“Una habitación propia” en el Teatro Galileo
«Una conferencia. Jóvenes estudiantes. Jóvenes estudiantes mujeres. 1928.
Una escritora, Virginia Woolf habla sobre “las mujeres y la literatura.” Dos términos encontrados entre sí, mejor dicho enfrentados.
Desde el minuto uno, nos situamos en esa conferencia transcurrida en aquellos años, en la que las palabras de la actriz que encarna a Virginia Woolf, nos atrapan haciéndonos viajar en sus propias experiencias como mujer y como escritora. La propuesta adquiere un tono cómico a pesar de que nos haga transitar por diferentes momentos, algunos más dramáticos que otros. Pero sin duda, hay que resaltar el tono irónico y humorístico por el que se caracteriza el personaje, haciendo uso de un lenguaje cercano y mucha expresividad. Nos convertimos en cómplices de Virginia Woolf.
No sabemos nada de la mujer en la historia, solo que hubo reinas y condesas. No hubo ni escritoras, ni pintoras, ni escultoras, ni compositoras… ni una sola mujer en el arte, ni una sola mujer que cambiara en trascurso de la historia. ¿De verdad? ¿No será que la historia solo la escriben la mitad de la población y no quieren que una mujer les quite su preciosa página? ¿O es que quizá la educación y el modo de vida no ha sido el mismo para todos? ¿Qué es lo que necesita una mujer para dedicarse a la literatura? La escritora inglesa no duda: Dinero y una habitación propia.
Este discurso es de 1928. Han pasado décadas, casi un siglo. ¿Podemos ser las mujeres artistas? ¿Por qué hay más artistas hombres que mujeres? ¿Por qué las mujeres cobran menos que los hombres? ¿Dónde está la confianza en si mismas de las mujeres? Son preguntas que plantea Virginia en 1928. 90 años después, 2018, nos seguimos planteando exactamente lo mismo. Que no nos engañen, el mundo no ha cambiado tanto como quieren que creamos. Empecemos a cuestionarnos cual es nuestro rol en la sociedad, seas hombre o seas mujer. Cuestionemos a la sociedad. Cuestionemos con que ojos queremos ver esta obra. Escuchemos a Viginia Woolf, pero escuchemos también a las mujeres de hoy.
Esta conferencia, a la que estáis invitados a asistir en el Teatro Galileo, y otras muchas conferencias más, son la base de el conocido ensayo de Virginia Woolf, “Una habitación propia” publicado en 1929. Un icónico libro del feminismo.»
Pilar Blanco
A-SOLA-DAS de The Little Queens en La Puerta Estrecha dentro de Surge
The Little Queens nos presenta dentro del V Muestra de Creación Artística Surge en La Puerta Estrecha, una propuesta danzada en donde se rescata del olvido a aquellas mujeres que lucharon por la libertad, la paz, la honestidad en el 36. Un espejo que se ve reflejado con la lucha feminista en la actualidad y en la que aún seguimos educándonos.
Sus cuerpos a disposición de la recopilación de los testimonios recogidos por Tomasa Cuevas, y un emotivo trabajo que combina la teatralidad, el movimiento y la música en directo.
6 mujeres que ponen voz y cuerpo a todas las mujeres del mundo. Una historia de la que seguir aprendiendo para asentar las bases de la igualdad.
Dave Aidan
“Vía Muerta” en la Sala Mirador dentro del Festival Surge de Madrid
“Vía Muerta” es una creación presentada en el Festival Surge. Se trata de un montaje que aborda la cruda realidad de los refugiados. Con un posicionamiento interno, arrastra al público a este escenario de desolación e incertidumbre. Sin dejar de lado el poder del teatro y de la risa, vamos cabalgando entre un sentimiento agridulce que hace de la discriminación, la lucha. Un terreno de opuestos que busca dar visibilidad a un problema que parece pasado de moda. “Pallasos en rebeldía” no solo encuentra la voz en el teatro, si no en las conciencias de todos aquellos que toman un pequeño tiempo de su vida en escucharlos.
Patricia Jorge
“La Lengua Materna” en la Sala La Cuarta Pared
Todo un descubrimiento este montaje titulado “La lengua materna”, bien interpretado por Alex Arnal, Frantxa Arraiza y Gloria Martín, que hemos podido disfrutar desde el 24 de mayo y hasta el 2 de junio dentro del ciclo Surge Madrid. El título es perfectamente expresivo para lo que uno encuentra dentro: una indagación en tono de testimonio sobre las dificultades para asimilar la muerte de la madre.
El montaje se disfruta desde muchos ángulos: por la intensidad de los sentimientos que despierta, por la inteligencia en el tratamiento del material y por conseguir algo tremendamente difícil: dotar a la obra de un toque contemporáneo (estilo fragmentario, rotura del tiempo de la historia) sin destrozar la idea original ni su significado. “La lengua materna” parte de un pretexto metateatral, el de tres chicas que pretenden montar una obra sobre el material personal de una de ellas, relativo a la experiencia de la despedida definitiva a su madre y la confusión en la que se sume al vivir su ausencia. Drama y comedia son manejados con pericia, consiguiendo algunos momentos realmente divertidos y otros radicalmente dramáticos. Dirigido con buen tino por Daniel Martos, con un buen aprovechamiento en dramaturgia de la escasa escenografía, lo que el espectador encuentra es una especie de teatro-testimonio que surge de la experiencia personal de la propia Frantxa Arraiza, quien ha encontrado un formato teatral perfecto para canalizar sus sentimientos de esa época. Frantxa trabaja en escena de manera admirable, igual que sus compañeras de reparto.
“La lengua materna” es por tanto una recomendación mayúscula, en la presentación de un teatro fresco y profundo a un tiempo, que parte de una triste experiencia vital para consigue crear un teatro real, puro, que merece mucho público.
Rafael Ruíz Pleguezuelos
No me hizo Brossa de CABOSANROQUE en los Teatros del Canal
Joan Brossa fue un poeta maravilloso y Carles Santos un músico genial, ambos ya no están entre nosotros, pero su obra perdurará por siempre. Cabosanroque ha creado una instalación fascinante en la que lo objetual y lo sonoro se dan la mano para homenajear a estos dos grandes creadores. Una pieza que se puede disfrutar de acceso libre en los pases previstos y que no debería perderse nadie. Una ocasión única para sumergirse en un mar atmosférico en el que viajamos por los cuatro elementos a bordo de un barco sensorial.
Adolfo Simón
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/cabosanroque/
Pericles, príncipe de Tiro de George Wilkins/William Shakespeare en Una mirada al mundo del CDN
Pericles, príncipe de Tiro es una de las obras más extrañas y desgarradoras de Shakespeare. Pericles navega en un mar tempestuoso de piratas, magos, burdeles, secuestradores, torneos, tramas contra su vida… y la intervención divina de la Diosa Diana. El incesto, la traición, el asesinato, el amor y la alegría explotan en estos gigantescos fuegos artificiales teatrales… Sin embargo, esta notable obra tiene resonancia mucho más allá del tiempo en que fue escrita: el Mediterráneo de hoy no es ajeno a los viajes espantosos y desesperados que aparecen en él. Declan Donnellan trae al personaje al presente y a una situación límite, para provocar en él, un viaje emociona y caótico por su memoria y lo que se aloja en las tradiciones orales de la sociedad desde hace mil años. A veces, el naufragio se apoderá de la escena.
Adolfo Simón
Evel Knievel contra Macbeth na terra do finado Humberto de RODRIGO GARCÍA en los Teatros del CANAL
La epopeya transcurre entre dos puestos de acarajés, el de Dinha y el de Cira, en Salvador de Bahía. Orson Welles, disfrazado de Macbeth, se ha hecho con el control de la región y ha reinstaurado la esclavitud. Ultramán, superhéroe de 40 metros de altura, y Naronga —enemigos desde los sesenta y ahora por primera vez luchando juntos—, se unen al popular motociclista Evel Knievel y a los Titanes del Ring para liberar al pueblo bahiano de la tiranía de Macbeth-Welles. ¿Esta podría ser la sinopsis de una obra de Rodrigo García?, pues si…¿Y lo que ocurre en el escenario abunda en la poética del creador?, pues no sé qué decir…Si al salir de la obra me dicen que están rodando una gala de Inocente Inocente, lo creería sin duda. Los artistas contemporáneos tienen derecho a probar otras líneas de indagación, incluso a equivocarse. La pieza que se ha estrenado en los Teatros del Canal podría estar más fácilmente en un festival de video animación para público juvenil, aunque tenga algún toque de filosofía cotidiana.
Adolfo Simón
My Only Memory de JUAN DOMÍNGUEZ en los Teatros del CANAL
Como si hubiera transiciones que culminan en un cambio. Transiciones inapresables, imposibles de ser pensadas o sentidas en el presente. Se trata de momentos efímeros de diferente duración que cobran relevancia cuando miras atrás. My Only Memory es justo eso, mirar atrás sabiendo que nada volverá a ser lo mismo. Esta es la premisa que nos proponen en el programa de mano antes de sumergirnos en la oscuridad para escuchar una voz que transita de los emocional a lo descriptivo, como si de las anotaciones constantes se hiciera de los pensamientos dispersos de la mente. Un ejercicio de escucha y atención para viajar entre la palabra y la oscuridad.
Adolfo Simón
Génesis 6, 6-7 (Trilogía del infinito) de Angélica Liddell / ATRA BILIS en los Teatros del Canal
Se cierra el tríptico de la Trilogía del infinito de Angélica Liddell y se ha cerrado con un portazo que atraviesa el espacio y se quedará suspendido en el universo durante mucho tiempo. Este espectáculo está creado desde una soledad profunda y un silencio inmenso. A pesar de estar inspirado en la Palabra, estas transmutan en rituales cargados de momentos indescriptibles; cuando uno cree que ya ha visto todo en un escenario, aparece esta sacerdotisa que es Angélica para crear un orden nuevo, cruzar lo mítico con lo ordinario, lo esencial con lo mundano. Los seres que pueblan la obra no vienen de ningún tiempo en particular ni viajan a un mundo concreto, parecen suspendidos en la cabeza de la autora, como si sus pesadillas se congelasen y tuvieran que cobrar vida licuándose bajo la luz crepuscular del fin de un tiempo sin belleza, sin pasión ni sosiego. Hay muchas referencias al dolor y la violencia, también las hay para los sin lugar, los sin nacer…para todos ellos desea un futuro posible donde el fusil sirva para cortar el pan y no para atravesar cuerpos. Salgo del teatro y tengo la sensación de haber viajado a ninguna parte, a un paraíso nuevo hecho de mutilaciones y miedo, de la posibilidad de trucar pesadillas por sueños.
Adolfo Simón
Die Soldaten (Los soldados)de B. A. Zimmermann en el Teatro Real de Madrid
La única ópera que compuso Bernd Alois Zimmermann resultó tan abrumadora técnicamente que la Ópera de Colonia, responsable del encargo, la rechazó por considerar inviable su puesta en escena. Fue una versión algo más simplificada –aunque siempre endiabladamente compleja– la que finalmente vería la luz y a la sazón pasaría a erigirse como una de las obras clave del siglo XX. La obra parte de la adaptación de un texto del poeta alemán Jakob Lenz, y se rebela de manera más que deliberada contra la regla de las tres unidades –de lugar, acción y tiempo– del teatro clásico. Planteando un teatro de situación que se opone al teatro psicológico, Die Soldaten resulta una obra osada, imprescindible y radical. El Teatro Real estrena en España la primera versión escénica de Die Soldaten (Los soldados) y Calixto Bieito se enfrenta a la adaptación de esta obra magnífica, por su extensión de historias y personajes, que nos muestra seres humanos atrapados en un medio social mediocre y marginal, donde la razón sucumbe a las circunstancias. Pablo Heras-Casado asume el reto de la dirección musical de una ópera que tiene más de cien músicos en la orquesta y que, en esta ocasión, se instala en el escenario como un elemento dramático más. Si la música de esta ópera es excepcional y su ejecución eleva lo poético a notas sublimes, la historia que, siendo una narración focalizada sobre un mundo de desigualdad y poder nos sitúa frente a situaciones reconocibles, pero es, cuando la dramaturgia espacial y simbólica entra en juego, cuando la propuesta adquiere cotas brutales para descubrirnos lo que se esconde tras una sociedad miserable y aparentemente respetuosa con el ser humano. Tras las máscaras hipócritas se esconden ratas en los rincones del alma…Los soldados, una obra de arte de vanguardia.
Adolfo Simón
PASO MIROUNGA de la CANTERA Teatro en el UMBRAL de la PRIMAVERA dentro del V MUESTRA SURGE MADRID
»Adoro la tarde en que nos vimos, la noche cuando nos conocimos.»
Bajo este lema de Armando Manzanero, que puso voz la gran Chavela Vargas, viven estos seres dentro del paso mirounga.
Un espacio en donde como dos miroungas, -o elefantes marinos- vivimos el revoloteo de dos cuerpos guiados por la energía mutua. Un rincón con un piano olvidado. Una tostadora. Y varios espíritus o seres atrapados en este hotel de paso, en este paso mirounga. Familias y amigos, se encuentran, se abrazan, se escupen, bailan, beben, se emborrachan y sobre todo, sienten. Sienten miedo y soledad. Confiesan sus pesadillas y lo que sale de sus entrañas. Los seres hablan, pero los cuerpos callan a gritos todo lo que en años se han podido guardar en sus adentros. Todo aquello de lo que muchas veces no somos capaces de asumir: La realidad. “Pocas veces se conoce a alguien que sea un placer conocer”. ¿Y si no fuese un placer y todo lo estuviésemos fingiendo? La nieve y el frío ha llegado a sus almas y ha dejado congelado todo órgano capaz de sentir. La solución: la borrachera con el eco y entrañas de Chavela. Doce individuos que vuelven a brindar como extraños. Una propuesta arriesgada en donde confluyen las palabras de Harold Pinter, Francis Bacon y Chavela Vargas. Una energía visceral en donde se investiga desde dentro hacia a fuera.
Dave Aidan
¿Qué haré yo con esta espada? (Trilogía del infinito) de Angélica Liddell / ATRA BILIS en los Teatros del Canal
Erase una vez un cadáver confesando sus deseos prohibidos en la sala de autopsias… No, este no es el cuento.
Erase una vez una mente que se desenfoca en el último aliento…No, este no es el cuento.
Erase una vez un país que no era el pasado ni el futuro y que vivía en mundos paralelos…No, este no es el cuento.
Erase una vez una fábula japonesa que bebía de ritos ancestrales para sobrevivir al presente…No, este no es el cuento.
Erase una vez un asesino que quería tener el mayor club de fans del mundo…No, este no es el cuento.
Erase una vez una mujer que mira a su alrededor y siente que su cuerpo se multiplica en jovenes adolescentes impúdicas…No, este no es el cuento.
Erase una vez que el metal y la piedra hacen un pulso por resolver el enigma entre la vida y la muerte…No, este no es el cuento.
Erase una vez que la telepredicadora de la nueva religión del mal invita a morder en vez de dar besos…No, este no es el cuento.
Erase una vez una voz de ultratumba que quería sacudir la caspa mental…No, este no es el cuento.
Erase una vez…y no era, lo que parecía no fue…y lo que fue no lo habríamos imaginado nunca.
Hay espectáculos que no sabes si van en una dirección o en realidad lo que transitan es por el caos para encontrar un nuevo orden.
En el ecuador de La Trilogía del Infinito, Angélica Liddell nos pone de nuevo contra las cuerdas, contra el tempo, contra el discurso, contra lo políticamente correcto y cuando estamos al borde del abismo, se rie de y con nosotros como una niña perversa. Nada es casual, todo está pensado y premeditado para obligar a nuestros sentidos a caer en al abandono de lo que subyace entre las palabras y las imágenes. No hay nada mejor que salir de un teatro sin tener claro si se ha visto arte o disparate.
Adolfo Simón
Tiempo de silencio de Luis Martín-Santos en el Teatro de la Abadía
Tiempo de silencio, uno de los hitos de nuestra literatura del siglo XX, dibuja un grotesco retrato del Madrid de la posguerra. Aunque la trama se desarrolle a finales de la década de 1940, su visión caricaturesca no se aleja mucho de nuestro modelo de sociedad actual. Este descenso a los infiernos urbanos, al que nos hemos acostumbrado, presenta la historia de un investigador que a través de experimentos con ratas indaga en el aspecto hereditario del cáncer. Ante la falta de ratas de laboratorio, va a buscar nuevos ejemplares en unas chabolas a las afueras de la capital española. Allí descubre la dura realidad vital de los marginados y acaba implicado en una trama que posee la desolación propia del mundo de las narraciones fantásticas. Es muy complicado llevar al teatro una obra literaria, siempre aparece la dificultad de qué elegir y qué desechar. En esta ocasión, la selección dramatúrgica es muy oportuna, nos permite seguir la historia central pero también nos facilita apreciar las líneas dramáticas paralelas; esa sociedad que cada vez parece más una ratonera y que no dista tanto de nuestra vida actual en las grandes ciudades. La gran solución escénica estriba en como los actores y actrices se convierten en paisaje escénico que nos sitúa y desvela cada momento y planos principales y secundarios. Un trabajo sobrio e intenso que se sigue con interés.
Adolfo Simón
Who is me. Pasolini (Poeta de las cenizas) de Àlex Rigola / HEARTBREAK HOTEL en los Teatros del Canal
El 2 de noviembre de 1975 el cuerpo de Pasolini fue encontrado en el hidropuerto de Ostia. Después de su asesinato, encontraron entre sus papeles un largo poema inacabado. Un poema, autobiográfico y meditativo, que se concibe como la respuesta a una entrevista imaginada. Esta premisa sobre el pensamiento y la mirada del poeta a su universio personal y creativo, se convierte aquí en una confesión íntima, en la posibilidad de encerrarnos con la palabra y el imaginario de Passolini para desvelar y desvelarnos los misterios que nos mueven en la vida a transitar por ella como funambulistas. Creo que pocos actores como Gonzalo Cunill pueden abordar un trabajo con tanto despojamiento, haciendo equilibrios dramatúrgicos entre la información y la emoción.
Adolfo Simón
Música y mal, concierto guiado de Lola Blasco en el Teatro Pavón Kamikace
Cuando empieza esta íntima e inquietante propuesta es inevitable que uno intente poner etiqueta a lo que cree va a ver. La primera impresión es que tendrá algo que ver con una conferencia didáctica. Pronto esta idea se desvanece y nos sumergimos en un laberinto en el que la música y las historias se entralazan y cruzan, creando una tela de araña en la que quedaremos atrapados. Resulta curioso que una nota nos conduce a otra en esa partitura que sería la historia que nos precede, en este caso, la que relaciona el mal con la belleza a través de la música. Cuando salgo del teatro siguen rondando en mi cabeza sonidos que generan imágenes. No se cómo calificar esta pieza peculiar, creo que es una experiencia estética y emocionante tramada inteligentemente.
Adolfo Simón
Auzokideak (Compañeros de barrio) de Panta Rhei y Eginaren Eginez en Una mirada diferente del CDN
Hace no mucho tiempo, los escenarios estaban llenos de princesas y personajes «normales», parecía que vivíamos en una sociedad de fantasía. Por suerte, ha cambiado mucho el cuento y ahora, podemos encontrar propuestas en las que los protagonistas son niñas ciegas que se aferran a un árbol para protegerlo o un niño en silla de ruedas que quiere recorrer el mundo salvando obstáculos…o un niño con muletas que quiere tener derecho a amar sin límites…Y todo, desde una mirada cercana, de lo que ocurre en un barrio que podría ser el de cualquiera de nosotros. Estos seres pueblan la obra Auzokideak (Compañeros de barrio) de Panta Rhei y Eginaren Eginez y uno sale del teatro pensando que, por fin, los escenarios nos hablan de nuestra realidad y no de mundos irreales
Adolfo Simón
Una hora en la vida de Stefan Zweig de Antonio Tabares en el Teatro de la Abadía
Antonio Tabares recrea, en clave de ficción, los últimos momentos del eminente autor y su segunda esposa Lotte. Mientras preparan, con calculada meticulosidad, todos los detalles de su suicidio, se presenta en su casa un desconocido, recién llegado de Europa. ¿Quién es este inoportuno visitante? ¿Será, como dice, un refugiado judío y no un agente al servicio de los nazis? ¿Y por qué muestra tanto interés por una lámina de William Blake que durante años perteneció a Stefan Zweig?. Una propuesta íntima que nos obliga a vivir la angustia de ese tiempo de espera ante el horror de un futuro incierto. La puesta en escena tiene un caracter casi cinematográfico por lo anti-teatral del tempo y la tensión dramática.
Adolfo Simón
El CASCANUECES y el REY de los RATONES del Teatro Kukfo de San Petersburgo en la Sala Tribueñe
Dentro del Festival San Petersburgo infantil en Madrid en el que podemos disfrutar desde exposiciones a clases magistrales, hemos podido disfrutar hoy de un cuento sobre la señora Ratona y su ejército de ratones, sobre Cascanueces, un joven encantado, y sobre cómo la valentía y el coraje le ayudan a recuperar su forma humana. Es una historia sobre la chica Marí, su bondad y corazón compasivo, sobre las aventuras y maravillas que ocurren solo en vísperas de la Navidad. Una pieza delicada en la que la danza y los títeres se combinan para crear atmósferas muy sugerentes que hicieron las delicias a los pequeños de la casa.
Adolfo Simón
La máquina de la soledad de Oligor/Microscopía en los Teatros del Canal
Dentro de la excelente programación de esta temporada en los Teatros del Canal, ha llegado la oportunidad de sumergirnos en un pequeño teatro ambulante, una fascinante capsula que nos permite viajar en el tiempo, en las historias y emociones que algún día se quedaron atrapadas en cartas con destino al corazón. En estos tiempos donde todo viaja velozmente a través de las redes sociales, donde todo evento no dura más tiempo que el que usamos para nómbralo… En estos tiempos de fugacidad y falta de compromiso, resulta emocionante encontrarse con una propuesta como la que han creado Oligor & Microscopía. La máquina de la soledad es teatro documento, es recuperación de memoria y modos de otro tiempo en los que la humanidad y el amor viajaban en cartas a las que se esperaba con anhelo su llegada mágica al buzón. Y también es un acto de comunicación intimida y respeto para quién generó la correspondencia y para el público que acude a recuperar fragmentos de otro tiempo que han quedado atrapados en algún rincón perdido de nuestra memoria. La máquina de la soledad es una experiencia que se disfruta en una atmósfera de ensoñación de la que salimos reconfortados, como hubiéramos sido acariciados durante cerca de dos horas.
Adolfo Simón
“Divinas Palabras. Revolution” en el Teatro Español
“Divinas Palabras. Revolution” es la propuesta que actualmente podemos ver en el Teatro Español. Se trata de un viaje atemporal que recorre los días de hoy, bajo la atenta mirada del pasado. Valle-Inclán deja un legado de historias monstruosas, historias que parecen sacas de un libro viejo y olvidado. Cuando uno se adentra en sus páginas toma conciencia de que lo que fue sigue siendo y lo que creímos una victoria sigue siendo una guerra. El esperpento, esa idea literaria tan teatral, sigue encontrando una sociedad que lo acoge y lo eleva a la máxima admiración. La revolución fantasma que creemos vivir se encuentra de frente con realidades como esta, presentadas de manera grotesca y real, bajo la idea de obra teatral.
Patricia Jorge
Angélica Liddell/Atra Bilis…Esta breve tragedia de la carne(Trilogía del infinito) en los Teatros del Canal
¿Qué podemos hacer ante la agonía de un pájaro?…¿Cómo sobrevivir al temblor de sus alas en el último estertor?…
Ha vuelto Angélica con su fragilidad tortuosa, con su presencia dolorosa y abismal…
Acostumbrados a su torrente verbal, a sus palabras-cuchillo…en esta breve e intensa pieza, el silencio se apodera de la escena, para escribirnos con dardos de lenguaje en las pupilas…el rito mortuorio y sagrado aparece como un carnaval de monstruos que dibujan trazos y tránsitos en el cuadrilatero sin tiempo en el que se convierte el escenario. La poesía aparece furtivamente, cuando una lágrima de sangre aflora de la boca de la mujer pájaro al ser atravesada por la flecha pene…el amor y el dolor se dan la mano, acariciándose y arañándose al tiempo…
Seres que mutan de piel y vida, saltando del pasado al futuro sin remedio ni esperanza…y a veces, niñas clonadas que saltan de otra época al hoy para dibujar parámetros sin sentido…
Y al final, el sacrificio último, la simbiosis con la naturaleza y la esencia animal del ser humano, para desaparecer en la oscuridad de la nada.
Reencontrase con Angélica y su cada vez más complejo y extraño universo, es el golpe de oxigeno que nos sigue dando sentido para acudir a las ruínas del teatro.
Adolfo Simón
Por pelotas en Microteatro
La expresión «Por pelotas» nos lleva a imaginar situaciones a la fuerza y bueno, puede ser eso o disparates sin solución. En este mes, en Microteatro, el lema es este y ahí caben situaciones enloquecidas como las que se plantean en «Asomados» de Yolanda García Serrano, una situación en la que terminamos viendo que el que parece va a dar el primero paso, consigue que lo den los demás, creando un inesperado desenlace. Y en «La cofradía» de Francisco Armela, nos convertirán, por unos minutos, en un grupo de fieles que buscan trascender a partir de la transgresión mística; huyendo de lo políticamente correcto. Dos pruebas de que en el teatro, todavía se pueden contar historias gamberras aunque no estén los tiempos para lanzar muchos cohetes por la libertad de expresión.
Adolfo Simón
Silencios cantados en el Teatro Lara
Silencios Cantados es un espectáculo sobre la vida y las experiencias de María Villaroya que se representa en el Teatro Lara de Madrid los martes, miércoles y jueves en distintos horarios. María repasa la historia de su vida, la vida de una mujer como cualquier otra, haciéndose consciente de su trayectoria pasada, regentando su Oficina de Objetos Perdidos particular. Sus recuerdos son el soporte de su evolución personal y aprendizaje que refleja en cada canción. De este modo María remueve sus cimientos personales, enfrentándose a su propia enemiga: ella misma.
Con la firme voluntad de coger de nuevo las riendas de su vida, decide “subirse al tren”, tomando con coraje la decisión de cambiar, y aferrándose a si misma con uñas y dientes, emprende el camino desde su “km 0”, desnudando por completo su alma. María comienza así su viaje interior para rescatarse y recuperar sus “objetos perdidos”. Un musical autoretrato de pequeño formato donde la actriz-cantante nos hace viajar con su periplo vital para sobrevivir a un mundo sin rítmo.
Adolfo Simón
EL JEFE DE TODO ESTO de Oscar Gómez Mata en Naves Matadero
La vida está hecha de cosas muy simples: el bien y el mal. Pero… ¿Qué es bien y que es mal?
El actor, autor, escenógrafo y director vasco Oscar Gomez Mata, llegó este fin de semana al matadero con su compañía suiza L´Alakran, representando la obra “El jefe de todo esto”, una divertida comedia extraída del cineasta y director danés Lars Von Trier, “Le Direktør for det hele”.
Si un hombre quiere vender su empresa, pero al fundar esta se inventó un presidente ficticio tras el cual poder ocultarse a la hora de tomar decisiones importantes, que mejor que contratar a un actor en paro para interpretar el papel del “jefe de todo esto” y así poder negociar con los posibles compradores.
Si algo le gusta a Oscar Gómez Mata es romper la cuarta pared para hablar con el público de lo que está pasando en la obra, estableciendo así una relación directa con este y obligando a posicionarse en base al tema que trate. En este caso la responsabilidad en base al mundo laboral. No todos los días tenemos la oportunidad de ver obras de este tipo, donde el teatro contemporáneo pasa a otra dimensión, viéndose reflejada la pelea mutua entre la persona y el personaje. Un trabajo excepcional donde los actores y actrices disfrutan y hacen disfrutar.
Cuando el trabajo empresarial se junta con el teatro, todo termina en comedia.
Aitor Satrustegui Iraola
Que Revienten los Artistas 
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