«Alento» en Teatros del Canal [Madrid en Danza]
Antonio Najarro vuelve con la fuerza que siempre ha demostrado y con su estilo único que lo diferencia de otros directores. Toques de jazz y tango mezclados con el flamenco y la danza española de una manera magistral y que, gracias a su talento y la música de Fernando Egozcue adquieren un aire contemporáneo, un enfoque internacional y creando una pieza con una factura y calidad a la altura de los mejores espectáculos de Broadway.
«Alento» ha vuelto al repertorio de la compañía de Najarro, después de haber nacido para el Ballet Nacional de España mientras éste era el director. Con cambios en el diseño de vestuario y en la escenografía, incorporando a los músicos en el escenario.
Egozcue ha compuesto una partitura rítmica y al mismo tiempo muy melódica para Alento, una música llena de sensibilidad, totalmente descriptiva, sobrecogedora y con matices muy en la línea de sus creaciones, donde se respira raíz y al mismo tiempo una búsqueda de nuevos sonidos y nuevas cadencias.
Dos de los temas musicales son interpretados en directo por el propio Egozcue a la guitarra, al que se suman Laura Pedreira al piano, Martín Bruhn a la percusión, Tomas Potirón al violín y Miguel Rodrigáñez al contrabajo.
Los diseñadores Oteyza (uno de los diseñadores españoles de moda masculina de mayor proyección internacional actual), Víctor Muro y el propio Najarro han sido los encargados de vestir cada una de las coreografías de este ballet.
Alento es un vivo reflejo de la capacidad creativa de Antonio Najarro, así como de su versión innovadora de la Danza Española (Flamenco, Escuela Bolera, Folclore y Danza Estilizada), bajo una espectacular y exquisita iluminación de Nicolás Fischtel, quien ha creado un concepto muy diferente, reflejando el tempo que marca la música, aportando movimiento y dinamismo en los momentos donde el ritmo se acentúa.
Luis Mª García
«Mr. Gaga» en Teatros del Canal proyectada dentro de «Madrid en Danza»
Ohad Naharin, director artístico de la Compañía de Danza Batsheva, está considerado como uno de los coreógrafos más importantes del mundo. Al encontrarse con él en un punto de inflexión crítico en su vida personal, este documental enérgico y perspicaz le presentará a un hombre de gran integridad artística y visión extraordinaria.
En este documental, que se grabó durante un período de ocho años, el director Tomer Heymann mezcla imágenes de ensayos íntimos con un extenso archivo invisible e impresionantes secuencias de baile. El resultado es la historia de un genio artístico que está garantizado para hacer que tu corazón se detenga.
«Las semillas de esta película se plantaron hace unos 20 años, cuando vi por primera vez al grupo de danza Batsheva de Naharin en el escenario. Mi cabeza y mi corazón experimentaron un gran trastorno, como un magnífico cóctel de alcohol y drogas, pero sin alcohol y sin drogas. Un continuo de movimiento, música, energía, sexualidad, sensualidad y bailarinas de las que podrías enamorarte sin saber por qué. A partir de esa noche, me convertí en un consumidor obsesivo del arte de la danza de Batsheva. Naharin es un hueso duro de roer, un personaje muy complejo y contradictorio, lo que lo convierte en un tema fascinante para la imagen de un documental». Tomer Heymann, director de Mr. Gaga.
Naharin fue nombrado Director Artístico de la Compañía de Danza Batsheva en 1990 y ha mantenido desde entonces ese cargo, excepto en el Temporada 2003–4, cuando ostentó el título de Coreógrafo de la casa. Durante su mandato en la compañía, Naharin ha coreografiado cerca de 30 obras para Batsheva y su división junior, Batsheva – The Young Ensemble.
La fascinante habilidad coreográfica de Naharin y su ingenioso vocabulario de movimiento de textura suprema lo han convertido en uno de los artistas invitados favoritos de las compañías de danza de todo el mundo. Sus obras han sido realizadas por destacadas empresas y ha recibido muchos premios y honores por sus ricas contribuciones al campo de la danza.
Además de su trabajo para el escenario, Naharin ha sido pionero en Gaga, un lenguaje de movimiento innovador. Gaga, que enfatiza la exploración de la sensación y la disponibilidad para el movimiento, es ahora el método de entrenamiento principal para los bailarines de Batsheva. Gaga también ha atraído a muchos seguidores entre los bailarines de todo el mundo y ha atraído al público en general en Israel, EE. UU., Europa y Australia, donde se ofrecen clases abiertas con regularidad.
«Le Bal de Paris» en Los Teatros del Canal
Blanca Li, como siempre a la cabeza de la innovación en el espectáculo como ya nos ha demostrado con Robot! o Elektrik entre otros espectáculos, nos invita a al gran Baile de París en Los Teatros del Canal , una experiencia para descubrir de manera espectacular la realidad virtual a través de la danza y la música. Aquí se nos ofrece un espectáculo total, que en cuarenta minutos transcurre en realidad virtual dentro de un mundo poético, fantástico, innovador, delicado y sorprendente.
El Baile de París existe de verdad y se celebra cada año, al cual suelen acudir los vástagos de la gran aristocracia vestidos con sus mejores galas como debutantes en la vida social, en una noche marcada por la alta costura y las donaciones benéficas al que es casi imposible asistir si no eres hijo, sobrino o nieto de algún aristócrata, de algún emperador empresarial o de algún actor más que premiado. Así que con esta idea, y creando una realidad virtual para todos los públicos, Blanca Li ha querido acercar este ambiente lujoso y algo anacrónico a todo el mundo. Para ello ha contado con la Casa Chanel a la hora de diseñar el vestuario que cada persona puede elegir entre varios maniquís que se pueden ver en una vitrina al principio del espectáculo y transformarse en ese rico heredero asiduo a estos eventos.
Espectador y actor a la vez, el público es llevado a participar y bailar durante la experiencia, en interacción con bailarines reales de manera alternativa entre el mundo real y el mundo virtual.
Estructurada en torno a tres grandes escenas de danza, Le Bal de Paris sumerge al espectador en el torbellino de una gran historia de amor en la que el público será libre de bailar, de vivir la fiesta a su libre albedrío, y de interactuar con quien desee.
Una experiencia divertida, fabulosa y vanguardista para disfrutar con amigos o en familia.
Luis Mª García
Leonor Leal en los Teatros del Canal con «Nocturno»
Con unas críticas estupendas y nominada a los XXII Premios Max, como mejor intérprete femenina de danza y como mejor espectáculo, llega Leonor Leal y su equipo para que disfrutemos de un espectáculo creativo, centrado en la dramaturgia y en la investigación… y no defrauda. Todos los flamencos dicen que El Flamenco es una manera de vivir, y aquí se demuestra que con una tabla de lavar antigua, o una botella y sin cante, sin faralaes ni farolillos, seas payo o gitano, podemos seguir creando desde esta manera de ver la vida.
Luis Mª García Grande
Estrenado en la Bienal de Flamenco de Sevilla 2018, Nocturno es un solo de Leonor Leal (Jerez de la Frontera, 1980) con acompañamiento en directo del guitarrista Alfredo Lagos y el tremendamente creativo e ingenioso percusionista Antonio Moreno, que saca sonidos a cualquier objeto, desde una botella a una antigua tabla de lavar. Como sugiere su nombre, la pieza, en algún sentido abstracta, tiene la serenidad de la noche, unas luces de penumbra que remiten al sueño o a la vigilia noctámbula, todo dominado por una elegante austeridad escénica que da protagonismo al cuerpo de Leonor Leal, siempre guiado por los estrictos códigos del flamenco. Pero no el flamenco escénico al uso.
Aparece a mucha distancia del número de tablao y prescinde del cante. Se centra, a cambio, en la dramaturgia, en la investigación. Leal confiesa que el objetivo principal de la pieza era experimentar una ampliación de su vocabulario coreográfico, centrado esta vez en el desarrollo sonoro y espacial. Para llegar al puerto deseado hizo alianzas de envergadura. Por un lado el músico experimental Jean Geoffroy, con quien diseñó un sugerente espacio sonoro, y por otro, con María Muñoz, líder de la compañía Malpelo, con quien confeccionó la dramaturgia de su propuesta, gestada en parte en L’Animal a l’esquena, el laboratorio de investigación que Malpelo mantiene en Celrá, Cataluña.
«En la cuerda floja» de Ana Morales en Teatros del Canal
La 12ª edición de residencias artísticas en el Centro Coreográfico Canal para creadores y compañías profesionales (consolidadas o emergentes) se inicia con el nuevo espectáculo de Ana Morales: «En la cuerda floja». Una creación que intenta indagar en nuestros estados de ánimo y que plantea utilizar el desequilibrio como algo necesario para avanzar y vivir. El flamenco roto, contemporáneo y con una fuerza arrolladora de Morales refleja perfectamente esa búsqueda constante que hacemos, muchas veces de manera subconsciente del equilibrio y desequilibrio, de nuestra salida del estado de confort en busca de algo nuevo. Quebrado sería la palabra perfecta para definir la sensación que nos genera verla sobre las tablas. Un quebrado virtuoso, eso sí, un quebrado que sabe transmitir la búsqueda del interior y que consigue mostrarnos a través de su baile. Es un acierto por parte de Teatros del Canal haberle dado la oportunidad de esta residencia artística de creación y consolidar el tejido profesional y empresarial de las compañías, facilitando recursos y espacios con unas condiciones excepcionales que permiten en estos tiempos tan inciertos a estos artistas investigar, crear, desarrollarse y compartir los procesos creativos.
Luis Mª García
«Federico hacia Lorca» de La Joven Compañía en los Teatros del Canal
La Joven Compañía ha decidido acercarse y acercar a los jóvenes a Lorca aportando su grano de arena en la visión del legado del poeta. Los Teatros del Canal acogen las primeras representaciones que más tarde continuarán en Conde Duque.
Cuentan con colaboradores excelentes para ello: Irma Correa y Nando López al mando de la dramaturgia, Miguel del Arco como director, Pazo Azorín creando escenografías oníricas, la iluminación de Juan Gómez-Cornejo y toda la ilusión de sus actores.
La propuesta pretende crear pequeños destellos de las vivencias de Lorca a través de una recreación no lineal de su vida tomando como excusa el momento de su muerte, en el que se supone que pasa toda la vida por su mente. Una idea acertada en la que los autores han conseguido hilvanar textos del poeta y dramaturgo granadino, algunos más conocidos y otros más personales, escenas y personajes importantes en la vida de Lorca, como Maruja Mallo, Rafael Alberti, Margarita Manso, Luis Buñuel, Salvador Dalí, Buster Keaton, Luis Rosales o, incluso, el de José Antonio Primo de Rivera.
La puesta en escena conseguida por Miguel del Arco es potente, dinámica y arriesgada, con los actores pasándose el testigo de Lorca continuamente, expresando la alegría de vivir que irradiaba y generando flashes con su universo poético.
Como siempre, es importante destacar la gran labor pedagógica que La Joven Compañía sigue consiguiendo utilizando El Teatro como elemento generador de curiosidad y emoción, capaz de acercar a nuestros grandes autores a nuevas generaciones de estudiantes que tienen la oportunidad de disfrutar con propuestas de calidad excelente, pero que no aburren y permiten facilitar la labor de los profesores en la tarea de transmitir conocimientos importantes y de motivar para el aprendizaje.
Luis Mª García Grande.
«Solstice» de Blanca Li en los Teatros del Canal
Blanca Li es una mujer llena de pasión y de fuerza vital que demuestra a través de sus montajes. «Solstice», un montaje «poético», coproducido por los Teatros del Canal de Madrid y el Teatro Nacional de Chaillot de París, que busca crear conciencia ante «el cambio climático».
«Es un espectáculo muy bello y poético con una apertura al futuro positiva, y con el mensaje de que si todos participamos en el cambio podemos lograr realmente hacer algo para que nuestro planeta y nuestro modo de vida se corrija y así podamos proteger nuestro medio ambiente», ha indicado esta artista que ha creado coreografías para Pedro Almodóvar, Beyoncé, Daft Punk o Coldplay.
En esta ocasión se compromete con las relaciones ambiguas y complejas que el ser humano mantiene con su entorno, a medio camino entre la preocupación y la admiración, el amor y la violencia, la conservación y la destrucción. En este montaje apuesta por un baile muy orgánico, intuitivo y contemporáneo que demuestra el trabajo en equipo con 14 bailarines que se funden con los cuatro elementos básicos: la tierra, el aire, el agua y el fuego. Compuesto de potentes cuadros estéticos ayudada por la tecnología y la música en directo de ritmos africanos que nos sumergen en un ritual ancestral y a la vez civilizado en el que se juega con el tiempo, el movimiento y la luz, investigador de nuestros límites para acercarnos a la naturaleza, al ecosistema que nos alberga y hacernos reflexionar sobre el futuro de nuestro planeta.
«Solstice» forma parte de la programación de Escenario Clece para los Teatros del Canal, donde se presentará en cuatro únicas funciones desde el miercoles 31 y hasta el 3 de noviembre.
Luis Mª García
36 Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid: recuperando su esencia
El Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid recuperará esta temporada su formato original
- 9 espacios escénicos de referencia de la Comunidad de Madrid acogerán 21 espectáculos y 5 laboratorios de creación
- Estarán presentes imprescindibles como Teatro La Re-sentida, Simon Stone, Sergio Blanco, Kristian Lupa y Joël Pommerat
El Gobierno regional ha presentado hoy una nueva edición del Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid, una cita escénica de referencia que regresa esta temporada a su formato original y tendrá lugar del 15 de noviembre al 2 de diciembre.
El consejero de Cultura, Turismo y Deportes, Jaime de los Santos, ha sido el encargado de desglosar hoy la programación del festival, junto con el director artístico, Carlos Aladro, en un acto que ha tenido lugar en la Sala Negra de los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid.
Durante su intervención, De los Santos ha explicado que “volver al otoño es darle de nuevo la identidad, el lugar y el reconocimiento de un encuentro único”. Además, el consejero ha destacado que el Festival de Otoño mantiene este año “su voluntad de seguir acercándose a todos los gustos y edades, de contar con las novedades y realidades ocultas del teatro internacional, y de apoyar la creación escénica madrileña y española”.
Y es que el cartel de esta trigésimo sexta edición apuesta por la sorpresa y el descubrimiento de nuevas miradas. En él brillarán tótems de la escena internacional como Simon Stone, Jöel Pommerat, Sergio Blanco y Krystian Lupa. Tampoco faltarán a la cita artistas y colectivos imprescindibles como Teatro La Re-sentida, Forced Entertainment, Łukasz Twarkowski, Pablo Fidalgo, El Pont Flotant, Stopgag Dance Company y Elena Córdoba.
UNA CUIDADA SELECCIÓN DE ESPECTÁCULOS
Jaime de los Santos ha continuado su intervención recordando que el Festival de Otoño “quiere ser un ágora de encuentro para artistas y espectadores”. En este sentido, ha destacado que se ha llevado a cabo “una cuidada selección de espectáculos de todas las disciplinas artísticas, con maestros de reconocida trayectoria y nuevas figuras por descubrir”.
El 36º Festival de Otoño contará con diversidad de géneros y formatos, en un
cartel que estará compuesto por un total de 21 espectáculos y 5 laboratorios de
creación de artistas y compañías procedentes de 15 nacionalidades.
Además, esta edición contará con nuevas sedes. Así, las representaciones y
actividades tendrán lugar en 9 espacios escénicos de referencia de la
Comunidad de Madrid: los Teatros del Canal, el Teatro de La Abadía, la Sala
Cuarta Pared, el Teatro Pradillo, El Pavón Teatro Kamikaze, La Casa
Encendida, el Museo Reina Sofía, la Casa de América y el Corral de Comedias
de Alcalá de Henares.
El Festival de Otoño contará con nombres imprescindibles como Simon Stone,
Joël Pommerat, Sergio Blanco, Krystian Lupa y Forced Entertainment. Su
programa ha querido visibilizar el trabajo de jóvenes artistas madrileños y
españoles (Alberto Cortés, Titzina, Pablo Fidalgo, Julia de Castro y María
Folguera); rescatar a creadores insólitos y relevantes a nivel nacional (Elena
Córdoba, Cuqui Jerez y Adolfo Simón); otorgarle una presencia estable de
Latinoamérica, como referente imprescindible de nuestra cultura (Sergio Blanco
y Marcos Layera con su Teatro La Re-sentida); y acercar a Madrid el trabajo de
grandes figuras europeas aquí desconocidas (Łukasz Twarkowski, Nassim
Soleimanpour, Bertrand Lesca y Nasi Voutsas).
Además, habrá piezas para público familiar (Il n’est pas encore minuit… y Le
Petit Chaperon Rouge); teatro accesible (con Stopgag Dance Company y El
Pont Flotant); y guiños a la mejor literatura universal (Medea, de Eurípides; Ante
la jubilación, de Thomas Bernhard; y fragmentos de textos de Santa Teresa de
Jesús).
NUEVAS MIRADAS Y UNA APUESTA POR EL DESCUBRIMIENTO
La troupe latinoamericana del momento, Teatro La Re-sentida, bautizada como
‘los punks del teatro chileno’, abrirá el festival con su espectáculo Tratando de
hacer una obra que cambie el mundo. Le seguirá Anarquismos (Por el medio de
la habitación corre un río más claro), una pieza de Pablo Fidalgo sobre la
ausencia, los sueños, el miedo y el silencio.
Simon Stone, uno de los directores europeos más cotizados de la escena
internacional, acercará el mito griego de Eurípides Medea a nuestros días bajo
un prisma contemporáneo junto al prestigioso Internationaal Theater
Amsterdam. Y el tándem de artistas emergentes británicos, Bertrand Lesca y
Nasi Voutsas, visitará por primera vez Madrid con sus creaciones Eurohouse y
Palmyra.
«Una oda al tiempo» de María Pagés en Los teatros del Canal
María Pagés nos presenta su nuevo espectáculo de la mano del dramaturgo El Arbi El Harti apoyándose en el pensamiento de que su cuerpo debe trasladar al espacio lo que tiene dentro de su cabeza. Su cabeza está inspirada por grandes autores a los que se siente próxima como Jorge Luis Borges, Platón, Marguerite Yourcenar, etc. Con esta presmisa y con la idea de dialogar con el tiempo que ha pasado y con el que nos toca vivir. Para ello empleará todo un abanico de palos del flamenco que la sugieren en cada momento de la dramaturgia el camino hacia lo que nos quiere relatar. Desde la toná inicial en la que nos sumerge hasta la bulería festiva inspirada en la Oda a los números de Pablo Neruda. La simbiosis entre María y El Arbi está clara, es perfecta.
Pero lo importante de esta propuesta es eso, la manera en la que está llevada a cabo. María Pagés ha alcanzado una madurez y está en estado de gracia en esta creación en la que desgrana cuadro a cuadro, con la ayuda de ocho bailarines, una estética única, una manera de entender el flamenco contemporáneo personal y brillante que aporta a la historia del baile un escalón de subida, comunicando lo que ella quiere y como ella quiere. Evocaciones musicales y artísticas mezcladas de manera maestral y con un ritmo de montaña rusa en el que hay subidas y bajadas que nos van mostrando pedazos de historia y nos hablan del paso inexorable del tiempo y cuadros escénicos de impresionante belleza basados en cuadros como los Fusilamientos del 3 de mayo, Saturno devorando a sus hijos, o el Guernica.
La escenografía, minimalista, basada en el círculo que preside el escenario y que de va convirtiendo en sol, luna, péndulo, columpio y espejo a medida que evoluciona la estructura dramática nos va introduciendo en cada escena que se crea y dialoga perfectamente con el discurso que se quiere interpretar junto con una iluminación perfecta, creada por Dominique You, en la que está todo medido y en la que destaca el protagonismo que se le da a la expresión de los brazos y manos en el baile con acento perfecto.
El vestuario, diseñado por la propia Pagés, en tonos grises que se tiñen de colores intensos, sin estridencias pero completando el espectáculo y dando su protagonismo al cuerpo, al emisor de la idea.
Es esperanzador ver como aún hay autores, creadores y artistas tan grandes como estos que nos dejan atisbos de creación contemporánea que reviven el mundo del baile español y el flamenco.
Luis Mª García Grande
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/maria-pages/
Nacho Duato abre Madrid en Danza
La 31 edición de Madrid en Danza ha recuperado con un merecido homenaje a uno de los mayores exponentes de este arte en nuestro país. Y como piensa Aída Gómez, directora del festival, los homenajes deben hacerse en vida. Nacho Duato ha regresado para demostrar que las coreografías creadas durante los veinte años que estuvo al frente de la Compañía Nacional de Danza siguen vigentes aunque pertenezcan a diferentes estilos dentro del contemporáneo. Recuperando a gran parte de los bailarines que trabajaron con él durante esas dos décadas y que no han perdido ni un ápice de su técnica y perfección, nos ha mostrado un recorrido por sus creaciones, desde las más mediterráneas y rememorando a Kyliàn hasta las más vanguardistas como Cobalto. Duato salió para reivindicar, sin nostalgia, sus creaciones y para agradecer a los bailarines que participaban su gran labor y amor hacia la danza. En los Teatros del Canal pudimos disfrutar de una gran velada y una celebración de la creatividad y plasticidad del gran director, que no tiene ganas de decir adiós, sino hasta dentro de muy poco…
Luis Mª García Grande
«Tierra Madre» y «Pastoral» en los Teatros del Canal
Víctor Ullate nos propone un programa variado y unido en la temática -el ser humano y la naturaleza- con una combinación de dos piezas clásicas de su repertorio. En Tierra Madre los sueños y las esperanzas del ser humano van dirigidas a la naturaliza, convertidas en canciones y danza. La propuesta, coreografiada por Eduardo Lao, nos sumerge en un universo naturalista ficticio en el que se dan cita los bailarines, los cuales, mediante danzas que rememoran lo tribal y espiritual, evolucionan y convocan el espíritu de la madre creadora. Sin un hilo argumental y con las bellas canciones de Mari Boine Persen, la pieza, creada en los noventa, todavía conserva la frescura y estética de esa época en la que se puso de moda este tipo de montajes.
Pastoral, más clásica en su tema, con música de Beethoven, nos muestra el camino de la vida, desde la niñez hasta la vejez y la muerte. Hay escenas que destacan por su originalidad y frescura, como la danza de los años del despertar, y algún pas a deux destacable dentro del conjunto. También disfrutamos con la fantástica escenografía de Paco Azorín que hace destacar mediante espejos suspendidos al grupo, permitiendo apreciar mucho mejor la estructura coreográfica y a los solistas, abriendo el techo y proyectando un potente haz de luz en las escenas más románticas.
Una oportunidad para disfrutar del repertorio del Ballet de la Comunidad de Madrid y que cuenta con conocidos solistas como Fernando Carratalá, Marlon Dino o Lucía Lacarra, dignos de ver, una vez más, bajo las órdenes del maestro.
Luis Mª García Grande.
Plexus en el Festival de Otoño a Primavera en la Sala Verde de los Teatros del Canal
Hay dos cosas muy difíciles de conseguir que funcionen en escena, una es la tecnología que suele usarse como adorno y efectismo…y otra, crear atmósferas sensoriales y tenebrosas. En Plexus, un espectáculo de danza que transita por la acrobacia y la magia se alcanza algo muy complicado, la simbiosis entre el cuerpo humano y el espacio, consiguiendo que por momentos no podamos distinguir entre el final del físico de la bailarina y la materia que la envuelve. Durante la hora que dura, nos mantienen pegados a la butaca esperando que cada haz de luz o cada sombra, nos depare nuevos efectos sensoriales y emocionales…Un viaje a la fisicidad como algo tangencial y a lo atmosférico como discurso de la memoria del tiempo. Una propuesta que sorprende y fascina.
Adolfo Simón
Trabajos de amor perdidos en los Teatros del Canal
Actualmente podemos ver en los teatros del canal la obra “Trabajos de amor perdidos” de William Shakespeare, una propuesta enmarcada en una comedia burlesca que invade la vida de estos personajes. Con una puesta en escena interesante, vemos como la escenografía retoma pinceladas de los nuevos diseños de este siglo XXI, sin dejar pues, de trasladarnos a aquellas incesantes ocurrencias que enmarca este texto. La energía que se desprende se ve transformada en un canal comunicativo que abren al espectador una respuesta a modo de carcajada. Así pues, podemos añadir que perdernos por los amoríos de estos seres es una buena forma de acercarnos a aquellos clásicos que poco tienen que ver con antiguos, pues la realidad es que aquellos valores viajan hasta nosotros de manera directa, solo que en este caso, la comedia nos sirve de barco para navegar y acabar perdiendo el norte.
https://entradas.teatroscanal.com/janto/?Nivel=Evento&idRecinto=TDC&idEvento=TRABAJOSTC2016
África Animú
El prisionero en la Sala Negra de los Teatros del Canal
Dicen que uno es dueño de su silencio y esclavo de sus palabras, que uno siempre puede elegir bajo su condición de ser humano.
“El prisionero” nos muestra que la identidad se ve claramente influenciada por los demás, ya que de haber una única persona en el mundo, esta no existiría por el mero hecho de que nadie lo ve. En esta celda que se nos presenta, se haya una simbiosis metateatral que conjuga la existencia entre el actor y el personaje, dando así lugar a un juego de espejos. Con un ritmo constante se van sucediendo los acontecimientos, pudiendo hablar casi de una carrera a contra-reloj, donde nuestros pies encuentran las arenas movedizas que reflejan un terreno de desiciones.
Siempre se lucha por algo, porque siempre hay algo que perder. Pero puede que en esta ocasión, hundirse sea la única manera de alzarse con la victoria.
https://entradas.teatroscanal.com/janto/?Nivel=Evento&idRecinto=TDC&idEvento=PRISIONEROTC2016
África Anamú
Yo, Carmen de María Pagés en los Teatros del Canal
María Pagés explora el deseo como una responsabilidad ética; reivindica la vida, el placer, la autonomía, la libertad y la felicidad como derechos fundamentales del ser humano. El personaje de Bizet es el inicio de un espectáculo que busca desarmar los estereotipos inculcados durante siglos para silenciar la esencia de la mujer real. Una mujer hablando de mujeres, con las aristas que las conforman y sostienen. La reflexión coreográfica de Pagés busca confrontar el mito y despojarlo de la imagen prefabricada que todos tenemos incorporada para mostrar en el escenario una más certera y veraz. Carmen surgió del imaginario de un hombre y otro hombre creó la ópera y la gran mayoría de las versiones que hay de este personaje, están hechas por hombres. Ya era hora de poder ver la visión femenina sobre este mito. María Pagés se arropa de textos de mujeres de primer orden para tejer ese laberinto de escenas y miradas sobre Carmen, creando un caleidoscopio sutil y sugerente, con el objetivo de quitar etiquetas y tópicos sobre el personaje. Una visión diferente y necesaria.
Adolfo Simón
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/yo-carmen-maria-pages/
Cine en el Festival de Otoño a Primavera en los Teatros del Canal
La tristura regresa de nuevo a los escenarios madrileños con una pieza donde el teatro se sumerge en el ritmo y atmósfera del cine, de esos recintos de programación doble donde el patio de butacas casi era una prolongación de la pantalla. Ese parece haber sido el objetivo que han perseguido, conseguir que la teatralidad de la escena se diluya ante una pantalla por la que transitan recuerdos y deseos. Mientras, el niño que hay en nosotros escucha las voces en sus oídos y come palomitas a través de los pequeños que pululan por detrás de la proyección…Y mientras, un cantante perdido busca su identidad entre canciones y fogonazos estéticos.
Adolfo Simón
Kaspar Hauser de La Phármaco en los Teatros del Canal
Es maravilloso experimentar cómo Luz Arcas nos adentra en un personaje muy complejo en su interior a pesar de haber sufrido un encierro de diecisiete años, un encierro involuntario que le ha convertido en un ser extraño a la sociedad y para el que la sociedad también es algo extraño. Pero esto último no es lo que le interesa: ella quiere experimentar en sus carnes lo que Kaspar sintió en sus primeras veces, en su primera experiencia con la luz natural, con el mundo exterior, con los animales o con la primera visión de las estrellas. Es impresionante ver el trabajo de fondo que Luz ha imaginado, sentido y realizado a través de su expresión corporal y de la coreografía que nos va sumergiendo en numerosas sensaciones. Luz se convierte en Kaspar enteramente, desde lo más dentro, emanando hacia fuera, como sólo ella sabe a través de su danza, la personalidad de «el huérfano de Europa». Un trabajo de una calidad extrema, de delicada plasticidad y de acertada interpretación que no puede dejar indiferente a nadie y que coloca a la intérprete una vez más en la punta de la pirámide en lo que a danza se refiere.
La composición e interpretación musical de Carlos González también es sobresaliente. Cada acorde acompaña al cuerpo y el cuerpo acompaña a cada acorde de una manera que nos estremece la piel. En definitiva, La Phármaco nos ofrece una oportunidad única para disfrutar de lo más hondo de la danza en un trabajo bello y emocinoante que esperamos que se pueda repetir muy pronto, ya que ha tenido un paso muy breve por Madrid, breve pero muy intenso.
Luis Mª García Grande
Don Carlo de Giuseppe Verdi en los Teatros del Canal
Albert Boadella presenta en los Teatros del Canal un nuevo montaje de Don Carlo de Verdi, que se estrenó en julio de 2015 en el Auditorio de San Lorenzo de El Escorial. En el monasterio de esta localidad vivieron los protagonistas de este drama y allí reposan sus restos. Don Carlo es una de las cúspides indiscutibles del talento creativo de Giuseppe Verdi. En esta propuesta, Albert Boadella cuestiona la propaganda de la Leyenda Negra contra la España del siglo XVI. El tenor Eduardo Aladrén da vida a Don Carlo, controvertido primogénito del rey Felipe II (encarnado por el bajo Simón Orfila). Junto a ellos, el barítono Damián del Castillo interpreta el papel de Rodrigo, amigo y confidente de Don Carlo; la soprano María Rey-Joly es Isabel de Valois, tercera esposa de Felipe II; la mezzo-soprano Nancy Fabiola Herrera, asume el papel de la princesa de Éboli; el bajo Rubén Amoretti en el papel del Gran Inquisidor o el también bajo Francisco Crespo, que interpreta al fraile, completan el elenco excepcional para una puesta en escena sobria y de gran expresividad. Albert Boadella, consciente de que el libreto de Don Carlo, pese a utilizar personajes auténticos, recoge un relato “absolutamente opuesto a la realidad histórica” -en referencia a la conocida leyenda negra promovida en el siglo XVI por los países enemigos de España como propaganda de descrédito-, ha ideado un montaje en el que propone dar a la obra “ciertas aproximaciones a la verdad histórica”. De esta manera, trata de aportar al drama matices desconocidos en los montajes realizados hasta la fecha, como la esclarecedora locura de Don Carlo o la mayor humanidad de Felipe II. El vestuario, diseñado por Pedro Moreno, es fiel a la época y de una belleza espectacular. Todo el conjunto de la puesta en escena y de la fantástica orquesta nos permitió disfrutar de una noche operística de altura internacional.
Adolfo Simón
Tres hermanas de A. Chejov por la Compañía Guindalera en los Teatros del Canal
La Compañía Guindalera presenta cada cierto tiempo sus trabajos en los Teatros del Canal, es una oportunidad fantástica para que puedan abordar producciones de mayor formato a las que realizan en su exquisita sala. Creo que esta debiera ser una de las funciones de los teatros públicos…Apoyar con difusión y medios el trabajo constante y arduo que se realiza en las salas más pequeñas. En esta ocasión, la obra elegida ha sido ese gran clásico que es Tres hermanas de Chejov y, a pesar de ser una propuesta de gran formato, mantiene la esencia de las piezas que se montan en la Guindalera Teatro. Juan Pastor apuesta por darle voz al autor, leyendo algunas de las acotaciones que van atravesando el texto, creando, además, una extraña sensación al oírlas…¿Se escribieron hace cien años y podrían servir para el mundo que vivimos hoy?. La propuesta escénica tiene un mapa trazado en el escenario, delimitando lo que es ficción y lo que pertenece a los actores fuera de escena. Y el recorrido de la pieza va transcurriendo como si los personajes hicieran un viaje de la ciudad al desierto, de una habitación llena de vida y esperanza al desván donde se amontonan los muebles y recuerdos. Ese periplo, fiel estéticamente al texto original, van siendo arañado por miradas y actitudes de algunos personajes que nos sitúan en otro contexto dramático, tal vez en la mente del autor que duda o teme lo que pueda ocurrirles al final a sus personajes. La última imagen, más allá de estar llena de esperanza textual, está herida por la presencia de unas hermanas que se vuelven de madera entre los objetos perdidos de un mundo que no ha podido conseguir la huida del desierto al mar.
Adolfo Simón
Silicon Valley Ballet en Los Teatros del Canal
El Silicon Valley Ballet nos acerca su repertorio durante unos días en los Teatros del Canal, en los que podemos disfrutar de toda una mezcla, unas veces más interesante que otras, de clásico y contemporáneo.
El menú que nos presenta es heterogéneo y pretende mostrarnos una degustación de varias de las veinte piezas que presumen de montar al año…(una barbaridad). Pero puede servir de muestra y ejemplo para los que van empezando a familiarizarse con el ballet
La versatilidad, por lo tanto, es una característica que puede jugar a favor o en contra de uno mismo: a favor si se logra un mínimo nivel de exigencia en todo y en contra cuando uno de los lados de la balanza falla. Aún así es interesante ver un Pas de Deux -el que vi era Diana y Acteón– que, aunque inspirado en Petipa, huele a norteamericano.
En Glow-Stop nos dejamos envolver por la música de Phillip Glass, maravillosa por sí misma, y apreciamos más control sobre la coreografía y sobre la técnica de los bailarines, seguramente más motivados por ésta.
En Prism hay un bajón interpretativo, de vestuario y de coreografía. Juegos de colores muy vistos, montajes con hilvanes… Algo anticuado para haber sido creado en 2014 a pesar de la brillante música también de Keith Jarrett, aún así los bailarines ponen todo su empeño en defender este montaje.
La guinda del pastel está bien elegida: la famosa Minus 16 de Ohad Naharin que abre puertas a una corriente más fresca en el mundo de la danza, con estudiadas «improvisaciones» y con música más popular y accesible a un público que acabará participando e implicándose en la coreografía como invitado especial.
El aderezo justo para salir con buen gusto de boca en el postre aunque el menú sea plat de resistance.
Luis Mª García.
Monsieur de Pourceaug de Molière y Lully en los Teatros del Canal
Estrenada en 1669, “para los divertimentos del Rey”, raramente representada en fechas modernas, Monsieur de Pourceaugnac resume algunos de los temas preferidos de Molière: matrimonio, dinero, enfermedad…Recién llegado de Limoges para contraer matrimonio, Pourceaugnac es manipulado por doctores, mujeres, autoridades, pícaros, etc., hasta que debe huir de París. Tomando la forma de una sencilla comedia, inspirada en la commedia dell’arte italiana, Monsieur de Pourceaugnac es una de las más sombrías y crueles obras de Molière. Desde que William Christie fundó Les Arts Florissants en 1979, su actividad ha sido incesante. Especializados en música barroca, el ensemble debe su nombre a la ópera homónima de Marc-Antoine Charpentier, que fue su primera representación integral. Una producción firmaba por el Théâtre des Bouffes du Nord es garatía de investigación, rigor y placer, además, para esta ocasión se han aliado con Arts Florissants y el Centre International de Créations Théâtrales consiguiendo una obra total como resultado final. Pocas veces se puede disfrutar de un espectáculo donde el texto nos muestra, de manera critica, la hipocresía de la sociedad a través de una exquisita música en directo y una propuesta escénica inteligente en la que los actores cantan, bailan y actúan con entrega energética y emoción.
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/monsieur-de-pourceaugnac/
Adolfo Simón
Música de altura en los Teatros del Canal
Durante las Navidades se ha podido disfrutar en Madrid de un exquisito espectáculo: La viuda alegre, el musical. Esta espectacular producción del Teatro Arriaga, cuenta con una elegante escenografía de Daniel Bianco y un precioso trabajo de figurinismo a cargo de Renata Schussheim. También ha captado la atención del público, que puede disfrutarla hasta el próximo domingo, por la belleza de los números de baile, muy variados y llenos de dinamismo, gracias a la siempre creativa coreógrafa Nuria Castejón. Este espectáculo está basado en la opereta probablemente más famosa de todas, La viuda alegre, un verdadero paradigma del teatro musical, que se estrenó en Viena en 1905, con música de Franz Lehár y libreto de Víctor Léon y Leo Stein, basado a su vez en la comedia L’attaché d’ambassade de Henri Meilhac. Es una obra que desde el primer momento fue recibida con enorme entusiasmo y que ahora, gracias a la espléndida versión escénica que ha hecho Emilio Sagi, se convierte en un verdadero placer para los sentidos de los amantes del musical. Las voces de los principales actores dan carácter y emoción a la pieza.
Farinelli, el castrato del rey con texto y dirección de Gustavo Tambascio es un preciosista montaje que solo estará unos días en la sala Verde y que pocos espectadores podrán disfrutar porque las entradas están agotadas desde hace tiempo; esperamos que pronto vuelva a la cartelera de Madrid porque es uno de los montajes más bellos vistos últimamente en nuestra ciudad. Tras haber conquistado la gloria en Europa, Farinelli se retiró́ de la escena a los 32 años, para colocarse al servicio del rey Felipe V, quien solo encontraba solaz para su severa melancolía en las arias que le cantaba noche a noche. Farinelli, el castrato del rey Felipe narra, en el lenguaje del teatro musical barroco, los hechos extraordinarios de la vida en España de Carlo Broschi, el cantante más célebre de su tiempo. El legendario castrado logró con su canto sacar de la melancolía al rey Felipe V y hacerle retomar sus deberes como monarca. Al mismo tiempo, la fascinación por su voz y su inteligencia, fuera de lo común, le granjearon la admiración de la familia real, convirtiéndose en el verdadero amo de la actividad musical española tras la muerte del Rey, bajo el reinado de Fernando VI y Bárbara de Braganza. Este montaje mezcla de manera excepcional lo teatral y lo lírico, una suerte para los que lo hemos podido ver.
Los Teatros del Canal se están convirtiendo en un lugar de referencia para los buenos espectáculos musicales.
Adolfo Simón
Golem de 1927 dentro del Festival de Otoño a Primavera en los Teatros del Canal
Ambientada en un mundo futurista, donde la tecnología ha evolucionado para trascender los límites del control humano, este espectáculo explora de forma curiosa al hombre y sus máquinas, fusionando la animación artesanal, el stop motion, la interpretación y la música en directo. Una propuesta en la línea personal de la Compañía que insiste en la búsqueda de otro mundo más amable para el individuo. Hay momentos de gran plasticidad.
Adolfo Simón
Danza despojada
Este fin de semana han coincidido en Madrid una serie de espectáculos de danza que tenían como denominador común, la esencialidad, el despojamiento absoluto de cualquier detalle superfluo que distrajese sobre lo que se quería contar y como.
Dentro de Madrid en danza, tres propuestas a cuál más radical y sugerente. En el Teatro de la Abadía se presentó “Tsura” que se traduce como “rostro” o “superficie”. Con esta pieza, que se ha visto por primera vez en España, la compañía OrganWorks se adentró en el concepto de identidad recurriendo al arte y la literatura, en un proyecto que une a la artista visual Midori Harima y a los músicos Masayuki Kagei y Kazunari Abe, maestro del shinobue (flauta japonesa). Sobre el escenario ocho intérpretes desplegaban una hipnótica coreografía que giraba alrededor del elemento simbólico de la máscara, descubriendo un sutil universo de poesía contenida y una fuerte vinculación con las artes escénicas tradicionales japonesas, como el teatro Noh. En la sala roja de los Teatros del Canal, Tragédie, a través de la cual, Olivier Dubois nos enfrentó a un “sentimiento del mundo”. Sobreexpuestos en su desnudez, nueve mujeres y nueve hombres se fundían, produciendo, con el roce de sus acciones y movimientos, un estrépito. Conjurando una forma corporal única y distinta que les despojaba no solo del vestido, sino también de todo su bagaje histórico, sociológico y psicológico. Y en Cuarta Pared, una experiencia única e inolvidable: MatchAtria, una instalación coreográfica multimedia que nos invitaba, a los exclusivos espectadores, a establecer un contacto íntimo con el corazón de la bailarina. El título combina las palabras “matcha” (“té”), en alusión a la ceremonia japonesa del té, y “atria”, el término anatómico para la aurícula, el atrio del corazón. En colaboración con el internacionalmente reconocido artista visual y director de cine Yoshimasa Ishibasi, la bailarina y coreógrafa japonesa Yui Kawaguchi ha diseñado “una ceremonia del corazón”. Sobre el escenario, la artista interaccionaba con proyecciones de vídeo en 3D que configuran paisajes oníricos. Mientras, una herramienta diseñada al efecto permitía a los espectadores sentir los latidos de Kawaguchi en directo, conectando con ella en una experiencia única. MatchAtria permite ver, oír, tocar y experimentar los mundos vibrantes que contiene nuestro cuerpo; más que nunca, es imposible contar lo que se sentía en el patio de butacas.
Y en Teatro Pradillo, un programa doble performático, en la primera pieza, Magdalena Leite & Aníbal Conde nos ofrecieron una sesión de dance sin ningún tipo de elemento externo añadido, los cuerpos desnudos se movían inspirados por una música que solo escuchaban ellos, una deconstrucción músico corporal curiosa y como cierre, en la segunda pieza, Luis Moreno Zamorano empieza su trabajo cuando está saludando al público al final de una supuesta pieza, lo que ocurre a partir de ese momento es el laberinto en el que el artista se sumerge para entender qué ha realizado sobre el escenario, intentando descubrir si sus miedos han sido más poderosos que el deseo de comunicar.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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