Mundos hipnóticos y mundos sicalípticos en los Teatros del Canal
Los Teatros del Canal han cerrado este fin de semana un ciclo de programación excepcional que, además, ha conseguido convocar a un gran grupo de programadores nacionales e internacionales para que conozcan de primera mano la creación contemporánea en nuestro país; atendiendo a múltiples estéticas y lenguajes escénicos.
Se han repuesto piezas estrenadas hace semanas y se han estrenado nuevos trabajos.
La Veronal ha subido el listón de sus producciones, creando una fantasgamoría futurista inquietante y sugerente. En un espacio anecdótico, en tránsito hacia ninguna parte, una serie de personajes que no responden a la humanidad como la conocemos si no que, han mutado para convertirse en una nueva especie que vive y se comunica ajenos a la emoción, convertidos en robots que serán los nuevos dueños del universo. Estética y fisonomía poderosa y fria que cobra vida mecánica en un deambular zombi sobre la nueva vida que nos espera a la vuelta de la esquina. Una alarma hacia el futuro al que sucumbiremos sin remedio.
Y en la Sala Negra, Amalia Fernández nos invitó a una partitura-juego en la que lo vocal, el movimiento y el disparate invadieron la escena y las partituras que se van desgranando a lo largo de la hora que duraba la pieza.
Adolfo Simón
A-SOLA-DAS de The Little Queens en La Puerta Estrecha dentro de Surge
The Little Queens nos presenta dentro del V Muestra de Creación Artística Surge en La Puerta Estrecha, una propuesta danzada en donde se rescata del olvido a aquellas mujeres que lucharon por la libertad, la paz, la honestidad en el 36. Un espejo que se ve reflejado con la lucha feminista en la actualidad y en la que aún seguimos educándonos.
Sus cuerpos a disposición de la recopilación de los testimonios recogidos por Tomasa Cuevas, y un emotivo trabajo que combina la teatralidad, el movimiento y la música en directo.
6 mujeres que ponen voz y cuerpo a todas las mujeres del mundo. Una historia de la que seguir aprendiendo para asentar las bases de la igualdad.
Dave Aidan
Génesis 6, 6-7 (Trilogía del infinito) de Angélica Liddell / ATRA BILIS en los Teatros del Canal
Se cierra el tríptico de la Trilogía del infinito de Angélica Liddell y se ha cerrado con un portazo que atraviesa el espacio y se quedará suspendido en el universo durante mucho tiempo. Este espectáculo está creado desde una soledad profunda y un silencio inmenso. A pesar de estar inspirado en la Palabra, estas transmutan en rituales cargados de momentos indescriptibles; cuando uno cree que ya ha visto todo en un escenario, aparece esta sacerdotisa que es Angélica para crear un orden nuevo, cruzar lo mítico con lo ordinario, lo esencial con lo mundano. Los seres que pueblan la obra no vienen de ningún tiempo en particular ni viajan a un mundo concreto, parecen suspendidos en la cabeza de la autora, como si sus pesadillas se congelasen y tuvieran que cobrar vida licuándose bajo la luz crepuscular del fin de un tiempo sin belleza, sin pasión ni sosiego. Hay muchas referencias al dolor y la violencia, también las hay para los sin lugar, los sin nacer…para todos ellos desea un futuro posible donde el fusil sirva para cortar el pan y no para atravesar cuerpos. Salgo del teatro y tengo la sensación de haber viajado a ninguna parte, a un paraíso nuevo hecho de mutilaciones y miedo, de la posibilidad de trucar pesadillas por sueños.
Adolfo Simón
¿Qué haré yo con esta espada? (Trilogía del infinito) de Angélica Liddell / ATRA BILIS en los Teatros del Canal
Erase una vez un cadáver confesando sus deseos prohibidos en la sala de autopsias… No, este no es el cuento.
Erase una vez una mente que se desenfoca en el último aliento…No, este no es el cuento.
Erase una vez un país que no era el pasado ni el futuro y que vivía en mundos paralelos…No, este no es el cuento.
Erase una vez una fábula japonesa que bebía de ritos ancestrales para sobrevivir al presente…No, este no es el cuento.
Erase una vez un asesino que quería tener el mayor club de fans del mundo…No, este no es el cuento.
Erase una vez una mujer que mira a su alrededor y siente que su cuerpo se multiplica en jovenes adolescentes impúdicas…No, este no es el cuento.
Erase una vez que el metal y la piedra hacen un pulso por resolver el enigma entre la vida y la muerte…No, este no es el cuento.
Erase una vez que la telepredicadora de la nueva religión del mal invita a morder en vez de dar besos…No, este no es el cuento.
Erase una vez una voz de ultratumba que quería sacudir la caspa mental…No, este no es el cuento.
Erase una vez…y no era, lo que parecía no fue…y lo que fue no lo habríamos imaginado nunca.
Hay espectáculos que no sabes si van en una dirección o en realidad lo que transitan es por el caos para encontrar un nuevo orden.
En el ecuador de La Trilogía del Infinito, Angélica Liddell nos pone de nuevo contra las cuerdas, contra el tempo, contra el discurso, contra lo políticamente correcto y cuando estamos al borde del abismo, se rie de y con nosotros como una niña perversa. Nada es casual, todo está pensado y premeditado para obligar a nuestros sentidos a caer en al abandono de lo que subyace entre las palabras y las imágenes. No hay nada mejor que salir de un teatro sin tener claro si se ha visto arte o disparate.
Adolfo Simón
Monkey Mind de Platform-K / Les ballets c de la b en Una mirada diferente del CDN
Monkey Mind es un intenso encuentro entre cinco bailarines que van más allá de lo esperado y que no tienen miedo de romper convenciones o incluso tabúes. En esta creación, Lisi Estaras, bailarina y coreógrafa integrante de la compañía de danza contemporánea de Flandes en Les ballets C de la B trabaja con cinco bailarines sobre el tema del encuentro. ¿Pueden cinco personas, cada uno con su propia mente, realmente conocerse y conectar? ¿Hasta qué punto su encuentro está influenciado por el hecho de que tres de ellos tengan síndrome de Down?.
Lo maravilloso de este tipo de experiencias es que nos ponen los pies en la tierra, cada vez que tengo la oportunidad de ver teatro o danza realizado a partir de las vivencias de personas con otras habilidades, me doy cuenta de lo torpes que somos los que creemos que tenemos las condiciones óptimas para vivir. Hay escenas en esta pieza que no solo podrían formar parte de cualquier ballet de una compañía profesional si no que, en algunos momentos, adquiere una magia y poesía que no se ve habitualmente. Viva la diferencia!.
Adolfo Simón
Firebird / Faun / Ten Duets on a Theme of Rescue del ROYAL BALLET FLANDERS en los Teatros del Canal
Desde el Real Ballet de Flandes, nos visitan dos de los mejores coreógrafos del panorama internacional: Crystal Pite y Sidi Larbi Cherkaoui, su actual director artístico.
Belleza y alegría es lo que nos ofrece la coreógrafa canadiense Crystal Pite en Ten Duets on a Theme of Rescue. Dos bailarines abordan maneras distintas de salvar al otro. Es decir, aquí el cuerpo baila para renunciar a lo personal en beneficio del compañero. Toda una celebración de la vida no exenta de poesía.
Sidi Larbi Cherkaouki presenta dos piezas:
Firebird gira en torno al mórbido horror del fuego, pero también a la belleza de la vida que resurge de sus cenizas, como el ave fénix. Una personal interpretación de la composición del joven Stravinsky sobre el conocido cuento popular ruso.
Faun vuelve a poner en escena el legendario solo de Nijinsky basado en El preludio a la siesta de un fauno de Debussy: una coreografía en la que el fauno acaba encontrándose con su opuesto femenino.
Un programa excelente, variado, transitando entre el clasicismo y la vanguardia contemporánea. De nuevo, hemos tenido la ocasión de apreciar el buen estado que está la danza en el presente. ´
Adolfo Simón
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/royal-ballet-flanders-sidi-larbi-crystal-pite/
IMPRENTA ACÚSTICA en (14 borrones) .. de una APARICIÓN de El Bailadero en Naves Matadero
En esta pieza, Mónica Valenciano abre la puerta de su guarida para mostrar, poseída por la verdad, algo que conoce bien y que el resto solo intuimos. Junto a Raquel Sánchez, extrae la esencia del epicentro del dolor, del humor, de la poesía, de la vida. Lanza preguntas al público con el cuerpo y la palabra. Palabras que viven donde habitan los secretos, cuerpos que mueren y nacen en un exorcismo de generosidad y necesidad: el cuerpo vivo articulado en múltiples Planos, Volúmenes y Arquitecturas Nómadas; el cuerpo preparado para abrir los límites, confrontarse, cuestionarse, exponerse al exterior y compartir; el cuerpo como una orquesta polifónica; el cuerpo lleno de ojos. Hay espectáculos que están cerca de una experiencia mística, provocando en el público un viaje sensorial que trasciende a las ideas y el pensamiento, para situarse en el plano del trance.
Adolfo Simón
«Fall» de Lucía Marote en el Teatro Pradillo, dentro de la V Muestra de Creación Escénica Surge Madrid 2018.
Es maravilloso tener una palabra como »Fall» y que signifique al mismo tiempo caer y otoño. Las hojas en otoño se caen y vuelven a resurgir. Un resurgir del cuerpo como el ave fénix. Un vuelo de una hoja que viaje por un mundo poético y sensorial, acompañado de la vulnerabilidad de lo físico y la música.
Es una desnudez plena ante el público, en donde se da un grito fuerte diciendo: Aquí estoy. No tengo miedo. Sigo danzando.
El festival de Surge da comienzo, y arranca con unas buenas caricias de sentimientos. Vuelve a surgir la danza, pero no una danza de las de siempre. Es un rito ante la vida misma en donde se investiga constantemente con la memoria que el cuerpo ha ido dejando alrededor de todo este tiempo.
Es el encuentro entre dos instrumentos: cuerpo y piano. Son golpes delicados de percusión que en algunos momentos se desafían y en otros momentos se empastan, creando una pieza única y emotiva.
Que sigan resurgiendo las hojas de que se caen en otoño, y que siempre sea primavera.
Dave Aidan
Grand Applause de Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol en Naves Matadero
Imaginemos por un momento que la ópera Carmen de Bizet fuera una pieza de museo. Ahora imaginemos que esa obra expositiva cobrara vida de la mano de artistas contemporáneos como Luis Úrculo, Norberto Llopis o Bernhard Willhelm. Eso es Grand Applause, una exposición en cuatro actos o una ópera que recorre cuatro salas de una exposición creada por el escenógrafo y performer Jorge Dutor junto al coreógrafo, bailarín y también performer Guillem Mont de Palol.
Una nueva propuesta performática dentro del programa de esta temporada en Naves Matadero a través de la cuál, conseguir una visión de la ópera Carmen desde otro ángulo, huyendo de la convención y el costumbrismo de la historia de Margarita. Aquí, el protagonista es el espacio y las armósferas lumínicas y sonoras.
Adolfo Simón
Recta final de Teatralia 2018
La recta final de Teatralia fue excelente…Danza, circo y teatro de títeres llegaron para poner un gran broche de oro en la programación de este año que ha sido variada y muy cuidada en contenidos y formas.
«Chasing Forests. Ensueños del Bosque» es la segunda obra de la trilogía Agua/Tierra/Aire, con la que Larumbe Danza se ha propuesto crear espectáculos de danza hipermedia (proyecciones, mapping, etc.) dirigidos a público familiar, con una temática ecológica y énfasis en la calidad. Llega tras el éxito internacional de la primera de estas obras: Ballenas, Historias de Gigantes (presente en Teatralia 2016) fue ganadora del Premio FETEN 2015 al Mejor Espectáculo de Danza. Para Chasing Forests. Ensueños del Bosque, la compañía ha contado de nuevo con colaboración externa, en este caso la coreógrafa invitada Camille Hanson.
Cuatro Premios del Circo Andaluz 2016 (Mejor Iluminación, Mejor Vestuario, Mejor Espectáculo de Circo de Calle y Mejor Escenografía), Premio a la Mejor Música Original en FETEN 2017 y Premio al Mejor Espectáculo de Calle 2018 del festival alemán Internationale Kulturbörse Freiburg. Con estas acreditaciones y tras su paso por Francia, Italia, Portugal, Alemania, Austria y Holanda, llega a Teatralia: «Oopart, historia de un contratiempo», un aplaudido espectáculo de circo en el que cuatro intérpretes comparten escenario con una asombrosa maquina del tiempo que evoca las ficciones de Julio Verne.
«Soñando a Pinocho», espectáculo de nueva creación de la veterana compañía La Tartana, nos acerca a la posible historia que precede al cuento clásico de Carlo Collodi. La ensoñación y nacimiento de Pinocho antes de que el propio Gepetto pueda descubrirlo. Una mágica historia en torno a la soledad y a la perseverancia necesaria para conseguir un sueño que se estrenó en la última edición de FETEN (Feria Europea de Artes Escénicas para Niños y Niñas).
«Wrapped» se inspira en una leyenda urbana y recrea en escena un mundo imaginario de gran potencia visual. El humor, la dulzura, el ritmo, la poesía, la danza y el teatro son los hilos conductores de este espectáculo en el que las pequeñas historias cotidianas se hacen grandes. La música de Beethoven, Art Tatum, Ben Webster y Benny Goodman conforman el paisaje sonoro en el que los ocho intérpretes de la compañía demuestran su virtuosismo técnico. Una pieza de danza y teatro llena de vida, belleza y sorpresas.
Ahora solo nos queda esperar a que la próxima edición sea igual de estupenda.
Adolfo Simón
Intimidad y danza en Naves Matadero
Esta semana, Naves de Matadero ha mostrado propuestas de lenguajes al límite. A la presentación de la primera fase del proyecto Número 0 [Nº0] NØcollective le siguió la experiencia performativa en la que, Juan Loriente, permitió durante varias jornadas que el público asistiese a su intimidad, su pensamiento y su mirada sobre el mundo actual, intercalada, surgíala pieza breve: «Relato» en la que planteaba una comunión cuerpo a cuerpo con los presentes en… El tiempo entre nosotros de Fernando Rubio. Y como cierre de la semana, una obra de danza: El matrimonio del cielo y el infierno de Instituto Stocos, en la que la danza y las nuevas tecnologías se fusionan para proponer nuevas líneas de acción del cuerpo en el espacio y las atmósferas creadas por la luz y el sonido.
Adolfo Simón
DRESDEN FRANKFURT DANCE COMPANY en el TEATRO REAL
La prestigiosa Compañía DRESDEN FRANKFURT DANCE COMPANY con coreografía, luces, vestuario y escenografía de JACOPO GODANI ha presentado un programa excelente en el Teatro Real. Desde que en 2015 el coreógrafo Jacopo Godani se pusiera al frente de la Dresden Frankfurt Dance Company, esta ha centrado su actividad en llevar a escena los trabajos artísticos del italiano. Cargadas de expresividad y con un lenguaje vibrante, sus coreografías mantienen la herencia de la tradición sin olvidad el actual concepto contemporáneo de la danza. El programa que la compañía alemana trae ahora al Teatro Real presentó cuatro obras –tres de ellas con música en directo de Béla Bartók, Maurice Ravel y 48nord– las cuales resumen brillantemente el rico repertorio de la compañía. Un elenco de bailarines y bailarinas de facultades técnicas y artísticas de gran nivel, consiguieron que la noche fuese mágica. Energía, belleza y potencia en el escenario.
Adolfo Simón
Segunda semana en Teatralia
Sigue el festival para la infancia y la juventud más importante de nuestro país. En esta segunda semana, espectáculos para todas las edades y gustos…
*The Bockety World of Henry and Bucket (El descacharrado mundo de Henry y Bucket) de Barnstorm Theatre Company en los Teatros del Canal…Una pieza que inspira a los asistentes sobre la posibilidad de crear a partir de materiales de desecho y que esa actitud en la vida puede suponer una forma vital de enfrentarse a situaciones con obstáculos que superar.
*Al hilo de lo invisible de La Casa Incierta en Centro de Recursos Educativos de la ONCE…Una experiencia sensorial que ayuda a desarrollar los sentidos mediante estímulos sonoros y táctiles. Una propuesta entre el laboratorio y la vivencia sensorial.
*Tic Tac Tic Tac de Casa degli Alfieri – Universi sensibili de Antonio Catalano en Teatro Pradillo…En esta obra se nos anima a jugar con los materiales como mundos imposibles de limitar y que la imaginación, al final, es la llave para ser feliz y disfrutar de las pequeñas cosas.
*Je suis William (Yo soy William) de Théâtre Le Clou en los Teatros del Canal…No es fácil encontrar una obra dirigida al público adolescente y que, además, nos anime a respetar la igualdad entre hombres y mujeres. Una anécdota en la vida familiar de Shakespeare nos permite conocer a la hermana brillante del gran autor de teatro que siempre vivió a la sombra de este.
*Euria (Lluvia) de Markeliñe en Cuarta Pared…Un paraguas colgado como recuerdo en un perchero. Un personaje sumido en la tristeza por la pérdida de su pareja. La emoción es tan fuerte que se la imagina junto a él como si nada hubiera pasado. Un día, a la salida de un cine, ve un paraguas roto y abandonado y decide llevárselo a casa para arreglarlo. A partir de ese momento, su vida empieza a cambiar. Ese paraguas representa su alegría perdida y le ayudará en el proceso de superar la adversidad.
Adolfo Simón
«Una oda al tiempo» de María Pagés en Los teatros del Canal
María Pagés nos presenta su nuevo espectáculo de la mano del dramaturgo El Arbi El Harti apoyándose en el pensamiento de que su cuerpo debe trasladar al espacio lo que tiene dentro de su cabeza. Su cabeza está inspirada por grandes autores a los que se siente próxima como Jorge Luis Borges, Platón, Marguerite Yourcenar, etc. Con esta presmisa y con la idea de dialogar con el tiempo que ha pasado y con el que nos toca vivir. Para ello empleará todo un abanico de palos del flamenco que la sugieren en cada momento de la dramaturgia el camino hacia lo que nos quiere relatar. Desde la toná inicial en la que nos sumerge hasta la bulería festiva inspirada en la Oda a los números de Pablo Neruda. La simbiosis entre María y El Arbi está clara, es perfecta.
Pero lo importante de esta propuesta es eso, la manera en la que está llevada a cabo. María Pagés ha alcanzado una madurez y está en estado de gracia en esta creación en la que desgrana cuadro a cuadro, con la ayuda de ocho bailarines, una estética única, una manera de entender el flamenco contemporáneo personal y brillante que aporta a la historia del baile un escalón de subida, comunicando lo que ella quiere y como ella quiere. Evocaciones musicales y artísticas mezcladas de manera maestral y con un ritmo de montaña rusa en el que hay subidas y bajadas que nos van mostrando pedazos de historia y nos hablan del paso inexorable del tiempo y cuadros escénicos de impresionante belleza basados en cuadros como los Fusilamientos del 3 de mayo, Saturno devorando a sus hijos, o el Guernica.
La escenografía, minimalista, basada en el círculo que preside el escenario y que de va convirtiendo en sol, luna, péndulo, columpio y espejo a medida que evoluciona la estructura dramática nos va introduciendo en cada escena que se crea y dialoga perfectamente con el discurso que se quiere interpretar junto con una iluminación perfecta, creada por Dominique You, en la que está todo medido y en la que destaca el protagonismo que se le da a la expresión de los brazos y manos en el baile con acento perfecto.
El vestuario, diseñado por la propia Pagés, en tonos grises que se tiñen de colores intensos, sin estridencias pero completando el espectáculo y dando su protagonismo al cuerpo, al emisor de la idea.
Es esperanzador ver como aún hay autores, creadores y artistas tan grandes como estos que nos dejan atisbos de creación contemporánea que reviven el mundo del baile español y el flamenco.
Luis Mª García Grande
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/maria-pages/
«Los elementos», ópera armónica al estilo italiano en la Fundación Juan March
«Los elementos» se presenta explícitamente como una “ópera armónica al estilo italiano”, en la que confluyen la mejor tradición del verso hispano con las novedades italianas de la música, materializadas en el uso de violines y la alternancia de recitativos y arias. Estos rasgos estilísticos se entendían entonces como sinónimo de modernidad, algo que tampoco escaparía a sus primeros oyentes. La puesta en escena de esta nueva producción trae estos códigos alegóricos al presente, al tiempo que mantiene el mundo emblemático de la ópera barroca, con los originales resultados propios del esplendor de esta etapa dorada de la música española, el resultado es una exquisita pieza de ópera-música-danza ya que, a pesar del estatismo de los personajes, desde la dirección se consigue un juego casi constelar a través del sutil movimiento de los personajes-símbolos y de la música deliciosa que acompaña y acaricia cada momento, consiguiendo en el patio de butacas una sensación hipnótica. Una nueva iniciativa fantástica en el peculiar anfiteatro de la Fundación Juan March.
Adolfo Simón
Eclipse : Mundo de Paz Rojo en Naves Matadero
Tras varios años trabajando en otros soportes (video-ensayos, laboratorios, contextos de investigación y comisariados), Paz Rojo presenta la creación escénica ECLIPSE : MUNDO, una aproximación al dispositivo escénico y a la danza desde la óptica de un «plano de percepción destituyente». El término «destitución» está asociado con la puesta en crisis y la pérdida de sentido, pero también con la posibilidad de contemplar lo aún-no producido. Y ahí nos sitúa la artista, en el ámbito voyeur de mirada y oído. Aislados del mundo, sumergidos en un caos sonoro y en imagenes que no evolucionan aparentemente ante nuestra percepción. Curiosamente, esta bifocalidad nos activa el pensamiento creativo a los que ocupamos el patio de butacas, por momentos al borde de la frontera entre lo real y lo imaginado.
Adolfo Simón
The show must go on de Jérôme Bel por la Compañía Nacional de Danza en los Teatros del Canal
Hace unas temporadas, en el Teatro Real se llevó a cabo una experiencia no habitual, el CORO se convertía en el protagonista de un espectáculo. El coro, habitualmente, está al fondo o al lado…casi siempre en penumbra y alguna vez, siendo tan importantes como son en las producciones líricas, tenían que ser los protagonistas, aparecer bajo el foco principal. The show must go on es una experiencia para que el foco, por una vez, se ponga sobre el público, sobre el patio de butacas que rara vez tiene la ocasión de subirse a un escenario y ser la estrella del show. Aquí, además, se convoca a múltiples personas y artistas, para que la suma sobre la escena sea representativa de nuestra sociedad. Y durante hora y media, ocupan la escena por derecho, mostrando su energía y fragilidad…¿Bailando?…no especialmente o si…¿Qué es bailar?…¿Mover el cuerpo?…También podría ser mover la mirada o la emoción. Seguramente muchos asistentes no entenderán la propuesta si van buscando danza, pero si piensan que existe otro tipo de espectáculos y que los protagonistas de una función, por una vez, pueden ser los espectadores, igual…se abandonan a la experiencia.
Adolfo Simón
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/jerome-bel-compania-nacional-de-danza/
Moving With Pina de CRISTIANA MORGANTI en la Sala Negra de los Teatros del Canal
Cristiana Morganti, que ha trabajado durante más de veinte años en el Tanztheater Wuppertal, nos invitó a formar parte de una conferencia bailada: Un emocionante viaje al universo de Pina Bausch, visto desde la perspectiva de una bailarina. ¿Cómo se construye un solo? ¿Cuál es la conexión entre movimiento y emoción? ¿Cómo se relacionan el bailarín y la escenografía? Y por encima de todo: ¿De dónde surge esa relación mágica y misteriosa entre el artista y el espectador?…En la sala Negra, últimamente, se están desarrollando una serie de propuestas que tienen un denominador común: La danza analizada desde el proceso de creación al que el público, normalmente, no tiene acceso. Esta última pieza presentada ha sido exquisita; tener la oportunidad de ver en escena a una bailarina que estuvo inmersa en la creación de muchos trabajos realizados por la genio de la danza del siglo XX: Pina Baush y que comparta con nosotros los «secretos» y «misterios» de los momentos más íntimos, esos que se desarrollas en la sala de ensayos o tras las funciones, ha sido un autentico lujo. Y si además, todo se muestra con ejemplos de piezas y momentos concretos, la propuesta se convierte en una clase magistral. Esta conferencia bailada es imprescindible porque sigue manteniendo viva la memoria y creación de la danza-teatro: Un salto importante en el lenguaje del baile contemporáneo.
Adolfo Simón
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/cristiana-morganti/
Estoy pensando en tortugas de Claudia Faci en Naves Matadero
Claudia Faci piensa en tortugas cuando escribe en voz alta…
Claudia Faci piensa en tortugas cuando se sale del foco…
Claudia Faci piensa en tortugas cuando fuma en la puerta de emergencia…
Claudia Faci piensa en tortugas cuando baila el silencio…
Claudia Faci piensa en tortugas cuando dialoga con la mirada con Oscar…
Claudia Faci piensa en tortugas cuando se pelea con cuerpos imposibles…
Claudia Faci piensa en tortugas cuando mira lejos y cerca…
Claudia Faci piensa en tortugas cuando hace filosofía del desaliento…
Claudia Faci piensa en tortugas cuando piensa en sexos de terciopelo…
Claudia Faci piensa en tortugas cuando pide otra voz para el poema final…
Claudia Faci puede pensar en tortugas o lo que quiera, su sola presencia da sentido a la escena…
El resto, son ecos de su imaginario que desdibujan la herida que ella provoca en nuestra mirada.
Adolfo Simón
¡Oh Cuba! en el Centro de Arte Fernán Gómez
En ¡Oh Cuba! participan más de 20 artistas que rinden homenaje al paso de Federico García Lorca por Cuba. ¡Oh Cuba! es una obra en la que se fusionan músicas flamencas y cubanas; creando pulsos rítmicos. Con textos de Federico García Lorca, clásicos e inéditos que el poeta “granaino» dejó en la isla y con poemas de su amigo Nicolás Guillén se crea un collage con aire contemporáneo y con guiños al universo simbólico de Lorca.
Adolfo Simón
Moeder de PEEPING TOM en los TEATROS del CANAL
Las obras de Peeping Tom combinan danza, teatro, música. Su nueva producción se mueve a través de una serie de espacios como una sala de maternidad, un tanatorio, un estudio de grabación, un museo… Lo público y lo privado se entrecruzan. Pasado, presente y futuro intentan aferrarse desesperadamente al tiempo cíclico de una figura materna arquetípica. El luto por la madre es el punto de partida para hablar de la ausencia, las carencias y las ansiedades sin renunciar a un humor mordaz, habitual en esta compañía.
A estas alturas de la película es muy difícil que nada sorprenda desde una escenario, sin embargo, parece que ese es el objetivo de la programación de este año en los Teatros del Canal: Sorprender!. Y cuando ya parece que todo está visto, cuando la cartelera muestra obras que se repiten y clonan, aparece esta compañía que, en otras ocasiones también nos deleitó, con una propuesta sin límites, con froteras finísimas entre lenguajes; cuando parece que es un espectáculo de danza, se convierte en una propuesta musical o de experimentacion sonora, cuando creemos que estamos sumergidos en un drama cruel, el humor atraviesa como un rayo la escena. Una maravilla, lástima que esté todo agotado porque son esas obras que hay que recomendar sin duda.
Moeder (Madre) es la segunda entrega de una trilogía sobre una familia, que comenzó con Vader (Padre, en 2014) y terminará con Kinderen (Hijos).
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/peeping-tom/
Adolfo Simón
“Una introducción” de Olga de Soto en los Teatros del Canal
“Una introducción” de Olga de Soto es un trabajo de investigación acerca de “La mesa verde” de Kurt Jooss (maestro de Pina Bausch). Se trata de un trabajo documental que recorre diferentes puntos de vista y que ahonda en las numerosas líneas de la materia como elemento de creación. Para ello investiga la vida de los bailarines que formaron parte del primer montaje y los más cercanos, cronológicamente, que pudieron ver y bailar la pieza. Realiza un recorrido por la memoria desde diferentes prismas, lo que hace que la pieza se acerque al verdadero contexto de la época. Sin duda se trata de un viaje circular que destripa las connotaciones que hacen de esta danza una auténtica obra atemporal.
Patricia Jorge
La espina que quiso ser flor o la flor… de Olga Pericet en los Teatros del Canal
La espina que quiso ser flor o la flor que soñó con ser bailaora. Lo femenino y lo masculino, la luz y la oscuridad, el drama y la ironía, la fealdad y la belleza, la contundencia de la espina y la delicadeza de la flor. Todo ello encarnado en el cuerpo de baile de Pericet y distribuido en composiciones escénicas ideadas por Carlota Ferrer para ella. Un viaje intimo que nace de las heridas y los besos y que, a través del baile y el cante, con granaínas, bulerías, tanguillos y tangos, nos conduce desde lo desconocido a la luz. El flamenco ya salió del rincón de la tradición para instalarse en el universo de la contemporaneidad, por suerte, de unos años a esta parte, estamos disfrutando de propuestas que parten del riesgo, de la ruptura…de mezclar lenguajes y poéticas para encontrar el flamenco del futuro, sin límites ni corsés…las espinas han de transformarse en flores.
Adolfo Simón
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/olga-pericet/
Caravane en CANAL-Centre National de la Danse
Este fin de semana, en los Teatros del Canal, ha habido un desembarco total de materiales sobre danza contemporánea. El programa rico y complejo llegaba desde el Centre National de la Danse e invadía múltiples espacios donde se podía asistir a sesiones pedagógicas, conferencias, consultas de grabaciones en video, etc. Y, además, propuestas escénicas en las que se indagaba sobre el lenguaje de la danza desde perspectivas diversas.
Bailar los sentidos
L’oeil la bouche et le reste de Volmir Cordeiro en la Sala Negra.
En esta pieza para cuatro bailarines, Volmir Cordeiro nos invita a mirar la mirada. El coreógrafo condensa todas las funciones oculares: llorar, pestañear, fijarse, guiñar, ojear… pero no se olvida de lo invisible. La obra se articula en torno a las nociones de desasimiento y desbordamiento, porque lo propio del ojo, prisionero del cuerpo, es aventurarse más allá de sí mismo. Tras profundizar en el sentido de la vista y el gusto, la indagación se trasladó al resto del cuerpo, como si se tratáse de un sentido más que se va descubriendo fragmento a fragmento de piel.
Bailar el músculo
Movimiento sobre movimiento de Noé Soulieren el Escenario de la Sala Roja.
Movimiento sobre movimiento (2013) de Noé Soulier reproduce físicamente las secuencias de Improvisation Technologies en las cuales William Forsythe expone diferentes herramientas para analizar y crear movimientos. Al tratarlos como movimientos de danza, Noé Soulier les da otro estatuto: lo que era una explicación de la danza se vuelve danza por sí mismo. Superpone a esos gestos explicativos una reflexión sobre la manera en que esos movimientos están definidos en las diferentes prácticas coreográficas. El sentido de las palabras acaba por sumarse al sentido de los gestos para crear correspondencias, fricciones o desfases. Una pieza que, a pesar de su caracter didáctico, se transformaba en una creación sobre las posibilidades expresivas del cuerpo, llegando a cotas artísticas muy sugerentes.
Bailar ideas
Gustavia de Mathilde Monnier y La Ribot en la Sala Verde. Mathilde Monnier y La Ribot interpretan a un mismo personaje en Gustavia: un espectáculo que se apoya en el universo del burlesque clásico (Keaton, Chaplin, los hermanos Marx), pero también en la escena, la performance y las artes plásticas. El burlesque es un arte entre la danza y la palabra, que nace de la transformación de la incompetencia en competencia. El desgaste gratuito, la repetición y el accidente son los mecanismos a través de los cuales nos hablan de las derivas, las catástrofes y las bondades de la vida. Dos artistas con recorridos muy diferentes pero unidas por una misma búsqueda en torno al devenir del arte y la representación. Y que al unirse en esta creación llegan a cotas fascinantes de comunicación expresiva, construyendo situaciones delirantes fantásticas, rayando lo surreal.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
Debe estar conectado para enviar un comentario.