La traviata de Anto Rodríguez en Pradillo
Violetta celebra una fiesta en la que conoce a Alfredo, un joven de buena familia que le declara su amor. Con mucho miedo por sentirse incapaz de amar y ser amada decide finalmente empezar la relación con Alfredo lejos de su vida pasada como cortesana. El padre de Alfredo exige a Violetta que deje a su hijo para salvar la honra de la familia. Ella, destrozada por el dolor, abandona a Alfredo y le hace creer que está enamorada del Barón. En una fiesta, Alfredo humilla a Violetta delante de sus amigos, pero el padre de este interrumpe la escena para despreciarlo por su conducta y contarle la verdad. Alfredo arrepentido se encuentra con Violetta enferma de tisis. Justo antes de morir en sus brazos, le pide a su amado que se case con una buena mujer. Este podría ser el resumen de la ópera de Verdi, la escenificación, normalmente dura unas tres horas, aquí, nos encontramos, en cambio, ante una visión peculiar de la obra, una vez narrado el cuento, Anto Rodríguez se dedica a convocar nuestra atención sobre una serie de momentos o enfoques de la pieza para que descubramos lo que hay más allá de la narración convencional. Una performance operística muy interesante para abrir la segunda etapa de la nueva programación de Pradillo.
Adolfo Simón
Jan Fabre, el visionario insomne
He tenido que dejar pasar un tiempo después de la experiencia de Monte Olympus, como se deja pasar el tiempo tras un día de desenfreno sexual y emocional, cuando se alargan las horas para seguir con el aroma de la piel de otro cuerpo en las fosas nasales. O cuando has estado velando a un familiar muerto, sabiendo que esa noche será la última que podrás mirar su rostro antes de que se convierta en polvo…Esas noches dejan la cabeza ebria y el cuerpo maltrecho, como si hubieras tenido un accidente y la conmoción estuviese a medio camino entre el placer y el dolor.
Ahora entiendo, tras haber vivido la experiencia de las 24 horas de Monte Olympus, lo que vive cada noche de insomnio Jan fabre y lo que pretende que el público sintamos frente a ese torrente de imágenes y sensaciones inagotables que es este periplo. No es un viaje ascendente hacia la cima de la montaña, es un descenso y caída por un acantilado hacia los infiernos y paraisos más temidos, aquellos donde todo está escrito de sangre y purpura. Pocas veces ocurre que días antes ya esté el cuerpo y la mente en estado alterado, como esperando que llegue la celebración, el mismo día experimenté una preparación sensible para el rito…¿Sería así para los griegos?.
Cuando se entró en la sala, dos seres blancos esperaban en la escena, como recibiendo nuestra energía. No había nada más que ocho mesas blancas también, cuatro a cada lado y una pantalla gigante al fondo, blanca…Era un espacio a medio camino entre un tanatorio o la sala de bodas de un pueblo antes de la fiesta…¿Qué banquete nos van a ofrecer?… Todo el mundo se mira en el patio de butacas…Hay una mezcla de inquietud y excitación…
Y empieza el viaje…La escena se llena de seres mágicos que entran en extásis bailando frenéticamente…Ya no hay vuelta a atrás, el cuerpo no responderá a la mente aunque las horas de madrugada hagan desfallecer…Los ojos duelen pero es imposible dejar de mirar la escena, nada de lo que ocurre allí deja indiferente y hay que esperar a lo que pueda llegar, no perder detalle…
No me voy a acordar de las cosas que no me interesaron, de las redundancias, de las repeticiones…de cada momento en el que estuvimos contra los límites físicos, emocionales o sensoriales. Voy a recordar la belleza salvaje que de repente inundaba la escena, la suspensión del tiempo y el dolor en imágenes poderosas abortadas de una pesadilla, de la locura sin límites en los constrastes que se componen como si un cincel arañase la escena…
Ahora, pasadas las horas…recorto los momentos que me dejaron sin pulso, los monto en mi memoria como si de un videoclip único se tratáse y lo guardo en algún rincón de mi cerebro. No volveré sobre ello, lo dejaré reposar en mi imaginario para que alimente mi locura y el placer por el misterio, lo desconocido, lo imposible…
Jan Fabre ha de exorcizar los fantasmas que le asaltan en las noches de insomnio, ha de liberar su cabeza de los monstruos que le visitan…que bueno si el horror se puede tornar belleza y animar al mundo a soñar despierto, en vigilia…en sueño.
Hay sueños que se componen de pesadilla y ternura, esa es la clave, aceptar que la tragedia y lo grotesco pueden convivir, es una forma de ser más libre en la vida, en este mundo cargado de horror y muerte.
El viaje llega a su fin y termina con la misma energía y generosidad de un equipo de interpretes sobrenaturales, hacen que lo sencillo sea mágico y que lo difícil se convierta en oxigeno. Ellos son los artifices de este monumento creativo…Me niego a poner etiquetas a este trabajo, ni como genero ni como valoración. Los que estuvimos allí las 24 horas, cuidados por el teatro del Canal y su personal, sabemos lo que se experimentó y es algo muy difícil de traducir en palabras.
Ya está, ahora hay que volver a la realidad, a ese día a día donde lo feo nos sale al paso y la transgresión la amordazamos en la pelvis.
Adolfo Simón
Dt x 2
El Curro Dt está celebrando sus veinte años de trayectoria y para ello han tenido la sugerente idea de recuperar varios espectáculos creados durante estas dos décadas y mostrarlos en diferentes salas de la ciudad de Madrid. Sin duda es una oportunidad para que sus piezas las vean espectadores que suelen moverse por espacios concretos y, sobre todo, para tener la ocasión de ver obras que en su momento tal vez no tuvieron la repercusión mediática necesaria. «Frida, pies para que os quiero…» es una de las propuestas más ambiciosas realizada durante estos años por el colectivo. No solo es un homenaje a la gran pintora mejicana; mostrando múltiples facetas de ella como persona y artista, también es la recuperación de un tiempo en el que todo el mundo vivía la esperanza por crear un nuevo horizonte para la sociedad. La tortura por la enfermedad y la lucha por la vida son el hilo conductor de la obra en la que un grupo de actores bailarines componen imágenes poderosas y nos sumergen en el universo de un tiempo a través de los pinceles de una de las genios del siglo XX. En nave 73 todavía se puede disfrutar este mes de la pieza que muestra, a través de la danza, las pinceladas de un tiempo en lucha. Y este fin de semana, en su sede habitual, se ha programado «Spam», una breve pieza de Inma Janeiro creada en residencia artística en Dt.
Adolfo Simón
“FIESTA/SIESTA/FIESTA” en Naves Matadero
“FIESTA/SIESTA/FIESTA” es una propuesta totalmente performática que une numerosos elementos para crear un lenguaje propio. En este caso nos ubicamos en la música, en el baile, en pleno siglo XXI de esta era post-moderna. Hoy en día las etiquetas son carceleras de las mentes que vaticinan un mundo creado por nuevas ideas carentes de vigilancia, la era híbrida está en camino y que eso no nos sorprenda. Aunque aquí hablamos de una pieza inacabada y creciente, podemos disfrutar de la visión de un mundo que mucho tiene que ver con las generaciones que crearon las corrientes que rompieron las caducas normas sociales. La música une al mundo, la gente baila y todos de manera diferente. Se trata de una condición humana que nos arraiga a la hormona vital llamada endorfina. Un instante que pasa por la idea de la inconsciencia temporal, potenciando el momento presente y liberarnos de los pensamientos destructivos que nos deja la razón.
Patricia Jorge
“The trouble of walking straight” en Teatro Pradillo
“The trouble of walking straight” es una propuesta única y efímera. Cada día es distinta, una construcción que se realiza con el conjunto de los asistentes que se presenten ese día. En este caso se centra en caminar, todo el mundo camina y todo el mundo lo hace de manera diferente. Con la lectura de unos texto, que se nos presenta en forma de sobre y con una frase como llave, nos sumamos a la propuesta leyendo su contenido como si por un momento fuera nuestro. Un manifiesto ante el resto de espectadores, para después pasar a ser parte de ese mundo que camina y avanza. Lo que allí se crean son numerosas historias que giran entorno a este concepto, una idea que puede pasar desapercibida sin ser consciente del peligro que puede albergar. Finalmente cerramos esta creación con la aportación de alguna de nuestras historias. Historias de pasos que hemos ido dando a lo largo de nuestras vidas. Haciendo caminos por el mundo y por la vida.
Patricia Jorge
10% de Tristeza en ESSENCIA 2017 de Cuarta Pared
Una de las cuatro obras gestadas en el festival Essencia 2017 de Cuarta Pared. Dirigida por Rakel Camacho y con la colaboración de la artista plástica Mireia Vila. Se gesta en forma de laboratorio, con la palabra felicidad como única guía (palabra que pronto será prohibida del vocabulario de los actores). Y de esa experimentación pronto salen los temas autobiográficos y personales. Durante la elaboración se busca huir de los lugares comunes, hurgar y profundizar, buscar desde la poesía y la metáfora, evitar las etiquetas y permitir el caos.
El proceso indaga en el lenguaje performativo, en el trabajo horizontal y el actor como creador. Ello implica que los actores sean valientes a la hora de proponer, y que la directora sea valiente a la hora de aceptar y recoger ese material.
El resultado es una pieza collage con escenas que se mueven en lo íntimo, en lo surrealista, en lo espectacular, en la interacción con el público, en la emotividad, en la euforia, en los sueños pendientes, en la conexión. En seguir descubriendo, porque una búsqueda de ese tamaño no puede concebir un final.
Guille Pavón Gray
To no end en Essencia de Cuarta Pared
La investigación de esta pieza se dirige hacia el ritual. De una forma caótica y rigurosamente estructurada, han creado un rito con todo aquello que pueda hacerles pensar en la felicidad, en su arista brillante y, por supuesto, sombría. Con un eje de guía claro, arriba y abajo, subir y bajar, estallar de euforia y deslizarse por la pendiente de su descenso, presentaron algo que cambiaba a cada segundo y que, sin embargo, tenía una raíz común. Una pieza performática a medio camino entre la experiencia gastronómica y la danza como vehículo hacia el juego.
Adolfo Simón
Paseando de museo en museo
La casa-museo Lope de Vega se encuentra situada en el carismático barrio de las letras. Este lugar no solo organiza visitas guiadas por la estancia, si no que gestiona actividades paralelas como la ocurrida esta mañana. En este caso se tratada del acercamiento a uno de los primeros manuales referidos a las danzas de la época, llegando a recoger más de setenta tipos y normas estrictas en cuanto al protocolo que debía llevarse con rigurosidad. Una actividad de lo más curiosa, aunque no la única. La Casa América expone actualmente una propuesta llamada “Chaco Ra’anga“ que recoge un proyecto colectivo sobre doce viajeros de Argentina, Bolivia y Paraguay, dónde recorrieron el Gran Charco Americano. En este caso nos podemos empapar de un material altamente sensible y rico, pero también de una forma que invita al visitante a recorrer las salas con mayor expectativa. Una forma que traza un puente entre lo aborigen y lo tecnológico, donde los sentidos acaban cobrando protagonismo. A unos metros de distancia y ya empezada la tarde, podemos acercarnos al Palacio de Velázquez para acompañar a Esther Ferrer en una de las performas que realizará esta semana. Hoy hemos partido desde el Retiro para recorrer, parte de el mismo y la ciudad de Madrid. Durante dos horas se ha podido ver deambular a un grupo polifónico que causaba tal expectación que iban acompañados con las miradas sorprendidas los turistas. Si por el contrario no nos apetece deambular podemos optar por La Casa Encendida, dónde ahora mismo se puede visitar la exposición de Marcel Dzama “Dibujando una revolución”, que nos ofrece un amplio catálogo de técnicas que van desde el dibujo al video-performance, sumergiéndonos en su particular universo. Todo ello unido por la ironía, los disfraces, la violencia, el sexo, la muerte, la música y la danza; que se entremezclan para darnos reflexiones acerca de nuestro propio mundo actual. Por si fuera poca la carga de esta última opción, a unos pocos metros, en el Reina Sofía, podemos cerrar la tarde con la propuesta de Thiago Granato “Trança”. Se trata de una investigación y creación, sobre que ocurre cuando se rompe la barrera entre el yo y el otro. Una danza que teje las líneas entre las fuerzas internas, sentimientos y sensaciones, para darles cuerpo en escena. Un viaje por el tiempo y el cuerpo.
Patricia Jorge
Madrid, ciudad sin fin.
Dicen que Madrid es la ciudad que nunca duerme y no le falta razón. Si a uno le gusta transitar y dejarse embaucar por todo lo que esta ciudad puede ofrecer, sabrá que la pequeñez se queda en una mera idea. Un sábado del mes de noviembre es capaz de ofrecernos jornadas como la llevada a cabo por el “Coño’s Project” en la Tabacalera. Un día entero dedicado a actividades, conciertos, puestos, talleres, comida, arte y demás entretenimientos; para reunirnos en torno a la mujer y el papel que esta juega hoy en la sociedad. Avanzando y adentrándonos en la tarde, La NeoMudejar, otro espacio imprescindible, nos trae un visionado de vídeo-performance de la mano de Pancho López, que hace un recorrido por numerosas propuestas Iberoamericanas y abre la veda a la reflexión y el intercambio de opiniones sobre este modelo de arte. Si estos dos eventos no fueran lo suficientemente atractivos, cosa que resulta casi imposible, se puede optar por acudir a alguna de las salas de teatro alternativo que más esta resonando esta temporada, el Teatro Pradillo. Este espacio recoge numeras apuestas por la creación y la investigación a nuevos lenguajes. En este caso se trata de “Pickpocket” una arriesgada reflexión acerca de lo que podríamos denominar “cultura”. Un autentico pulso a la belleza y a la libertad, un cántico desafinado que resuena en el vacío. Sin nada que perder se adentran en una lucha más que reflexiva que no deja indiferente a vencedores o vencidos. Un gran cierre para poner punto y final a un sábado cargado de tanta variedad como opciones posibles.
Patricia Jorge
Missing de Gecko en los Teatros del Canal dentro del Festival de Otoño a Primavera
Aclamada por medios como The Guardian o The Times, Missing es una creación sobre la memoria y la identidad, sobre cómo nuestro pasado moldea el tipo de personas que somos. El montaje es un viaje a la mente de Lilly, una mujer normal que recuerda el día de su boda, sus lecciones de flamenco, sus fiestas, las raíces de sus padres… Hechos inconexos a los que el espectador dotará de significado dependiendo de sus propias vivencias. Y la propuesta es tan compleja y abierta que permite que el público, de manera individual, escriba su propio diario, extrayendo de las imágenes y fantasmagorías que se crean, su propio periplo vital. Danza y fisicidad, teatro de objetos y espacios construyen en Missing un universo que nos remite al mundo diario pero cargado de sueños donde nos redescubrimos más profundamente; allí están las respuestas a las preguntas que nunca nos hacemos.
Adolfo Simón
Out of Context / For Pina de ALAIN PLATEL / LES BALLETS C DE LA B en los Teatros del Canal
Un homenaje a la obra de la coreógrafa Pina Bausch, fallecida en 2009, un año antes de que Alain Platel estrenara Fuera de contexto, su pieza más exitosa de la última década.
En Out of context, el director Alain Platel continúa buscando un lenguaje del movimiento conectado a lo inconsciente, lo arbitrario, lo descontrolado. El material de movimiento cubre una amplia gama de distonía, o lo que es lo mismo: espasmos, convulsiones, tics. Estos pueden ir desde mover ligeramente la boca, castañear los dientes, sacar la lengua, pestañear, fruncir el ceño, hacer muecas, mover los dedos como si estuvieran tocando el piano, menear ligeramente los músculos, el torso, la pelvis o la cabeza, sacudir el abdomen o el diafragma, entorpecer el equilibrio y caerse, hasta un repertorio sinfín de formas absurdas de caminar. Pequeños tics alternados rápidamente con grandes pasos. Incansablemente, de forma agitada.
Para ello, Platel escoge a virtuosos bailarines. No se siente tan atraído por el inconsciente en sí como por la tensión entre la amplia gama de movimientos descontrolados y los componentes tradicionales de la coreografía, como la ejecución de movimientos sincronizada (simultánea). En ese entre-deux, esa zona de tensión entre el inconsciente y el superconsciente, se abre un espacio muy interesante no solo para el director, sino también y sobre todo para los bailarines con los que tanto tiempo lleva ya trabajando.
Hay ocasiones que, al salir de un espectáculo, es necesario vagar por los alrededores del edificio, como retomando la orientación de nuevo. Cuando en el patio de butacas se pierde el equilibrio sensorial y emocional, lo que está pasando en la escena es de un orden sobrenatural. No me extraña que este espectáculo sea un homenaje a la gran Pina; es como si Alain Platel hubiera atrapado por un tiempo el espíritu del genio de la danza teatro. Que los intérpretes lleguen desde el patio de butacas para desprenderse de su piel social y se transformen en lo más primitivo que hay en nosotros para transitar por el tiempo, el dolor y la ternura y mostrarlo abiertos en canal…es impagable. Y al final, todo vuelve al orden inicial, a la máscara social. Buen inicio de la nueva etapa de los Teatro del Canal.
Adolfo Simón
“Blod” en Teatro Pradillo
“Blod” es la transformación en estado presente, un encuentro entre lo que es y lo que está siendo. Con la capacidad de enfrentarse al cambio, va creciendo y muriendo en un mismo espacio de tiempo. Se alimenta, se reproduce, se caga; y todo ello en una órbita de miradas que lo envuelven. La contextualización de esta pieza se queda en el fondo de nuestras dudas, porque aquí no importa el encuadre, ya que se trata de una “cosa” en su propia dimensión. Una dimensión que nos da la oportunidad de des-catalogar y poder sentirnos cómodos con ello, con la imagen, con la emoción o con las ideas; que no encuentran armadura. Y es que se trata es de no poder definir, de la incapacidad que se nos presenta ante esto que hacen llamar Blod.
Patricia Jorge
MA.drid por Curro DT en DT Espacio Escénico
MA.drid por Curro DT en DT Espacio Escénico
Madrid. Noviembre. 1936.
¿Que recordamos de esta fecha? ¿es importante?
¿Alguien vio, oyó o sintió lo ocurrido por esas fechas?
Un recuerdo. Una memoria por la urbe. Un diario que se abre mediante el cuerpo y su valor para expresar multitud de cosas. Una lente que informa. Unas voces que emulan los días de aquellos bombardeos que parecen ser olvidados bajo el imperioso paso del tiempo. De nuestro presente.
Un Noviembre de 1936, que después de 81 años, sigue teniendo para los intérpretes un ruido penetrante.
Una combinación de partituras corporales que empastan con la voz de aquellos escritos obtenidos de la indagación.
Y tres preguntas para meditar:
¿Por qué Madrid resistió?
¿Por qué nadie lo recuerda?
¿Por qué pasean por Madrid?
Desde luego ahora pasearé por las calles de Madrid intentando redescubrir su historia.
Amérika Liyun
“Cercos” en Dt Espacio Escénico
“Cercos” es una propuesta de Marianela León y Mario Bastián, dónde se reúne el trabajo de ambos en la simbiosis de sus particulares lenguajes expresivos, dando como resultado una propuesta cargada de líneas dramatúrgicas. En este caso se nos presenta una pieza a partir de conceptos como el cuerpo, el objeto y el individuo; todo ello guiado a través de una composición sonora que genera una atmósfera y que recoge los pozos de las cosas olvidadas. Hablamos de un viaje que transcurre por territorios desconocidos para la sensibilidad cotidiana, un espacio dónde los elementos danzan sin partitura y el cuerpo violentado, trata de encontrar la salida. Los límites se mueven, están vivos, tanto como aquello que delimita, aquello que cansado de abarcar la forma modifica las leyes y juega con la delimitación de su propio espacio. Cuando uno cree haber atravesado la línea que delimita el molde, encuentra que estas líneas no son fijas, que el rizoma es un concepto mental que muchas veces nos trata de prisioneros. Que por mucho que tratemos de superar ese bucle conceptual, hace falta echar toda la carne en el asador, para que el cuerpo encuentre, aunque por un instante, el verdadero territorio que habitar.
Patricia Jorge
Cocina y narración Senegalesa
La comida es esa cosa tan común y necesaria del día a día que realmente poca son las veces en las que somos conscientes de lo que el comer conlleva consigo. A medida que nuestra civilización avanza y se endurece por el conocimiento y la llegada de la tecnología; la alimentación no podía verse ajena a sus efectos y es por eso que hoy día contamos con numerosas vertientes en cuanto a este tema concierne. Los bodegones en la pintura, la iconografía en el cine o la literatura, la experiencias gourmet o incluso la alimentación espacial… son corrientes de desarrollo que se han ido dando según el momento social de la época. Y es que la comida, indispensable para la vida, nos acompaña y acompañará por todo este absurdo viaje que va desde que nace el primer ser micro-biológico hasta que este se extinga en su totalidad.
En este caso, en pleno siglo XXI dónde los seres vivimos nos preocupamos por todo aquello que abarca la circunferencia de mi propio ombligo, tratando eso sí de estar a la ultima en tendencias alimentarias, olvidamos todo aquello que consideramos ajeno. Tratamos en muchas ocaciones el mestizaje como algo cool o alternativo, ¿quién no se ha pasado por los hindúes de las calles de Lavapies? ¿O por los mexicanos del Barrio de las Letras?. Ahora bien, me pregunto ¿cuantas personas son realmente conscientes de que el sencillo acto de comer lleva consigo mucho más que cubrir la necesidad nutricional?. Compartir una comida va de un acto social, de la unión de personas, que al rededor de una mesa, comparten durante un momento sus vidas. Personas de diferentes puntos del planeta, personas que arrastran su cultura allá a dónde van. Personas que preparan en sus recetas, la mismas que preparaban sus abuelos, los platos que marcan sus vivencias personales.
Cuando se juntan un mantero senegalés, un uruguayo cocinero, una madrileña feminista y una viejecita del portal de al lado; para prepara una cena, que cocinaran juntos y a posteriori disfrutaran; una se da cuenta de que las mayores diferencias ideológicas se reducen en saber si es la cantidad correcta de aceite. Una vez más, actividades como esta hacen que la conciencia se vuelva pregunta y que la reflexión invite a cuestionarnos si realmente las barreras están en las fronteras o en nuestras propias mentes.
Patricia Jorge
“Natten” en La casa Encendida, dentro del Festival de Otoño a Primavera
“Natten” es el vocablo sueco utilizado para designar la acción de pasar la noche y en este caso, es también, el nombre que da Marten Spangberg a su ultima propuesta. Se trata de una performance de casi siete horas que recoge a los espectadores durante las horas de sueños para embarcarlos en un viaje hacía los más oscuro de la noche. Por ello la duración del espectáculo cobra una importancia vital, ya que nuestro sueño debe llegar hasta el límite de dormirnos ahí mismo. Necesario porque hablamos de esa línea entre la conciencia y la no conciencia, que experimentamos en lo llamado duermevela, ese espacio a medio camino dónde la percepción se vuelve difusa y transforma las realidades que recoge nuestra razón consciente. Así que uno pasa siete horas viendo, escuchando, imaginando; compartiendo espacio, mantas y cojines, con otros asistentes. Durmiendo y despertando en puntos diferentes del viaje, para así dar, por una noche, un espacio a todo lo desconocido y abstracto de nuestros sueños, a nuestros monstruos, nuestra oscuridad y esa manera aterradora de vivir lo desconocido. Para llevarnos al final una reflexión sobre nuestras noches más oscura.
Patricia Jorge
El circo de pulgas de Matarile en Naves de Matadero
Matarile lleva 30 años creando vanguardia sobre las tablas. Fundada en Santiago de Compostela por Ana Vallés y Baltasar Patiño ha puesto en escena más de 30 espectáculos en ciudades como París, Edimburgo, Boston o Leipzig, entre otras muchas, siendo galardonada con más de una veintena de premios y menciones en Europa. Y tras este recorrido…¿Qué se puede plantear para una nueva creación?, pues seguramente hay que lanzarse al vacío y acudir a lugares peligrosos como el circo; ese espacio en el que nunca se sabe si el león se comerá al domador o si la trapecista se mantendrá firme sobre el columpio o caerá al vacío. Matarile convoca a una galería de monstruos contemporáneos surgidos de una mente donde habitan sueños y pesadillas. Y a estos seres, les hace dar el salto mortal que todos imaginaríamos en una sesión actual del circo de Manolita Chen. El circo está en declive porque tras el tiempo de fieras navega hacia la poesía y lo conceptual, Matarile reinventa el concepto circo como un espacio de filosofía de muerte y fracaso, como un espacio de regeneración o extinción.
Adolfo Simón
Best of BE FESTIVAL 2017 en el Teatro de la Abadía
Cada verano desde 2010 el BE FESTIVAL mapea la escena europea contemporánea para traer a Birmingham una selección de alrededor de 20 obras. Este año la programación se ha confeccionado entre más de 1070 trabajos, escogiendo aquellos que mejor trascienden fronteras culturales, lingüísticas y disciplinares, con un énfasis especial en la participación y el intercambio para acercar al público a los lenguajes contemporáneos. Best of BE FESTIVAL nace con el afán de trasladar la experiencia del festival y conectar con más gente en otras ciudades. Cada año, tres de los espectáculos favoritos del festival se van de gira por el Reino Unido y España. Después de la buena acogida de las ediciones anteriores, Best of BE FESTIVAL llega a La Abadía hasta mañana, 29 de octubre. Es una suerte para el público de Madrid, tener la ocasión de encontrarse con un ramillete de propuestas elegidas entre todas las presentadas al festival. En este caso es un tríptico muy particular y diverso. Danza, malabares y teatro textual conforma este triángulo de estéticas contemporáneas que nos sitúan en la poética y estética de vanguardia. Las tres obras son sugerentes e interesantes pero la primera, Vacuum de la Cia. Philippe Saire es absolutamente sorprendente en la ejecución atmósferica que se consigue con dos cuerpos desnudos. El Be Festival, de lo mejor que este fin de semana se puede disfrutar en Madrid.
Adolfo Simón
(c) Alex Brenner info@alexbrenner.co.uk
Casta, Peste y Eternidad en los Teatros Luchana
Hasta el 24 de Noviembre pueden vivir una apología del amor con la Compañía Actos Intimos en los Teatros Luchana.
¿Puede nuestro alma transitar por el tiempo? Un viaje introspectivo. Un viaje que nunca fue, nunca es y nunca será, ya que para el Alma no hay tiempo. Y al final somos eso, una dualidad entre alma y cuerpo, en donde este último tiene prisa por correr. Atrevernos a mirarnos en nuestro propio espejo, y ver el reflejo de quién realmente somos. ¿Y es que mi alma puede cambiar? ¿Puedo cambiar el como soy?. Santi Senso, Fede Pouso y Beatriz dan vida a estos actos íntimos, en la que cada semana invitan a vivir esta experiencia a diferentes personas, en esta ocasión Camino Miñana. Un teatro experimental en donde se abre una puerta para descubrir quiénes fuimos para aceptar quiénes somos. Un tren que dará vueltas en círculo por el pasado, presente… y quizás futuro.
Amérika Liyun
Antes de la metralla de Matarile Teatro en Naves Matadero
Antes de la metralla de Matarile Teatro no es una experiencia escénica convencional, es un compendio de reflexiones que han realizado el equipo base de la Compañía y que se completa con la presencia y aportación de integrantes puntuales que se acercan a la compañía durante unas sesiones-taller. El resultado es un macro cabaret filosófico que denuncia las atrocidades del hombre blanco en su afán por hacer del ser humano, un ser genial, pero, como en todo experimento, a veces no resulta como se soñó y el hombre blanco genera una especie de mutantes que tratan de sobrevivir a un mundo sin futuro. Un collage complejo de poéticas diversas que reivindica la necesidad de ser y no estar.
Adolfo Simón
“Nocturnonº3” en Teatro Pradillo
Me aferro a la idea de que ir al teatro lleva la gran responsabilidad de esta dispuesto a salir transformado. Hoy día con la gran cantidad de propuesta que nos ofrece la cartelera podemos saciar casi cualquier paladar, aunque a veces el viaje vas más allá. hay veces que sin esperarlo una sale del teatro con la necesidad de habitar aquello que ha visto, de sucumbir a su estímulo, de que el baile que vivieron los ojos lo hagan ahora los pies. “Nocturnonº3” es de esas cosas que no te esperas, es esa mirada penetrante, excitadora y desconocida de una estación de trenes, es la necesidad de revolverse en el asiento con el impulso de un corazón dispuesto, es ritmo, es cuerpo y música, es la perfecta conjunción de el espacio vacío que deja una nota en suspensión. Tratamos muchas veces de expresar lo que los ojos ven y no lo que el alma siente, por eso hay cosas que se escapan a la literatura barata. Ojalá siempre tengamos la suerte de seguir emocionándonos y enriqueciéndonos de esta forma, en pequeñito y en la intimidad de una noche que cobra la magia de un sueño.
Patricia Jorge
“Meriendas y Aperitivo: los previos” en Teatro Pradillo
El pasado viernes tuvo lugar una de las jornadas que pertenece al ciclo “Meriendas y Aperitivo: los previos.” que nos ofrece el Teatro Pradillo, justo antes de la presentación de la nueva temporada 2017/2018. Echaba de menos un lugar dónde el teatro rescatara lo más comunitario que tiene, el compartir una velada donde teatro y gente se encuentran en armonía. Fueron tres las propuestas presentadas, artistas que buscan e indagan en las nuevas tendencias de la escena más contemporánea poniendo así su granito de arena a estas nuevas que generaciones que tomaran el testigo. “Ensayos para el fin del mundo. Ensayo no. 1. Después del fin”, “Eso que ví” y “El público está aquí”son los títulos de las propuestas mostradas, que junto con el encuentro final, dejaron un gran sabor de boca a todo aquel que pudo pasarse por allí. Sin duda eventos como este le devuelven a una las ganas de abarcar las butacas de los teatros más alternativos en donde al parecer algo se está gestando. Por lo que habrá que estar atentos a lo siguiente que nos ofrezcan.
Patricia Jorge
África Fantasma de João Samões en Naves Matadero
África Fantasma, un territorio de fantasía e imaginación creado por João Samões en la que una puesta en escena desnuda y una única actriz nos invitan a reflexionar sobre el colonialismo y el racismo. Como si de un pedazo de sueño se tratáse, el espectador se encuentra ante sus ojos una serie de fragmentos surreales en los que una mujer que muta de piel, interactúa con un cocodrilo mientras la música les envuelve y el lenguaje se vuelve afilado y certero.
Adolfo Simón
Ningún lugar en Naves Matadero
Orquestina de Pigmeos, colectivo formado por el músico Nilo Gallego y el creador audiovisual Chus Domínguez, presenta Ningún lugar, la primera producción de Naves Matadero que involucra a distintos habitantes de la ciudad de Madrid. Buen arranque de temporada para Naves Matadero con esta pieza que tal vez muestra el perfil de lo que se pretende en este espacio de creación. Sin duda, los artistas han de estar en contacto con la realidad y en este caso, la experiencia escénica va más allá de los musical o el documento, ante nuestros ojos se contruye una paisaje poético donde el caos y el desorden nos muestran, a través de una emoción profunda, lo frágil de la existencia y la necesidad de hacer desaparecer la frontera que nos separa a la ciudadanía, seamos de donde seamos.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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