Barro de La Joven Compañía en la Sala Negra del CANAL
BARRO es el primer paso de una tetralogía que reflexiona sobre lo que queda de la idea de Europa moldeada durante el siglo XX. Cien años después del final de la Primera Guerra Mundial este texto homenajea las voces de quienes lucharon por vertebrar una idea de Europa que siempre acaba encontrando su más íntima razón en la cultura. La Joven Compañía, con su amplio equipo al frente, aborda de nuevo un tema necesario y lo hace sin concesiones, hablando claro y con una propuesta contemporánea que puede conectar con el público de hoy en día. Una obra que debieran ver todos nuestros jóvenes ya que ellos tendrán que conducir el barco de la humanidad en el futuro y no conviene que naufrague de nuevo.
Adolfo Simón
Todas las noches de un día en el Teatro Bellas Artes
Rodeado de urbanizaciones, en algún lugar cerca de nosotros, sobrevive un viejo jardín con su invernadero. Pero ha pasado mucho tiempo desde que los vecinos vieron por última vez a Silvia, la dueña de la casa. Allí sólo queda Samuel, el jardinero, afanado en preservar ese rincón olvidado. Todas las noches de un día comienza cuando la policía acude a la casa para intentar descubrir el paradero de Silvia. Empieza entonces un combate entre la vida y los recuerdos, entre el amor y sus fantasmas. Un equipo de lujo encabezado por Luis Luque, aborda el texto de Alberto Conejero con suma delicadeza. Podrían haber caído en una propuesta realista y convencional y sin embargo, se construye un poema sensorial lleno de vacíos en el relato que obliga al público a construir la peripecia final. Carmelo Gómez y Ana Torrent realizan un viaje al abismo emocional, saltando de momentos bellos a situaciones tormentosas.
Adolfo Simón
Essencia, Festival de la Teatralidad: Un caballito soñado
“La historia de vida de Cari es un eje que va desentrañando las preguntas que atraviesan a nuestra generación: ¿Somos lo que hacemos? ¿Existe un plan de vida? ¿Cuál es mi lugar en la sociedad? ¿Cuál mi legado como hija de una generación de mujeres luchadoras?”…Esta es la sinopsis de la propuesta, un recorrido por el diario personal y vital de los protagonistas con sutil teatralidad. Una obra que muta y transmuta en tiempos y conceptos.
Adolfo Simón
Elogio de la pereza en el CDN
En las sociedades actuales nos hemos dado cuenta de que en vez de luchar contra la pobreza, tendemos a culpar a los pobres por ser pobres. El pobre es pobre porque, o bien es vago, o bien no tomó decisiones inteligentes para su vida. Además, el tiempo para pensar, para reflexionar, no es visto normalmente como un tiempo importante para el desarrollo del ser humano. El relato de “Elogio de la pereza” surge tras un proceso de entrevistas a ciudadanos acerca de su trabajo y su uso del tiempo libre como punto de partida para reflexionar sobre el mundo. Una pieza en clave de cabaret festivo que muestra los «seres no útiles» de la sociedad.
Adolfo Simón
Calígula de Albert Camus en el CDN
Si no se elige bien al actor que ha de representar a Calígula, el montaje naufraga. Mario Gas es un gran director de actores, seguramente porque él conoce muy bien los mecanismos de la actuación. En este montaje hay un reparto equilibrado y sobre todo, está Pablo Derqui que no hace de Calígula, es el personaje. Un espacio vacío, un cementerio horizontal es el lugar donde transcurre la acción, donde los personajes son convocados para exponer el delirio que supone desear la luna y no conseguirla. La historia está llena de seres que han volcado sus frustraciones sobre la humanidad; no hay nada peor que un ser acomplejado y frágil con el poder en sus manos, puede crear poesía u horror. El montaje es sólido porque no deja espacio a la ligereza, toda palabra y parlamento están dicho para que reboten en nuestro cerebro y hagan un agujero negro en nuestros imaginario.
Adolfo Simón
Ante la jubilación en el Teatro de la Abadía
Salgo del teatro y voy caminando hacia el metro y en el anden, me encuentro con la promoción de una exposición que lleva varios meses en Madrid y cuyo eslogan es… «No hace mucho y no muy lejos de aquí»…Esta exposición muestra el horror del genocidio nazi. En Ante la jubilación que se presentó en el XXXVI Festival de Otoño de Madrid y que sigue en cartel en el Teatro de la Abadía, nos encontramos con el texto de Thomas Bernhard con puesta en escena del maestro Krystian Lupa. Una obra en el que se nos muestra la intimidad de dos hermanas y un hermano, este último colaborador del genocidio nazi. Durante tres actos, vamos conociendo la telaraña psíquica y enfermiza en la que viven atrapados. Su vida se quedó detenida en el suicidio de Hitler y no han sido capaces de volver a la realidad, se han quedado con el desenfoque humanístico, convencidos que el mundo no entiende el sentido de la barbarie que hicieron y que para ellos fue necesaria. Los personajes viven en una cueva donde la memoria y los recuerdos están alterados y esperan, acechando, para salir de nuevo y lucir sus grandes galas de horror. La muerte está cerca y habrá que volver a guardar el disfraz de torturador en el baúl…¿Hasta cuando?. Lo terrible de ver esta obra es que no nos habla de lo que ocurrió hace décadas si no de lo que podría volver a ocurrir a la vuelta del camino. Desgraciadamente, el ser humano tropieza siempre y repetidamente en la misma piedra.
Adolfo Simón
Aires nuevos en el Circo
Esta semana hemos tenido la oportunidad de asistir a dos propuestas de circo que demuestran el buen estado en que se encuentra este lenguaje escénico.
En Cuarta Pared, se presentó Rojo Estándar, una pieza de circo acrobático de pequeño formato, con un desarrollo potente del lenguaje escénico para que la danza y el circo se encuentren y hagan viajar a los pequeños a mundos fantásticos llenos de tolerancia e igualdad.
Y en el Circo Price, se ha estrenado el nuevo espectáculo navideño, Circo Price en Navidad-Gospel Circus. Durante dos horas, el escenario se llena de magia, de acrobacias excelentes y de momentos de humor que van engarzando número a número y, sobre todo, por primera vez, se incluye un coro gospel que dialoga perfectamente con la obra y que genera unos momentos de atmósfera fantástica.
Es curioso comprobar como ha cambiado en poco tiempo la poética de este tipo de espectáculos, centrándose más en el mundo de las habilidades y huyendo del abuso de animales.
Adolfo Simón
Cuentos contemporáneos en la recta final del Festival de Otoño
Hoy ha bajado el telón de la XXXVI Edición del Festival de Otoño. Sin duda, quedará en la memoria de muchos por haber recuperado su ubicación original y también, por la diversidad de propuestas; un muestrario de los diferentes lenguajes con los que creadores de hoy nos hacen reflexionar sobre estos tiempos complejos que nos ha tocado vivir.
Dos propuestas que de algún modo conectan, han cerrado el certamen. Por un lado, la revisión del cuento de Caperucita roja, Le Petit Chaperon Rouge de Joël Pommerat, poniendo la atención en el deseo y el miedo de la protagonista, una lectura adulta para público de hoy. Y el cierre más impactante ha sido Lokis, obra de Lukasz Twarkowski en la que, un terrible crimen machista que estuvo en primera línea de la información hace años, se convierte aquí en un viaje terrorífico a los misterios de la mente humana. Un despliegue impresionante de medios nos permite ver los alrededores y los rincones recónditos de los protagonistas y su entorno.
Ahora, solo nos queda esperar el despliegue del próximo festival que muestra aire fresco de dentro y fuera de nuestros escenarios.
Adolfo Simón
The Enormous Room de Stopgap Dance Company en el XXXVI Festival de Otoño
La compañía británica de danza Stopgap Dance Company ha hecho de la diversidad su motor de creación. Buscando permanentemente fórmulas innovadoras de colaboración entre artistas con y sin discapacidad, ha dado forma a un sello pionero a la hora de integrar personas a través del baile, al tiempo que ha ayudado a cambiar la percepción sobre lo diferente y a animar a cada uno de nosotros a explorar nuestro potencial. Sus espectáculos son una poderosa ventana a un mundo paralelo donde la interdependencia, la fuerza y la vulnerabilidad humanas suben a escena en un contexto de realismo poético. A través de atmosféricas coreografías que integran a artistas discapacitados y no discapacitados física e intelectualmente, sus piezas suponen un acercamiento inédito, estimulante y de gran impacto emocional. La propuesta que han presentado en esta edición del Festival de Otoño consigue un espacio donde el recuerdo y ensoñación nos invita a ver mundos donde convive la diferencia sin diferencia. La realidad se queda corta para hablar de estos mundos particulares. Otro acierto del Festival de este año.
Adolfo Simón
La Strada en el Teatro de la Abadía
Mario Gas dirige la adaptación teatral de este film de Federico Fellini –merecedor del Oscar a la mejor película extranjera en 1954–, que firma Gerard Vázquez.
Tres vidas en los márgenes del camino, tres personajes enfrentados a un destino precario y vagabundo en la Italia de la Postguerra. Todo comienza cuando una muchacha ingenua y tranquila es vendida a un forzudo de circo, bravucón y violento para que le ayude en su espectáculo ambulante. A partir de aquí, acompañamos a los personajes en ese periplo fatídico a ninguna parte. Siempre en complicado adaptar una película al teatro porque los cambios de espacio se han de resolver en la imaginación del público, aquí, optan como signo de viaje el carro de los cómicos y una breves secuencias filmadas.
Alfonso Lara, Verónica Echegui y Alberto Iglesias protagonizan este montaje con aire de ensoñación de pesadilla.
Adolfo Simón
Loops [Titerescena] en el CDN
Loops es un juego sobre el paso del tiempo, un canto a la vida y a la idea de la continuidad y la herencia explicado con objetos, música en directo, títeres y actrices. Una propuesta muy cuidada donde se crea un tejido complejo y rico de lenguajes teatrales.
Adolfo Simón
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Anastasia, el musical
“Anastasia” es un musical basado en la película de animación de Disney de 1997, con libreto de Terrence McNally, música de Stephen Flaherty y letras de Lynn Ahrens. Tras un periodo de prueba en Hartford, el espectáculo se estrenó en 2017 en el Broadhurst Theatre de Broadway y fue nominado a dos premios Tony. Una gran producción con una espectacular puesta en escena, que incluye las dos famosas canciones de la película, “Journey to thePast” y “Once Upon a December”. Madrid ha sido la primera ciudad europea donde se ha estrenado este musical que triunfa actualmente en Broadway. La obra plantea un juego de teatro dentro del teatro, gracias a la amnesia de la protagonista, se propicia un viaje de descubrimiento donde la teatralidad viene por la imaginado, lo deseado y la realidad. Dos mundo enfrentados en un momento clave de la historia reciente nos sumerge en un cuento de hadas donde todo es posible.
Adolfo Simón
Amador Rojas en Flamenco Real en el Teatro Real de Madrid
El bailaor sevillano Amador Rojas ha presentado una alegoría del sufrimiento de los Hombres ejercida por otros Hombres y de la necesidad de la intervención de Dios. Madrid tiene muchos templos dedicados al flamenco pero acaba de ponerse en marcha una experiencia excepcional, un Tablao en el salón de baile del Teatro Real que se convierte en una catedral del flamenco bajo un cielo estrellado. Allí, en un marco incomparable, lleno de magia, el joven bailarín Amador Rojas se ha dejado la piel y el alma en el escenario. No ha bailado, ha entrado en éxtasis de la mano de unos músicos y cantantes que han hecho vibrar las paredes del tempo de la lírica. Este ciclo, Flamenco Real, se seguirá desarrollando durante todo el año, quien acuda a este programa, no lo olvidará.
Adolfo Simón
La zanja de Titzina dentro del XXXVI Festival de Otoño
El sello de Titzina, también en este proyecto llamado «La zanja» es fruto de un exhaustivo trabajo de creación y de periodismo antropológico que Pako Merino y Diego Lorca –dramaturgos, directores e intérpretes– han llevado a cabo a partir de recientes viajes a Perú y del estudio de las crónicas de la época. Un choque entre dos mundos, un ciclo infinito condenado a repetirse. Una propuesta que sigue en la línea de esta compañía, indagando de nuevo en temas de actualidad que trascienden a nuestro tiempo. Un combate de dos formas de ver el mundo para intentar hacernos reflexionar sobre los vacíos que la historia ha dejado en nuestra memoria.
Adolfo Simón
Cuarteto en el ecuador del Festival de Otoño de Madrid
Este año, la fiesta teatral del Festival de Otoño se ha centrado en tres semanas, durante este tiempo, profesionales de múltiples poéticas han compartido su trabajo con el público de Madrid. En el ecuador de la programación, hemos podido disfrutar de cuatro propuestas muy diferentes…
El nacimiento de la bailarina vieja de Elena Córdoba en la Sala Roja de los Teatros del Canal.
El nacimiento de la bailarina vieja es una ficción anatómica que reflexiona sobre el paso del tiempo a través de los cuerpos. En la pieza, Córdoba fantasea con la idea de una bailarina que ya nació vieja. Su baile se dibuja a través de una carne que nunca fue poderosa, en la que, por tanto, no existe la melancolía que produce la perdida y, tampoco, la tensión entre lo que se fue y lo que se es.
Elena Córdoba realiza un poema bailado donde el límite no es el cuerpo sino el pensamiento filosófico sobre el paso del tiempo por él. Una pieza de gran plasticidad y extraña belleza.
La guerra según Santa Teresa. Sobre fragmentos de Teresa de Jesús, pieza creada por De Castro / Folguera / Troya / Zaragozá en el Teatro Pradillo
La guerra según Santa Teresa se inicia como una pregunta y se convierte en una indagación en torno al personaje de Teresa de Jesús, mujer del siglo XVI convertida en icono literario, histórico y religioso. La música y actriz Julia de Castro (mitad del dúo De la Puríssima -conocido por rescatar del olvido al género del cuplé y sacudirle el polvo a ritmo de jazz- e intérprete en montajes de éxito reciente como Esto no es La Casa de Bernarda Alba o el corto Anatomía de una criminal) y la dramaturga y directora María Folguera reivindican y reescriben su relación con Teresa de Jesús con esta creación que ahora llega al 36 Festival de Otoño.
A veces, los ateos pueden acercarse más profundamente a la mística, en esta pieza intensa y poderosa, viajamos sobre el universo de Teresa de Jesús con una mirada contemporánea de la mano de estas creadoras.
Real Magic de Forced Entertainment en la Sala Negra de los Teatros del Canal
Real Magic es una pieza con la que la compañía empuja al espectador a un mundo absurdo de repeticiones, lucha y comicidad en un eterno día de la marmota. Animados por aplausos en bucle y risas enlatadas, tres artistas tratan de culminar una hazaña imposible: un número de telepatía que parece sacado de un concurso de televisión sobre cómo adivinar el pensamiento, aunque a ratos se asemeje más bien a una alocada rutina de cabaret o, directamente, a una pesadilla o broma de mal gusto. Una pieza en bucle que va degenerando conforme pasa el tiempo por la obra.
El bramido de Düsseldorf de Sergio Blanco en el Teatro de la Abadía
Escrito en 2016, el texto relata la agonía y la muerte del padre de Blanco en una clínica de Düsseldorf, ciudad a la cual el dramaturgo había viajado junto a su progenitor para llevar adelante un proyecto que nunca sabremos con certeza y exactitud cuál es. A medida que se desarrolla el libreto se dan tres posibilidades: asistir a una exposición sobre el asesino en serie Peter Kürten, introducirse en la industria del porno o convertirse al judaísmo. De esta forma, Blanco va hilvanando interesantes reflexiones sobre Dios, la representación de la sexualidad o los límites del arte.
Sergio Blanco juega con las estructuras dramáticas y deja que «el autor», en su oficio, haga trucos mágicos sobre la realidad y la ficción. Una obra que nos invita a mirar múltiples mundos a partir de un viaje anecdótico.
Adolfo Simón
Bertrand Lesca y Nasi Voutsas en el Festival de Otoño
Bertrand Lesca y Nasi Voutsas han presentado dos propuestas en la XXXVI Edición del Festival de Otoño y también han impartido talleres y realizado encuentros para compartir su forma de trabajo. Bertrand Lesca y Nasi Voutsas se hacen preguntas sobre la realidad y tratan de encontrar respuestas en la escena. Trabajan con preguntas que les llevan a otras y estas a otras…y a veces, el viaje es más interesante que llegar a ninguna respuesta. Hay un tipo de teatro que trata de indicar qué hemos de pensar o cómo hemos de ver el mundo, ellos exponen su dudas y lo que les interesa es qué despiertan esos interrogantes en el patio de butacas. El público se debate entre el rechazo al teatro que sugiere y busca obras que le señalen la puerta de salida. Bertrand Lesca y Nasi Voutsas no tienen interés en crear dogmas, proponen y el público dispone…y al final, el tema que a ellos les preocupa, termina abriendo puertas al pensamiento de los que ocupamos las butacas. Y además, trabajan con lo que tienen a su alrededor en la sala de ensayos y no les preocupa que les vean crear; cuando un artista no tiene miedo a que le vean fracasar, está en el buen camino…
Adolfo Simón
FEDERICO GARCÍA en el TEATRO ESPAÑOL
El espectáculo se propone enseñar al espectador la naturaleza del mundo interior de García Lorca, para que así se convierta en una especie de guía para comprender mejor al poeta que cantó a la vida y a la muerte con la misma intensidad y, de esa forma, animarlo a conocer la memoria mejor su obra, acercándolo a su pasión y a sus contrastes. En el desarrollo del espectáculo, siempre deberán percibirse los fragmentos de obra recitados como una consecuencia natural de lo narrado. Una curiosa mezcla entre teatro documento a través de voces de personas muy cercanas a la figura y obra del poeta, mostradas en grabaciones de viajes en tren hacia ningún lugar y que son interrumpidos por momentos de música, recitado y baile en directo, recorriendo la poesía y vida de Lorca. Todos los elementos que se dan en la función encajan perfectamente a pesar de ser propuestas muy diferentes estéticamente.
Adolfo Simón
Medea de Simon Stone en el XXXVI Festival de Otoño
La función que trae por primera vez a este precoz creador al Festival de Otoño es Medea, una producción que Stone creó para la prestigiosa compañía de Ivo Van Hove Internationaal Theater Amsterdam (antes conocida como Toneelgroep Amsterdam). Esta moderna versión de la tragedia de Eurípides se estrenó en 2014 en la capital de los Países Bajos ante el entusiasmo de la crítica internacional. Stone se inspiró en una suceso que leyó en la prensa para traer el mito griego a nuestros días: el caso de Debora Green, una médico que prendió fuego a su casa en 1995, con sus dos hijos dentro, tras haber sufrido un turbulento divorcio. De esta forma, el director y dramaturgo plantea las mismas cuestiones trágicas de Eurípides pero en una historia contemporánea. Hay algo significativo para calibrar el nivel de poder de atracción de una obra de teatro y es, que el tiempo se evapore. No se lo que duró, tengo la sensación que el montaje empezó y me trasladó a un lugar y tiempo en los que la tragedia y la poética contemporánea, como una tela de araña me atrapó y me empujó al final, ese que, en esta ocasión, deseaba que no llegará. Cuando se habla de trasladar los clásicos a nuestro tiempo, siempre surge la duda sobre qué función tendría en el momento de su estreno y que sentido tiene hoy. Viendo esta Medea uno comprende que el ser humano ha estado dando vueltas en un espacio blanco, sin salida y cerrado durante toda la eternidad.
Adolfo Simón
«ANTÍFRIDA» en el Teatro Principito
«ANTÍFRIDA» es una anti-ópera compuesta, dirigida y producida por Ángel del Castillo. Basada en la obra de teatro “El narco negocia con Dios“ de la periodista y escritora mexicana Sabina Berman. Un obra que mira al personaje desde varios puntos de vista: homenaje a Frida y crítica al abuso comercial del mito. ¿Qué hemos hecho de Frida? ¿Y con ella?…¿Qué nos queda de la Frida original? ¿Y de su dolor, del que tanto hablamos?. El estreno se realizó el pasado sábado en el Teatro Principito, antiguo cine Bogart, en la calle Cedaceros nº 7, un lugar emblemático de Madrid que antes de su última restauración fue teatro de variedades, cine porno, cabaret y frontón femenino…finalmente fue símbolo okupa para que este precioso edificio no fuese víctima de la especulación. Ahí, en función minimalista, se estrenó esta anti-ópera con la que se recupera un espacio para la escena madrileña.
Adolfo Simón
APOCALIPSIS del CIRCO DE LOS HORRORES en la CAJA MÁGICA
El Circo de los Horrores ha presentado su cuarta entrega, APOCALIPSIS, su show más brutal que nos traslada al mundo después del colapso, donde guerras, sequías, enfermedades, caos medioambiental y conflictos entre razas han dejado un planeta devastado, sin apenas recursos para subsistir. APOCALIPSIS es una ópera rock circense que fusiona por primera vez en un show el mejor rock, el ritmo del teatro musical y el riesgo del circo. Después del éxito de los espectáculos Circo de los Horrores, Manicomio y Cabaret Maldito, con más de tres millones de espectadores, APOCALIPSIS es la producción más espectacular y ambiciosa del Circo de los Horrores con una inversión de 3.500.000 de euros. Un montaje de circo nunca visto con una gigantesca carpa en formato teatral, un escenario de 38 metros de largo, una espectacular pantalla de alta definición de 200 metros cuadrados y hasta 50 artistas en escena. Sin duda, no solo han creado una fórmula diferente del circo si no que han conseguido ir desarrollando un lenguaje técnico y artístico que no tiene nada que envidiar al nuevo circo internacional que tanto se venera en nuestro país, es más, me atrevería a decir que proponen mezclas atrevidas de lenguaje que dejarán satisfecho a todo el que se acerque a la Caja Mágica.
Adolfo Simón
Los bailarines del Víctor Ullate Ballet –Comunidad de Madrid estrenan dos coreografías de Kor´sia y La Phármaco en la Sala Negra del Canal
Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno absoluto de JEUX Nijinski /Русскиебалеты y Los hijos más bellos, coreografías de Kor’sia y La Phármaco respectivamente interpretadas por los bailarines del Víctor Ullate Ballet – Comunidad de Madrid. Con entradas agotadas, este espectáculo producido por la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Comunidad de Madrid estará en tres únicas funciones los días 16, 17 y 18 de noviembre. El Víctor Ullate Ballet-Comunidad de Madrid, residente en Teatros del Canal, establece sinergias con el Centro Danza Canal, estrenando un programa doble que ha permitido a los directores de Kor’sia y La Phármaco, compañías jóvenes que han desarrollado sus trabajos recientes en las residencias del CDC, disponer del numeroso elenco y recursos de la compañía de la Comunidad de Madrid.
En JEUX Nijinski, los directores de Kor’sia evocan una de las obras menos conocidas de las pocas que creó para los Ballets Rusos el genio de Nijinski. No se trata de una reproducción ni una adaptación de este título estrenado en 1913, sino más bien de una reflexión alrededor del momento y el contexto que rodeó la creación de este trabajo que, como todos los suyos, fue una coreografía visionaria y adelantada a su tiempo. El resultado es una pieza a caballo entre la estética de otro tiempo y las atmósferas sensuales de la actualidad. Por momentos de potente plasticidad y en otros, un juego travieso sobre la visión de la seducción entre jóvenes de hoy en día.
En otra órbita de la creación se ubica el trabajo realizado por Luz Arcas para su compañía La Phármaco. Dueña de una obra introspectiva y reflexiva, preocupada por costumbres ancestrales como los rituales, las ataduras telúricas o la herencia del folclore, se vuelca ahora en un cuestionamiento de la noción de belleza en Los hijos más bellos. Desde luego no se trata de una reproducción de los estereotipos de belleza conocidos. Es más bien una reflexión acerca de la vinculación no siempre evidente entre la belleza y asuntos como el poder, la muerte o el sacrificio, tema este que ha sido una obsesión de su trabajo. Una obra contundente como todo el trabajo de La Phármaco, intensa, sugerente, cargada de poderosa atmósfera donde los cuerpos se convierten en latigazos rabiosa al aire.
Adolfo Simón
Cuzco de Víctor Sánchez Rodríguez en el Centro de Arte Fernán Gómez
Durante un viaje a Cuzco, una pareja conoce a varios personajes y se despiertan las verdaderas necesidades de cada uno, su propia tragedia privada y personal, sus fantasmas; revelando la imposibilidad de soñar un mañana y el fracaso de la última oportunidad. La pieza es una bajada a los infiernos privados donde se esconden aquellos miedos a los que no nos queremos enfrentar en el día a día. Los silencios y la tensión se va graduando durante la obra hasta que todo estalla y el pasado ancestral aparece para desvelar nuestra verdadera identidad amordazada.
Adolfo Simón
La casa de Bernarda Alba en el Teatro de la Zarzuela
Su compositor, Miquel Ortega, la escribió entre 1991 y 2006, y el libreto se basa prácticamente en su totalidad en el texto original. Su autor, Julio Ramos, sólo suprimió algunas escenas, cambió ciertas frases y eliminó personajes secundarios. La ópera de Ortega se estrenó finalmente, en su versión sinfónica, en el Teatro Brasov de Rumanía, el 13 de diciembre de 2007. Dos años después lo hizo en España, en los Festivales de Santander y Perelada. Y es ahora cuando se ha presentado el estreno definitivo en el Teatro de la Zarzuela. En su Bernarda Alba, Ortega reivindica el arraigo de la tonalidad en el género operístico para evitar la muerte de la ópera y el distanciamiento con el público. Destacan los diálogos con frases cortas y réplicas contundentes, sin caer en la banalidad. A esta producción se suman figuras del gran espectáculo como Ezio Frigerio, Franca Squarciapino o Vinicio Cheli, así como un espléndido reparto de voces para dar vida a las mujeres lorquianas. La directora de escena, Bárbara Lluch, considera éste como «el mejor libreto de ópera de la historia». Una obra que afianza la vigencia de Lorca en nuestros días y que nos ofrece múltiples joyas como el Lorca más aristotélico llevado al bel canto, una puesta en escena poderosa que nos sumerge en el abismo cerril de Bernarda y su familia…y un regalo para los amantes de la escena, la presencia inconmensurable de Julieta Serrano en una María Josefa que se quedará grabada para siempre en mis retinas.
Adolfo Simón
Mirona de Paco Bernal en los Teatros Luchana
Un día, una chica que vive en un tejado, descubre que se entiende mejor con una mosca que con cualquier ser humano. En este ágil y curioso monólogo interpretado por Ángela Chica, los espectadores son testigos de un atardecer en el tejado desde el que Dolores pasa los días odiando a la gente. Esta pieza recuerda a muchos textos escritos para que se reflexione sobre la dificultad de comunicarse que tienen los seres humanos hoy en día, cuando se supone que tenemos más medios para expresar nuestras emociones, nos replegamos a un tejado o a nuestra habitación por enfermedad de soledad. Juan Vinuesa dirige con temple esta obra para que el humor acaricie el drama y nos conduzca a emociones complejas.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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