado su sitio en La Pensión de las Pulgas, durara al menos lo que ha
estado en el horno, y luego rodara y rodara por todos los teatros de la
geografía, por soñar…
Como actriz tengo un par de proyectos con Tenemos Gato y Spectare, que poco
a poco van tomando forma. Ya iré contando.


Conchita Piña de Ediciones Antigona: Seguir creando y apostar por los proyectos en los que uno cree.

pin¿Cómo surgió Antígona?… ¿Balance de los diez años de existencia?…
Sugió hace ya diez años cuando estudiábamos Filosofía en la Complutense. Un compañero y amigo de la carrera, Isaac Juncos que ya tenía una editorial, nos invitó a Ignacio Pajón y a mí (Conchita Piña) a participar en su proyecto. Y enseguida nos dimos cuenta de que lo que queríamos era volvernos locos y publicar textos teatrales contemporáneos, filosofía y crítica teatral.
Y la verdad es que en estos diez años el balance no ha podido ser mejor. La editorial crece y la acogida por parte del gremio teatral está siendo impresionante. También nos hemos dado cuenta de que hay cada vez una mayor cantidad de lectores ajenos al mundo teatral que se animan a adentrarse en las obras dramáticas.

¿Qué significa para vosotros haber llegado a una década de publicaciones?…
Significa que hay un interés real del público lector por lo que hacemos, que el texto teatral parece estar mas vivo que nunca y… para nosotros como editores… es la constatación de que los sueños se cumplen.

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¿Cuál es el criterio de selección de autores y textos?…
Antígona defiende, junto con la AAT (Asociación de Autores de Teatro), la idea de que «el teatro también se lee». Y bajo esta premisa construimos la línea editorial. Defendemos el texto teatral como texto literario, por eso en nuestro catálogo se apuesta por obras que tengan calidad literaria, independientemente de su puesta en escena. También queremos recoger en nuestra colección, el testigo de lo que se está haciendo actualmente en los escenarios, porque somos una editorial que corre pareja con su tiempo. La gran mayoría de las obras que componen nuestra línea es teatro contemporáneo.
Además nuestra editorial no es solo una editorial de textos y de fondo, sino de autores. Queremos que Antígona sea la casa de todos aquellos dramaturgos y dramaturgas a los que publicamos y de los que están por llegar.

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¿Qué implicación o participación tienen los autores en el proceso de la edición?…
Durante el proceso de edición van siendo partícipes de cómo avanza la producción del libro, pero, fundamentalmente, dejamos que los autores escriban y no les damos demasiado trabajo. Como os decía, al ser una «casa» editorial, los autores nos van informando de sus creaciones y luego es Antígona la que organiza sus corpus.

¿Qué equipo conforma vuestro proyecto?…
Somos tres socios fundadores: Isaac Juncos, Ignacio Pajón y yo… pero desde hace un año trabaja con nosotros, llevando la comunicación y la prensa Borja Vera (un gran pilar para el proyecto). Borja, como sabéis, es uno de los fundadores y gestores de una de las salas más in del off madrileño, la Sala Tú.
Ese es el equipo que está a pie de calle. Luego trabajamos con todos aquellos que hacen posible que el libro físico salga al mercado: maquetadores, diseñadores, impresores y distrubuidores.

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¿Hay colaboradores puntuales en el equipo artístico y técnico?…
Somos, podríamos decir, una pequeña compañía que nos gusta trabajar siempre con un mismo equipo. Aunque es cierto que estamos abiertos y atentos a posibles colaboraciones. Pero es más bien al revés, somos nosotros los que colaboramos de forma habitual con determinadas compañías, empresas, instituciones públicas o escuelas de teatro.

¿Hay una línea ética y estética en el catálogo u os interesa la diversidad?…
Sí, tenemos una línea editorial muy clara que difiende el texto teatral como género literario. Dentro de esta línea apostamos por todos los subgéneros dramáticos y por los autores y autoras comprometidos con la escritura teatral. Atender a la diversidad también se vuelve importante una vez que el corpus que recogemos en Antígona se convirte en literatura de interés general.
Luego, estéticamente también hemos apostado por una línea en la imagen del libro: como cubiertas (siempre que el texto se haya estrenado) usamos la cartelería de la obra, como una manera de rendir tributo a la puesta en escena y para dejar constancia (a los futuros estudiosos del teatro) de esta nueva época dorada para la dramaturgia española.

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¿Se pueden realizar publicaciones combativas y alternativas en estos tiempos de crisis?…
No solo es que se puede, nosotros somos una pequeña muestra de esto, sino que se debe. No podemos dejar únicamente en manos de los grandes grupos editoriales, el criterio de las publicaciones. La tarea de las editoriales independientes es fundamental para construir tejido cultural paralelo y más en tiempos de crisis no solo económica. Los géneros mal llamados «marginales» (la filosofía, el teatro, la poesía —aunque ahora está viviendo un renacimiento—) tienen un peso específico y no podemos dejar de atenderlos porque también son literatura.

¿Qué fórmulas ponéis en marcha para la difusión y promoción?…
La fundamental, tener una oficina abierta al público en pleno centro de Madrid: un espacio al que invitamos a todos aquellos que quieran pasarse a descubrir nuestras publicaciones. Tenemos, además, un gabinete de prensa y comunicación dirigido por Borja Vera y luego, las acciones habituales propias de este gremio: presencia en librerías nacionales e internacionales, ferias del libro generales y específicas del sector de las artes escénicas dentro y fuera de nuestro país, presentaciones de libros…

¿Cómo afectan los recortes y el aumento del I.V.A. a vuestra editorial?…
Para nosotros la crisis supuso un momento para aguzar el ingenio. Somos hijos de esta época y solo podemos contar con nuestros propios recursos. Pero por suerte, la subida del IVA no ha afectado al sector del libro y se sigue manteniendo al 4%. Así que sigue siendo un momento estupendo para compar libros.

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¿Qué espectáculo que hayas visto últimamente te ha interesado?¿Por qué?…
Pues ha habido muchos que me han interesado tanto de la programación oficial como dentro del teatro off. No podría decantarme por ninguno porque todos introducen elementos que me interesan y que no son excluyentes. Pero en líneas generales, te diría que me han interesado y conmovido porque ponen de relieve la buena salud de la que goza nuestra dramaturgia —que vuelve a escribirse con mayúsculas— y porque sacan a relucir las excelentes capacidades de nuestras dramaturgas y dramaturgos.

Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis…
Seguir creando y apostar por los proyectos en los que uno cree.

¿Proyectos?…
Muchos literarios, pero el más inmediato… intentar conseguir que quien se acerque a esa entrevista quiera acercarse también a nuestros libros.


Ángel Burgos: Convertirme en otros me hace mejor persona.

ang¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?
…Ohhhhhhhh !! Erase una vez ..jajajajajaj. En Valencia y después de terminar la carrera, en una Compañía de Títeres llamada MAGIA POTAGIA. Escribiamos las obras, construiamos los títeres, decorados,TODO. Varios años llenos de triunfos y muchos viajes por toda España. Ahí descubrí lo maravilloso de salir de gira, la espontaneidad de los críos, la improvisación, actuar al aire libre, la artesanía de este oficio.

¿Qué es el teatro para ti?
Una fabulosa manera de hacer feliz a la gente. Riendo o llorando pero siempre pensando. Vivir con el público la fascinación de soñar despiertos y muchas veces ser mi mejor terapia. Convertirme en otros me hace mejor persona.

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¿Por qué haces teatro?…
Mi vocacion hecha realidad. Un día entré a un teatro a ver a ELS JOGLARS. No tenía ni idea de quienes eran. Representaban “ALIAS SERRALLONGA” el impacto fue tan grande que ese dia decidí que quería ser como ellos. Dejé la carrera y me metí EN ARTE DRAMÁTICO. Tenía 18 años y fué La mejor decisión que tomé en mi vida.

¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Imparable. jajajajajaajja!!!! He pasado del exito televisivo, firmar autógrafos y salir en las revistas a hacer animaciones por las discotecas para salir adelante. Teatros y personajes grandes e importantes y teatros pequeños y personajes grandes con la misma alegría. Siempre con entusiasmo y seguro de mí mismo. Es lo que nos queda.

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Lo primero entretener con inteligencia y sentir siempre que el teatro es cultura y no aborregamiento. Hacer teatro para los institutos y colegios y conseguir que las nuevas generaciones de estudiantes se interesen y acudan a las salas.

¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Varias series de televisión y CLANDESTINA.

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¿Cómo surgió tu participación en Clandestina?…Háblanos de este trabajo…¿Cómo ha sido el proceso?…
Cristina Bernal, su protagonista y autora, junto a Nacho Sevilla, su director me propusieron participar en el montaje. Leí la obra y cuando supe que habría canciones, el gran pianista NACHO OJEDA que con 19 años es todo un genio al teclado, textos y coreografías de Luis Santamaría, me entusiasmó. Una pieza que contempla tantas canciones prohibidas en 1928, que hace un recorrido por una época del cuplé que pienso, poca gente conoce, con referencias a personajes de la época, anuncios, lugares, aromas, sabores y clandestinidad, me pareció que era un lujo estar ahí. Y además en LA PENSIÓN DE LAS PULGAS, que es la casa donde vivió La Bella Chelito, osea, La Lady Gaga de entonces, una pionera en el arte del descaro y la picardia. Imagina la emoción de estar representado una fiesta clandestina de entonces, con canciones prohibidas, y muuuucho etc. y además en los salones de La Chelito. Una maravilla!!!. Ten en cuenta que La protagista de CLANDESTINA es La Bernalina, una íntima amiga de LA BELLA CHELITO y le pide prestada La casa y los salones a su amiga para poder hacer una fiesta íntima y muy privada con sus amigos de entonces. Mi personaje es El mayordomo de La Bella Chelito que cuida de todos los asuntos de la casa para que la fiesta sea perfecta.
Fueron unos ensayos inolvidables, escuchando musica de la época, bailando todos los días con Luís, montando las escenas con Nacho Sevilla viendo cine mudo… Despertando los personajes de la casa y recorriendo sus salones y llenándolos de CUPLÉ y canciones picantes y atrevidas.
Tengo que decirte que ya hemos actuado,fuera de Madrid, en teatros y versión a la italiana, con CLANDESTINA para cuatrocientos espectadores y la respuesta del público es impresionante. Con un diseño de luces de JORGE NEBREDA que es un sueño!! llevamos hasta candilejas. jajajajaja. y el público se lo pasa en grande!!!!

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¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Como voy tanto al teatro, me impregno de todo lo que veo y me nutro de muchos actores. También el cine me inspira y sacar imágenes y guardarlas en mi retina me llevan a otros caminos sugerentes. De cada buen montaje o buena película que veo, siempre saco algo. Ayer ví a Manuel Galiana en el estreno de su última función y aprendí latín en hora y media. Hay tantos maestros en activo …

¿Cómo están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. en tu trabajo?…
Pues un desastre absoluto!!! Los empresarios quieren ganar dinero, los actores queremos ganar dinero y el Gobierno lo que quiere es que trabajemos y llevarse nuestro dinero, pero invertir en el teatro privado como CULTURA, éso ya no les viene bien. Un desastre !!! Que tomen de ejemplo a Francia o Inglaterra y vean cómo cuida y protege el Gobierno a su Teatro y Colectivo!! En este país, al gobierno actual, el teatro ni les gusta ni les interesa. ¿Cuando va alguno de sus políticos a un estreno teatral, o hablan del Teatro? Pues eso…!!

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
De absoluto impacto, LAS CHIRIGÓTICAS con” Juanita Calamidad “en Los Luchana que me pareció una brutalidad. Con Rocío Marín en absoluto estado de gracia. Con toda esa guasa andaluza y un texto y canciones tan ingenioso y salvaje. LA RESPIRACIÓN de Alfredo Sanzol, brillante y llena de amor a la vida. Adoro a este autor. HAMLET en La Comedia: Deslumbrante. “TRES” en el Lara, dirigida por QUINO FALERO; una lección de cómo hacer comedia con tres actrices descomunales. LA MIRADA DEL OTRO en El teatro del Barrio… IMPRESCINDIBLE.

¿Proyectos?…
Estaré en el nuevo espectáculo que MIGUEL DEL ARCO dirigirá en el Teatro de la Zarzuela. Se llama “CÓMO ESTÁ MADRIZ”.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Sí. practicar budismo para ser felices y hacer felices a los demás, mantener el espíritu de lucha y llenarnos de PASIÓN, TENACIDAD Y CONFIANZA.ANGEL-B


Alberto F. Prados: El teatro, tal y como lo concibo yo, no ha de tener una sola función

 

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¿Cómo surge la obra presentada en La Pensión de las Pulgas?…Háblanos del proyecto…
“Veneno para ratones” nace de la necesidad de contar una historia en la que hubiera diferentes capas. Como espectador, me interesan mucho las obras en las que a medida que avanza la trama los personajes van dejando ver poco a poco sus motivaciones más oscuras. Quería mostrar al espectador una situación que comienza de una manera cotidiana y va tornándose en algo más “enfermo”. Un pequeño núcleo familiar formado por una madre y su hijo, y la nueva pareja de ella, se convirtió en el mejor vehículo para contarla.

¿Hubo ocasión durante el proceso para que aportasen ideas el resto del equipo en la puesta en escena? ¿Cómo ha sido el trabajo con ellos?…
El proceso de ensayos con Isabel, Mauricio y Sergio ha sido muy enriquecedor. Son tres actores con un sentido muy cabal en cuanto a la construcción del personaje. Una de las cosas que más me gustan del proceso de ensayos es encontrar puntos en común poniendo sobre la mesa las diferentes lecturas que cada uno tenemos.

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¿Hay algún referente técnico o artístico del que se ha partido para crear este espectáculo?…
No hemos partido de ningún referente concreto a la hora de crear el montaje. Supongo que detrás de cada autor, de cada director, hay un imaginario propio formado, inevitablemente, por referencias artísticas, estéticas, etc. En ese sentido, en “Veneno para ratones” puede que haya algo de mi predilección por autores como Albee o incluso Almodóvar, pero en cualquier caso, de una manera muy inconsciente. Sería una osadía compararme, por supuesto.

¿Por qué haces teatro?…
Es difícil explicarlo. Es como cuando te preguntan el porqué de tu amor hacia otra persona; podrías enumerar las cualidades de esa persona, pero lo que hizo que te enamorases de ella y no de otra con las mismas (o más) cualidades, es algo inexplicable. La respuesta que más puede acercarse es que necesito que algunas ideas, historias o conceptos que hay dentro de mí se conviertan en algo material, y el medio ha sido el teatro.

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¿Qué balances haces de tus trabajos como director/autor de teatro?… Háblanos de los más recientes…
“Veneno para ratones” es el segundo texto que escribo y dirijo, y creo que goza de más grado de madurez que “Selfie”, mi primer montaje. El balance de ambos supera mis expectativas; me siento muy afortunado de los profesionales que se han involucrado en ambos proyectos y han creído en ellos.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
El teatro, tal y como lo concibo yo, no ha de tener una sola función. Es importante que sirva de revulsivo, que muestre al público situaciones o maneras de actuar y pensar, diferentes a lo convencional. Pero además existe un teatro cuyo cometido es el de entretener y hacer que el espectador se centre en divertirse y pasar un rato agradable. Creo que esto se ha denostado bastante últimamente, incluso por parte de la profesión, de una manera muy injusta. Es necesario que estas propuestas existan.

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¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Negativamente. Decir lo contrario me parecería una insensatez. La cuestión es que llevamos así unos años y nadie hace nada. Me apena mucho ver como los partidos que han surgido en pro del cambio tampoco tienen programas culturales demasiado concisos. O al menos no los defienden públicamente como debieran.

¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
“Pulveriza”, una comedia de Abel Zamora que me pareció absolutamente brillante. Creo que Abel es un genio del teatro contemporáneo.raton4

¿Proyectos?…
Hay algo en mente pero de momento disfrutar de las alegrías que nos está dando “Veneno para ratones”. Sé que suena manida mi respuesta, pero vivimos en un mundo que cada vez es más frecuente “parir” un proyecto y meterte en otro. Quiero disfrutar de este montaje, porque aún tiene que crecer y vida por delante.


Carles Harillo Magnet: Hacer teatro para mi tiene algo de ritual íntimo, de exponer a flor de piel impresiones de lo que pienso de las cosas.

mag¿Cómo surge Los Buitres? Hablanos del proyecto…
Escribí el texto cuando tenía 23 o 24 años en Barcelona (y originariamente en catalán) después de un empacho de lecturas de Strindberg y de Baudelaire (entre otros), autores que plantean situaciones e imágenes desde una cierta decadencia de las relaciones y de la visión del mundo. En ese momento, con todo por hacer, plantee un mundo (el mundo de ahí fuera) desde la incertidumbre y desde el desconocimiento. El texto escrito ha dormido en un cajón desde entonces. En medio terminé mis estudios de interpretación, estudié cine y entre otras cosas, me trasladé a Madrid. Una vez aquí, fue al descubrir espacios como La Casa de la Portera o La Pensión de las Pulgas que el texto dormido en el cajón (junto a otros) empezó a gritarme. Lo revisé, hice la traducción y de pronto me encontré que el texto escrito desde la incertidumbre se había transformado en una certeza. Ponía encima de la mesa unas situaciones en las que me siento extrañamente cómodo y descubrí que la fuerza de Los Buitres ahora reside en ese viaje desde la incertidumbre ante “el mundo de ahí fuera” a una certidumbre. Y desde la fuerza que te da el querer compartir tu punto de vista y arropado por un equipo estupendo, fue el momento de levantar la función. Después de todo, haber sido el último estreno en la ya mítica Casa de la Portera, es uno de esos regalos que te estimulan para seguir adelante. Y seguir en La Pensión de las Pulgas desde septiembre, un lujo.

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¿Hubo ocasión durante el proceso para que aportasen ideas el resto del equipo en la puesta en escena? ¿Como ha sido el trabajo con ellos?…
Yo suelo trabajar desde un espacio muy colaborativo. Tener estudios de arte dramático me ayuda para empatizar con los procesos que viven los actores y me gusta ser exigente pero desde un terreno en el que mis actores sientan que ellos están contando la historia en sus parcelas particulares al mismo tiempo que mi labor es contarla en el global. También ayuda trabajar con Actores (en mayúsculas) como Mario Zorrilla que es un actor con la capacidad de hacer Vivir (también en mayúsculas) en cada función su personaje, Carmen Mayordomo, una de las actrices más nítidas, implicadas, juguetonas y generosas con las que he tenido el placer de trabajar (y con la que espero seguir trabajando en el futuro), Xabier Murua, actor de raza que ha hecho suya la premisa de “vivir una experiencia en cada función” con una fuerza, un control y una meticulosidad que facilita muchísimo el trabajo de dirección y Josi Cortés, con un personaje contrapunto, dotado de tal presencia y sensibilidad que se hace imprescindible para entender la función.
Haber estudiado cine y tener experiencia en el ámbito audiovisual, también te permite entender que cualquier colaborador en un proceso creativo es tan importante como el trabajo que tú puedas hacer o el trabajo de los actores. En esta ocasión, Los Buitres no serían los que son sin el apoyo de Zoilo Carrillo (mi ayudante de dirección que se ha ido a hacer las Américas), Gabriel Sánchez (el jefe de producción del proyecto y mi socio en Ojos de Sapo junto a Josi Cortés), Manuel De (producción ejecutiva y técnico de luces), el estupendo espacio sonoro de BobyLauren, la ya imprescindible directora de casting Mariam Grande – La Lunares y el vestuario y la dirección artística del gran Pier Paolo Álvaro con la colaboración de Roger Portal. Todos ellos han puesto su granito de arena para que no solamente hayamos levantado esta función sino que de pronto me haya visto rodeado de un grupo humano que han entendido a la perfección mis premisas (que no siempre son fáciles) y han podido dar lo mejor de sí cada uno en su terreno.

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¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear este espectáculo?…
A parte del empacho de Strindberg a la hora de escribir el texto, la verdad es que no me miro tanto en la obra de los otros sino en las impresiones que me han dejado las cosas que me apasionan de las obras de los otros. Es decir, obviamente hay referentes que me persiguen pero no como referentes directos. Procuro ser muy libre y dejarme llevar por lo que me pide el proyecto a medida que lo desarrollas (siguiendo unas premisas básicas) y supongo que las cosas que me han dejado huella por el camino, marcan el pulso de mi resultado final junto a las aportaciones de los colaboradores y los actores.

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¿Por qué haces teatro?…
He nacido con la necesidad de expresarme. De mirar mi entorno siempre con ojos del que no sabe nada y de sacar conclusiones. Hacer teatro para mi tiene algo de ritual íntimo, de exponer a flor de piel impresiones de lo que pienso de las cosas. Al contrario de lo que sucede con lo audiovisual dónde debes tener una visión global objetiva sobre un trabajo previo subjetivo, el teatro sucede aquí y ahora. Es un acto vivo de relación directa entre lo que tú estás contado y el público. Es un acto que me sigue resultando fascinante. En Los Buitres, cuando alguien se me acerca y me dice que se ha sentido reconocido en esto o en aquello y que le ha hecho reflexionar, me doy cuenta que hago teatro para eso.

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¿Qué balances haces de tus trabajos como director/autor de teatro? Hablar de los más recientes.

Mi última experiencia en la dirección de teatro fue el estupendo texto “Smartphones (una farsa de bolsillo)” de Emilio Williams, con dos temporadas en el Teatro Lara. Fue una experiencia muy interesante el tener que asumir la dirección de un texto que reformula el Teatro del Absurdo (un genero que me apasiona) situándolo en el mundo contemporáneo. Fue una experiencia muy enriquecedora de la que aprendí mucho. También participé con un texto mío en “Tres segundos” de Jesús Ortega dónde compartí cartel con autores a los que admiro.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Para mi, hablar del teatro (como representación cultural) es hablar de la identidad de un país. Cualquier creador es alguien que aquí y ahora dice lo que piensa/siente/entiende de la sociedad que lo rodea. En el momento en que el poder niega esas voces (algo, por otro lado, imposible) va más allá de un iva o de unas trabas administrativas, lo que está haciendo es callar las voces de las personas que utilizan el arte como altavoz. En ese sentido, me parece que el poder peca de iluso al poner el foco en otras prioridades ya que el teatro, les guste o no, va a seguir sirviendo para decir lo que tengan que decir sus ciudadanos. Y que esas voces enriquecen el tejido de la identidad de los países. Y creo que es de países inteligentes crear industrias firmes de todo lo relacionado con la cultura. Con eso queda todo dicho.

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¿Como crees que está afectando la subida del iva y los recortes al teatro?…
Creo que a estas alturas no se puede decir nada que no se haya dicho ya. He trabajado en productoras y en una distribuidora y puedo asegurar que, a parte de la huída del público de las salas por el incremento del precio de las entradas, hay una asfixia a TODAS las profesiones relacionadas con la cultura que dice muy poco de las intenciones de los señores y señoras que nos gobiernan. Pero eso también se ha dicho ya muchas veces. Lo único que nos queda es esperar un poco a ver si definitivamente se ponen de acuerdo y alguien valora la cultura por lo que es: un bien común.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente? ¿Qué te pareció?…
La última obra de teatro que he visto fue el estreno en el Off del Lara de Si los ángeles disparan basada en Garrulos de Jorge Moreno bajo la dirección de Ivan Ugalde. Me pareció un texto fantástico muy bien defendido por los actores, con una puesta en escena muy evocadora y un gran trabajo por parte de Ivan Ugalde a la hora de generar la atmósfera apropiada para esos personajes tan oscuros y contundentes. Y por supuesto es remarcable el trabajo de Manuel De en las luces y de Pier Paolo Álvaro en el vestuario y en la escenografía.

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¿Proyectos?
Bajo el sello de OJOS DE SAPO (junto a mis socios Josi Cortés y Gabriel Sánchez) estamos trabajando ya en una pieza de microteatro llamada TIRITAS que se estrena el 24 de Febrero en La Escalera de Jacob (una pieza-juego teatral muy divertido), estamos en plena creación de un espectáculo con música en directo del que no puedo hablar todavía mucho, hemos hecho ya algunas lecturas de un nuevo texto que vamos a intentar levantar este año y estamos buscando financiación para un cortometraje. Paralelamente, ya estamos trabajando en la gira de LOS BUITRES que arranca el 12 de Marzo en el Centro Niemeyer de Avilés. Proyectos no nos faltan, ¡lo que nos falta es que bajen el IVA!

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Carlos Martínez-Abarca: Hago teatro porque me parece más real que la vida.

abarca¿Cómo surge el proyecto que has estrenado en Arte & Desmayo?…Háblanos del proyecto…
“Equus” surge a propuesta de la propia sala Arte&Desmayo. Ya había trabajado con Juanma y Álvaro Gómez en “El Coleccionista”, y éste ha sido el segundo proyecto con ellos. Al principio me pareció imposible hacer un texto así en esta sala, pero tras estudiar bien el original de Peter Shaffer, le pedí a Juanma que me diera la libertad de hacer una adaptación adecuada para el formato de espectáculo que estaba a nuestro alcance. Fue todo un desafío: un espectáculo con doce personajes interpretados por ocho actores, la mezcla de líneas de tiempo distintas de forma simultánea en el espacio, la aparición de los caballos a los que dan vida cuatro actores… Una locura que necesitaba de un equipo creativo y una compañía de actores audaces y dispuestos a trabajar al límite. Diseñando la producción nos dimos cuenta de que un espacio como Arte&Desmayo era perfecto para “Equss”. Shaffer nos alerta sobre el exceso de control y búsqueda de la normalidad previsible en nuestras vidas… El público no puede escaparse ni controlar, y hace una inmersión total en la peripecia de los personajes. Hoy ya no puedo concebir este texto de otra forma.

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¿Hubo ocasión durante el proceso para que aportasen ideas el resto del equipo en la puesta en escena?…¿Cómo ha sido el trabajo con ellos?…
El 15 de julio (a 6 meses del estreno) reuní a una docena de locos maravillosos dispuestos a crear este espectáculo:luz, espacio, sonido, vídeo, coreografía, máscaras, vestuario, diseño gráfico… para generar un mundo lleno de estímulos sensoriales en el que combatieran el dios de la normalidad que nuestra sociedad ha construido y personaliza Martin, y Equus, el dios que Alan trae de la mano y nos invita a mirar en lo oscuro. Seis meses después estrenábamos el diseño de espectáculo que les presenté… sólo que ese esquema de punto de partida había tomado vida y crecido gracias a ellos. Mis pautas a priori fueron muy claras, pero era necesario una creatividad audaz por parte de cada uno. Y aceptaron el reto con tanto miedo como ilusión; todos me han ido confesando que les temblaban las piernas al salir de esa reunión. Pero lo han hecho. Me froto los ojos todos los días en la sala, y ahí está, es real. Un “milagro” sólo posible con un equipo que se ha roto la cabeza por ir más allá… sólo como ejemplo Guillermo Campa tuvo que hacer hasta diez diseños de máscara para llegar al que nos gustaba…y después siguió retocando el diseño. Patricia Roldán ha estado trabajando cuatro meses con los actores par que los caballos tomen vida de forma real… No se puede explicar en unas líneas la capacidad de creación y renuncia simultáneas que hemos necesitado para poder llegar al “Equus” que soñé hace meses y ahora veo vivo en escena cada día. Y lo mejor es que es fruto de un equipo, de muchas sensibilidades trabajando en una sola dirección.

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¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear este espectáculo?…
Supongo que lo que hago es fruto de todo lo que he visto y aprendido en años; creo que la imaginación no es más que memoria remezclada caóticamente. Mi referente siempre es el texto, no busco modelos fuera. El texto más la suma de las ideas centrales de mi dramaturgia proporcionan los ejes estéticos a emplear, estos aparecen de forma espontánea, orgánica…. si luego remiten a algún tipo de referencia concreta es fruto del proceso natural y de la herencia estética de cada miembro del equipo creativo.

¿Por qué haces teatro?…
Porque me parece más real que la vida.

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¿Qué balances haces de tus trabajos como director de teatro?… Háblanos de los más recientes… El coleccionista…
Me considero sobre todo una persona muy afortunada; mis últimos trabajos me han permitido hacer el tipo de teatro en el que creo, y de la mano de Shakespeare, Fowles, Shaffer, Conejero, recientemente he descubierto un nuevo autor divertidísimo y fantástico, Chema Trujillo… Estoy haciendo lo que quiero y con la gente que quiero. Sobre todo “Un cuento de invierno”, “El Coleccionista” y “Equus” me han permitido explorar en la línea de la bipolaridad en lo estético y en lo ideológico, en la configuración de dos mundos opuestos que chocan en escena y deben hacerlo además con armonía, lo que algunos llaman la “suma de contrarios”, y que late de forma tan poderosa en toda la tensión creativa que ha galvanizado la cultura occidental. Además esto plantea el reto de hacerlo sin caer en el maniqueísmo ni en esquematismos ideológicos. De ese choque debe surgir toda una gama de grises compleja y sobre todo, sin respuesta única. Me interesa que el público salga con una pregunta, no con respuestas. Y los autores que he hecho últimamente te desafían a ello.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Creo que el teatro debe conmocionar. Me parece que en occidente hemos ido al teatro durante siglos para eso. Shakespeare lo dice en “Hamlet” con tanta belleza y precisión que no voy a intentar remedarle, pero ese espejo que nos pone el teatro (sea del color y forma que sea) siento que últimamente se nos presenta demasiado empañado para no hacernos daño como espectadores y comprar nuestro beneplácito y paz espiritual… ¡¡pero el teatro debe ponernos en guerra!! Con el público no se negocia, se le sacude: de horror, de risa, de dolor, de lo que sea, pero hay que sacudirle. Para eso vienen a vernos; la gente con su entrada compra el derecho a vivir al límite y en peligro durante un par de horas… porque el resto de su vida es tratar de ahorrarse ese vértigo que necesita ver en él a través de los personajes.

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¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Subir el IVA, recortar ayudas, encarcelar titiriteros… toda forma parte de una declaración de guerra de la más negra derecha española para hacernos desistir. En estos cuatro años hemos padecido los tiempos más oscuros desde la dictadura. Pero no van a acabar con nosotros. Más les vale que se relajen un poco y que desistan ellos.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
“Equus” me ha absorbido de tal manera estos meses que he desaparecido del mundo…. El recuerdo más vívido y que más me impactó de lo último que he visto es “La Gaviota” por una compañía lituana absolutamente maravillosa. Me fascina la capacidad de los actores de la escuela rusa para trabajar con esa sensación de facilidad y llegar a estados extremos con tanta fluidez, como si fuera un fenómeno inevitable de la naturaleza.

¿Proyectos?…
El secreto profesional me obliga a guardar silencio… Y es demasiado goloso como para decirlo en público….

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Miriam Montilla: Me gusta contar historias, meterme en la piel de otras mujeres, intentar entenderlas y ponerles cuerpo y voz

monti¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?… Fueron un poco complicados porque una vez que me instalé en Madrid, yo venía de estudiar Arte Dramático en Córdoba, me costó mucho arrancar. Lo primero que hice fue una función dirigida precisamente por Miguel del Arco “En el Aire” y luego bajo la dirección de Verónica Forqué entré como actriz en La Tentación Vive Arriba. Estos fueron mis arranques Madrileños.

¿Qué es el teatro para ti?¿Por qué haces teatro?… Es lo que siento que se hacer. Yo siempre he sido muy tímida y cuando descubrí el teatro en el instituto supe enseguida que este era el medio para poder expresarme y crear. Me gusta contar historias, meterme en la piel de otras mujeres, intentar entenderlas y ponerles cuerpo y voz.

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?… Estoy contenta. Tengo la suerte de haberme sentido muy apoyada por mis seres más cercanos, así que la lucha diaria por quedarte y mantenerte en esta profesión no ha sido muy dura, a veces dan ganas de tirar la toalla. Yo siento que mi carrera ha ido creciendo y madurando, despacio, como yo. Ahora la popularidad parece más importante que la formación, la experiencia y la madurez profesional. Yo pertenezco a una generación de actores y actrices que soñábamos al salir de la escuela con formar parte o tener nuestra propia compañía. Me quedo con el viaje, es lo importante.

¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…La de contar historias, conmover, remover y emocionar.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?.Háblanos de ellos… En los últimos siete años formé parte de Kamikaze Producciones y participé en los tres montajes de la compañía “La Función por Hacer”, “Veraneantes” y “Misántropo” dirigidos por Miguel del Arco. También estuve la temporada pasada en “Amar es para Siempre” de Antena 3, haciendo el personaje de Serafina. Actualmente estoy en La Pensión de las Pulgas con “Pequeño Catálogo sobre el Fanatismo y la Estupidez” dirigido por Ignasi Vidal.

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¿Cómo surgió tu participación en “Pequeño catálogo…”?…Háblanos de este trabajo…¿Cómo ha sido el proceso?…Pues me llamó Diego Molero, actor de la función, hablándome del proyecto y ofreciéndome los personajes femeninos. Leí el texto y me gustó mucho la agilidad de la escritura y lo llena que estaba de contenido. Me interesó el tema que Ignasi trata en la función y me pareció un reto hacer esa tres mujeres en un espacio como el de La Pensión de Las Pulgas.

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¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?… Pues no tengo un método único con el que me maneje. Por ejemplo, trabajar en este espacio te obliga a ser muy delicada en la creación, muy medida, buscar el “menos es más” sin perder el sentido de la teatralidad. Me gusta trabajar en casa rebuscando en el texto, en las palabras, porque son las que me van a dar a conocer a los personajes y así comenzar a respirarlos o intuirlos. Luego empiezo a asignarles a cada uno adjetivos, cualidades: soledad, dureza, vacío, inquietud, rigidez etc, con esto voy buscando su energía, su manera de moverse, su rapidez o torpeza…, en definitiva creando su universo que va a ser el mío. Este trabajo va apareciendo en los ensayos y bajo la mano de Ignasi y de Antonio Cano (ayudante de dirección) hemos ido creando.

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¿Cómo están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…Bueno creo que esto es un tema del que se ha hablado muchísimo, la situación se ha endurecido para todos-as. Han desaparecido muchísimas compañías del panorama teatral y hemos dado un paso atrás en derechos laborales. La cultura se está convirtiendo en un lujo. Ante esto, han aparecido nuevos modelos de espacios, como las salas Of, donde se están haciendo cosas muyyy interesantes pero que no te permiten vivir de tu trabajo.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…Mira, no es un espectáculo que haya visto recientemente pero es el que quiero mencionar, “Liberto”. Hablo de él por la valentía de las actrices, del texto, por la poesía, belleza y sencillez del espectáculo. Me conmovió y me removió mucho. Estuve días sin poderme desprender de ella.

¿Proyectos?…La próxima dirección de Miguel del Arco en la Zarzuela.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?… Seguir labrando la tierra a pesar de “las inclemencias del tiempo”

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GASPAR CAMPUZANO: “Hago teatro porque para mí es una necesidad espiritual”

campu¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
En el 1978. En aquel año, Paco, Juan Sánchez y yo, fundamos la Zaranda en Jerez.

¿Qué es el teatro para ti? ¿Por qué haces teatro?…
Para mí el teatro es una forma de entender la vida. Hago teatro porque para mí es una necesidad espiritual.

¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
El teatro me ha dado mucho más de lo que yo podía esperar. Hay que entregarse sin concesiones, hay que darlo todo al teatro sin esperar nada a cambio.campu1

¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
El teatro debe ser el espejo de nuestra sociedad, para poder mirarnos por dentro y aprender de nuestros errores.

¿En qué proyectos has participado durante el último año?… Háblanos de ellos…
He dirigido un espectáculo a la compañía Jerez Puro de la bailaora María del Mar Moreno, “Soníos Negros”, que clausuró el Festival de Flamenco de Jerez de la Frontera con muy buenas críticas. Este espectáculo rinde tributo a la figura de Manuel Torre, uno de los más legendarios cantaores jondos de todos los tiempos, y cuenta en su elenco con figuras de la talla de Manuel y Antonio Malena, El Tolo, etc.
Además de este proyecto he dirigido dos espectáculos, recientemente estrenados, a la compañía Tras el Trapo Teatro: “Radio Becker” y “El tren Chimeneo”. El primero es una parodia de la España de los años 50 a través de las emisiones radiofónicas de aquella época. “El tren Chimeneo” plantea un viaje por el mundo y los personajes de la escritora Gloria Fuertes. Estoy muy satisfecho con los dos.

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¿Cómo surgió tu participación en el espectáculo que está programado en Lagrada?… Háblanos de este trabajo… ¿Cómo ha sido el proceso?…
Ana Oliva y María Duarte, las actrices del espectáculo “Leche y picón”, habían trabajado con Zaranda en “Homenaje a los malditos”. En una ocasión me comentaron que tenían un texto que parecía interesante pero que necesitaban a alguien que les ayudara con la dirección. Fui a los ensayos sin saber qué me iba a encontrar y al final terminé dirigiéndoles el trabajo.
Lo que más me llamó la atención del texto original es que parece que son dos fantasmas los que hablan desde el siglo XIX y lo que se está diciendo tiene tanta vigencia hoy día, que podría leerse en cualquier periódico. Muy poco ha cambiado esta España por mucho que nos intenten convencer de lo contrario.
En el proceso de creación le planteé a Javier Padilla, el encargado de la dramaturgia, que eliminara algunas partes demasiado literarias y se pusiera a escribir en otras en base a las acciones que se estaban desarrollando sobre las tablas. De ese modo la creación fue un proceso orgánico en el que actrices, dramaturgo y director íbamos poco a poco dando forma al trabajo.

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¿Cómo creas tus personajes?… ¿Tienes un método?… ¿Cómo enfocas la dirección de escena cuando trabajas fuera de La Zaranda?…
Es una pregunta bastante difícil… Generalmente los personajes de Zaranda se van creando desde el silencio, buscando esa pequeña luz interior que haga que se iluminen. Método no, no tengo. Cada espectáculo es como la vida, viene de una manera diferente en cada ocasión. Es como la vida misma, difícil de explicar.

¿Cómo están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a tu trabajo?…
Bastante mal. Si trabajo llamas al número de funciones; bastante mal, ya que tanto para nosotros como para el resto de las compañías han decrecido de manera alarmante.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado? ¿Por qué?…
“La Máquina Idiota” de Ricardo Bartis. La vimos en Buenos Aires, en su mismo local de ensayos, y fue un impacto en todos los sentidos.

¿Proyectos?…
Actualmente el próximo trabajo con Zaranda.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Perseverar, tener fe.

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LA TARARA: Hacemos teatro para sacar a la luz lo que está oculto y “liarla” en un escenario, es un medio perfecto

tarara0¿Cómo surge la obra que presentáis en Espacio Labruc?…
Todo lo que hacemos nace con la idea de contar la realidad que nos rodea llevada al extremo, convirtiéndose en deformidad. Ese es nuestro principal interés. Nos inspiramos en casos de violencia real o temas oscuros de la sociedad. Sin ningún objetivo moral, solo como entretenimiento. En este caso hablamos de una familia desestructurada.

¿De qué referentes estéticos o temáticos os habéis nutrido para este trabajo?…
Somos unos mitómanos. Hay muchos referentes que nos obsesionan: Tadeusz Kantor, Samuel Beckett, Sarah Kane, John Waters, David Lynch, Harmony Korine o David Bowie, pero también nuestras abuelas o la prensa rosa. La conclusión a la que siempre llegamos es que la violencia de la realidad supera al teatro, el teatro es ficción.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que os embarcáis?¿Qué os anima a participar en ellos?…
Tenemos un enorme afán por contar la parte cruda de la vida, queremos mostrar lo peor de las personas. Nos interesan los casos más exagerados. Trabajamos pensando en el cine, la moda, la fotografía, el arte y en personajes como Marilyn Monroe o Sara Montiel, nuestros ideales de belleza. Todo surge de la curiosidad y las ganas de contar.

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¿Cómo fueron vuestros inicios en el teatro?… ¿Cuál ha sido la evolución de vuestro trabajo?¿Cómo son los procesos de creación?…
Al principio éramos tres raros que descubrimos que pensábamos igual y teníamos la misma pasión por hacer un teatro fuera de lo convencional. Realizábamos piezas de teatro-danza y teatro de la crueldad de quince minutos en todo tipo de espacios. Nos interesaba el futurismo o la vida de Coco Chanel. Funcionamos muy bien entre nosotros, así que empezamos a pensar seriamente en hacer una compañía que englobara todo lo que nos interesa estéticamente. Siempre hemos colaborado con otros artistas, actores o bailarines como Chan Chia-hao, un amigo nuestro taiwanés que baila con bata de cola.
Así se conformó La Tarara con; Iván Fernández, Carlos Agudo, Marie Delgado, el escenógrafo Jose W Paredes y Ana Rocío Dávila como vestuarista. El Niño Adefesio es nuestra primera pieza de una hora y consideramos que representa a la perfección todo lo que somos y lo que queremos. Nos ha llevado a conseguir premios como mejores actores, mejor obra y mejor iluminación en festivales internacionales de México y Varsovia.

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¿Por qué hacéis teatro?…
Hacemos teatro para sacar a la luz lo que está oculto y “liarla” en un escenario, es un medio perfecto.

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¿Proyectos?…
Actualmente estamos de gira por España con “El Niño Adefesio” junto al actor Ricardo Mena. Tenemos una pieza de 15 minutos que estamos moviendo por distintos espacios no teatrales; “PORN, La Tragedia de la Mujer Cerda”, sobre una chica que decide dedicarse al porno para poder operarse su cara de cerda y ser feliz y estamos preparando una nueva obra ; “BRATISLAVIA”, sobre el mundo vampírico y las clínicas abortivas, “todo muy vintage”.

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David Lorente: El verdadero arte siempre es combativo: si no lo es, no es arte.

lore¿Cómo surge el proyecto que presentas en La Pensión de las Pulgas?…
“El Grito del Contrabajo” surge a propuesta de mi gran amigo Roberto Drago, que andaba a
vueltas desde hacía mucho tiempo con adaptar la novela “El Contrabajo”, de Süskind y probarse
en el difícil terreno interpretativo del monólogo. Roberto y yo ya habíamos trabajado juntos en
otros dos montajes y la verdad es que nos entendemos a las mil maravillas, y eso es algo que hay
que aprovechar siempre, con lo que cuando me lo propuso no me lo pensé.
Háblanos del montaje, del texto…
La primera premisa fue hacer de la novela teatro. Tras una primera adaptación de Roberto, nos
propusimos condensar al máximo el texto, sacando de la novela lo que denominábamos los “hits”
del personaje, es decir, las frases esenciales en lo referente sobre todo a su conflicto. No hay
nada añadido por nuestra parte. Nada. Todo lo que se dice está en la magnífica novela de
Süskind. En el género novelístico creo que no es tan importante, pero en teatro el conflicto es la
esencia, y al comprimir las setenta páginas de la novela hasta dejarla en nuestra adaptación en
siete, apareció el conflicto, apareció incluso otro personaje, podríamos decir, respecto al de la
novela. Un personaje mucho más disparatado y a la vez, me atrevo a decir, más interesante para
darle vida en un escenario.
Tras depurar de esta manera la novela, tanto Roberto como yo teníamos claro que en esta historia
tenía que participar Ernesto, hermano de Roberto, contrabajista, y también enamorado del texto
desde hacía años. Y a partir de su incorporación, nos pusimos a jugar con el asunto.
¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportasen ideas en la puesta en escena?
No sólo hubo ocasión, sino que fue desde el principio el objetivo. Entiendo que el actor es el que
manda, el que debe llevar en todo momento la iniciativa. Todos los que le rodeamos debemos
acompañar. Dirigir no es mandar, es escuchar.

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¿Cómo ha sido el trabajo con ellos?
Somos amigos desde hace mucho. Nos conocemos muy bien. Concha Delgado y Miriam Reyes
también entraron enseguida en el proyecto, y entre los cinco nos propusimos sobre todo
investigar, aprender, y divertirnos. No se puede hacer buen teatro sin divertirse.

¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear esta propuesta?
La verdad es que no se me ocurre ninguno.

¿Por qué haces teatro?
Creo que es lo mejor que sé hacer para ganarme la vida, la verdad.

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¿Qué balances haces de tus trabajos como director de teatro?
Sinceramente, no hago nunca ningún balance de mi trabajo. No le doy ni siquiera esa importancia.
Sí que es verdad que cada vez tengo más claro lo que he dicho anteriormente, que dirigir es
escuchar, todo lo contrario a imponer. El director tiene que conseguir que todos las personas que
participen en el montaje lo hagan de la manera más libre y creativa posible.

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Háblanos de los más recientes
Hacía como tres años y algo que no dirigía teatro. Yo soy actor más que director. Me meto a dirigir
normalmente cuando alguien, como en este caso Roberto Drago, me propone algo que no puedo
decir que no. No sé valorar muy bien “mi trayectoria”. No me hago mucho caso.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?
Pues creo que la función intrínseca de toda manifestación artística, es decir: serlo. Ser arte. El arte
es necesario en el sentido de inevitable, afortunadamente. Por mucho que se esfuerce, y a veces
se esfuerza con tozudez, el ser humano no puede vivir sin arte. Es imposible.

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¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?
Es evidente para mí que estos gobernantes que tenemos no quieren Teatro. Es evidente.

¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
La primera que me viene a la cabeza es “El sueño de una noche de verano” que vi en Almagro
dirigido por Tim Robbins. Me fascinó.

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¿Proyectos?
Estoy empeñado en dirigir “El Monstruo de los Jardines”, una delicia de obra de Calderón de la
Barca, y vive dios que lo conseguiré.

¿Se pueden hacer propuestas combativas hoy en día?
Me pongo estupendo y digo: hacer arte es hacer preguntas. Hacer preguntas es cuestionar.
Cuestionar es, siempre, combatir. El verdadero arte siempre es combativo: si no lo es, no es arte.

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María Caudevila: El teatro es tan sumamente necesario que seguir haciéndolo es mi pequeña lucha diaria contra la corrupción en su sentido más amplio.

adri¿Cómo surge el proyecto que presentas en LaZonaKubik?…Háblanos
del montaje…
Surge de Ximena Vera. Ella escribe Nobilmente y piensa en mi para
su dirección. Decidimos unir fuerzas y surge así la coproducción entre
UpATree y Baraka Teatro.LaZonaKubik es un referente y son
compañeros que ya han apostado por Baraka en varias ocasiones. El
espacio en si es perfecto para este montaje y siempre es un placer
trabajar con gente tan luchadora y profesional.

¿Hubo ocasión durante el proceso para que aportasen ideas el resto del
equipo en la puesta en escena?…¿Cómo ha sido el trabajo con ellos?…
Claro, siempre. El teatro es un trabajo en equipo o, por lo menos, así
es como yo lo concibo. Partimos de un lenguaje común que es la
dramaturgia y lo que queremos contar con ella, y a partir de ahí
buscamos una plástica, una sonoridad…una tridimensionalidad que
nos ayude a contar eso tan imprescindible que nos mueve a hacer lo
que hacemos.

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¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear
esta propuesta?…¿Por qué haces teatro?…
Supongo que los referentes siempre me acompañan: Pina Bausch,
Arianne Mnouskine, Robert Lepage…Pero cada pieza tiene unas
necesidades únicas que hay que descifrar durante las reuniones, los
ensayos e incluso entre sueños con la almohada. Ikerne Giménez, con
quien tengo el inmenso placer de trabajar es otro referente muy
importante para mi: le pone paleta de color y textura al sentimiento y
genera universos plásticos fascinantes.

¿Por qué haces teatro?…
Hago teatro porque es el medio en el que más disfruto y mejor me
desenvuelvo para aportar mi diminuto grano de arena en el camino de
hacer el mundo un lugar un poquito mejor. El teatro es tan sumamente
necesario que seguir haciéndolo es mi pequeña lucha diaria contra la
corrupción en su sentido más amplio.

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¿Qué balances haces de tus trabajos como directora de teatro?…
Háblanos de los más recientes…
Aprendo haciendo. Por eso guardo cada montaje con un gran cariño y
respeto, sobre todo por todas las personas que han confiado en mi y lo
han hecho posible. Cada pieza encierra grandes dosis de gratitud y un
gran aprendizaje como directora, si, pero también como persona.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la
que vivimos?…¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y
los recortes al teatro?…
El teatro es un servicio absolutamente necesario en la sociedad.
Es a través del juego simbólico, de la interpretación de roles, y del
trabajo creativo en equipo, que se construyen seres humanos
empáticos, asertivos y emocionalmente inteligentes. Debería ser parte
integral de la educación infantil y se debería fomentar una pedagogía
teatral para los educadores, como ya existe en la Música o las Bellas
Artes por el impacto y posibilidades que tiene dentro del desarrollo
curricular no solo para la profesión sino para el abordaje y
comprensión de otras ramas de conocimiento.
El teatro es un arte total que nos invita a reflexionar sobre los grandes
temas, nos alienta a sentir, a reír, a llorar, a empatizar con lo que pasa
sobre las tablas en un tiempo único y efímero, imposible de capturar o
piratear.
En cuanto al I.V.A y los recortes, dejaré palabras de uno de los
Grandes, para no repetir lo que todos ya sabemos: “Un pueblo que no
ayuda y no fomenta su teatro, si no está muerto, está moribundo”-
Federico García Lorca.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Estuve viendo John de DV8 en los Teatros del Canal. Son unos
“bestias”- ¡que manera de contar! Me preguntabas por referentes, ellos
lo son, sin lugar a dudas.

¿Proyectos?…
Tengo una historia rondándome cada noche…si sigue así no me
quedará más remedio que escribirla. ¡Y a seguir luchando!

¿Se pueden hacer propuestas combativas hoy en día?…
¡Eso espero!
El tema está en qué consideramos combativo y contra qué queremos
combatir, no sea que acabemos siendo quijotes contra molinos de
viento… La palabra escrita tiene mucha más fuerza que la palabra
dicha, todos lo sabemos; pero la palabra escrita que se sube a un
escenario es un arma poderosa. Supongo que de ahí que haya tantos
intereses por mantenerla a raya.

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Ángel Facio: Para ganar pasta haciendo idioteces, mejor poner el culo o meterse a puta.

facio¿Cómo surgió Goliardos? ¿Cuáles son las premisas para seleccionar los proyectos de la Compañía?…
Nuestro origen podríamos situarlo en el TEU de Políticas del año 64. Varios componentes del mismo pretendíamos seguir haciendo teatro y nos inscribimos en el registro de Teatros de Cámara y Ensayo bajo las siglas TEP (Teatro Español de Postgraduados), siglas que seis meses después trocamos por Los Goliardos, identificándonos con aquellos monjes libertinos que recorrieron Europa en el siglo XI, escribiendo provocativos poemas y predicando el amor libre. En aquella primera etapa, y bajo la etiqueta de teatro independiente, montamos diez espectáculos. Con los tres últimos confirmamos nuestra vocación itinerante, contabilizando más de ochocientas representaciones diseminadas a lo ancho de todo el territorio nacional – recorrimos todas las provincias españolas, incluso las insulares-, participando en cinco festivales internacionales, varias giras por Europa para la emigración, y haciéndonos un nombre respetable en el panorama nacional. En el 74 cerramos el quiosco porque no podíamos seguir creciendo a nuestra costa.

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Pero ahí no quedaría la cosa. Identificándonos con el río Guadiana, en 1989 resurgimos como sociedad limitada. En cuatro años presentamos cuatro espectáculos: Hades Hotel(versión libre de Huis Clos, de Sartre), Ella, de Jean Genet, el Tenorio en plan mafioso, y Reloj, de Rodrigo García, en colaboración con el Ballet Nacional de Cuba. Desgraciadamente, la nefasta gestión de un productor de cuyo nombre no quiero acordarme, dilapidando unos 10 millones de pesetas, nos dejó de nuevo en la puta calle. Otra vez sumergidos.
Sin embargo, en 2011 volvimos a reaparecer, esta vez como Fundación. Y como fundación presentamos Moscú Cercanías -en el Teatro Español- de Venedikt Erofeiev, una pieza de microteatro y ahora este Papá Noel es una mierda en los Teatros del Canal, que pretende alegrar la vida a los que detestan las navidades.
En la primera etapa, los directores proponían los textos, y el grupo los aceptaba… o no.
En la segunda, los miembros de la sociedad limitada escogían la programación y acordaban el reparto. Ahora, con la fundación, los patronos -11 para ser exactos- definen los espectáculos a representar sobre las propuestas de los directores escénicos. En cualquier caso, los criterios han sido siempre rompedores y anti-sistema. Nuestra orientación fue desde el principio de carácter anarquista.

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¿Qué balance haces de estos años de existencia de la Compañía?…
Como teatro independiente, un 11 sobre 10. Como sociedad limitada, un 8. Y ahora, que el público nos coloque en el lugar que nos corresponde.

¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de las diferentes producciones realizadas?…
Del teatro popular al teatro antiburgués. Las clases populares no suelen acudir al teatro.

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¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?…
Nosotros somos un equipo total. Ahora mismo, todos los técnicos forman parte del patronato de la fundación, el resto son actores y directores. En cada montaje, dadas las condiciones del mercado, buscamos una cabecera de cartel afín a nuestros planteamientos.

Háblanos del proyecto que estrenáis en los Teatros del Canal
Papá Noel es una mierda es un hito del teatro francés. Primero fue un espectáculo creado por la Troupe du Splendid y después pasó al cine con el mismo reparto. No hay un solo francés que no haya visto en alguna ocasión la obra y/o la película. En nuestra versión se convierte en un cuento de navidad perverso, una comedia violenta pensada para el disfrute de todos los que sufrimos urticaria al acercarse las entrañables fechas. Lógicamente pensamos que es representable en cualquier época del año, pero nos pareció que lo apropiado era estrenarlo en Navidad.

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¿Cómo es el trabajo con el equipo artístico durante el proceso? ¿Hay una línea ética y estética en la Compañía?…
Naturaca, que diría Don Ramón. Dedicamos al menos una semana a profundizar el significado del texto, la construcción ideal del personaje, el espacio escénico, etc. Y sean cual sean las condiciones de la producción, nunca ensayamos menos de ocho semanas.
En cuanto a la línea ética y estética, ya está respondido, ¿no?.

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¿Se pueden realizar propuestas combativas y alternativas en estos tiempos de crisis?…
Son las únicas que merecen la pena afrontar. Para ganar pasta haciendo idioteces, mejor poner el culo o meterse a puta, ¿no? Resulta mucho más rentable y gratificante.

¿Tenéis espectáculos en repertorio? ¿En gira?…
Sí. Moscú Cercanías, y ahora este Papá Noel. Vamos donde nos llamen, siempre que nos permitan comer de nuestro trabajo.

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¿Qué proyectos tenéis entre manos?…
Rehenes, un musical sobre E.T.A. y el nacionalismo vasco elaborado a partir de The Hostage, del irlandés Brendan Behan. De hecho, ya teníamos fecha para estrenar en el Teatro Arriaga de Bilbao en el próximo mes de febrero, pero después de consensuar un reparto eusko-madrileño, el mismo día que debíamos firmar el contrato, la facción vasca se echó para atrás. No me preguntes por qué, ya que no se han dignado explicármelo.

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¿Cómo os están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a vuestros proyectos de teatro?
Imagina. Ya no es que no nos apoyen. Estos cerdos que nos gobiernan pretenden asimilarnos a los discapacitados. Si pudieran nos mandarían al paredón.

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¿Qué montaje que hayáis visto últimamente, te ha interesado? ¿Por qué?…
La mudanza, de Perigallo Teatro. Por su temática y su perfecta interpretación.

¿Cómo veis la realidad teatral de nuestro país en estos momentos?…
Más negra que el porvenir de Platero y otros asnos finiseculares.

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Roberto Drago: Hago teatro porque me apasiona y me hace sentir vivo.

dra¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Mi padre me metió a clases de teatro ya desde que era pequeño en Argentina. Él era dentista de la Asociación Argentina de Actores y también hacía teatro. Al acabar mi formación en la escuela de Cristina Rota me llamaron para formar parte del elenco de “Rosencrantz y Guildenstern han muerto” dirigida por la propia Cristina Rota.

¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro forma parte de mi infancia y de toda mi vida. Crecí rodeado de teatreros. Hago teatro porque me apasiona y me hace sentir vivo.

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Mi trayectoria ha sido irregular; muchos años de televisión y teatro y luego, con la crisis, muchos proyectos quedaban en el camino o no duraban mucho tiempo. Ahora estoy combinando 3 obras de teatro y doy clases de interpretación. España se ha argentinizado en ese aspecto.

¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
El teatro debe tener la misma función que ha tenido siempre: concienciar, entretener, reflexionar…

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Pues estoy en la Compañía del Corral de Comedias de Almagro interpretando a Don Juan en “El Burlador de Sevilla”. Estoy encantado con ese texto maravilloso y muy arropado por grandes compañeros. También estoy de gira con “El extraño caso de la Marquesa de Vadillo” con la compañía Teatro del Zurdo… Una compañía con la que quería trabajar hace tiempo y con amigos desde hace años. Encantado. También estoy con “El grito del Contrabajo” de Patrick Süskind bajo la dirección de David Lorente. Es una apuesta muy fuerte en la que he involucrado a mucha gente talentosa que tengo alrededor.

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¿Cómo surgió tu participación en El Grito del Contrabajo?…
Hace años que estaba buscando un buen monólogo para hacer. Un día recordé que mi hermano (bajista) me había aconsejado que lo leyera cuando éramos adolescentes y me pareció perfecto. Hablé con David Lorente, ya que lo admiro como director y aceptó.

Háblanos de este trabajo…¿Cómo han sido los proceso?…
Lo primero que hicimos es la adaptación, con paciencia y cuidado para mantener la esencia del texto. Unos meses después empezamos a ensayar. Los ensayos han sido muy gratificantes, sin forzar, y explorando a través de ejercicios. Luego se incorporó mi hermano para definir el montaje. En el camino se fueron incorporando Concha Delgado en la ayudantía de dirección y Mirian Reyes en Regiduría.

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¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
No tengo un método definido, cada proyecto es distinto,pero intento rodearme de gente que me aporta y me ayuda.

¿Cómo crees está afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Es una auténtica barbaridad el 21% de IVA. Es evidente que al gobierno no le interesa que prospere la cultura, pero no van a poder destruir el deseo de los artistas.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Últimamente veo teatro buenísimo! “Othelo” de Gabriel Chamé; “El minuto del payaso”, de Teatro del zurdo, “El más querido” de Denise Despeyroux. Hay mucho talento.

¿Proyectos?… En Enero protagonizo un capítulo de “El ministerio del tiempo” en TVE con un personaje precioso. Y seguiré con los tres montajes de teatro.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Creo que en España sobra talento y eso no se puede frenar. Hacer teatro en espacios no-convencionales es una buena alternativa para desarrollar los proyectos.

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Nuria Benet: El teatro es el arte en el que el contacto con el público es más directo

benet¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Cuando era adolescente me debatía entre dedicarme a la interpretación o a la música. Shakespeare y el hecho de que en mi casa ya había muchos músicos me hizo inclinarme hacia el teatro. Mi debut profesional se produjo en Londres, donde fui a continuar formándome tras acabar la licenciatura de arte dramático en la RESAD. Al final, estuve formándome y trabajando en el Reino Unido como actriz durante doce años. Regresé cuando Jordi Milán, director de La Cubana, con quien había trabajado en una producción en inglés, me hizo una oferta que no pude rechazar y entré en el elenco de Cómeme el Coco, Negro.

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¿Qué es el teatro para ti? ¿Por qué haces teatro?
El teatro es el arte en el que el contacto con el público es más directo. Es un arte, cuya obra está en continuo cambio y evolución, que necesita al espectador para poder alcanzar su forma final y que, dada su naturaleza efímera, sufre la paradoja de que cada momento que vive es momento que muere y esto le confiere una valía añadida.
Al disfrutar de esta íntima relación con la platea el teatro puede ejercer un efecto directo en los espectadores, puede despertar conciencias, movilizar, emocionar y, por qué no, entretener y divertir.
Si a todos esos elementos se le añade el placer que esa comunión entre escenario y auditorio me produce, será fácil comprender por qué he elegido el teatro como modo de vida y, efectivamente, eso es en lo que se convierte: tu vida.

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?
He tenido mucha suerte a lo largo de mi carrera. Es cierto que uno solo puede subir al tren de la suerte si está en la estación, preparado y dispuesto para poder cogerlo. Es decir, creo firmemente en la formación, y estoy convencida de que parte de la razón por la que nunca me ha faltado el trabajo es por mi versatilidad; y esa versatilidad, aunque tenga algo de innata, es fundamentalmente resultado de mi afán por educarme y seguir formándome como artista.

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?
El teatro, para poder sobrevivir, ha de entretener con productos de calidad que motiven a productores, compañías y púbico por igual a continuar manteniéndolo vivo. Tiene que haber montajes dirigidos a diferentes públicos, pero siempre intentando alcanzar la excelencia, tanto si es un producto meramente comercial, como si es un infantil o una obra más intelectual. No hay que educar al público, ni ser condescendientes con él, hay que movilizarlo, hacerle reír, llorar, pensar, analizar, olvidar, provocar… cualquier emoción es buena, pero ha de producir algún tipo de marca en el espectador para que salga tocado y quiera volver.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año? Háblanos de ellos
Llevo un par de años de mucho trabajo (¡toca madera!). Dada la precariedad laboral que existe acepto prácticamente todos los proyectos que me ofrecen e interesan; las compañías son conscientes de la situación actual y ofrecen cierta flexibilidad con las fechas, aunque también se está convirtiendo en algo habitual el compartir personajes.
Este último año he participado en: La Ópera del Malandro, de Chico Buarque, estreno absoluto en España del musical brasileño basado en la Ópera de los Tres Peniques de Brecht. Con él gané el Premio Garnacha a la Mejor Actriz de Reparto. Junto a Teatro Defondo, la compañía que produjo este musical, dirigida por Vanessa Martínez y producida por Pablo Huetos, estoy en otros dos montajes: Los Atroces, una creación colectiva basada en el mito de los de Átridas y en El Sueño de una Noche de Verano, una versión familiar del clásico de Shakespeare. También actúo en El Extraño Caso de la Marquesa de Vadillo, dirigida por Luis Crespo y producida por Teatro del Zurdo, compañía en la que también soy asidua y por cuyo montaje, La Ventana de Chygrinskiy, de José Ramón Fernández, obtuve el Premio Arcipreste de Hita a la Mejor Actriz. Además interpreto el papel de Maestra de Ceremonias en NOC, Un Auténtico Vodevil, dirigido por David Quintana, un cabaré original y muy divertido con el que llevamos tres temporadas en la cartelera madrileña. Por último, participo en el montaje celebración del vigésimo aniversario de Teatro del Astillero, dirigido por Luis Miguel González, titulado Los Charlatanes, una sátira de humor negro sobre el panorama social contemporáneo.benet8

¿Cómo surgió tu participación en las obras que tienes ahora en cartel en Madrid?
Para La Ópera del Malandro hice cásting y a raíz de allí me convertí en miembro asiduo de Teatro Defondo.
Como he dicho, El Extraño Caso de la Marquesa de Vadillo, es mi segundo montaje con Teatro del Zurdo, la primera vez que trabajé con ellos, bajo la dirección de Luis Bermejo, fue gracias a que este vio mi trabajo en Cómeme el Coco, Negro y pensó en mí para su próximo montaje.
Para NOC fui recomendada por alguien que había visto mi trabajo en La Ventana de Chygrynskiy.
Y para Los Charlatanes también los miembros de Teatro del Astillero habían seguido mi trayectoria con Teatro del Zurdo.

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Háblanos de estos trabajos…¿Cómo han sido los procesos?
Muy variados.
Con La Ópera del Malandro, al ser un musical con música brasileira, nos sumergimos en la cultura de este país – hasta tuvimos coaching in fonética brasileña.
En Los Atroces, la tarea titánica de adaptar en una hora y media una saga que comprendía una miríada de personajes e historias entrelazadas, hizo que el trabajo de mesa fuera intenso y extenso. Una vez que tuvimos el esquema narrativo comenzamos a improvisar cada escena, estas eran grabadas y la directora, Vanessa Martínez, las transcribía y daba forma.
El Extraño Caso de la Marquesa de Vadillo tuvo un proceso más “tradicional”. Al partir de un texto ya escrito, los ensayos se desarrollaron con normalidad, aunque la dramaturgia fue cambiando y evolucionando a medida que el espectáculo iba tomando forma.
Los Charlatanes también ha tenido un extenso periodo dedicado al trabajo de mesa. La obra es un amalgama de escenas que tocan diversos temas actuales y a lo largo del proceso hemos ido seleccionando las que mejor funcionaban, o bien a nivel teatral, o bien a nivel de coherencia de contenido.

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¿Cómo creas tus personajes? ¿Tienes un método?
No tengo un método establecido, este va cambiando dependiendo del tipo de montaje y proceso de ensayos. Algo que sí que necesito tener claro es la imagen del personaje. Esta puede aparecer (aun a riesgo de que suene manido) en un sueño, o puedo ver al personaje sentado en frente de mí en un vagón de metro, o reflejado en las páginas de una novela, o en un cuadro, o simplemente me viene un flash visual o una sensación física y a partir de ahí se va construyendo. Sin embargo, creo fervientemente en que, tanto si se trabaja de dentro a fuera como de fuera a dentro, el personaje tiene que respirar, tiene que retorcérsele las tripas, tiene que acelerársele el corazón, en resumen, tiene que tener verdad.

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¿Cómo crees está afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?
Muy negativamente. Si ya antes era difícil movilizar al público para que viniera al teatro, ahora el factor psicológico de la subida del IVA va totalmente en contra de nuestra industria. España es un país donde el ir al teatro todavía no forma parte intrínseca de la cultura, como ocurre en el Reino Unido. Ponerle más trabas a que esto ocurra es contraproducente para la cultura de nuestro país.
Es cierto que, en contraposición, los teatreros hemos sabido movilizarnos para sobrevivir; se han creado nuevos espacios (como La Casa de la Portera) y nuevos géneros (como el Microteatro) que son un grito de rebeldía ante lo establecido. Pero existe la multiprogramación a la que están avocadas las salas y el demasiado frecuente “a taquilla” que proponen las compañías está teniendo un doble efecto. Por un lado, la amateurización de la profesión: cualquiera puede hacer teatro con muy poco dinero y sin pagar a nadie, teatro que las salas contratan porque tienen que llenar todos sus horarios – en general, no existe un filtro de calidad o coherencia artística a la hora de programar. Y por otro lado, poca gente puede vivir del teatro, con lo que, o, haces como yo, y estás en tropecientos proyectos, o tienes un trabajo paralelo que te dé de comer y te impida comprometerte plenamente a los proyectos teatrales, o eres una niña bien a la que su familia le subvenciona cual mecenas florentino. Es absolutamente necesario introducir la ley del mecenazgo cultural para que con la introducción de capitales privados se pueda reavivar y dar a la cultura la importancia y lugar predominante en la sociedad que se merece.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?
La paradoja del actor es que cuando trabaja no puede acudir al teatro e interesarse por lo que está en cartel. Así que, por desgracia, últimamente no he podido acudir mucho al teatro. Lo último que vi y que me interesó profundamente fue Trilogía de la Ceguera de Maeterlinck en el CDN. Cada obra corta era dirigida por un director joven y, aunque mantenían una coherencia formal, eran muy diferentes entre sí. Me pareció una idea muy positiva para dar a conocer repertorio clásico y mostrar el trabajo de jóvenes artistas.

¿Proyectos?
Ya sabes lo que se dice de los proyectos… que si se habla de ellos se truncan… así que hago mutis elegantemente.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?
Estrujarse la mente y la imaginación para seguir creando espectáculos de calidad que reten e interesen al público; reivindicar unos mínimos para que nuestro gremio no sufra; plantarse ante una industria que cada vez exige más y da menos, sin perder de vista los enormes esfuerzos que hacen las compañías para llevar un montaje adelante; y no olvidar que el teatro embellece y mejora la vida, la sociedad y la cultura.


INÉS NARVÁEZ: “Me considero un bebé creativo y hoy por hoy mis asideros son mis vivencias, necesito que sean muy reales para no perderme y divagar más de lo que ya divago.”

ines1¿Cómo fueron tus inicios en la danza?…
Empecé en la escuela de Carmen Senra con 21 años. Venia del teatro y necesitaba hacer más trabajo corporal y menos texto.
Después de Senra entré en el Conservatorio Profesional de Danza de Madrid y tube la suerte de tener grandes maestros que me enseñaron y prepararon para la creación y la escena, en especial Pedro Berdayes y Christine Tanguay.

¿Qué balance haces sobre tu trayectoria?…
Como intérprete he tenido la suerte de participar en trabajos de Berdäyes, Friedman, Werner, Runde y Sarmiento y como creadora e intérprete he participado en varios proyectos de creación de compañías – TACH, La Mínima y Kubuk – las dos primeras de creación colectiva.
Ahora con algo de bagaje he decidido empezar a crear mis propias piezas.
“Un minuto de silencio” fue mi primer trabajo en solitario y “Reflexiones…” es mi segunda pieza.

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¿Cómo ves el panorama de la danza en nuestro país?
Complejo.
Creo que la falta de apoyos y de trabajo han hecho que mi generación se instale en el pesimismo. No se puede, por tanto no hago. Y si hago es en unas condiciones que no son las idóneas. No nos dejan, ni nos dejamos, soñar.

¿Qué colectivos te interesan?…
Me interesan todos los públicos y con todos me refiero a cualquier persona que pase por la calle sea cual sea su condición, raza, formación o sexo.

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Háblanos del proyecto que presentas en DT…
“Reflexiones de una disléxica” nace antes que “Un minuto de silencio”, lo que pasa es que entre medias mi madre muere y la “Disléxica….” se quedó guardada en un cajón.
Durante la producción de 10 & 10 danza EPISODIOS trabajé como ayudante de producción y de la dirección con Mónica Runde con quien compartí la idea del proyecto y se ofreció a formar parte de el.
Me considero un bebé creativo y hoy por hoy mis asideros son mis vivencias, necesito que sean muy reales para no perderme y divagar más de lo que ya divago.

¿Qué temas o propuestas te seducen a la hora de poner en pie un proyecto?.
Creo que te he contestado en la pregunta anterior, pero no puedo dejar a un lado la estética.
Mis ideas empiezan por ahí. De hecho “La disléxica” comenzó por unos trajes blancos (que Mónica inmediatamente sacó de un flycase de 10 & 10) y el retrato de Ofelia.

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¿Hay un proceso o plan de trabajo que sigues habitualmente cuando empiezas un nuevo trabajo?…Háblanos de ello…
Divago, hablo de las ideas, tomo té con las personas que van a participar. No ensayo antes de tener clara la estética y lo que quiero comunicar con la pieza.

¿Cómo está afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a tu trabajo?…
Hasta ahora he autofinanciado mis proyectos trabajando en otras cosas y he tenido la suerte de tener un gran apoyo por parte de DT Espacio Escénico y de 10 & 10 danza.
Obviamente si el IVA fuera menor tendríamos más espectadores y teniendo en cuenta que el caché es ciencia ficción y vamos a taquilla…

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¿Se pueden plantear propuestas arriesgadas hoy?…
Teniendo claro dónde presentarlo, si.

¿Qué referentes en la danza internacional tienes?…
Pina, Sasha, DV8… pero no tanto referentes, sino que los disfruto y los aprendo.

¿Qué espectáculo de danza has visto últimamente que te haya interesado?…¿Por qué?…
EPISODIOS. Muy interesante porque he podido seguir el proceso de cinco distintos creadores. El trabajo de Claudio Faci en la Dirección Escénica me ha parecido espectacular, y ver a cuatro creadores muy distintos en su forma de concebir una obra y cómo una misma intérprete habita universos tan dispares.

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¿Proyectos?…
Siempre.
Ahora mismo tengo dos en la cabeza.
El más inmediato – aún sin título – es un trio que espero estrenar en abril o mayo. De nuevo trabajaré junto a Runde y nos acompaña Denislav Valentinov con quien ya coincidí en TACH y estudiamos juntos en el CPDM.
Luego queremos seguir con las “Reflexiones ¿de qué?…”.