“Interrupted” en el Teatro Lara
¿Quién dijo que vivimos en Tiempos Modernos?
Chaplin en su película de 1936 ya preconizaba el estrés como algo que se normalizaría en la sociedad moderna e industrializada y haría aparecer un de las peores enfermedades modernas: La Depresión. ¡Ahora estamos igual que al principio…! ¡No hemos controlado nada !, al revés, el Trabajo- para las personas que lo tenga-, supone, muchas veces un gran obstáculo en sus vidas.
“Interrupted” es la historia de un fracaso de vida. Una vida interrumpida por una presión externa que no se acaba de gestionar bien.
Anabel (Andrea Jiménez) combina la ternura y el clown de una manera muy bien hilvanados. Las actrices entregan sus cuerpos a una trama que va gestando este drama, convertido en comedia inteligentemente para que el público sea capaz de pensar más allá de lo que le puede pasar a una mujer con éxito.
Personajes delirantes interpretados por Noemí Rodríguez, nos sumergen en un mundo surrealista pleno. Así como sus compañeras de reparto Ariadna Cárdenas y Esther Ramos. Una maquinaria estupenda donde la interpretación, expresión corporal, dramaturgia y buena dosis de sensibilidad hacen de este trabajo un reloj casi perfecto. «Controlar el Tiempo…que no sea el Tiempo el que os atrape»
Luis Castilla
To no end en Essencia de Cuarta Pared
La investigación de esta pieza se dirige hacia el ritual. De una forma caótica y rigurosamente estructurada, han creado un rito con todo aquello que pueda hacerles pensar en la felicidad, en su arista brillante y, por supuesto, sombría. Con un eje de guía claro, arriba y abajo, subir y bajar, estallar de euforia y deslizarse por la pendiente de su descenso, presentaron algo que cambiaba a cada segundo y que, sin embargo, tenía una raíz común. Una pieza performática a medio camino entre la experiencia gastronómica y la danza como vehículo hacia el juego.
Adolfo Simón
Oirotalev en el Teatro Intemperie
Oirotalev = Velatorio.
Juan Frendsa:
“Nadie se siente cómodo en un velatorio, nadie sabe qué decir cuando es la mismísima muerte la única que es capaz de decir algo con el silencio.”
Séneca dijo una vez:
“¡Oh muerte! ¡Cómo persigues al dichoso y rehuyes al desdichado!”
Y así se nos presentan los 3 hermanos de esta obra. Desdichados que se vuelven a reencontrar, cada cual con sus heridas y cicatrices. Cada cual con sus verdades y mentiras. Cada cual con el terrible silencio de soportar la vida.
¿Quien iba a decir que la muerte iba abrir muchas puertas y ventanas? O cerrarlas.
No es más desdichado el que muere, sino el que sigue vivo sufriendo el peso del pasado. Y sobre todo de lo que se ha ido cosechando a lo largo de su vida.
Los estrenos son bastantes emocionantes, y ver las lágrimas del dramaturgo de la obra más, en esta caso Juan Frendsa. Me imagino que tiene que ser algo maravilloso ver cómo esos personajes escritos por ti, ahora toman fuerza y una tercera dimensión. Verlos caminar, hablar y sentir.
Un sentimiento y vivencia que así lo refleja una de las actrices del reparto, Tamara Casellas, la cual en medio del turbio momento, interpreta un personaje con fuerza y personalidad.
“La culpa es de la sangre” Esa sangre que no elegimos, si no que se nos da y crea vínculos con personas con las cuales quizás no tenemos conexión. Eso que se llama familia.
Dave Aidán
“Los cerdos nos miran” en La Usina
“Los cerdos nos miran”… Una chica. Un chico. Una hermana. Un hijo. Un camión que descarrila. Un hombre muerto junto a los cerdos… En este caso hablamos de relaciones, la línea comunicativa que se establece de manera, muchas veces incompresibles, entre las personas. Aquí se trata de intentar aplacar la idea de la individualidad. Una idea que está arraigada a los personajes dejando un margen extremadamente corto para comunicarse. Existe un aislamiento y la continua necesidad de establecer algún tipo de conexión. La mirada y la muerte son dos iconos constantes y grandes propulsores de toda la pieza. A medida que avanza podemos ver el desarrollo de un lenguaje abstracto que proporciona la potencialidad de los actores, dejando que estos sean los que nos cuenten, en primera persona, lo que está pasando.
Patricia Jorge
Tebas Land de Sergio Blanco en el Pavón Teatro Kamikaze
Tomando como tema central la figura del parricidio, el dramaturgo franco-uruguayo Sergio Blanco escribe esta obra de teatro inspirada en el legendario mito de Edipo, en la vida del santo europeo San Martín del siglo IV y en un expediente jurídico en el que se narra el juicio de un joven parricida. Los procesos de creación e investigación son misteriosos, cuando se cree que se buscan respuestas, aparecen preguntas inesperadas. Tebas Land plantea una cuestión de rabiosa actualidad, la necesidad de restaurar la justicia sobre los antihéroes, los protagonistas de nuestro tiempo. Un director y autor teatral ha de enfrentarse a las dificultades de una producción y termina enfrentándose a otra, que nunca habría elegido pero que le hará entender mejor su vida y el mundo que habita. El proceso teatral es el vehículo para poner en juego el teatro de la vida y a través de él, todos los personajes se transformarán con la experiencia, el débil encontrará herramientas para sobrevivir y el fuerte descubrirá su lado menos luminoso. Una obra que habla de hoy mirando en los espejos rotos del pasado. Gracias a la cuidada programación de este teatro, se estrena por fin en nuestro país el texto de Blanco dirigido por Natalia Menéndez y protagonizado por Israel Elejalde y Pablo Espinosa.
Adolfo Simón
El éxtasis de los insaciables de Réplika Teatro
“El éxtasis de los insaciables”, el último montaje de la compañía estrenado en noviembre de 2016 fue galardonado con el Premio ADE “José Luis Alonso” para jóvenes directores. El montaje de Mikolaj Bielski a partir de material dramático de S.I.Witkiewicz traslada la acción a la crítica contemporánea de convencionalismos asumidos en nuestra esfera cotidiana, a la falta de libertad escondida en los roles sociales y a la decadencia de una cultura occidental que se ha convertido en espectáculo y depredación. El público asiste a un ritual caduco e impúdico que todos sabemos existe pero que ignoramos por no enfrentarnos a ese mundo de poder putrefacto. Y también asistimos a la ceremonia en la que se devoran física y psicológicamente para terminar en un momento íntimo y delicado de degustación culinaria donde el tiempo se detiene para mostrarnos que nada ha cambiado y que no cambiará si seguimos pasivos ante un mundo a la deriva. Experiencia escénica con carácter performativo y ritual, con presencia de música electrónica tocada en directo.
Adolfo Simón
Programa doble en CUARTA PARED
Cuarta Pared nos tiene acostumbrados a una programación cuidada, tanto para adultos como para público familiar. Este fin de semana he podido disfrutar de dos propuestas que tienen algo en común…el amor y la muerte.
En La noche del Sr.Smith de la Compañía con el mismo nombre, asistimos a los sueños propios y ajenos de este personaje en el periplo por conseguir la vida eterna. El precio de la inmortalidad es muy alto, tal vez demasiado si supone que aquello que fue tan importante, el amor, hay que perderlo por una vida aséptica y sin fin. Una obra que nos obliga a reflexionar sobre los límites entre el deseo y la realidad.
En la programación familiar, dentro de la Muestra de las Semanas Internacionales de Teatro de Acción Educativa, hemos podido disfrutar del más difícil todavía, llevar a cabo la representación de Romeo y Julieta por un solo actor, Jorge Padín. Ultramarinos de Lucas siempre se ha distinguido por realizar propuestas serias y arriesgadas, en este caso, realiza una proeza estética y poética que mantiene en esencia la obra del bardo; con el amor como equipaje hacia el destino final, la inevitable muerte.
Adolfo Simón
Premier en Nave 73
Dicen que los niños y los borrachos nunca mienten. En Premier, aprovechando la euforia del éxito, cuatro personajes se abandonan al alcohol en la celebración de un gran estreno…Poco a poco, iremos conociendo lo que vincula a los personajes, sus sombras y debilidades. Hasta el más fuerte, terminará siendo víctima de sus propios miedos. Una puesta en escena sencilla, centrada en la interpretación de cuatro actores de entre los que destaca Verónica Larios que asume el papel de la verdugo de los otros títeres, aunque terminará atrapada en su propia telaraña.
Adolfo Simón
Cinco tonos del color azul en el Teatro Intemperie
¿Cómo se gestiona el duelo ante la pérdida de un ser querido?
¿Y que pasa cuando descubrimos los diferentes tonos de este duelo? Hace poco se inauguró el Teatro Intemperie en El Barrio de Malasaña, y esta semana se ha podido vivir la experiencia de conocer los “Cinco tonos del color azul”.
La muerte sigue siendo un tema tabú y del cual se piensa que ante una dolorosa pérdida la vida no tiene sentido. Obviamente hay fases que superar, pero siempre con la idea de que la vida sigue y sobre todo aceptar la muerte.
Esta experiencia es un acto sincero con toques cómicos de la vida misma. Es un baño natural con agua pura. Profunda, honesta y llena de verdad. Una verdad dada por unas joyas de actrices como Marta Aguilar y Lluna Gay y de su directora Paula Ribó.
Un espejo donde quizás muchas personas se puedan ver reflejadas, obligados y obligadas a pasar por los cinco tonos del color azul. Cada uno de los tonos corresponde a las 5 fases del duelo según el esquema clásico descrito por Elisabeth Kübler-Ross: negación, ira, depresión, negociación y aceptación.
Un rito entre la vida y la muerte lleno de él antes y él después.Es emoción y miedo. Una etapa nueva de madurez que explorar.
Un conjunto rico entre interpretación, textos, vídeos y músicas.
Y nos secaremos las lagrimas, seguiremos bailando, que la vida sigue y los recuerdos habitan en nuestros cuerpos.
Dave Aidan
Democracia de Michael Frayn en el Festival «Una mirada al mundo» en el CDN
Basada en hechos reales acaecidos en la República Federal de Alemania de los años 60 y 70, la obra muestra el auge y caída de Willy Brandt, mentor de la Ostpolitik y premio Nobel de la Paz. Relata cómo Günter Guillaume, el funcionario que ganándose la confianza del Canciller consiguió ser su asesor personal, provocó su renuncia y la de su gobierno cuando se descubrió que era espía de la República Democrática Alemana. Un montaje sobrio e impecable que no hace concesiones a la hora de tratar unos acontecimientos que sorprendieron al mundo. La puesta en escena era contundente y espectacular, conservando la esencia de la historia real en la que estaba basada; una ocasión para conocer los entresijos del poder sin filtro.
Adolfo Simón
Dos nuevos entremeses, «nunca representados» en el Teatro de la Abadía
Los entremeses de Cervantes son como un árbol en el que siempre se descubren brotes inesperados. La Abadía, que ha llevado “sus” entremeses por numerosos teatros, en España y en el extranjero, logrando una conexión con el público que sorprende al tratarse de textos de hace cuatro siglos, aborda ahora, de la mano de Ernesto Arias, otras dos piezas: La guarda cuidadosa y El rufián viudo llamado Trampagos. Dos nuevos entremeses «nunca representados» invitan al espectador a reconocer en las acciones de modestos personajes, la grandeza del valor humanístico en Cervantes: la libertad de las mujeres, el valor individual y la fuerza colectiva. Ernesto Arias, al frente de un equipo artístico virtuoso construye un universo poético y atmosférico en el que transitan seres marginales con otros fantásticos, la mezcla de estos mundos genera momentos de intensidad teatral poderosa donde la verdad y el viaje a otro tiempo se nos hace presente y nos habla de hoy, cara a cara con las debilidades y monstruosidades de una sociedad que parece sucumbir siempre a la misma torpeza existencial.
Adolfo Simón
La Pilarcita en el Teatro Lara
Cuando uno habla de milagros acude a las más altas esferas para explicar, de manera sobrenatural, la resolución de un problema. Cuando uno habla de devoción se traslada de manera casi automática a la idea religiosa de su doctrina. Pero cuando uno habla de fe, debe tener el espíritu abierto para entender que creer es necesario para vivir. “La Pilarcita” nos recuerda a través de enigmáticos personajes, que uno busca y rebusca en si mismo y en la vida, lo necesario para enfrentarse a su destino más presente, con la esperanza de que algún día este cambie. Se trata de un puente al pasado, a la tradición y a lo que arrastramos estas nuevas generaciones. Un viaje por la realidad del amor, la amistad, los sueños, los deseos y las tristezas que se esconden detrás de cada una de ellas. Una moraleja dónde pone en entredicho que los milagros no aparecen de repente, ni súbitamente como un meteorito caído del cielo. Que el autentico milagro lo forja uno día a día, con deseos, sueños, fe y constancia. A fuego lento, removiendo y esperando el momento para dejar escapar los olores, presos de una olla, de una receta que nadie conoce con exactitud.
Patricia Jorge
TEORÍA y PRÁCTICA sobre los PRINCIPIOS MECÁNICOS del SEXO en el Teatro Lara
El teatro nos permite ver la vida al otro lado de las mentiras, donde se esconde la verdad de las relaciones. En tan solo dos situaciones, dos parejas que en principio no lo son, nos descubrirán lo que a veces intuímos pero que no queremos creer nunca. En estas dos situaciones, el amor, la fidelidad y el sexo serán los temas principales. Porque es cierto que en teoría, todos tenemos ciertas cuestiones resueltas, pero la práctica demuestra que el ser humano es débil y a la vez terriblemente manipulador. Situaciones cómicas que nos provocan escalofríos ante las confesiones imprevistas. El teatro, cuando es sencillo y directo, se agradece ya que va directo al intelecto y emoción del público. En esta obra, reímos y pensamos al tiempo, algo poco habitual.
Adolfo Simón
El palacio encantado de Edgar Allan Poe, en El Teatro Alhambra
El teatro Alhambra de Granada acogió el domingo, 12 de noviembre la nueva propuesta escénica de la legendaria compañía británica The Tiger Lillies. Se trataba de una función única, hecho que se tradujo en un lleno absoluto de la sala y una expectación muy por encima de lo habitual. En hora y media de representación, Tiger Lillies desplegaron su estilo habitual, creación de música sobre el escenario envuelta en un halo de misterio y extravagancia. Tres actores/músicos (más músicos que actores) que mezclan melodías de los gitanos del este, ópera popular y ambiente de cabaret. En El palacio encantado de Edgar Allan Poe todo es anarquía, algo que es un emblema de la compañía pero que también lastra al espectáculo como tal. Las composiciones son interesantes, brillantes algunas, disfrutables en su excentricidad. Ponen música a composiciones de Poe de una manera tan emotiva como peculiar, anclados en lo grotesco y oscuro, haciendo esa especie de teatro punk que tantos reconocimientos le ha traído. El argumento general es demasiado delgado, no obstante, actuando los diálogos entre canciones como mera excusa para pasar al siguiente número musical. Un espectáculo único, irrepetible, tan peculiar que merece la pena verlo, en sus fortalezas y debilidades.
Rafael Ruiz Pleguezuelos
El florido pensil en el Teatro Marquina
Desde hace tiempo existe una técnica llamada «risoterapia» que ayuda a superar tiempos difícil y situaciones complicadas en las vivencias de las personas. Cuando alguien dice aquello de «cualquier tiempo pasado fue mejor», les sugeriría que fuesen a ver la obra «El florido pensil», bueno, animaría a que fuese a alguien con un concepto progresista de la humanidad, a los catastrofistas no. Los que ya tenemos una edad, sabemos lo que significaba entrar en un aula y tener la sensación de estar en un cuartel militar. La educación, en este país, durante aquellos funestos cuarenta años, consistió en aleccionar a los individuos en cómo tenían que pensar y sentir. Y para ello usaron todo lo que tenían a su alcance, la escuela, la radio, etc. Ver El florido pensil es una oportunidad para exorcizar alguno de aquellos fantasmas de los que hemos heredado muchos de nuestros tics sociales y democráticos. Y si es con humor, pues doblemente saludable. Esta versión femenina; tuve ocasión de ver también la masculina hace años, agudiza e ironiza sobre los decretos diarios con los que se nos inculcaba para ser «buen español». Hacía tiempo que no me reía tanto en cada una de las escenas donde las actrices juegan a ser alumnas y profesoras para transmitir ese código terrible de comportamiento. Núria González, Mariola Fuentes, Chiqui Fernández y África Gonzalbes están deliciosas en cada una de sus caracterizaciones, pero Esperanza Elipe llega a unos niveles de hilaridad y disparate fantásticos en la creación de la falangista despiadada. Si quieren mirar al pasado sin ira y reírse de los fantasmas que siguen durmiendo en el desván de la memoria, vaya a ver El florido pensil.
Y en Lagrada, todavía quedan funciones de «Mujer olvido» una pieza que recuperar la figura de María Teresa León que para aquellos que no la conozcan y que deberían conocerla, hagan, de ese modo, justicia a una mujer fascinante que fue invisibilizada durante mucho tiempo.
Adolfo Simón
Gloria Fuertes por La Fantástica Banda en el Teatro Lara
Gloria Fuertes por la Fantástica Banda es un concierto-recital para toda la familia.
Gloria era una «Poeta» como a ella le gustaba que le llamaran que escribía, sobre todo para ella y al hacerlo así se divertía de lo lindo y podía sacar punta a todas las cuestiones universales de la Vida. Escribía sobre una pequeña arañita igual que bromeaba con la Muerte. Para ella cualquier tema era digno de ser poetizado: la ecología, la guerra, la paz, el amor, los animalitos, etc…
Con una selección amplia de sus poemas, La Fantástica Banda, creada en el año 2010 y siempre preocupada por la oferta musical infantil, da vida y alma a sus maravillosas poesías, tocándolas en distintos géneros y a ritmo de palmas y bailes vamos conociendo a esta Gloria-niña que a todxs nos seduce.
Un montaje muy recomendable y encantador donde las familias podrán pasar un rato fantástico conmemorando este Centenario del nacimiento de Gloria Fuertes.
Luis Castilla
Un tercer lugar /3D de Denise Despeyroux en la Sala Margarita Xirgu del Teatro Español
Seis personajes profundamente neuróticos tratan de relacionarse entre sí lo mejor que pueden, y también de amarse lo mejor que saben. Unos se decantan por el modelo del amor cortés, colocando al otro en el lugar de lo incondicionado, donde se vuelve imposible cuestionarlo y disponiéndose a cualquier sacrificio a la espera de que el amado se convierta por fin en amante. Otros observan con perplejidad cómo su propia verdad les es arrebatada; cómo en respuesta a su imperiosa necesidad de ser tomados en serio solo reciben extrañas tergiversaciones y comunicaciones defectuosas. Todos, en definitiva, ya sea en el papel de víctimas o victimarios, amantes o amados, anhelan la posibilidad de un contacto auténtico y una comunicación verdadera; tal vez el descubrimiento de un tercer lugar donde ya no sea necesario esconderse más. Es muy interesante que lo que propone Denise en el fondo de su obra, sea trasladable a otros ambitos de esta sociedad enferma actual en la que nos debatimos entre extremos…O pensamos en blanco o en negro…Miramos desde el balcón o nos lanzamos al vacío. Creo que en ese viaje de descubrimiento que experimentan los personajes hacia una catársis que les permitirá optar a otra forma de vivir, vendría muy bien como filosofía para sobrevivir a un tiempo sin esperanza para el amor y el respeto hacia el otro.
Adolfo Simón
Missing de Gecko en los Teatros del Canal dentro del Festival de Otoño a Primavera
Aclamada por medios como The Guardian o The Times, Missing es una creación sobre la memoria y la identidad, sobre cómo nuestro pasado moldea el tipo de personas que somos. El montaje es un viaje a la mente de Lilly, una mujer normal que recuerda el día de su boda, sus lecciones de flamenco, sus fiestas, las raíces de sus padres… Hechos inconexos a los que el espectador dotará de significado dependiendo de sus propias vivencias. Y la propuesta es tan compleja y abierta que permite que el público, de manera individual, escriba su propio diario, extrayendo de las imágenes y fantasmagorías que se crean, su propio periplo vital. Danza y fisicidad, teatro de objetos y espacios construyen en Missing un universo que nos remite al mundo diario pero cargado de sueños donde nos redescubrimos más profundamente; allí están las respuestas a las preguntas que nunca nos hacemos.
Adolfo Simón
Famélica de Juan Mayorga en el Teatro del Barrio
“Famélica” es un texto escrito por Juan Mayorga en colaboraciones con el director Jorge Sánchez. En este caso se nos presenta una historia del día a día… ¿A quién le apasiona realmente su trabajo? ¿Quién se siente valorado con el trabajo que realiza? ¿Quién desea levantarse cada mañana para plantarse ocho horas seguidas en la oficina?. Esta propuesta pone sobre la mesa todas estas cuestiones. Se trata de los trabajadores de una empresa que se centran en la creación de un pequeño colectivo, tratando de llevar a cabo un proyecto que contrapone todo esto. Con una gran carga política y social, el diálogo transcurre entre la más pura realidad y la sátira más gamberra. Situaciones que nos hace plantearnos un autentico paralelismo con lo que hoy en día pasa en nuestro mundo. Por si fuera poca la inmersión que se nos propone, a posteriori se organiza un encuentro entre dos personajes de gran calado en la política española. En este caso de la mano de Iñigo Errejón y Manuel Jabois. Para así cerrar una autentica jornada dedicada a la reflexión y la implicación para la sociedad del siglo XXI.
Patricia Jorge
Out of Context / For Pina de ALAIN PLATEL / LES BALLETS C DE LA B en los Teatros del Canal
Un homenaje a la obra de la coreógrafa Pina Bausch, fallecida en 2009, un año antes de que Alain Platel estrenara Fuera de contexto, su pieza más exitosa de la última década.
En Out of context, el director Alain Platel continúa buscando un lenguaje del movimiento conectado a lo inconsciente, lo arbitrario, lo descontrolado. El material de movimiento cubre una amplia gama de distonía, o lo que es lo mismo: espasmos, convulsiones, tics. Estos pueden ir desde mover ligeramente la boca, castañear los dientes, sacar la lengua, pestañear, fruncir el ceño, hacer muecas, mover los dedos como si estuvieran tocando el piano, menear ligeramente los músculos, el torso, la pelvis o la cabeza, sacudir el abdomen o el diafragma, entorpecer el equilibrio y caerse, hasta un repertorio sinfín de formas absurdas de caminar. Pequeños tics alternados rápidamente con grandes pasos. Incansablemente, de forma agitada.
Para ello, Platel escoge a virtuosos bailarines. No se siente tan atraído por el inconsciente en sí como por la tensión entre la amplia gama de movimientos descontrolados y los componentes tradicionales de la coreografía, como la ejecución de movimientos sincronizada (simultánea). En ese entre-deux, esa zona de tensión entre el inconsciente y el superconsciente, se abre un espacio muy interesante no solo para el director, sino también y sobre todo para los bailarines con los que tanto tiempo lleva ya trabajando.
Hay ocasiones que, al salir de un espectáculo, es necesario vagar por los alrededores del edificio, como retomando la orientación de nuevo. Cuando en el patio de butacas se pierde el equilibrio sensorial y emocional, lo que está pasando en la escena es de un orden sobrenatural. No me extraña que este espectáculo sea un homenaje a la gran Pina; es como si Alain Platel hubiera atrapado por un tiempo el espíritu del genio de la danza teatro. Que los intérpretes lleguen desde el patio de butacas para desprenderse de su piel social y se transformen en lo más primitivo que hay en nosotros para transitar por el tiempo, el dolor y la ternura y mostrarlo abiertos en canal…es impagable. Y al final, todo vuelve al orden inicial, a la máscara social. Buen inicio de la nueva etapa de los Teatro del Canal.
Adolfo Simón
“Blod” en Teatro Pradillo
“Blod” es la transformación en estado presente, un encuentro entre lo que es y lo que está siendo. Con la capacidad de enfrentarse al cambio, va creciendo y muriendo en un mismo espacio de tiempo. Se alimenta, se reproduce, se caga; y todo ello en una órbita de miradas que lo envuelven. La contextualización de esta pieza se queda en el fondo de nuestras dudas, porque aquí no importa el encuadre, ya que se trata de una “cosa” en su propia dimensión. Una dimensión que nos da la oportunidad de des-catalogar y poder sentirnos cómodos con ello, con la imagen, con la emoción o con las ideas; que no encuentran armadura. Y es que se trata es de no poder definir, de la incapacidad que se nos presenta ante esto que hacen llamar Blod.
Patricia Jorge
TOTEM del Cique du Soleil en Madrid
Todo empezó hace 30 años con un sueño. El sueño de una pequeña comunidad de artistas itinerantes que lo darían todo por compartir su amor por el escenario, el circo y el mundo. Desde entonces, la familia ha aumentado y ahora está compuesta por miles de soñadores – creadores, artistas, técnicos y trabajadores que desarrollan su función entre bastidores. El sueño se ha convertido en un símbolo del orgullo de Quebec, una compañía internacional de entretenimiento que ha puesto en pie 35 grandes producciones, 20 de las cuales están todavía representándose en algún lugar del mundo. La compañía, que celebró en junio de 2014 su 30 aniversario, ha logrado cautivar a cerca de 150 millones de espectadores de 300 ciudades en los seis continentes. Actualmente, cuenta con cerca de 4.000 empleados, que incluyen 1.300 artistas de cerca de 50 países diferentes. El Circo del Sol regresa a Madrid del 10 de noviembre al 7 de enero con su producción TOTEM. Desde su estreno mundial en el año 2010, más de 2 millones de personas en todo el mundo han sido hipnotizado por la intimidad y la belleza de TOTEM. Con un elenco de 46 acróbatas, actores, músicos y cantantes, TOTEM es una combinación de atletismo, comedia, emoción y efectos visuales sorprendentes. Escrito y dirigido por Robert Lepage, TOTEM recorre el fascinante viaje de la especie humana, desde su original estado anfibio hasta el deseo final de volar. Los personajes evolucionan en el escenario evocando una tortuga gigante, el símbolo del origen de muchas civilizaciones antiguas. De nuevo, el Circo del Sol trae una propuesta que supera a las obras anteriores, aquí, la dramaturgia y la puesta en escena se equilibran para sumar una historia secuencial que va propiciando números fascinantes que dejan boquiabierto al público.
Adolfo Simón
Espía a una mujer que se mata de Daniel Veronese en el CDN
No habrá vestimentas teatrales, ni ritmos bucólicos en fríos salones, ni trastos que denoten el tiempo campestre. La acción se desarrollará en la ya vieja y golpeada escenografía de Mujeres soñaron caballos. Una mesa, dos sillas y una botella. Quitando elementos hasta llegar a la expresión mínima, adecuada para los actores. Espía a una mujer que se mata, versión de Tío Vania, acaba sedimentando algunas cuestiones de orden universal: el alcohol, el amor por la naturaleza, los animales toscos y la búsqueda de la verdad a través del arte. Dios, Stanislavski y Genet…desvencijados. Estas palabras encontramos en el programa de mano y después, serán la guía dramática de la escena. El teatro de Veronese se caracteriza por desenfocar los referentes literarios para darles un prisma que conecte con el público de hoy, para ello, evita los adornos y las máscaras, todo lo que vemos es, nada parece. Una hora intensa de emociones contenidas que a veces estallan como un volcán amordazado durante siglos. Teatro en estado puro y sin filtro.
Adolfo Simón
«Razones para ser guapa» de Neil Labute en Nave 73
“Razones para ser guapa” es una comedia ácida que retrata sin escrúpulos una sociedad atrapada en la imagen, en la que cada vez somos menos capaces de mirarnos, reconocernos y vernos como seres humanos. A veces, un comentario sin mala intención, puede provocar una catastrofe emocional, de esto y de las mentiras que envuelven las relaciones habla de este texto que han escenificado de manera muy sencilla, apoyando la propuesta en la interpretación.
Además, en el hall de la Sala se puede disfrutar de una exposición sugerente.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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