El dúo de la Africana del Proyecto Zarza en el Teatro de la Zarzuela
¡Por fin aire fresco en el Teatro de la Zarzuela!. Hay que empezar diciendo que el nuevo equipo de dirección de este teatro se está tomando en serio la revisión y acercamiento de nuestro género musical más popular al público de hoy. Desde las vallas publicitarias que podemos encontrar en el metro, en las que se aprecian guiños simpáticos para atraer a unos espectadores ávidos de formas diferentes y actuales en la escena. En las puestas en escena para el público adulto ya han realizado intentos de dar un giro a la dramaturgia y puesta en escena para que las obras no parezcan sacadas de un baúl cerrado durante mucho tiempo. En la versión libre que se ha presentado esta semana pasada, dirigida especialmente al público jóven, había gran cantidad de elementos atractivos. Por un lado, la utilización de la estructura del Dúo de la Africana para poder jugar con ella a una metatrealidad sencilla, el ensayo de una gala y de paso, incluír otros temas, además de los que hay en la zarzuela original, canciones que hoy están en la mente de todos y que nos provocaban sonrisas y tarareo en el patio de butacas. Pero, además de la versión del libreto, el marco estético funcionaba de maravilla, sencillo, con toques de escenario de concierto musical y con elementos estéticos pop que le daban mucho juego a la propuesta. Y, sobre todo, un elenco de cantantes jóvenes, con unas facultades excelentes para cantar, bailar, actuar…qué placer da ver al futuro de nuestras voces para la zarzuela. Y por último, una jóven y reducida orquesta que sonaba como si fueran cien músicos. Cierro como empecé…¡Por fin aire fresco en el Teatro de la Zarzuela!
Adolfo Simón
STREET SCENE de Kurt Weill en el Teatro Real
El estreno en el Teatro Real de «Street Scene» de Kurt Weill, ha sido uno de los acontecimientos de esta Temporada. Con libreto de Elmer Rice, basado en su obra homónima (premio Pulitzer 1929) y letra para las canciones de Langston Hughes, «Street Scene» cuenta una historia de vidas anónimas en una gran ciudad de manera brutalmente realista. Esta ópera, la primera compuesta por Weill en su exilio americano, fue denominada por el autor “ópera estadounidense”, y en ella se amalgaman la comedia musical de Broadway, el jazz norteamericano y la tradición europea operística. Impacta que en la programación de este año aparezca un espectáculo que nos hace reflexionar sobre el mundo de los «no» poderosos. Una historia de supervivencia y sueños truncados para unos personajes que sobreviven sumergidos entre el calor y la pobreza. Llama también la atención que una ópera creada por Weill hace tanto tiempo, hablase ya del desahucio y de la violencia sobre la mujer. Con un final sorprendente que debería ser tenido en cuenta como una fórmula para evitar desigualdades entre hombres y mujeres. Un montaje espectacular e íntimo a la vez, con momentos de luz y penumbra. Una experiencia sugerente que los aficionados podrían disfrutar en las funciones que se harán en junio.
Adolfo Simón
El Pintor de Albert Boadella y Juan J. Colomer en los Teatros del Canal
Albert Boadella se ha rodeado de un equipo artístico contemporáneo, tanto el espacio escénico e iluminación, como el movimiento escénico y el tratamiento actoral en los cantantes, huye de la fórmula clásica para estar en sintonía con la mirada que se realiza sobre Picasso y su obra. Aquí, como nos tiene acostumbrados Boadella, no pretende mostrar un perfil del genio de la pintura que haga elogio a su trayectoria, más bien busca y argumenta todo aquello que podría suponer descrédito para el autor del Gernika. Un recorrido sobre su vida, saltando de mujer a mujer como elemento perturbador e inspirador de su obra nos muestran a un hombre que pinta con testosterona más que con colores. La ocasión de vender su alma a la comercialidad empuja al genio a desvirtuar su mirada sobre el arte y su evolución. Una propuesta sin grandes alardes, conceptual, centrada en el personaje, su biografía y su conflicto con otros pintores de su tiempo. La música acompaña cada pasaje para ser fiel a esta lectura de uno de los mayores genios del siglo XX.
Adolfo Simón
Maruxa en el Teatro de la Zarzuela
Estrenada en el Teatro de la Zarzuela, el 28 de mayo de 1914. En la nueva producción del Teatro de la Zarzuela se realiza un canto a Galicia, Maruxa es Galicia. Transcurre en el final del mundo conocido para los romanos, como Finisterre, frontera entre la realidad y la leyenda celta. Los libretos de las zarzuelas pecan de melodramáticos y se centran en historias de amor, en general. La música suele sobrevivir mucho más que las historias; es más placentero oír a la orquesta que seguir muchas veces la trama. No obstante, en esta nueva etapa del Teatro de la Zarzuela, hay gran interés por darle un giro dramatúrgico a las narraciones, para conectarlas con el público de hoy. La Maruxa que se puede disfrutar en estos días en Madrid hay una línea paralela en la puesta en escena que, al fondo de la historia de amor, el poder está tramando también; como metáfora de un tiempo sin medida, el abuso sobre la sociedad. La primera parte de la obra nos muestra apuntes de lo que, en la segunda parte, será el estallido de la línea contemporánea de la historia. Seguramente, al público habitual de este teatro no le resultará cómodo el planteamiento, pero hay que empezar a pensar en los espectadores del mañana que quieren seguir disfrutando de nuestras obras líricas sin que se conviertan en material de museo.
Adolfo Simón
Dead Man Walking en el Teatro Real de Madrid
El 26 de enero se estrenó en el Teatro Real de Madrid, Dead Man Walking, primera ópera del compositor Jake Heggie, basada en el libro homónimo de la hermana Helen Prejean, llevada al cine como «Pena de muerte» por Tim Robbins con Sean Penn y Susan Sarandon, ganadora del Óscar a Mejor Actriz. Dead Man Walking (Ahí va el hombre muerto) – argot de las prisiones estadounidenses para referirse al condenado a muerte cuando es trasladado desde la celda hasta la silla eléctrica- es una reflexión sobre la pena de muerte y, al mismo tiempo, sobre el poder redentor del amor. La mezzosoprano Joyce DiDonato da vida en el Real a la hermana Helen Prejean, protagonista del drama, bajo la dirección musical de Mark Wigglesworth y escénica de Leonardo Foglia. Una producción contemporánea que permite imaginar el debate sobre el bien y el mal en cualquier época. La intensidad teatral de la puesta en escena a la que se suma el gran trabajo interpretativo del elenco principal hace de esta ópera un espectáculo poco habitual en la cartelera operística. Un viaje personal e intransferible para reconocer los espacios sin luz que hay en nuestro mundo de hoy que no deja de ser un reflejo de nuestros orígenes.
Adolfo Simón
La traviata de Anto Rodríguez en Pradillo
Violetta celebra una fiesta en la que conoce a Alfredo, un joven de buena familia que le declara su amor. Con mucho miedo por sentirse incapaz de amar y ser amada decide finalmente empezar la relación con Alfredo lejos de su vida pasada como cortesana. El padre de Alfredo exige a Violetta que deje a su hijo para salvar la honra de la familia. Ella, destrozada por el dolor, abandona a Alfredo y le hace creer que está enamorada del Barón. En una fiesta, Alfredo humilla a Violetta delante de sus amigos, pero el padre de este interrumpe la escena para despreciarlo por su conducta y contarle la verdad. Alfredo arrepentido se encuentra con Violetta enferma de tisis. Justo antes de morir en sus brazos, le pide a su amado que se case con una buena mujer. Este podría ser el resumen de la ópera de Verdi, la escenificación, normalmente dura unas tres horas, aquí, nos encontramos, en cambio, ante una visión peculiar de la obra, una vez narrado el cuento, Anto Rodríguez se dedica a convocar nuestra atención sobre una serie de momentos o enfoques de la pieza para que descubramos lo que hay más allá de la narración convencional. Una performance operística muy interesante para abrir la segunda etapa de la nueva programación de Pradillo.
Adolfo Simón
La Bohème de Giacomo Puccini en el Teatro Real
Una nueva producción de La bohème de Giacomo Puccini, con Paolo Carignani, en la dirección musical, y Richard Jones, en la de escena, ha llegado al Teatro Real en coproducción con la Royal Opera House de Londres y la Lyric Opera de Chicago. El frío diciembre de Madrid nos transporta al invierno parisino, teñido de melancolía, para acompañar el amor truncado de Rodolfo (Stephen Costello/Piero Pretti) y Mimì (Anita Hartig/Yolanda Auyanet). Puccini construye una historia protagonizada por personajes juveniles, cargados de inocencia y esperanza, cuyos sueños se truncan en medio de la miseria y cuyas vidas siguen conmoviendo hoy en día. La belleza musical, la eficacia dramática, los motivos orquestales y la narración sentimental propia del melodrama italiano hacen de La bohème una de las óperas más queridas. Y en esta nueva versión escénica se evoca un espacio desubicado en el escenario, dejando a la vista que los momentos de la obra son fragmentos de sueños utópicos. Esa mezcla entre la estética planteada por la obra, en una caja teatral donde queda a la vista que vivimos historias llenas de teatro dentro del teatro. Una propuesta que nos distancia del tiempo de la obra para vernos reflejados en ella.
Adolfo Simón
El gato montés en el Teatro de la Zarzuela
Esta producción de El Gato Montés es una síntesis dramática y estética que se instala en el tenebrismo español y que lleva el texto dramático a sus últimas consecuencias. La música, inspirada y con garbo, enlaza melodías con gran vuelo a lo largo de sus tres actos y cinco cuadros. El texto cuenta la rivalidad a muerte entre un torero de gran éxito, «el Macareno», y un bandolero de la justicia, «el Gato Montés», por una muchacha gitana, «la Soleá». Ella ama al bandolero con el que se ha criado, pero también se siente muy unida al torero que la ha acogido. Esta obra lírica españolísima, ahora depurada de todo tipismo cañí decimonónico, es de un gran impacto emocional. Aquí está nuestro imaginario español revestido de una gran riqueza melódica. Una puesta en escena de atmósfera crepuscular de belleza intensa por la que transcurren personajes reconocibles y otros surgidos del imaginario del autor, el encuentro de ambos llena la obra de un mundo de fascinación popular.
Adolfo Simón
El cantor de México en el Teatro de la Zarzuela
La opereta Le chanteur de Mexico fue compuesta por Francis Lopez para el célebre y celebrado artista vasco Luis Mariano, y se estrenó, con un éxito arrollador, el 15 de diciembre de 1951 en el Théâtre du Châtelet de París. Para la ocasión fueron programadas numerosas funciones del espectáculo de Lopez, que, aunque francés de cuna, era de origen hispanoamericano con ancestros también vascos. El músico fue especialmente pródigo en la composición de operetas que saltarían a la fama en la voz del tenor español. La propuesta que presenta, el Teatro de la Zarzuela, muestra un escenario fantástico, al más puro estilo kitsch, donde se recrea un mundo tropical, sofisticado, en tecnicolor como corresponde a ese tipo de cine que persigue el gran espectáculo y que es precisamente el universo en el que se suceden todas las tramas de la historia. Una puesta en escena que enlaza exotismo con teatralidad, creando un efecto visual fascinante a la vez que nos narran la ambición desmedida de personajes que aspiran a triunfar a toda costa.
Adolfo Simón
Lucio Silla de Mozart en el Teatro Real
El Teatro Real comienza una temporada especial, la que conmemora el Bicentenario de su fundación y el vigésimo aniversario de su reapertura. Una ocasión para representar importantes títulos de la historia de la ópera que no han llegado a verse en su escenario y recuperar otros que ya pasaron por él. Es el caso de Lucio Silla, de W. A. Mozart, por primera vez en el escenario madrileño, que abrió temporada el 13 de septiembre. Lucio Silla cuenta con la participación del director musical del Teatro Real, Ivor Bolton, experto mozartiano, y del director de escena Claus Guth. Junto a ellos, la Orquesta Titular del Teatro Real y un doble reparto encabezado por Kurt Streit y Benjamin Bruns, alternándose en el papel del tirano Sila, y las voces de Patricia Petibon, Julie Fuchs, Silvia Tro Santafé o María José Moreno. Cuando salí del teatro tras la representación tenía una pregunta todo el tiempo en mi cabeza. ¿Cómo puede un joven artista genial crear su primera obra como si fuese un hombre maduro?. Es increíble!. La maestría musical y literaria es fascinante y no solo porque la compusiese un adolescente, también por la profundidad del tratamiento del personaje protagonista y su tiempo que, curiosamente, en la puesta en escena que se puede disfrutar en el Teatro Real, la convirte en atemporal; ya no se reflexiona sobre una época pasada, se nos advierte de los peligros del poder fascista amaprándose en la legalidad del mismo. Y todo con un tratamiento musical y escénico de gran envergadura, con un despliegue estético y poético profundo, creando un plano paralelo a la música que fortalece el discurso drsamático.
Adolfo Simón
El gallo de oro en el Teatro Real
El Teatro Real ha presentado en España El gallo de oro, la última ópera compuesta por el ruso Nikolái Rimski-Kórsakov, una parodia basada en una fábula infantil firmada por Aleksandr Pushkin. Una sátira feroz del gobierno zarista, con un equilibrio entre lo chabacano y lo trivial, donde se da cabida a melodías azucaradas, absurdas coloraturas, sonoridades irreales y una desbordada fantasía. Destaca por su descaro en la historia de la ópera, la fantasía y el simbolismo que adornan esta obra llamó la atención en su estreno, a principios del siglo XX, e hizo que fuera la única en traspasar las fronteras rusas de las 15 que compuso este autor. Una propuesta espectacular con tintes de cuento fantástico; podría haber sido un espectáculo que habría estado meses en la Gran Vía madrileña gracias a el tratamiento escenográfico de gran belleza, al que habría que sumar un equipo artístico potente.
Adolfo Simón
Bomarzo en el Teatro Real de Madrid
Había una vez una noble familia italiana que hizo construir cerca de su palacio un jardín sin par. Pero no es este el jardín soñado de los cuentos de hadas. Bomarzo es un lugar donde acechan figuras monstruosas esculpidas sobre rocas volcánicas. Un escenario de pesadilla en que Manuel Mujica Lainez sitúa su novela cumbre, que él mismo adaptaría para transformarla en libreto de ópera. El protagonista, el duque Pier Francesco Orsini, es un personaje de cuerpo y mente deformados en busca de la inmortalidad que, creyendo beber una pócima mágica, toma en cambio un veneno que le quita la vida. Mientras agoniza, Orsini rememora episodios decisivos y a menudo traumáticos de su existencia, en un aterrador juego de espejos donde los espectros de piedra no son sino un reflejo de su interior más tenebroso.
El Teatro Real estrena Bomarzo, ópera de Alberto Ginastera con libreto de Manuel Mujica Lainez basado en su novela del mismo título, lo que supone un acontecimiento en Madrid por tratarse de una obra fundamental en el mundo operístico latinoamericano. El director de escena Pierre Audi concibe un espacio mental y claustrofóbico, que pone de relieve la soledad del protagonista, Pier Francesco Orsini, inmerso en el mundo traumático del final de su existencia. El director de orquesta alemán David Afkham, actual director de la ONE, está al frente del Coro y la Orquesta Titulares del Teatro Real y de un reparto internacional encabezado por John Daszak, quien da vida al duque italiano.
Un espectáculo colosal con una factura multimedia que convierte el escenario del Teatro Real en un espacio contemporáneo en el que múltiples lenguajes escénicos se conjugan para construir un monumento virtual en tres dimensiones que se transforma en una monumental obra de arte ante los ojos del espectador.
Adolfo Simón
‘Rodelinda’ de Georg Friedrich Händel en el Teatro Real
«Rodelinda», ópera en tres actos con música de Georg Friedrich Händel (1685-1759) con
libreto de Nicola Francesco Haym con la adaptación del libreto Rodelinda, regina de ‘longobardi, basado a su vez en la obra Pertharite, roi des Lombards de Pierre Corneille estrenada en el King’s Theatre de Londres el 13 de febrero de 1725 se presenta ahora en el Teatro Real con una nueva producción del Teatro Real, en coproducción de la Ópera de Fránkfurt, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y la Opéra de Lyon. Rodalinda ha contado para esta ocasión con uno de los mejores directores de escena del momento: Claus Guth y con la dirección musical de Ivor Bolton, uno de los máximos especialistas en la interpretación de este repertorio. De todos los tipos de amor que dibujan los libretos operísticos –el romántico, el prohibido, el familiar, el amor al poder, el amor a la patria o incluso el amor propio–, el que más escasea es precisamente el más ritualizado: El amor conyugal. Esta puesta en escena, de una grandiosa teatralidad, pone el acento en la mirada de un niño, y los pequeños de la casa, miran todo desde abajo, con una perspectiva diferente a la de los adultos. Los niños ven los acontecimientos que les rodean como una ensoñación, como si fuese un cuento fantástico donde ellos viven una aventura vertiginosa. Ellos pueden ver los espacios que cobran vida y que los reflejos de los mayores se convierten en monstruos acechantes. La obra cuenta una historia de pasiones y poder en un espacio cerrado que permite entrar al detalle de las emociones, la música interpretada con sensibilidad y el trabajo exquisito de los actores-cantantes nos conduce por un laberinto de emociones que se construyen y de-construyen constantemente frente a nuestros ojos. Vemos la narración de este cuento en blanco y negro…pero en paralelo, a través de los ojos del niño, descubrimos un mundo impresionista fascinante.
Adolfo Simón
Château Margaux / La Viejecita-Programa doble en el Teatro de la Zarzuela
Un programa doble que reúne estas dos joyas de la zarzuela que Lluís Pasqual, su director de escena, transforma en un programa de radio. En esta propuesta, que desarrolla un nuevo relato teatral, Château Margaux forma parte de un concurso radiofónico en cuya emisión se escuchan los números musicales de la obra. Esta historia prosigue con La viejecita, que forma parte del espectáculo como si fuera una representación emitida asimismo en directo desde el estudio de radio. Sobre todo ello sobrevuela el ambiente de la radio española de los años cincuenta, al que Lluís Pasqual impregna de sus recuerdos de infancia, donde la zarzuela escuchada a través de las ondas fue su verdadera educación musical. Una propuesta nostálgica, envuelta en la estética de ese tiempo de vals y telones de terciopelo.
Adolfo Simón
Le malentendu en los Teatros del Canal
Le malentendu es una ópera basada en la obra homónima de Albert Camus, concebida para cuatro cantantes, un actor, electrónica y orquesta de cámara, que plantea un ambicioso e innovador uso de la relación entre el texto —respetando el francés original— la electrónica, la amplificación y la instrumentación. Una propuesta insólita dentro del panorama de la ópera contemporánea. Para esta producción de formato de cámara se ha optado por realizar un exquisito planteamiento en el que el espacio escénico se convierte en una ventana a través de la cual conocer el subconsciente de los personajes, creando unas atmósferas inquietantes que nos recuerdan a los cuadros de Hopper; escenario propicio para el desencuentro fatídico de una familia desestructurada. La música, las voces y la recreación de los personajes está cuidada al máximo para convertir esta ópera en una pieza de altura.
Adolfo Simón
La malquerida, zarzuela en los Teatros del Canal
La malquerida, la última obra del autor de El gato montés, fue estrenada en 1935 en el Teatro Victoria de Barcelona. Penella viajó después a México, donde falleció al poco tiempo. La malquerida nunca más se volvió a representar hasta ahora. La obra teatral de Jacinto Benavente se convirtió durante la posguerra española en un hit en Méjico, éxito que ha durado hasta nuestros días donde una telenovela inspirada en la obra llena la parrilla televisiva. Por ello en esta propuesta, el drama rural se sitúa en Méjico, con una ambientación basada en la época de oro del cine mejicano. De la partitura de La malquerida, cuyo manuscrito posee la SGAE, entidad que conserva el original en el Centro de Documentación y Archivo (CEDOA), se ha podido realizar una nueva edición a partir del autógrafo de Penella. El argumento transcurre en la Hacienda de El Soto, donde viven Doña Raimunda y su hija Acacia. Tras la muerte de su marido, Raimunda se casa con Esteban, quien se enamora de Acacia. Ciego de celos, Esteban comienza a perseguir a los hombres que rodean la vida de Acacia, a la que comienzan a llamar La malquerida. Esta nueva producción eleva la obra a producción de gran envergadura, muy cercana a las escenificaciones operísticas. La conjunción de una espléndida música, un libreto de estructura trágica representado por un equipo de cantantes de primer orden en una puesta en escena espectacular, hace de todo ello una espléndida ocasión para disfrutar de nuestro arte lírico.
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/la-malquerida-zarzuela/
Adolfo Simón
Ópera contemporánea y de cámara en Madrid
Dos espectáculos innovadores propuestos desde el Teatro Real. Por un lado, en los Teatros del Canal, dispLACE, una ópera contemporánea sobre las casas, las personas y los desahucios. En un mismo espacio, con el mismo equipo creativo, se han mostrado dos lecturas actuales de lo que, desgraciadamente muchas personas tienen que sufrir a diario…La pérdida de los sueños, los deseos y el techo que da cobijo a todas las esperanzas futuras. Un trabajo de pequeño formato, pero de muy sugerente resultado.
Y por otro, en el propio Teatro Real, la presentación mundial de La ciudad de las mentiras, obra que indaga en las historias cruzadas, en un espacio laberinto donde los músicos y los cantantes-actores transitan buscando una salida difícil de encontrar en un tiempo donde la mentira es la moneda diaria que nos comunica o incomunica.
Adolfo Simón
Billy Budd de Benjamin Britten en el Teatro Real
El estreno de Billy Budd de Benjamin Britten en Madrid marca, sin duda alguna, uno de los grandes acontecimientos del Bicentenario del Teatro Real. Su magnífico libreto basado en la obra homónima de Herman Melville, narra la historia del marinero Billy Budd: un joven bello, leal, generoso, fuerte, ingenuo y bondadoso que logra desquiciar con su belleza y personalidad al maestro de armas del navío, quien es incapaz de canalizar la situación, y crucifica al ingenuo sin miramientos. Esta nueva producción del Teatro Real se presenta por primera vez en Madrid, en coproducción con la Opéra national de Paris, de la mano de Deborah Warner, uno de los grandes nombres de la dirección escénica actual. Es interesante como las grandes obras de la historia sirven para contar los acontecimientos del momento en que se escribieron y trascienden a su tiempo para hablarnos de hoy. En esta puesta en escena sin artificios por parte de Deborah Warner se traza una línea fina entre la ética del pasado ante la oportunidad de conseguir mayor respeto por los derechos humanos y como hoy, sigue siendo una asignatura pendiente para nuestra sociedad actual. Esta escenificación es teatro en el que hay un mundo lírico instalado, en él no hay cantantes hay seres de carne y hueso que defienden sus principios a través de la música y el bel canto. Y la orquesta trasciende emocionalmente de la mano del insigne director musical Ivo Bolton, y además, el coro es un personaje que acompaña el drama intensamente.
Adolfo Simón
La Villana en el Teatro de la Zarzuela
La Villana, zarzuela en tres actos con música de Amadeo Vives y libreto de Federico Romero y Guillermo Hernández-Shaw fue estrenada en el Teatro de la Zarzuela el 1 de octubre de 1927. Esta obra, basada en el drama de «Peribáñez y el Comendador de Ocaña» de Lope de Vega ha sido recuperada para hacer un nuevo estreno por todo lo alto y para ello se ha contado con un equipo excepcional. Al frente de la dirección musical estarán dos batutas, Miguel Ángel Gómez Martínez y Eduardo Portal. Y para abordar una puesta en escena de gran formato, se ha convocado a Natalia Menéndez que templa y equilibra el verso con el canto, consiguiendo una gran teatralidad entre cantantes, actores y bailarines. Una nueva propuesta para sumar a la calidad de la programación elaborada por la nueva dirección.
Adolfo Simón
‘El holandés errante’ en el Teatro Real
Àlex Ollé nos propone una buena revisión a esta pequeña joya de Wagner modificando la textura escenográfica y mostrándonos su propio concepto de lo infinito, lo trascendente y su mirada metafísica sobre la muerte. Con una impactante escenografía se nos adentra en ese mundo de Wagner intentando recrear una nueva visión del romanticismo.
La dirección musical de Pablo Heras-Casado hace resaltar los momentos del coro, tanto femenino como masculino, y más dispersa en lo que se refiere a los solistas.
Ahora que poseemos tanta tecnología para hacer mutar un mar tenebroso en una playa en un segundo, para convertir una gran proa de un navío en un cementerio naval, para hacer aparecer a los espíritus trepando por las paredes sin cuerda ni arnés…ahora que podemos escarbar infinitamente en eso que nos quería contar Wagner sobre la escoria humana que aún sigue siendo capaz de vender a personas por dinero o vendernos nosotros mismos, ahora, merece la pena ver esta propuesta impecable que nos acercará un poco más a su autor.
Luis Mª García Grande
La Clemenza di Tito de Wolfgang Amadeus Mozart en el Teatro Real
Encargada para celebrar la coronación de Leopoldo II de Austria como rey de Bohemia, La Clemenza di Tito constituye una perfecta ilustración de la opera seria metastasiana. El emperador romano Tito se ve obligado a hacer frente a una violenta rebelión, que logra reprimir sin por ello perder la magnanimidad. Compuesta en un momento en que la Revolución Francesa se encontraba en pleno apogeo, y con media Europa cuestionando la capacidad y moralidad de las coronas que en ella reinaban, presentar en escena un dirigente cabal y virtuoso era una oportunidad que no se podía dejar pasar. Leopoldo II subía al trono para hacer frente a una monarquía en crisis, de la misma forma que Tito se había visto forzado a asumir el liderazgo de una convaleciente dinastía Flavia. A través de la historia de este último se trataba de influir de forma directa en la opinión pública a favor de aquel. Wolfgang Amadeus Mozart aceptó hacerse cargo de un cometido que había declinado un Antonio Salieri desbordado de trabajo y reservó para la que sería una de sus últimas obras– la compuso en 1791, tan solo unos meses antes de fallecer– algunas de sus páginas más sublimes. La puesta en escena de Ursel y Karl-Ernst Herrmann fue uno de los primeros encargos de Gerard Mortier, que presentó en Bruselas, Salzburgo, París y Madrid. La recuperación de esta producción quiere ser, también, un recuerdo en honor de quien fue director artístico del Teatro Real. Que un teatro oficial pueda disponer de repertorio y recuperar joyas como esta es una suerte para los amantes del bel canto. Este montaje combina perfectamente clasicismo y contemporaneidad, consiguiendo momentos sublimes en la puesta en escena, el tratamiento musical y la interpretación actoral que, por momentos, consigue que nos olvidemos de estar asistiendo a una ópera para estar experimentando una experiencia intensa y viva.
Adolfo Simón
Iphigenia en Tracia en el Teatro de la Zarzuela
En esta producción no se busca solo mostrar una historia mítica, sino que se plantea una novedosa forma escénica para revelar emociones y sentimientos a través de la belleza de la música de un compositor como Nebra. Su marcado espíritu español, con multitud de posibilidades dramáticas, permite el disfrute de la belleza barroca.
Zarzuela en dos jornadas con música de José de Nebra y libreto de Nicolás González Martínez fue estrenada en el Teatro de la Cruz de Madrid el 15 de enero de 1747. Ahora se presenta esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela con una puesta en escena excepcional, cuidada en cada detalle. Desde la escenografía a la luz, el vestuario, el movimiento escénico, todo está elaborado y puesto en juego a gran altura; pocas veces se ha visto un espectáculo de zarzuela con una factura tan exquisita. Y sobre este paisaje, un grupo de cantantes actores con María Bayo al frente realizan una obra de teatro lírica de gran intensidad y juego dramático. La música suena con brío y delicadeza. Sin duda, se está confirmando una excelente nueva dirección del teatro que nos deparará grandes alegrías.
Adolfo Simón
Norma de Bellini en el Teatro Real
Norma del compositor italiano Vincenzo Bellini es la máxima representación del bel canto. La presentación de esta nueva producción en el Teatro Real supone el regreso de esta inmensa obra tras ciento dos años de ausencia en su escenario. Un gran drama romántico, que ha hecho de Casta diva una de las arias más hermosas y populares del repertorio lírico. En esta ocasión ha llegado al Teatro Real la puesta en escena de Davide Livermore, con una estética que mezcla lo fantástico con la realidad mágica sugerida en el libreto. Una magnifica producción con tres repartos espectaculares, bajo la dirección musical de Roberto Abbado. El Teatro Real sigue apostando por grandes títulos del repertorio mundial operístico para deleite de su público.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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