Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

ESCENOGRAFÍA Y PLÁSTIICA TEATRAL en la obra de José Luis Raymond

raymondPensar en el espacio escénico ha sido pensar en el volumen que él representa. Estos conceptos fueron surgiendo en mi trabajo ya desde muy joven, puesto que siempre he visto al cuerpo como objeto en un espacio rodeado de otros objetos y en conjunto participando de un todo, con el color, la luz, la textura y su contextualizad. Podríamos decir que son las bases de la composición plástica, pictórica, llevada a la tridimensionalidad.

Es cierto que estas ideas me llegan desde muy joven, donde percibo y trabajo con la plasticidad y la forma a la hora de contar una historia teatral. Intuitiva pero que a lo largo de mi carrera se va concretando en ciertas obras y que se aproxima a los desarrollos de otros autores y artistas anteriores a mí. Descubro un camino que tenía que seguir y que en España en los años 70 y 80 faltaba por desarrollar, solamente se presentaba en la plástica como los desarrollos de los performances y las acciones teatrales, sin la dramaturgia visual como desarrollo y estudio del hecho teatral.

El crear espacios teatrales incluyendo las historias que contar o expresar fue lo que me llevó a desarrollar un trabajo que por mi mentalidad abstracta, me hacía huir de la narración convencional aristotélica. Esta idea ya se trabajaba en artistas y escénicos del este de Europa, además de ser escenógrafos, también utilizaban la historia teatral para dirigir sus propios espectáculos, llamados Directores de Teatro Plástico y que hoy en día siguen desarrollando esa labor investigativa. Con esta figura me identifiqué desde el primer momento, siendo E. G. Craig, Tadeus Kantor, La Bauhaus y las corrientes de las vanguardias históricas las que hicieron que me fuera conformando mi pensamiento teatral plástico y espacial.

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Con estos elementos como conceptos para entender el mundo de la representación, más los estudios en Bellas Artes y en teatro hace que funde una compañía de teatro,” Intervalo Teatro Studio de Bilbao” y “La Escuela de Teatro de Getxo,” donde pongo en práctica la concepción plástica teatral alejada de la decoración tradicional y el desarrollo escultórico de los personajes junto con sus movimientos y sus acciones como objeto escénico y narración o dramaturgia visual del espectáculo. Polonia en los últimos años del comunismo, hace la labor siguiente, la de concretar el trabajo anteriormente estudiado y céntralo en lo que iba a ser mi trabajo presente.

Mi llegada a Madrid fortuitamente hace el resto. Sigo con el desarrollo de trabajo en la Dirección escénica plástica y comienzo con la investigación de introducir estos procesos en los estudios de la RESAD, donde sigo en la actualidad enseñando y mostrando estas premisas de espacio plástico. Este trabajo lo compagino con la creación de espacios escénicos y escenografías para compañías privadas o estatales. Pedagogía y creación, dos elementos necesarios para seguir creando y enseñando. Arte y vida.

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A través de estos años me he encontrado siempre con un dicotomía entre la investigación plástico espacial y la narración teatral. Cómo introducir los conceptos plásticos contemporáneos en la actualidad teatral? Esta pregunta es la que me ha llevado a la investigación desde la enseñanza a la creación teatral. Por un lado sigo trabajando con los estudios espaciales en el ámbito de la narración teatral y que en pocas ocasiones se pueden presentar en escena y por otra, un desarrollo escénico más tradicional donde me encuentro con equipos que no conocen el desarrollo plástico contemporáneo y siguen pensando en conceptos que dejan poco ámbito a la creación e investigación, resintiéndose la puesta en escena.

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Después de más de 30 años de profesión el balance es positivo en cuanto sigo trabajando por adaptación al medio y por conocer el espacio de creación que se produce en el país, y donde la investigación desde hace pocos años ha comenzado a institucionalizarse con profundos estudios y donde se ha hecho que la enseñanza teatral sea un espacio creativo y el teatro una pedagogía investigativa.

Montenegro es ese espacio donde las ideas anteriores se expresan con claridad. Espacio y cuerpo, espacio y objeto. Escenografía al completo.

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Desde hace bastantes años trabajo con el dramaturgo y director de escena Ernesto Caballero y hacemos un buen tándem de conocimiento escénico y personal. Imprescindible para entender el pensamiento de la puesta en escena. Es este compendio de entendimiento y gusto por una determinada mirada de ver la plástica y el universo teatral, el que hace que Montenegro sea otro trabajo más a preparar con minuciosidad y proceso creativo. Ernesto desde el primer momento ya me comunicó la idea de un puente que reflejara, por una parte la trayectoria del personaje central de Montenegro, su recorrido y por otra parte el lado costumbrista de la zona donde se desarrollaban las tres historias. Galicia…El resto, quiero decir el concepto global de este personaje “el puente”, fue creciendo en color, forma, textura y luz a través de los ensayos y las necesidades que los actores iban necesitando para darle más vida, para ser un compañero más de actuación.

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Al tiempo que se representaba Montenegro en el CDN, en la Sala Valle Inclán, se encontraba en cartelera otra obra también diseñada y realizada con Ernesto Caballlero, “Doña Perefecta” de Benito Pérez Galdós y que se reponía con el éxito de la temporada pasada.
Además había presentado en el Museo del Prado, otra escenografía para una obra de Calderón, “Dar todo y no dar nada” con dirección escénica de Nuria Alkorta, se reponía la obra “Málaga” con dirección de Aitana Galán, “Tres hermanas” de Chéjov con dirección de Jesús Salgado, y algunos montajes más con alumnos de la RESAD, sin olvidar el trabajo de investigación espacial al que sigo fiel.

En la actualidad estoy en dos proyectos escenográficos y dos Puestas en escena, sin confirmar, por lo que no puedo comentar nada hasta que no estén más desarrollados y avanzados los proyectos.
Algunos de estos posibles proyectos vienen dados si el famoso y aterrador 21% de I.V.A sigue afectando al teatro, al cine y en general a la cultura, tanto a los creadores como a los receptores del hecho creativo. Se siente y se percibe que han dejado de consumir cultura un gran número de público y esto está haciendo peligrar a los sectores culturales y sobre todo a los creadores. Solamente bajarlo y ponerlo al nivel de los países europeos, hará que haya una atracción más plena y más sugerente de atraer más público a los recintos artísticos.

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Veo bastante creación artística tanto de los nuevos creadores porque me encuentro en la enseñanza de estos o de ideas de creadores que no siendo tan jóvenes realizan procesos en ocasiones más novedosos que los anteriores. Desde que se han institucionalizado las enseñanzas artísticas los procesos han evolucionado de tal manera que hoy en día hay pocas diferencias creativas entre países, aunque sí hay diferencias de realización y de concepto, y por sus presupuestos económicos sociales y culturales.
De esta manera, estoy viendo grandes ideas, buenos profesionales individuales, creadores que con otro proceso de trabajo y ayuda, estarían en la vanguardia universal y que se quedan mutilados por falta de estas ayudas y de tranquilidad creativa. La tranquilidad viene dada por la estabilidad emocional y por el apoyo moral a su trabajo.

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En la actualidad la creación llega desde la necesidad, aunque esta siempre ha estado presente en el desarrollo creativo y nuestra generación ha crecido con ella, el teatro independiente de los 8o, era eso, la crisis actual. Ver, observar, ser curioso y trabajar son los conceptos para participar de la creación. La economía ayuda.

La formación escenográfica ha crecido y está comenzando a dar sus resultados más globales en las artes escénicas, desde que han aparecido los estudios específicos tanto de estos como de otras disciplinas artísticas. La escenografía siempre ha estado presente en nuestros teatros, mejores o peores, pero siempre han sido admiradas por el público porque les colocaban en espacios que imaginaban y que les gustaría estar. Los estilos artísticos les han acompañado, y se han ido desarrollando al tiempo que la evolución del arte. España ha tenido y tiene grandes artistas que las diseñan, que las hacen visibles para que el conjunto de creadores que trabajan en la escena, entre todo formen parte del cuadro viviente que es la escena.

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Los escenógrafos actuales son los artistas actuales que reflejan lo que viven y lo que necesitan para contar sus historias de manera expresiva y que nos dan con su creación la posibilidad de dibujar el futuro, su futuro y nuestro futuro. Del arte a la escena y de la escena al arte.

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