Eclipse : Mundo de Paz Rojo en Naves Matadero
Tras varios años trabajando en otros soportes (video-ensayos, laboratorios, contextos de investigación y comisariados), Paz Rojo presenta la creación escénica ECLIPSE : MUNDO, una aproximación al dispositivo escénico y a la danza desde la óptica de un «plano de percepción destituyente». El término «destitución» está asociado con la puesta en crisis y la pérdida de sentido, pero también con la posibilidad de contemplar lo aún-no producido. Y ahí nos sitúa la artista, en el ámbito voyeur de mirada y oído. Aislados del mundo, sumergidos en un caos sonoro y en imagenes que no evolucionan aparentemente ante nuestra percepción. Curiosamente, esta bifocalidad nos activa el pensamiento creativo a los que ocupamos el patio de butacas, por momentos al borde de la frontera entre lo real y lo imaginado.
Adolfo Simón
“Estar o no estar” de Isidoro Valcárcel Medina en Teatro Pradillo
“Estar o no estar” por Isidoro Valcárcel Medina es la última propuesta que nos presenta el Teatro Pradillo. Se trata pues, de una profunda reflexión acerca del teatro, su uso, su significado, su estar, su transformación… Desde los elementos más literales de la escena, hasta las corrientes y la construcción de los estilos más clásicos. La definición de cada uno de los apartados que enjambran este pensamiento escénico es un salto a la profundidad racional que entremezclan los orígenes y los re-inventos. Las obras y las escenas son cosas inamovibles, estáticas, siempre en el mismo sitio, con un ir y de venir de lenguas que habitaban la repetición. Y son ideas como esta por las que vamos recorriendo y tejiendo una obra que reflexiona sobre ella misma.
Patricia Jorge
Some Things, from Somewhere de Cai Tomos + Debajo del Sombrero en Naves Matadero
Some things, from somewhere (Algunas cosas de algún lugar) es el proyecto resultante de la residencia que el artista galés Cai Tomos ha desarrollado junto al colectivo Debajo del Sombrero para mostrar cómo el arte se convierte en una lente a través de la que se ve y se siente la realidad a todos los niveles y para todas las personas. No hay mejor manera de despedir el Día Mundial del Teatro que recomendando una experiencia a medio camino entre la instalación escénica y la performance visual que se puede disfrutar en la Sala Madera de Naves Matadero. Cada vez es más cierta aquella expresión de «El arte sin límites» para el cual, todo ciudadano puede tener su discurso creativo y su posibilidad resilente a partir de una experiencia transformadora.
Adolfo Simón
Vocaloid Opera -The End de Keiichiro Shibuya + Hatsune Miku en Naves Matadero
Una ópera sin orquesta, sin actores, sin escenario. Una ópera que no emerge de la cuerdas vocales de ningún intérprete humano sino que se compone de música electrónica producida por ordenador e imágenes proyectadas en seis pantallas. The End es una ópera llena de vida y de muerte, y la primera ópera Vocaloid (aplicación software de síntesis de voz capaz de cantar) de la historia. Con “el final” como tema, los artistas Keiichiro Shibuya, YKBX y evala abordan los problemas de realidad e ilusión que tenemos alrededor de nuestra vida y muerte, con un trabajo multifacético que aúna arte tecnológico, cultura pop japonesa y artes escénicas. El futuro ha llegado a la escena, si hace un tiempo me hubieran preguntado por el futuro de lo escénico, habría pensado que seguiría siendo un ritual vivo, como en su orígen griego pero, tras ver la propuesta de The End, creo que en unos años, a la velocidad que van los cambios y novedades virtuales, el teatro dejará de ser un evento vivo para estar enlatado, sin perder calidad ni efectismo. Evidentemente, siempre quedará un público que solo asistirá a momentos de intimidad, pero viendo quién ocupaba los asientos de la Nave 11 de Matadero, está claro que hay un nuevo espectador que busca que le emocione la música electrónica fusionada con imágenes de un relismo inquietante a pesar de ser creadas por ordenador. Tal vez nada muera y todo se reinvente, habrá que estar atento a estos cambios y transformaciones en los lenguajes dramatúrgicos.
Adolfo Simón
F.O.M.O. en el CDN
F.O.M.O es un encadenamiento de performances con denuncia sobre temas de actualidad, más allá de lo conectados que creemos estar, la comunicación se queda en pura palabra escrita en el universo virtual hasta que los cuerpos entran en acción para establecer su propio discurso. Aunque el público es convocado alrededor de la acción, son meros espectadores pasivos de la tragedia dramática que invade nuestro mundo de hoy.
Adolfo Simón
Misióndivina: Célula Barcelona en Teatro Pradillo
En esta ocasión hemos topado con Misióndivina: Célula Barcelona quien ha ocupado el Teatro Pradillo para mostrar su trabajo colectivo: “Vamos a aprender juntas a hacer cosas que no sabemos y que tenemos muchas ganas de aprender”. Y justamente eso fue lo que pasó. Los asistentes pudimos disfrutar de una jornada teórico-práctica sobre esta línea de investigación, y comprobar por nosotros mismo las incógnitas que esto entrama. Se trata pues, de cuestionar una idea y dar la oportunidad de mancharse, mezclase, romperse, dividirse, expandirse, colorearse… de muchas otras ideas y de que juntos se pueda empezar a construir desde ahí. Ejemplos como: “cómo construir un techo falso” o “a hablar en griego”, nos enseñan, en la total literalidad de la palabra, estos conocimientos desde la propia creatividad e intuición, que luego se verá volcada en un material a reflexionar donde interesante se queda corto.
Patricia Jorge
Estoy pensando en tortugas de Claudia Faci en Naves Matadero
Claudia Faci piensa en tortugas cuando escribe en voz alta…
Claudia Faci piensa en tortugas cuando se sale del foco…
Claudia Faci piensa en tortugas cuando fuma en la puerta de emergencia…
Claudia Faci piensa en tortugas cuando baila el silencio…
Claudia Faci piensa en tortugas cuando dialoga con la mirada con Oscar…
Claudia Faci piensa en tortugas cuando se pelea con cuerpos imposibles…
Claudia Faci piensa en tortugas cuando mira lejos y cerca…
Claudia Faci piensa en tortugas cuando hace filosofía del desaliento…
Claudia Faci piensa en tortugas cuando piensa en sexos de terciopelo…
Claudia Faci piensa en tortugas cuando pide otra voz para el poema final…
Claudia Faci puede pensar en tortugas o lo que quiera, su sola presencia da sentido a la escena…
El resto, son ecos de su imaginario que desdibujan la herida que ella provoca en nuestra mirada.
Adolfo Simón
Senecio Ficciones de Sara Molina en La Casa Encendida dentro del Festival de Otoño a Primavera
Sara Molina es considerada por muchos como una de las decanas de nuestro teatro de vanguardia. Actriz, dramaturga y directora, la que fuera fundadora en 1995 de la compañía Q. teatro de la que es directora artística. En el Festival de Otoño a Primavera ha mostrado su última creación, Senecio Ficciones, que apunta hacia una de las constantes de su trabajo: la de dramatizar la teoría. Construida a partir de un esquema de sucesivas enseñanzas (primeras, segundas y terceras enseñanzas al joven Senecio, el arlequín del famoso cuadro de Paul Klee), la pieza reflexiona sobre un tema trascendente con intensidad, humor y un fantasioso lirismo. El resultado compartido con el público asistente, está más cerca de una sesión de reflexión teórica que una exposición escénica sobre el conflicto palabra y cuerpo.
Adolfo Simón
“Una introducción” de Olga de Soto en los Teatros del Canal
“Una introducción” de Olga de Soto es un trabajo de investigación acerca de “La mesa verde” de Kurt Jooss (maestro de Pina Bausch). Se trata de un trabajo documental que recorre diferentes puntos de vista y que ahonda en las numerosas líneas de la materia como elemento de creación. Para ello investiga la vida de los bailarines que formaron parte del primer montaje y los más cercanos, cronológicamente, que pudieron ver y bailar la pieza. Realiza un recorrido por la memoria desde diferentes prismas, lo que hace que la pieza se acerque al verdadero contexto de la época. Sin duda se trata de un viaje circular que destripa las connotaciones que hacen de esta danza una auténtica obra atemporal.
Patricia Jorge
Caravane en CANAL-Centre National de la Danse
Este fin de semana, en los Teatros del Canal, ha habido un desembarco total de materiales sobre danza contemporánea. El programa rico y complejo llegaba desde el Centre National de la Danse e invadía múltiples espacios donde se podía asistir a sesiones pedagógicas, conferencias, consultas de grabaciones en video, etc. Y, además, propuestas escénicas en las que se indagaba sobre el lenguaje de la danza desde perspectivas diversas.
Bailar los sentidos
L’oeil la bouche et le reste de Volmir Cordeiro en la Sala Negra.
En esta pieza para cuatro bailarines, Volmir Cordeiro nos invita a mirar la mirada. El coreógrafo condensa todas las funciones oculares: llorar, pestañear, fijarse, guiñar, ojear… pero no se olvida de lo invisible. La obra se articula en torno a las nociones de desasimiento y desbordamiento, porque lo propio del ojo, prisionero del cuerpo, es aventurarse más allá de sí mismo. Tras profundizar en el sentido de la vista y el gusto, la indagación se trasladó al resto del cuerpo, como si se tratáse de un sentido más que se va descubriendo fragmento a fragmento de piel.
Bailar el músculo
Movimiento sobre movimiento de Noé Soulieren el Escenario de la Sala Roja.
Movimiento sobre movimiento (2013) de Noé Soulier reproduce físicamente las secuencias de Improvisation Technologies en las cuales William Forsythe expone diferentes herramientas para analizar y crear movimientos. Al tratarlos como movimientos de danza, Noé Soulier les da otro estatuto: lo que era una explicación de la danza se vuelve danza por sí mismo. Superpone a esos gestos explicativos una reflexión sobre la manera en que esos movimientos están definidos en las diferentes prácticas coreográficas. El sentido de las palabras acaba por sumarse al sentido de los gestos para crear correspondencias, fricciones o desfases. Una pieza que, a pesar de su caracter didáctico, se transformaba en una creación sobre las posibilidades expresivas del cuerpo, llegando a cotas artísticas muy sugerentes.
Bailar ideas
Gustavia de Mathilde Monnier y La Ribot en la Sala Verde. Mathilde Monnier y La Ribot interpretan a un mismo personaje en Gustavia: un espectáculo que se apoya en el universo del burlesque clásico (Keaton, Chaplin, los hermanos Marx), pero también en la escena, la performance y las artes plásticas. El burlesque es un arte entre la danza y la palabra, que nace de la transformación de la incompetencia en competencia. El desgaste gratuito, la repetición y el accidente son los mecanismos a través de los cuales nos hablan de las derivas, las catástrofes y las bondades de la vida. Dos artistas con recorridos muy diferentes pero unidas por una misma búsqueda en torno al devenir del arte y la representación. Y que al unirse en esta creación llegan a cotas fascinantes de comunicación expresiva, construyendo situaciones delirantes fantásticas, rayando lo surreal.
Adolfo Simón
Birdie de Agrupación Señor Serrano en los Teatros del Canal
Birdie es más que un espectáculo que juega con diferentes lenguajes teatrales y audiovisuales, es una propuesta de investigación sobre una sociedad que está perdiendo el rumbo y deja que los pájaros se estrellen contra las olas del mar. Y además, hacen accesible su discurso, con humor y habilidad; aunque muestren temas espinosos, lo hacen de una forma sencilla, como hacen los niños, que tratan temas terribles con distancia, sin entrar en densidades que bloquean la comunicación. En apenas una hora, nos tasladan a lugares, a historias y a todo lo que ocurre en el devenir de esos acontecimientos con la fragilidad de la magia. Está claro que han encontrado su lenguaje personal que no se parece a ningún otro y con el que hay, siempre, discurso y poética.
Adolfo Simón
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/agrupacion-senor-serrano/
Vidrio molido en los huesos de Al descubierto Physical Theatre en El Umbral de Primavera
¿Se imaginan tener vidrio molido en sus huesos? ¿Se imaginan sentir que sus huesos son de vidrio?
Algo tan frágil pero a la vez puede ser muy cortante.
Tengo vidrio molido en los huesos, me circula rabia y dolor por las venas. He sentido en ocasiones como se empezaban a moler los vidrios de mis huesos, y dolía.
Unos nuevos lenguajes empiezan a florecer en este Umbral de Primavera, y es lo que podemos indagar con Al descubierto Physical Theatre.
Una simbiosis entre Gabriel Garcia Marquez y Yasunari Kawabata que ha dado como resultado la propuesta de ‘’Vidrio molido en los huesos’’. Un viaje que nos hace reflexionar sobre la explotación femenina y los recuerdos. Un mundo onírico lleno de riqueza corporal y creación escénica.
Nuestra memoria nos puede jugar malas pasadas y también nos ayuda a crear conciencia sobre lacras en la sociedad que debemos seguir trabajando. Una libertad que muchas personas tienen restringida por el poder de otras que tienen la mente desalmada.
La increíble y triste historia de la cándida Eréndira y de su abuela desalmada se escribió en 1972 por Gabriel Garcia Marquez y La casa de las bellas durmientes de Yasunari Kawabata se escribió en 1961.
En las dos obras existe un tema en común, la trata de mujeres. Un problema que aun en el 2018 sigue estando presente. Parece que las cosas no han cambiado mucho, pero aun así seguimos trabajando para el cambio total, por conseguir una simetría social.
Cuatro intérpretes que ponen voz, cuerpo y sentimientos a una puesta escénica sentida y delicada. Un equipo creativo que ha conseguido el empaste de varios lenguajes artísticos. Un magnifico juego con proyecciones de vídeo-mapping que envuelve a la propuesta en una misma linea expresiva.
Una indagación a lo mas profundo del comportamiento humano.
‘’Vidrio molido en los huesos’’ en el Umbral de Primavera, todos los domingos hasta el 25 de marzo.
Dave Aidan
«Concierto ZAJ para 60 voces» de Esther Ferrer en el Palacio de Velazquez de Madrid
Este fin de semana ha tenido lugar la última performance de Esther Ferrer sobre el ciclo que organiza el Reina Sofía. Para ello se ha llevado a cabo la pieza “Concierto ZAJ para 60 voces”, esto trata de reunión de voces sin discriminación de sexo, edad o condición, dirigidas como una orquesta por la propia artista. Cada intérprete puede decir, recitar o cantar la frase correspondiente solo una vez o repetirla las veces que desee durante el espacio de un minuto, cambiando si quiere de idioma, entonación, etc…
Tuve la suerte de ser participe de ella. Tras un pequeño ensayo previo, dónde se ultimaban detalles como la colocación, la forma, el tiempo y la coordinación. Se nos citó el sábado por la mañana para realizar el concierto en el Palacio de Velázquez, dónde reside la exposición de la artista. Una vez todos colocados en nuestros puestos y Esther con cronometro en mano, dio comienzo la performance. Fueron sesenta minutos en dónde nos fuimos sumando uno a uno, a cada minuto. Creíamos que aquello se haría duro, sobretodo para los primeros números, ya que estar más de 50 minutos cantando números podría caer en desesperación. Pero para nuestra sorpresa, el tiempo parecía encontrar otras medidas más cortas ya que se nos pasó muy rápido. No tengo una percepción del todo clara de como debía escucharse aquello, imagino que sería un mar de barullos en aumento, que hace de la pieza una mezcolanza. Si que puedo hablar desde el interprete, desde mis 51 minutos cantados. Quizás una de las cosas más interesante sea la idea de que la individualidad no encuentra armonía en el colectivo, del ejercicio de búsqueda para evitar la repetición, la conciencia de como las herramientas vocales, intensidad, ritmo, tono, velocidad, repetición, desorden, idiomas… etc son elementos con un millón de variantes y esa idea metafísica de que las cosas son inagotables y únicas. Hoy puedo decir con certeza que formé parte de un concierto único e irrepetible.
Patricia Jorge
“Las cosas que no caen por su propio peso” en Teatro Pradillo
“Las cosas que no caen por su propio peso” es la propuesta de Esther Belvis para un programa compartido que ofrece el Teatro Pradillo. Esta propuesta nos habla de la injusticia, del deseo de que el universo tome partido en los acontecimientos que nos hacen dignos perdedores. Con diferentes líneas y lecturas, podemos entre ver una reflexión profunda acerca de este tema. Para ello el lenguaje escénico se entrelaza con un texto a modo de autobiografía, que hace que giremos al rededor de los conceptos: peso, gravedad, caída, deseo, esperanza y espera. Se trata pues de una pieza que se nutre de la performance para crear un espacio dónde se encuentren la reflexión y la narrativa.
Patricia Jorge
Tata mala de ENRIC MONTEFUSCO & BUENA SUERTE en los Teatros del Canal
Una pieza de teatro musical en la que Montefusco busca un equilibrio artístico multidisciplinar sin referentes claros, reivindicando la cultura popular. El texto de la joven dramaturga Diana Bandini se convierte en escena en una experiencia colectiva catártica. El espectáculo reflexiona sobre cómo superar lo que nos hace daño y nos produce miedo, sobre la naturaleza del ritual y su sentido psicológico y político. Una obra que da la mano a las tradiciones de las que han bebido los integrantes de este espectáculo inclasificable, con lenguajes contemporáneos como la plástica, la performance o la música experimental. Un híbrido sugerente que transita por lo que entenderíamos como teatro musical pero que lanza cabos hacia otras formas de entender la escena, en definitiva, un trabajo que encaja muy bien en la excelente programación que se está llevando a cabo en la temporada actual de los Teatros del Canal.
Adolfo Simón
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/enric-montefusco-buena-suerte/
En manque de Vincent Macaigne / Théâtre Vidy-Lausanne dentro del Festival de Otoño a Primavera en el Teatro de la Abadía
Vincent Macaigne sitúa su En manque en una fundación privada que mantiene la totalidad del arte europeo en una caja fuerte. Pero el autor, actor y director no critica a una sociedad colapsada por sus propias certezas –y en la que un puñado de personas maneja la miseria de los demás–, sino que utiliza el teatro para ir más allá de nuestras verdades y obsesiones. Macaigne aspira a un renovado deseo de vivir para evitar el colapso total y escapar de la angustia de la soledad. En manque es un singular estudio teatral, coreográfico y plástico en el que Macaigne exhibe una serie de personajes en pleno proceso de búsqueda de un amor puro y radical. Y para que estas ideas atraviesen al público, lo sitúa en un espacio fantasmagórico que por momentos nos recuerda un after o una pesadilla. Este viaje solo tiene un fin, despertar al respetable ante la duda entre el amor como eje del mundo o el abuso del poder… De nuevo…»Ser o tener».
Adolfo Simón
De agua y barro en Cuarta Pared
Pensemos en el inicio, en el nacimiento de todo a partir de la nada. Una bola de barro, pinturas de colores, un espacio en blanco… y todo se crea. El aire, el agua, los animales, los vegetales, las personas. Todo nace. También todo acaba. O es infinito. Como un gran big-bang. Una propuesta sencilla y sorprendente para el público más pequeño de la casa, una obra cerca del lenguaje performático en el que las sensaciones y materias generan un universo onírico fascinante.
Adolfo Simón
«De otro color» en Lagrada
La luz negra es muy sugerente y resolutiva en los espectáculos de teatro, con ella se consiguen efectos mágicos que nos facilitan sumergirnos en sueños, a través de los cuales, volar con nuestra imaginación. En «De otro color» hay una propuesta estética pero también hay una reflexión sugerente sobre hasta qué punto seguimos repitiendo roles que estancan nuestra identidad. Vivímos tiempos en los que hemos de mirar un futuro sin estereotipos, sin corsés morales y creo que la infancia es el mejor lugar donde sembrar otro tipo de educiación emocional y social.
Adolfo Simón
«Prometeo encadenado» de Circo Interior Bruto en Pradillo
“Prometeo encadenado” es la última propuesta del Circo Interior Bruto, una compañía fundada hace casi veinte años con un objetivo claro, la investigación múltiple de diferentes corrientes artísticas cómo son el teatro, la performance, el arte de acción, el happening… En este caso se nos presenta una idea roncambolesca del mítico Prometeo encadenado, una mirada de hoy para el hoy, con un puente interior que evoca al ayer. Un lugar desde dónde nuestra posición como público nos sitúa en un entredicho constante. ¿Representamos lo que queremos creer que somos?. Unas cuestiones que cohabitan con varias líneas en un lenguaje rico y porqué no decirlo, divertido. Sin duda un acto de valentía y generosidad por parte de este colectivo, que nos acerca a una visión que por desgracia no solemos ver.
Patricia Jorge
La colonia de vacaciones de Javier Montero en el Teatro del Barrio
La colonia de vacaciones permite que «Las palabras» transmuten en conceptos, en cuerpos múltiples, en imágenes descontextualizadas. No es una obra de teatro al uso, es un juego a partir de formulaciones lingüísticas sobre las que construir mapas sociales y humanos. Un experimento sobre la palabra y el cuerpo.
Adolfo Simón
“Pradillo no se puede pintar de blanco” de Cuqui Jerez
“Pradillo no se puede pintar de blanco” es la propuesta de Cuqui Jerez para el “Espacio para Compartir” del Teatro Pradillo. Una jornada que consiste en un trabajo de investigación que se presenta al final de un periodo de tiempo establecido. En este caso se trata de un trabajo encaminado al uso de la imaginación, ante la imposibilidad de transformar el espacio de negro a blanco. Para ello se nos invita a jugar con los ojos cerrados y adentrarnos a un espacio completamente cubierto por folios en blanco y con unas nuevas posibilidades cómo: la composición atmosférica que crea la luz bajo esta base, el uso cromático de los colores y su propia distribución. Un trabajo que nos acerca a las posibilidades que nos ofrecen el blanco y el negro, y de cómo esta se ven reflejados en los cuerpos que la habitan.
Patricia Jorge
“Mystery Magnet” en Naves Matadero
“Mystery Magnet” es un trabajo colectivo basado en las obras del artista belga Miet Warlop. Se trata de una pieza auténticamente plástica y con un atractivo visual de gran expectación. Invitándonos a entrar a un imaginario mágico, se nos plantea situaciones absurdas y cagardas de humor, dónde la plasticidad de los elementos que se juegan y la composición visual, genera una atmósfera tan artística que toda idea del “arte” llega a ser tangible. Figuras peludas, maniquíes que cantan, dardos y colores por todas partes… son algunas de las piezas que nos presenta este universo que transforman el espacio inerte en un ser vivo, llevándonos al límite de lo posible. La destrucción nunca estuvo tan cerca de la creación, y es eso precisamente lo que nos plantea esta propuesta, un arte que evoluciona creando un lenguaje propio y hechizante.
Patricia Jorge
“Este verano hice parapente y me reconcilié con el vacío” del Antic Teatre en Pradillo
“Este verano hice parapente y me reconcilié con el vacío” es una pieza escénica de nuevas dramaturgias. Un espacio de investigación concentrado en la composición visual, de carácter video-fotográfico, y sonora. Se trata de una brecha a las nuevas posibilidades que nos proporciona la tecnología del siglo XXI, dando recorrido por un imaginario que unen aquellos tiempos anticuados que hoy día nos atreveríamos a llamar vintage. El uso del lenguaje sonoro como nueva línea de composición se ve alterado con el carácter nostálgico de aquellos casetes que recogían los grandes éxitos del momento. Aquellas canciones que hacían bailar a los loros. Todo ello envuelto en la luminosidad geométrica que nos recuerda a los bits de ordenador, delineando geométricamente con una gran variedad de colores. Un encuadre poco convencional pero con un gran atractivo visual y sensorial
Patricia Jorge
“Soñé una lenta masacre” en la Nave de Cambaleo
“Soñé una lenta masacre” es la pesadilla que recuerda los miedos, es una transformación y la ocupación de otro cuerpo. Es la muestra del punto donde los polos opuestos se encuentran. Es la fuerza de una pluma y la flecha en el telón de Aquiles. Se trata de un paseo largo por la evolución de las cosas, el cambio que trasmuta y vuelve al origen convertido en oposición. Una historia personal que nos recuerda que venimos al teatro a compartir este viaje de manera colectiva. ¿Cuántos años tienen las piedras? ¿Cuánto habrán caminado para llegar a ser lo que son? ¿Cuantas veces se habrán golpeado para que nosotros disfrutemos de sus suaves cantos?.
Es la piedra que tiro cuando escondo mi mano y dejo que desaparezca en el mar. Es el mar que se traga mi irá y mi rabia.
Estamos compuestos por materia orgánica y materia gris, y es esto precisamente lo que nos recuerda Menager. Nuestro esqueletos sigue albergando huecos deseosos de ser llenados, de ser tocados, pero sobre todo, de ser bailados una última vez.
Patricia Jorge
Que Revienten los Artistas 
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