Mithkal Alzghair/Hek-Ma con Displacement en los Teatros del Canal
Continúa el Ciclo: Nadie sabe todavía de lo que un cuerpo es capaz en la Sala Negra de los Teatros del Canal. En esta ocasión, de nuevo, una impactante pieza de danza performática: Displacement del coreógrafo y bailarín sirio Mithkal Alzghair. En esta obra, él, en un solo inicial y después, acompañado de dos bailarines más, indagan dramáticamente sobre los bailes tradiciones y muestran el cuerpo en conflicto ante situaciones de guerra y desamparo. Una propuesta inquietante que no estamos acostumbrados a ver en nuestros escenarios.
Adolfo Simón
Mentalismo en el Museo de Cera
Pablo Raijenstein ofrece un espectáculo único en España. Una misteriosa velada recorriendo los pasillos y las salas del Museo de Cera de Madrid para descubrir los secretos paranormales que guarda esta institución. Una vez cerrada al público, los asistentes atraviesan la pinacoteca a oscuras con la única iluminación de unas linternas. Son guiados por una misteriosa escultora, Lorena Toré, con el objetivo de hallar los secretos que guarda el museo. A ello se une la asombrosa capacidad de Pablo Raijenstein para analizar las extrañas figuras y los enigmáticos sucesos que van ocurriendo. Se trata de una propuesta innovadora y sin precedentes donde el ilusionista Raijenstein es capaz de crear increíbles efectos que hacen reflexionar sobre la percepción sensorial hasta al más escéptico. Hasta ahora, los espectáculos de mentalismo tenían poca teatralidad, todo se centraba en la relación del maestro de ceremonias en relación con el público. Aquí, aparece un actor excepcional añadido, el propio Museo, es poderoso e inquietante. El viaje a oscuras hacia los misterios y extraños sonidos del lugar, provoca en el público asistente una sensación de fragilidad total. La primera parte del recorrido la hacemos de la mano de la escultora y en la mitad del camino, aparece el mentalista que, con humor y contundencia nos lleva y trae por un mundo paralelo al que vivimos habitualmente. Una experiencia diferente, novedosa a la vez de cargada de números de mentalismo muy sugerentes.
Adolfo Simón
Más info en: http://www.museoceramadrid.com/
Expografía retrospectiva en los Teatros del Canal
Amalia Fernández ha querido mirar su obra anterior, repensando algunas piezas, huyendo de tener que producir constantemente hacia adelante, cuando hay mucho de lo que se crea sobre lo que es interesante volver la mirada para darle otra perspectiva. Con la colaboración de Anto Rodríguez, han viajado por los espacios no representables de los Teatros del Canal, indagando su uso para encontrar el posible diálogo entre esos lugares de tránsito o gestión con sus creaciones. El viaje para el público es muy interesante porque descubre rincones nunca visitados en el edificio, y porque la mirada ha de posicionarse físicamente o analíticamente sobre los objetos o el espacio. Además, el trayecto se realiza hacia la obra, el lugar, la relación del espectador con la temática y, por último, aparece una mirada interior llena de sensaciones y emociones para el visitante. La mezcla de lenguajes de estos dos artistas encaja perfectamente, Amalia es más abstracta y divertida…Antón más poético e introspectivo. Una experiencia insólita a caballo entre lo museistico y lo teatral.
Adolfo Simón
Marlene Monteiro Freitas en los Teatros del Canal
Monteiro ya nos sorprendió con su anterior pieza presentada en la Sala Negra, allí, en el solo Guintche bailaban las onomatopeyas y las muecas, creando un universo de extrañamiento fascinante. Ahora, ha regresado con una pieza de mayor producción, un espectáculo para un grupo importante de músicos performers que durante las dos horas que dura la propuesta, mutan y se transforman en seres robóticos y cibernéticos que parecen surgidos de una pesadilla, para dar cuerpo a la visión particular de las Bacantes de esta personal creadora. Delirio, juego, cuerpo y esperpento en un estado rayando el éxtasis. El público disfrutó de ese viaje a un clásico mirado desde el futuro…¿Creen que hay cosas que todavía no se han visto nunca?, lo que crea esta artista, lo es.
Adolfo Simón
Los años de la fertilidad en Naves Matadero
Vivimos tiempos difíciles en los que la cultura y el arte no están en el primer objetivo para la sociedad en general. Y de este modo, los artistas jóvenes, viven tiempos de sequía creativa a la fuerza porque no hay condiciones para que se puedan desarrollar óptimamente. Estas circunstancias producen efectos terribles que se pueden conducir o morir en el intento. En esta pieza, se transita por esos tiempos de vacío y frustración, por suerte, la catarsis final permite que el joven creativo, pueda mirar de frente al futuro. Una pieza de reflexión contemporánea que está expuesta en la primera hora, el resto del tiempo dar vueltas sobre el mismo concepto.
Adolfo Simón
Rubén Ramos Nogueira en los Teatros del Canal
Rubén Ramos Nogueira es un pianista genial pero, además, tiene una visión sobre su tiempo y el sentido del arte. Seguramente, podríamos acudir a uno de sus conciertos y ver sus manos y su rostro dibujando sonidos y sin embargo, él, prefiere, como ya es su habito, tratar de establecer dos planos, dos actividades. Y de este modo, se coloca de espaldas al público para que nuestra mirada sólo se centre en su música y sobre todo, en el pensamiento, casi automático, que se va escribiendo en una pantalla…Este cruce de lenguajes, a veces provoca extrañeza y otras, en cambio da sentido a las notas de Gibbons suspendidas en el aire, mientras el pensamiento, naif o amateur, se concreta en palabras.
Adolfo Simón
X+ Ceremonia de invierno
¿Para qué vamos al teatro?…
¿Vamos a divertirnos y que nos entretengan?…algunos van para eso.
¿Vamos para vivir una experiencia de la que no tengamos claro cual es la frontera entre la realidad y la ficción?…algunos vamos para ello.
En la nueva y acogedora sala de Réplika Teatro se ha llevado a cabo durante unos días un rito que transita por la celebración de la ¿Navidad? en diferentes contextos y épocas. Hemos podido degustar músicas, comida, opiniones y narraciones que conformaban un collage sugerente y provocador.
Pero, lo que realmente generaba momentos inquietantes donde el limite del teatro y la vida se fundían era en los momentos en los cuales, los actores y actrices se sumaban a la celebración de esa procaz cena, para «invitarnos» a dar un salto sobre nosotros mismos, para encontrarnos con el «otro», con ese desconocido con el que se comparte mesa y que no sabemos si miente o dice la verdad.
Un juego sugerente que podría ir muy lejos, hasta ese momento en que ya no sabemos quién es público o personaje.
Adolfo Simón
La Vasca dentro de Essencia en Cuarta Pared
Los encuentros que se propician después de cada representación del Festial Essencia en Cuarta Pared facilitan el acceso al imaginario y proceso creativo de las piezas presentadas, algo que, al público, le permite entender muchos de los signos o el sentido del viaje creativo. La Vasca es una experiencia que surge de lo personal para trasladarse a la colectividad. Desde lenguajes cercanos a las artes plásticas, esta pieza construye en escena un mapa por el que transita la intérprete para descubrir y descubrirse en los orígenes de su identidad.
Adolfo Simón
Cuarteto en el ecuador del Festival de Otoño de Madrid
Este año, la fiesta teatral del Festival de Otoño se ha centrado en tres semanas, durante este tiempo, profesionales de múltiples poéticas han compartido su trabajo con el público de Madrid. En el ecuador de la programación, hemos podido disfrutar de cuatro propuestas muy diferentes…
El nacimiento de la bailarina vieja de Elena Córdoba en la Sala Roja de los Teatros del Canal.
El nacimiento de la bailarina vieja es una ficción anatómica que reflexiona sobre el paso del tiempo a través de los cuerpos. En la pieza, Córdoba fantasea con la idea de una bailarina que ya nació vieja. Su baile se dibuja a través de una carne que nunca fue poderosa, en la que, por tanto, no existe la melancolía que produce la perdida y, tampoco, la tensión entre lo que se fue y lo que se es.
Elena Córdoba realiza un poema bailado donde el límite no es el cuerpo sino el pensamiento filosófico sobre el paso del tiempo por él. Una pieza de gran plasticidad y extraña belleza.
La guerra según Santa Teresa. Sobre fragmentos de Teresa de Jesús, pieza creada por De Castro / Folguera / Troya / Zaragozá en el Teatro Pradillo
La guerra según Santa Teresa se inicia como una pregunta y se convierte en una indagación en torno al personaje de Teresa de Jesús, mujer del siglo XVI convertida en icono literario, histórico y religioso. La música y actriz Julia de Castro (mitad del dúo De la Puríssima -conocido por rescatar del olvido al género del cuplé y sacudirle el polvo a ritmo de jazz- e intérprete en montajes de éxito reciente como Esto no es La Casa de Bernarda Alba o el corto Anatomía de una criminal) y la dramaturga y directora María Folguera reivindican y reescriben su relación con Teresa de Jesús con esta creación que ahora llega al 36 Festival de Otoño.
A veces, los ateos pueden acercarse más profundamente a la mística, en esta pieza intensa y poderosa, viajamos sobre el universo de Teresa de Jesús con una mirada contemporánea de la mano de estas creadoras.
Real Magic de Forced Entertainment en la Sala Negra de los Teatros del Canal
Real Magic es una pieza con la que la compañía empuja al espectador a un mundo absurdo de repeticiones, lucha y comicidad en un eterno día de la marmota. Animados por aplausos en bucle y risas enlatadas, tres artistas tratan de culminar una hazaña imposible: un número de telepatía que parece sacado de un concurso de televisión sobre cómo adivinar el pensamiento, aunque a ratos se asemeje más bien a una alocada rutina de cabaret o, directamente, a una pesadilla o broma de mal gusto. Una pieza en bucle que va degenerando conforme pasa el tiempo por la obra.
El bramido de Düsseldorf de Sergio Blanco en el Teatro de la Abadía
Escrito en 2016, el texto relata la agonía y la muerte del padre de Blanco en una clínica de Düsseldorf, ciudad a la cual el dramaturgo había viajado junto a su progenitor para llevar adelante un proyecto que nunca sabremos con certeza y exactitud cuál es. A medida que se desarrolla el libreto se dan tres posibilidades: asistir a una exposición sobre el asesino en serie Peter Kürten, introducirse en la industria del porno o convertirse al judaísmo. De esta forma, Blanco va hilvanando interesantes reflexiones sobre Dios, la representación de la sexualidad o los límites del arte.
Sergio Blanco juega con las estructuras dramáticas y deja que «el autor», en su oficio, haga trucos mágicos sobre la realidad y la ficción. Una obra que nos invita a mirar múltiples mundos a partir de un viaje anecdótico.
Adolfo Simón
Bertrand Lesca y Nasi Voutsas en el Festival de Otoño
Bertrand Lesca y Nasi Voutsas han presentado dos propuestas en la XXXVI Edición del Festival de Otoño y también han impartido talleres y realizado encuentros para compartir su forma de trabajo. Bertrand Lesca y Nasi Voutsas se hacen preguntas sobre la realidad y tratan de encontrar respuestas en la escena. Trabajan con preguntas que les llevan a otras y estas a otras…y a veces, el viaje es más interesante que llegar a ninguna respuesta. Hay un tipo de teatro que trata de indicar qué hemos de pensar o cómo hemos de ver el mundo, ellos exponen su dudas y lo que les interesa es qué despiertan esos interrogantes en el patio de butacas. El público se debate entre el rechazo al teatro que sugiere y busca obras que le señalen la puerta de salida. Bertrand Lesca y Nasi Voutsas no tienen interés en crear dogmas, proponen y el público dispone…y al final, el tema que a ellos les preocupa, termina abriendo puertas al pensamiento de los que ocupamos las butacas. Y además, trabajan con lo que tienen a su alrededor en la sala de ensayos y no les preocupa que les vean crear; cuando un artista no tiene miedo a que le vean fracasar, está en el buen camino…
Adolfo Simón
The Rehearsal de Cuqui Jerez en los Teatros del Canal
La representación es la ficción de un ensayo con todo lo que supone la ficción de algo que ha de parecer en proceso pero que ya está ensayado y, de hecho, se está representando. Este podría ser el resumen de la pieza que ha presentado Cuqui Jerez en la sala Negra del Teatro del Canal pero habría que añadir que el juego de muñecas rusas que abren múltiples lecturas y juegos en la escena, se extiende al patio de butacas y transita por múltiples sensaciones, desde la relajación total a momentos delirantes en los que se abordan momentos desde tópicos teatrales.
Adolfo Simón
Greco 4.00 en Dt Espacio Escénico
Greco 4.00 (cuatropuntocerocero) de Dante Teatro/Centro Dramático Rural. «¿Qué pasaría hoy si un joven performer y artista plástico se obsesionase con las circunstancias sociales y creativas que vivió El Greco en su tiempo?… ¿Han cambiado mucho las cosas?…¿Qué libertad de creación tenemos ahora? ¿Podemos expresar todo lo que queremos hoy o hay censuras encubiertas incluso en el llamado primer mundo?… En esta pieza performática creada en residencia artística en el CDR de Mira, Adolfo Simón y Blas Nusier construyen una pieza plástico-escénica donde la reflexión sobre nuestro tiempo y su falta de ética conduce a una bajada a los infiernos de la creación para resurgir como el ave fénix a través de la poesía y los colores en el lienzo vivo de la escena.
Luis Mª García Grande
Reescribir el texto en la escena
Hay siempre polémica con las puestas en escena donde el director o directora escribe sobre el escenario con signos que amplían o contrastan el lenguaje empleado en el libreto por el autor o autora. En estos momentos, hay dos montajes en la cartelera de Madrid que tienen estas características. Tierra de Tiza de Vanessa Monfort en Cuarta Pared plantea situaciones en las que podemos observar como unos personajes entran en crísis ante situaciones de desorden social y Roberto Cerdá, su director, genera un plano paralelo en el que alguien sin identidad escribe y dibuja en una enorme pizarra, a la que se invita al público a escribir al final. En Los cuerpos perdidos de José Manuel Mora en el Teatro Español, obra que muestra el horror de Ciudad Juárez en situaciones concretas y crudas, Carlota Ferrer da unas pinceladas grotescas sobre las situaciones, creando un extrañamiento perturbador. Seguramente, el público de hoy está ya acostumbrado a digerir varios planos de poéticas que no necesariamente se complementan si no que, muchas veces, buscan que el espectador se desconcierte y experimente un corto circuito emocional y ético.
Adolfo Simón
Desde lo invisible en el Teatro Pavón Kamikaze
Relatos escénicos y situaciones que giran en torno al mundo de las personas con discapacidad intelectual. Desde el humor y un acercamiento comprometido, Desde lo invisible cuestiona la medida de la inteligencia y dónde están los límites de lo normal, lo políticamente correcto y el sentido de la belleza. Ante la pregunta de ¿Quién es normal?, en la pieza se nos propone reflexionar sobre si los aparentemente normales lo son tanto y los que no lo parecen, tiene más habilidades que el resto…Además, la mezcla de lenguajes, físico, sensorial, realista y espacio sonoro contemporáneo, generan un universo poético singular.
Adolfo Simón
La Valse de RAIMUND HOGHE en los TEATROS del CANAL
Pieza que da cuenta de las búsquedas de Hoghe, dramaturgista de Pina Bausch, en estos últimos años. Suena Ravel. El cuerpo pequeño y frágil de Raimund Hoghe (Wuppertal, Alemania, 1949) tumbado boca abajo sobre el escenario intenta nadar. Se incorporan a la escena el resto de bailarines que aparecen cubiertos por mantas grises, que recuerdan a las que cubren los cuerpos de los inmigrantes a punto de hipotermia que día a día se rescatan de nuestros mares, una imagen ya tristemente familiar y cotidiana del telediario. No hay mucha danza pero el foco está colocado en la intensidad de las emociones. Este es el punto de arranque de una gran poema musico-escénico que transcurre por el escenario como la vida, sin prisas pero sin pausa. Un collage duro e intenso que nos muestra como el arte se puede comprometer con lo que nos ocurre a diario sin caer en complacencias. Raimund Hoghe junto a su equipo de músicos y bailarines realiza una proeza escénica para paladares comprometidos y que gustan de cuadros donde la no danza da sentido a todo.
Adolfo Simón
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/raimund-hoghe-la-valse/
BEST OF BE 2018 en el Teatro de la ABADÍA
Este año BE FESTIVAL celebra su novena edición en Birmingham, consolidado como uno de los festivales europeos de referencia. El festival busca acercar los nuevos lenguajes escénicos contemporáneos al público a través de una celebración de propuestas innovadoras de teatro, danza, circo, música y artes visuales. Las propuestas escénicas van acompañadas de talleres gratuitos y encuentros con el público. Te invitamos a participar en esta iniciativa, donde las artes escénicas brindan un puente para nuevas discusiones. Celebra con Best of BE FESTIVAL 2018 los 250 años del nacimiento del circo en el Reino Unido, con un programa que explora este arte a través de diferentes disciplinas artísticas (movimiento, ilusionismo y tecnología).
Take Care of Yourself Cie., un hombre sirve una ronda de chupitos y comienza el desafío. A partir de aquí, el público entra también en un estado de efervescencia donde el riesgo y la poesía se dan la mano.
Someone Loves You Drive With Care-Tom Cassani, este artista performativo, un prestidigitador; un mentiroso. Inspirado en las barracas de feria de circo de los Estados Unidos, utiliza técnicas de ilusionismo para reflexionar sobre el engaño y la manipulación.
Control Freak-Cie. Kirkas, nos sumerge en el caos palpitante y divertido de un espectáculo hilarante que combina ingeniería informática y virtuosismo circense.
Los lanzadores de cuchillos, fakires y hombres orquesta siempre han formado parte de las troupes circenses. Aquí, este tipo de artista da un salto en el tiempo y las formas para mostrar la evolución de esta artes de siempre.
Adolfo Simón
Prostíbulo poético en la Sala equis de Madrid
Dicen que la poesía no interesa a nadie, dicen que la poesía está pasada de moda, dicen que la poesía es aburrida y no se entiende…Se dicen tantas tonterías…
Pero es verdad que, en muchas ocasiones, los poetas se quedan en su mundo literario, lleno de metáforas abstractas y no nos dejan colarnos en la belleza de sus creaciones.
Pues se acabó que la poesía sea para un público reducido, creo que ha surgido una fórmula que ya se ha llevado a cabo en Barcelona durante una década y que ha aterrizado ahora en Madrid, que tiene todos los ingredientes para que la poesía seduzca, divierta y emocione…¡Prostíbulo poético!.
Prostíbulo poético ocurre una vez al mes en la Sala equis de Madrid…allí, acuden poetas y actores poetas para vestirse de gala y mostrar su obra con personalidad y sensibilidad.
Como en todo prostíbulo que se precie, los clientes esperan hasta entrar a un pequeño cine donde, como si se escapasen de la pantalla, van apareciendo invocados por La Madame…ahí nos muestran un aperitivo de su mundo y su poesía…más tarde, en el ambigú, la suerte dará las fichas con las que se podrá elegir quién susurre, en algún rincón del local, un poema, una canción…un pedacito de vida.
Una experiencia curiosa y diferente a lo que se puede ver poéticamente en escena. Prueben, seguro que encuentran el poema soñado…y si no, puede que terminen como Candy…perdida en el Paraíso…abrazada al Extranjero.
¡La poesía no ha muerto…viva la poesía en el prostíbulo!
Adolfo Simón
Lettere amorose, 1999-2018 de RAIMUND HOGHE en los Teatros del Canal
El punto de arranque es la carta que hallaron en los cadáveres de dos adolescentes africanos que, escondidos en el ala de un avión, intentaron llegar sin éxito a Bruselas, aquel año de 1999. Hoghe da forma artística, pone cuerpo y voz a esta carta (y otras trágicas misivas) en la que un malogrado adolescente africano habla de la esperanza y la ilusión de una vida nueva en Europa. Es una pieza ritualista, llena de silencios y pausas que muestran la soledad y la dureza que vivieron los personajes a los que se hace alusión en las cartas. Una performance íntima y desconcertante.
Adolfo Simón
You & Me de Mummenschanz en los Teatros del Canal
You & Me, de la compañía suiza Mummenschanz se cataloga como espectáculo para todos los públicos. Efectivamente, cualquier persona de cualquier rango de edad puede disfrutar del mismo. La ausencia de palabra durante toda la obra contribuye a la creación de un lenguaje universal, tan natural, que los primeros cinco minutos son suficientes para llevar al público a su mundo y hacerle participe de él. A partir de ese momento, el espectador solo tiene que dejarse llevar por el universo mágico que se despliega ante sus ojos. Durante la obra se suceden una serie de escenas independientes donde la carcajada se entremezcla con la fascinación. Lo imposible con lo humorístico. Un despliegue continúo de imágenes y mundos cambiantes, a veces tiernos, a veces surrealistas, a veces paródicos; que sorprenden continuamente al espectador. Y si gran parte del éxito de la pieza se basa en el ingenio y la fantasía de las propuestas, no menos importante es el cuidado, la precisión, la pulcritud y la técnica corporal de las que los cinco intérpretes se sirven.
Guille Pavón Gray
La ronda en el Conde Duque
Cuando cae la noche, un vigilante cierra el portón de la entrada principal del Conde Duque. A partir de ese momento, nadie puede entrar. Bibliotecas, archivos, teatros, oficinas, salas de exposiciones, pasillos, sótanos… descansan indolentes, silenciosos. Durante seis noches, en pequeños grupos, el público conocerá la intimidad nocturna del edificio y de sus guardianes. Entre realidad y ficción, entre visita turística y espectáculo, La Ronda es una propuesta artística que toma la forma de recorrido. Un paseo que cruza el teatro y el museo, el vestíbulo y el patio, pero sin detenerse ahí, sin demorarse más de lo imprescindible, porque para llegar a un lugar siempre hay que atravesar otro… Una oportunidad única para llegar a las entrañas del lugar y pisar por las piedras que han visto la historia de la ciudad de Madrid. Como dice un vigilante, el espacio duerme de día y por la noche habla y es verdad, sensaciones y sensorialidad acompañan a los visitantes entre ruido y silencio.
Adolfo Simón
«Sous la plage» de M.Villanueva Mir, G. Valverde Ros y M. Bitari en ÍDEM en La Casa Encendida
Interpretada por el periodista sirio-palestino Mohammad Bitari, Sous la plage propone un espacio de reflexión crítica sobre la construcción del discurso europeo sobre los conflictos en el mundo árabe y la así llamada “crisis de los refugiados”: un discurso que pretende definir quién es el «otro» pero que, finalmente, dice mucho más sobre quiénes somos nosotros. Sous la plage plantea interrogantes sobre los discursos y las paradojas generados alrededor de las revueltas en los países árabes y su actualización en la actual crisis migratoria. Una pieza escénica interdisciplinar en la que el discurso ético se cruza con los efectos sonoros y audiovisuales. Una obra que busca en el espectador una actitud activa y reflexiva sobre el mundo de hoy.
Adolfo Simón
Happy Island de IDEM en La Casa Encendida
El festival arrancó con el estreno en España de la última pieza de La Ribot, Happy Island, realizada en colaboración con el colectivo de danza inclusiva portugués Dançando com a diferença. Una pieza de danza y cine con cinco bailarines profesionales con discapacidad física e intelectual en la que, La Ribot, performer y coreógrafa ha desarrollado su faceta más autentica, dejando libertad absoluta en el proceso de creación y aceptando el discurso técnico y expresivo que ha dado como resultado el encuentro entre este grupo de artistas que han dialogado gracias a las diferencias, creando de algún modo, un lugar común diferente, sugerente y sin prejuicios. Una pieza donde no se puede descubrir quién puso el punto de partida en el viaje y quién bajó el telón imaginario.
Adolfo Simón
Casandra de Diana de Paco en el Umbral de la Primavera
Ojalá esta Casandra hubiera estado en el Umbral de la Primavera en su vida, ojalá hubiera tenido oportunidad de ver florecer vida y belleza. Desgraciadamente, la mujer siempre ha estado obligada a esconder su deseo, sus ideas y su libertad bajo tumbas de piedra y fuego. Diana de Paco escribe un gran poema con tinta de sangre y delirio, un alegato en favor de un personaje silenciado y amordazado para que grite a las generaciones futuras y alarme sobre las mordazas de los hombres sobre las mujeres que no claudican al poder ni al sometimiento. Siempre que acudo al teatro a ver un personaje mítico, siento un temblor al entrar a la sala, temo encontrármelo, en tejanos y con el móvil en la mano. Esa idea de la contemporaneidad, a veces, ahoga la poética de otro tiempo y sobre la que hay que indagar para que el discurso sea atemporal. Por suerte, el texto de Diana ha caído en manos de un director, Miguel Cegarra y una actriz, Marina Miranda, inteligentes y sensibles, han optado por el más difícil todavía, sumergirse en un paisaje desolado y sencillo, donde el rito se crea mediante acciones no realistas, donde se invoca al misterio de la escena sin límites, para hacernos trascender en el patio de butacas.
Adolfo Simón
Incipit en Teatro Lagrada y Afasians the last conference en el CDN: Perfromances escénicas
Un performance plástico musical en la que el cuerpo interactúa con el espacio sonoro creado a partir de la Divina Comedia. Una experiencia sugerente y nada convencional.
Y en el CDN, Afasians the last conference de Los Corderos-SC & ZAI es un viaje musical en el que los juegos vocales y verbales articulan un universo surrealista que provocó sonrisas entre el respetable.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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