Españolas, Franco ha muerto en el Teatro Español
Enero de 1978. En el parlamento una diputada del grupo comunista pide la amnistía para las mujeres que hayan cometido los llamados “delitos específicos para las mujeres” que siguen en las cárceles mientras que otras llevan su lucha a las calles alzando la voz por nuestros derechos…Ese fue el comienzo, después de décadas de oscuridad, del camino hacia la recuperación de los derechos de igual y respeto hacia la mujer, habría que preguntarse porque, desde de varias décadas, se supone que hacia la luz, seguimos en un callejón sin salida y pintado de gris con respecto a los derechos de la mujer en nuestra sociedad. Españolas, Franco ha muerto es un collage de datos y juegos escénicos para mostrarnos cómo era nuestra sociedad antes de morir el dictador y qué ha pasado en todo este tiempo. Tal vez, le falta más contundencia en lo ocurrido y en lo que debería cambiar, la imagen final es la más potente en cuanto a discurso y forma.
Adolfo Simón
Instrucciones para caminar sobre el alambre en Cuarta Pared
¿Dónde está Alba? Su hermano y su madre han denunciado su desaparición y ayudan en la reconstrucción de sus últimos días para poder encontrarla. La investigación nos llevará a conocer a una familia que lucha por sobrevivir en un mundo invivible. Un mundo que lesiona sus cuerpos, que desequilibra sus mentes, que les empuja a la resignación. Un mundo bipolar en el que intentan encontrar su lugar. Alba estaba segura de haberlo encontrado, pero ahora Alba ha desaparecido… Durante toda la representación martilleaba en mi cabeza la palabra «progreso»…progreso, prisa, presión, pronto, pronto, pronto…sentí que Alba era una Alicia de nuestro tiempo que atraviesa el espejo para encontrarse consigo misma y lo que encuentra es un laberinto sin salida en una sociedad brutal. Vivimos tiempos complicados en los que cada vez estamos más alejados de nuestros orígenes, abandonados al precipicio del sin sentido. Instrucciones para caminar sobre el alambre tiene una dramaturgia compleja en la que las historias se devoran entre si para mostrar esa crudeza de un tiempo sin horizonte. Y la puesta en escena completa ese universo donde los seres se convierten en voces mecánicas que instruyen sobre las posibilidades de salvarse del naufragio, en cuerpos robóticos sin orientación, perdidos en la maraña de los sueños rotos. Y los actores completan ese espacio poético donde se funden con pantallas de ecuaciones imposibles y bicicletas que vuelan a ninguna parte. Una pieza que nos deja, al final, suspendidos al borde del abismo para seguir pensando… ¿progreso?…
Adolfo Simón
Curva España de CHÉVERE en los Teatros del CANAL
En los últimos años Chévere (Premio Nacional de Teatro 2014) ha realizado una serie de trabajos que exploraron las posibilidades del teatro-documento y la memoria colectiva como desencadenantes de una ficción teatral (Citizen, Eurozone, Eroski Paraíso). Este proyecto es un paso más para profundizar en los mecanismos narrativos que surgen en la frontera entre lo real y lo inventado, entre la historia y la leyenda, entre la pantalla y el escenario. En esta propuesta, el lenguaje audiovisual es el eje dramatúrgico de la pieza, creando capas escénicas que nos trasladan al pasado para recrear momentos que irán desvelando los entresijos donde el poder cambió el curso de las cosas. Una obra que afianza el recorrido de Chévere como compañía contemporánea que da el mismo valor a los temas que tratan que al lenguaje teatral que usan para llevarlo a cabo y, como siempre, nos dejan la duda de si todo fue así o ha sido fruto de la imaginación.
Adolfo Simón
THREE TALES de Beryl Korot y Steve Reich en NAVES MATADERO
Articulada en tres actos, la obra revisita tres sucesos clave de principios, mediados y finales del siglo XX. Cada uno de ellos reflexiona sobre las implicaciones del desarrollo de la ciencia en el pasado reciente. Así, desde los inicios del transporte aéreo hasta las pruebas nucleares o los experimentos genéticos se plantea el debate sobre la naturaleza física, ética y religiosa de un entorno tecnológico que ha crecido de manera exponencial desde 1945. Una experiencia curiosa en la que se mezcla la música y voces en directo con fondo de video creación. Una propuesta interdisciplinar en la recta final de la programación con Naves de Matadero. Ópera contemporánea para estimular los sentidos del oído y la vista.
Adolfo Simón
Festejen la broma en el Teatro de La Latina
Joaquín Reyes presenta un nuevo espectáculo de humor. Ha preparado con gran esmero una amalgama de chorradas para deleite de su querido público y también, de algún despistado que se meta en el teatro buscando humor inteligente. A pesar de ser ya un viejuno —en el mundo de la comedia se entiende—, Reyes no ha perdido la frescura de sus inicios chanantes ¿esto quiere decir que sigue haciendo bromas sobre pedos? Efectivamente así es. Se agradece, en medio de una cartelera intensa y performática, que se suba un cómico al escenario a derrochar ingenio y delirio. El público ríe sin control porque entra en una espiral absurda donde, también, se tocan temas delicados y que, el humor, permite zarandear.
Adolfo Simón
Diálogo del Amargo en el Teatro Español
Lorca inagotable, Lorca inspirador…Lorca siempre. Creo que no hay un día en nuestra cartelera sin Lorca. Cuando no son sus obras, son piezas que se realizan a partir de sus textos inconclusos, sus poemas, sus conferencias…todo es material inspirador. En este caso se ha hecho una curiosa dramaturgia a partir de la pieza breve del Dialogo del Amargo. Como en las pesadillas, las voces aparecen sin tiempo ni lugar…y los personajes cambian de piel para mostrarnos, como si mirásemos a través de un caleidoscopio, las múltiples posibilidades de algo terrible como es un crimen. Lorca sobrevuela por encima de la escena y se cuela en los distintos planos de este puzle in memorian por todos los muertos a manos de intolerantes.
Adolfo Simón
Celui qui tombe (El que cae) de Yoann Bourgeois dentro de Teatralia en los Teatros del CANAL
En medio de un escenario oscuro, como si fuera el universo, una plataforma cuadrada con vida propia gira y se mueve con aparente autonomía siempre llevando encima a seis intérpretes-acróbatas que, como en la vida, intentarán mantenerse en pie, buscar el equilibrio en la inestabilidad, dividir las fuerzas y confiar los unos en los otros. Afectados por la fuerza centrífuga en aumento, sus cuerpos se inclinan cada vez en ángulos más agudos, como si lucharan contra un gran viento. Mientras, suena música de Beethoven o Frank Sinatra. Además de girar como un disco, la plataforma adquiere una inclinación vertiginosa, sube y baja como una balsa en una tormenta. La inauguración de este año en Teatralia ha sido fantástica con esta propuesta que rompe todos los moldes…No van dirigida a un público específico y al tiempo es para todos los paladares. No es circo, ni danza, ni teatro…y lo es todo al tiempo. Y sin caer en un discurso subrayado, nos habla de la esencia del ser humano, de las necesidades que tenemos todos, desde que llegamos a este mundo y hasta que nos vamos de él, de mantenernos firmes, de sobrevivir a los obstáculos, de superar los límites… Una obra compleja y sencilla a la vez. Una experiencia profunda para todo tipo de público. Una pieza para entendernos mejor y conocer nuestras debilidades y deseos.
Adolfo Simón
Rule of Three de Jan Martens/Nah en los Teatros del CANAL
A Jan Martens (Bélgica, 1984) le gusta decir que su creación Rule of Three es una colección de pequeñas historias escritas desde el cuerpo, la música, la iluminación, el vestuario y los textos, edificado todo a partir de contrastes: la quietud y la explosión, la precisión y la intuición, el corazón y la razón. Es la primera vez que el joven creador belga trabaja con un músico en directo. Sintió esta necesidad y creó alianza con el percusionista norteamericano Nah, que ha mezclado para él percusiones en directo con sonoridades programadas, samples manipulados y sonidos encontrados, que mantienen un diálogo con los tres bailarines de esta producción. Lo más llamativo de esta propuesta es la estructura de la pieza, durante más de una hora asistimos a un collage de secuencias fragmentadas donde los ritmos y los cuerpos generan partituras hipnóticas que no cesan en el vértigo sonoro y espacial que se crea ante nuestra mirada. Los tres bailarines son acróbatas emocionales que transitan por el escenario creando atmósferas muy sugerentes, llenas de tensión dramática. En la recta final de la pieza, todo queda suspendido al silencio y su piel se despoja del ruido de nuestro tiempo para entrar en un paisaje desconocido donde los cuerpos se reinventan.
Adolfo Simón
Perfectos desconocidos en el Teatro Reina Victoria
Un grupo de amigos de toda la vida queda para cenar, alguien tiene algo que contar… Uno de ellos propone un juego: compartir los mensajes y llamadas de sus móviles durante la cena. ¿Alguien tiene algo que ocultar?…Todos tenemos secretos y ocultamos cosas a la gente que queremos, seguramente no mentimos a los que odiamos. Pero a veces, el amor y el odio son las dos caras de la misma moneda. Y para colmo, las nuevas tecnologías nos han atrapado en una telaraña donde seremos devorados por nuestros propios miedos y deseos.
Adolfo Simón
El tiempo todo entero – Romina Paula / Compañía El Silencio en los Teatros del CANAL
A principios de la pasada década se empezó a hablar de una nueva revelación en el teatro argentino, Romina Paula, una dramaturga y directora (novelista también) surgida de la siempre sorprendente escena independiente de Buenos Aires. Ha estado programada con la Compañía El Silencio para presentar «El tiempo todo entero», que le valió el Premio Florencio Sánchez a la mejor obra argentina en 2010, y la retoma ahora, casi diez años después, porque Madrid era una cuenta pendiente que, por fin, se va a saldar. Se trata de un texto que tiene un tercio de Tennesse Williams, un tercio de Frida Khalo y otro tercio de ella misma, de su particular poética y concepción del arte escénico. Estas tres líneas dramáticas confluyen para mostrarnos las obsesiones y fantasmas de Tennesse Williams pasadas por el imaginario de Romina Paula, el resultado es una propuestas intimista en la que la ficción y la realidad se quedan atrapadas en la mirada del público. Otra forma de mostrar las relaciones humanas sin teatralidad superflua.
Adolfo Simón
Espacio abierto-Quinta de los Molinos celebra el principio de la primavera
Espacio abierto, haciendo honor a su nombre, ha abierto las puertas de su espacio particular para trasladar el juego y la poética entre los árboles de la Quinta. En dos localizaciones, en diferentes pases, durante el fin de semana y ante un público sorprendido, Chevi Muraday con su compañía y un cuarteto musical, han realizado la proeza de bailar entre la naturaleza en explosión primaveral. De nuevo, el equipo de dirección del Espacio abierto ha acertado al fusionar creatividad en lugares no convencionales.
Adolfo Simón
Una novelita lumpen en el Teatro Pavón Kamikaze
Debería dejar de ir a los teatros grandes, esos en los que hay montajes pomposos que no atraviesan la línea invisible de proscenio para lanzar un dardo a la inteligencia y emoción del público. Debería quedarme a dormir, bajo cartones, en las puertas de los espacios pequeños, esperando la hora de la función. No me cansaré de decir que cada vez encuentro más perlas negras en las salas de pequeño escenario y aforo, ahí, el público a un palmo de los interpretes, oliendo su sudor, escuchando el latido de su corazón…aparece más a menudo la magia y la anagnórisis. Una novelita lumpen se pasa en una exhalación, no da tiempo casi a respirar entre escena y escena. Llevo mucho tiempo viendo evolucionar el trabajo de Rakel Camacho y en esta pieza, creo, ha alcanzando la cota más alta en su búsqueda por un teatro para hoy. Esta obra no es para cualquier paladar y menos si lo que quiere es ir al teatro a entretenerse y salir de él sin que haya cambiado nada en el disco duro de su cerebro. Esta pieza precisa de un público valiente, que esté dispuesto a subir a la montaña rusa que se despliega en el escenario. Esta obra no conseguirá los premios del año, este país es así de torpe, ciego y envidioso, pero tiene todos los ingredientes para que la disfrutase muchas gente y descubriera que el teatro no es algo museístico ni aburrido. Ahí está el punk y también está Grecia, porque el teatro ha de atravesar el tiempo. Hay cuatro actores brutales pero la actriz es, sencillamente, sobrenatural, ojalá que no se despiste y tengo oportunidad de desarrollar y mostrar su talento. Como me gustaría ver esta obra en un gran teatro y al público atrapado por lo que ahí se cuenta en fondo y forma.
Adolfo Simón
Isadora en El Montacargas de Madrid
Este fin de semana termina la programación de El Montacargas con la última producción realizada allí: Isadora. Una creación de Aurora Navarro que, junto a su compañero, Manuel Fernández Nieves han venido desarrollando durante veintiséis años en la íntima sala al otro lado del Manzanares. El próximo mes de marzo se realizará allí un ciclo de teatro de creadoras actuales y el de clown que crearon hace tiempo. Se despiden de Madrid y dejan un poco huérfana la cartelera de la ciudad porque allí han pasado muchas experiencias curiosas en estos años. Algo no funciona bien en esta sociedad cuando un teatro ha de cerrar sus puertas. Isadora es una buena muestra de lo que se ha desarrollado allí durante este tiempo y tal vez por eso han presentado una pieza que mezcla muchos lenguajes para hablar de una artista que tuvo muchos contratiempos y zancadillas por mantener su libertad a toda costa. Espero que el espíritu de El Montacargas siga vivo.
Adolfo Simón
Rey Lear de Atalaya en el Fernán Gómez
Shakespeare amplía y transforma la trama de este cuento popular de la historia antigua de Inglaterra del siglo XII, infundiéndole una visión personal y plasmando la de Gloucester y sus hijos. Una experiencia extrema de dolor, locura y destrucción expresada crudamente y sin reservas. Con 6 premios del teatro andaluz, Premios Lorca y espectáculo más nominado a los premios Max 2019 esta versión de Atalaya ha pasado por Madrid agotando las localidades en todas las funciones. La puesta en escena expresionista potencia la tragedia brutal de Shakespeare. El equipo de actores se desdobla y transforma en los distintos paisajes tenebrosos de la historia. Una puesta en escena grotesca y conceptual al tiempo.
Adolfo Simón
El origen medieval de la música europea en la Fundación Juan March
A diferencia de lo que sucede en las artes plásticas −de las que han quedado vestigios palpables de la Antigüedad clásica−, el origen de la historia de la música no puede rastrearse antes de la aparición de las primeras notaciones musicales, en torno al siglo ix. La música europea nace, por tanto, en un ambiente eminentemente ruralizado y religioso. El canto gregoriano se difunde gracias a las órdenes monásticas y las rutas de peregrinación, y el auge de las ciudades −con los casos paradigmáticos de París y Florencia− hace surgir nuevas técnicas compositivas que han caracterizado la música occidental hasta la actualidad: la polifonía y el contrapunto. Mientras en el norte sobreviven creencias y melodías precristianas, el Ars Nova anticipa un otoño de la Edad Media que llega en medio de fuertes. Corrientes como el Ars Subtilior, que apelan más al intelecto que a los sentidos, darán paso rápidamente a un equilibrio polifónico con Flandes como avanzadilla que anuncia el Humanismo. Este ciclo en la Fundación Juan March permitirá conocer más a fondo esta corriente fundamental de la historia de la música.
QRLA
Elena Fortún en la Sala Mirlo Blanco del CDN
Esta pieza, escrita y dirigida por María Folguera es el resultado de una investigación biográfica pero también es un viaje a la memoria invisibilizada. Es cierta la frase que dice que la historia pervive en el tiempo según quien la cuenta o quien la oculta. El personaje de Elena Fortún es fascinante en su faceta de escritora pero esta obra desvela a una mujer llena de vida y deseos que no siempre pudo hacer realidad. A veces, nuestro día a día es un teatrito de guiñol donde nuestros sueños y los personajes que existen a nuestros alrededor son como perlimplines de hilo, manejados por las circunstancias y aquellos que no siempre nos desean lo mejor. En ese teatrito metido en la sala pequeña de El Mirlo Blanco nos hacen viajar por un tiempo de caminos en la niebla. Los actores juegan y se multiplican en todos los personajes que se precisa para contar esa biografía combativa, haciendo encaje de bolillos con la realidad y el deseo.
Adolfo Simón
Wasted en el Fernán Gómez Centro de Arte
Tres amigos se reúnen para conmemorar el aniversario de la muerte de Toni, un amigo de la infancia. Para Edu, Dani y Carlota este acontecimiento que llevan arrastrando durante años les llevará a confrontar su pasado y su futuro. La inmediatez del mundo actual obsesiona a las nuevas generaciones con la necesidad de alcanzar sueños rápidamente. Una pieza en clave de rap donde el espacio es un personaje más que atrapa a los personajes en un laberinto sin fin.
Adolfo Simón
10000 gestes de CHARMATZ / TERRAIN en los Teatros del CANAL
Charmatz ha venido desarrollando su trabajo a contracorriente de los preceptos aceptados de lo que es danza, se ha movido en la periferia y sin salir de ella, se ha convertido en un autor de gran relevancia, destacando creaciones como enfants, 20 Dancers for the XX Century, manger, Levée des conflits para el MoMa de Nueva York, origen de 10.000 gestos, o el macro proyecto en Londres ¿Puede la Tate Gallery ser un Museo de la Danza?. En esta pieza, durante una hora, veinte bailarines de diferentes edades, procedencia y técnica transitan por el escenario vacío; solo iluminado por unas columnas de fluorescentes, mientras crean y repiten gestos mínimos que van evolucionando hasta pequeñas coreografías. Hay paisajes de cuerpos individuales y por momentos, se forman núcleos concentricos donde un gesto se transforma en una onda expansiva. Esta obra provoca una sensación de hipnosis conforme avanza, transladándonos del gesto privado al social…cuando el público está inmerso en la experiencia, los bailarines saltan al patio de butacas y cabalgan entre las butacas, generando gestos sobre los cuerpos que observan. Una obra performática por la esencialidad de lenguajes utilizados en la pieza.
Adolfo Simón
ANTROPOCENO en el Teatro de la ABADÍA
En el marco de nuestro 25º aniversario, el dramaturgo y actor americano Thaddeus Philips crea para La Abadía Antropoceno, un espectáculo eminentemente visual y poético (pero también absurdo, bello y cómico, como lo define el propio director) sobre nuestro actual estado de emergencia climática y la fragilidad en la que nos encontramos frente a las necesidades que requiere esta crisis planetaria. Es una propuesta de teatro ficción sobre una realidad que nos preocupa mucho a día de hoy. El resultado es un juguete enloquecido sobre los comportamientos humanos frente al planeta.
Adolfo Simón
Naufragios de Álvar Núñez de José Sanchis Sinisterra en el CDN
Este texto es otro de esos monumentos dramatúrgicos que ha creado Sanchis Sinisterra y como es habitual en su escritura, es imprescindible que la física cuántica entre en juego. Gracias a los varios planos temporales y de acción que plantea el autor, la obra no queda solo como la narración de unos hechos históricos si no que nos empuja a encontrarnos con los sueños de todas las víctimas y fantasmas de las crueldades que ha llevado a cabo el hombre a lo largo de la historia y que, a día de hoy sigue realizando. Y si el texto de Sanchis seduce y provoca, Magüi Mira ha creado una escritura sobre la escena que hace mucho más accesible la propuesta dramática y nos pone frente al espejo del horror que habita en nuestro interior. Y para hacer realidad esta pesadilla, un equipo actoral brutal, con Jesús Noguero a la cabeza, construye y destruye el espacio presente, pasado y futuro…Para que sucumbamos a la vergüenza de esta civilización torpe e ignorante.
Adolfo Simón
Taxi girl en el CDN
Si este país fuese normal, culturalmente hablando, no pasaría desapercibido el montaje de Taxi girl en la Sala de la Princesa del CDN. En Londres y otras capitales del mundo, cuando hay propuestas que se estrenan fuera del foco teatral o en pequeñas salas y se descubre que son un valor teatral potente, inmediatamente pasa al circuito comercial o de grande salas. Taxi girl igual no precisa una teatro enorme ni la sala más comercial de la ciudad, pero precisaría de una vida más larga y de una buena proyección ya que tiene muchos elementos de interés. El texto de María Velasco es contundente y salvaje, a la vez que conmovedor. La puesta en escena de Javier Giner y su equipo artístico, consiguen una atmósfera inquietante y morbosa muy seductora. Y los tres actores…Celia Freijeiro, Eva Llorach y Carlos Troya están entregados en cuerpo y alma a la propuesta. Por favor, que alguien saque de La Princesa este espectáculo y lo programe durante más tiempo en la ciudad, el público lo agradecerá.
Adolfo Simón
PS/WAM de Rodrigo García en NAVES MATADERO
El reconocido creador Rodrigo García ha desarrollado en residencia en Naves Matadero esta pieza que nos habla de las falacias del mundo contemporáneo en el que vivimos. Rodrigo vuelve a Madrid para crear una nueva pieza en la línea de sus últimos trabajos donde los límites entre teatro, audiovisual e instalación se desdibujan. El público se convierte en un visitante de la Nave 11 en la que la disposición del espacio, la transmisión del texto y la estructura de la pieza se vuelve laberíntica en la recepción y en la mente del espectador. Una experiencia en la que el público ha de construir un puzle dramatúrgico a partir de piezas sin conexión aparente. Cuando termine la programación de Naves Matadero, habrá que localizar espacios donde la investigación no formal sobre la escena también tenga posibilidad para creadores que indagan sobre otros lenguajes y para creadores futuros y público inquieto.
Adolfo Simón
LA VALQUIRIA-DIE WALKÜRE de RICHARD WAGNER en el Teatro Real
Tras el éxito del arranque de la tetralogía de Robert Carsen con El Oro del Rin, el Teatro Real continúa con la segunda etapa de El Anillo del Nibelungo de Richard Wagner, con Pablo Heras-Casado al frente de la dirección musical y destacados artistas en repertorio wagneriano como Adrianne Pieczonka, Stuart Skelton o René Pape. Es quizás, el título más popular de la serie, tanto por el nombre de la ópera como por la música de la Cabalgata del inicio del tercer acto. En esta ópera, el poderoso anillo sigue siendo objeto de deseo y fuente del conflicto, además de dictar el destino tanto de quienes lo anhelan como de quienes lo temen. Una versión escénica de Robert Carsen siempre es garantía de una propuesta arriesgada, que propone mirar la obra con ojos de hoy. En esta ocasión, se sitúa claramente el conflicto en un mundo deshumanizado, bajo la presión de la violencia y el poder sin control. Es curioso contemplar una obra que plantea el paso de la divinidad a la humanidad, para alertarnos que el mundo, en manos de «humanos» no tendrá un buen final. Una experiencia compleja por la riqueza musical, vocal y escénica.
Adolfo Simón
CARMIÑA. MUJERES QUE SE ATREVEN, PARTE 3 en el TEATRO del BARRIO
La escritora Carmen Martín Gaite dio un célebre ciclo de conferencias en la década de los noventa del pasado siglo. El monólogo se inicia con una de esas conferencias; una imaginaria, cuyo tema principal es el vínculo entre literatura y vida. Esta conferencia tiene lugar en la sala de un teatro en cuyo backstage se encuentran ensayando Marta, la hija de Carmiña, junto a un grupo de amigos. Su presencia llevará a la escritora a evocar a Marta y lo que representó su vida y su muerte; lo que significó haber encontrado al interlocutor que siempre buscó, y haberlo perdido. Este ciclo en el que la mujer es la protagonista absoluta en todo el equipo artístico, está teniendo muy buena recepción por parte del público y la crítica y es lógico porque los resultados son interesantes en muchos aspectos…La elección de los personajes, el tratamiento dramatúgico y la puesta en escena sencilla. Para cada propuesta es esencial la elección de la actriz, en este caso, para hacer de Carmiña, pocas actrices podrían hacer un trabajo tan esencial y sorprendente como el que realiza Nieve de Medina. Como anécdota y no suele ocurrirme, tardé bastantes minutos en reconocer a la actriz protagonista, su capacidad de mímesis y transformación es absolutamente sorprendente. Una obra para conocer más a fondo, humana y creativamente, al personajes de Carmen Martín Gaite.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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