Vientos que nos barrerán de Cristina Redondo en el Centro de Arte Fernán Gómez
¿Qué pasaría si un día cualquiera recibes la llamada de tu padre diciéndote que tu madre se ha ido de casa?, este es el punto de partida de la pieza que genera un desequilibrio entre los personajes. Ya, desde el espacio escénico, aparecen sugerencias y signos que nos indican que vamos a entrar en una obra donde la realidad se ha truncado porque el delirium tremens ha entrado a escena.
Adolfo Simón
New York! New York!…
¿Es posible pasar un fin de semana en New York sin ir al teatro?…Si vas a New York conviene ir a algún museo, pasear por Central Park o darte una vuelta por el Barrio chino o por el Bronx…pero lo que no puedes es, si vas unos días a New York…no acudir al teatro. Esta ciudad mítica para todos los que amamos la escena, tiene múltiples opciones en la cartelera, desde los famosos musicales a las obras más vanguardistas, pasando por los estrenos de autores de hoy que más tarde serán traducidos a muchos idiomas. En mi breve estancia en esta fascinante y enloquecida ciudad, he tenido ocasión de disfrutar de tres obras…
Casi desde el aeropuerto, fui directamente al Teatro Círculo para disfrutar de El burlador de Sevilla de Tirso de Molina en la adaptación de José Luis Alonso de Santos y dirigida por Mariano de Paco Serrano en una puesta en escena con el público en diferentes bandas, huyendo del patio de butacas a la italiana. Pero no solo este detalle sorprende en este estreno en New York, también la lectura escénica que el director ha hecho, aprovechando la multiculturalidad del elenco, ha creado un caleidoscopio en el que se dan la mano canciones populares con rasgos raciales. Sin duda, una propuesta arriesgada y sugerente que espero sepan disfrutar los aficionados de esta ciudad.
Y no pude evitar colarme en alguno de los musicales que tal vez después lleguen a la cartelera de Madrid o no…
Por un lado, me apetecía ver uno de formato teatral y la elección fue acertada porque fui a ver Kinky Boots en la adaptación que se ha hecho de la película para la escena. Salí satisfecho porque la propuesta combinaba bien lo teatral con la espectacularidad, sobre todo en las escenas musicales.
Y también tenía que disfrutar de un musical de gran formato y ahí también elegí bien…Wicked es la historia del origen de las brujas del Mago de Oz. Aquí, en un escenario de grandes dimensiones y espectaculares efectos, seguí como un niño la historia para descubrir porque la bruja verde fue tan mala y, en apariencia, la bruja blanca fue estupenda…pero…no siempre aquello que parece es…y no voy a desvelar más por si acudís a New York un día de estos.
Adolfo Simón
Jane Eyre en el Teatro Español
Lo fascinante de esta propuesta es que da luz a la vida de Jane Eyre sin estridencias ni discursos maniqueos, desde la adaptación, la interpretación y la propuesta sencilla y poderosa de la puesta en escena, se insiste en hacer visible la belleza y la ética de un personaje a pesar de que para el mundo es fea y molesta. Durante dos horas seguimos las peripecias de Jane como si fuese nuestro viaje vital, ese que a veces sentimos que se convierte en un callejón sin salida, porque todos y todas, nos sentimos Jane Eyre en algún momento de la obra. Este montaje dignifica a todos los seres que no suelen tener una oportunidad para soñar y encontrar su camino y se realiza desde la sencillez y el poder de una escena sin grandilocuencias, centrado en la verdad y la emoción.
Adolfo Simón
You & Me de Mummenschanz en los Teatros del Canal
You & Me, de la compañía suiza Mummenschanz se cataloga como espectáculo para todos los públicos. Efectivamente, cualquier persona de cualquier rango de edad puede disfrutar del mismo. La ausencia de palabra durante toda la obra contribuye a la creación de un lenguaje universal, tan natural, que los primeros cinco minutos son suficientes para llevar al público a su mundo y hacerle participe de él. A partir de ese momento, el espectador solo tiene que dejarse llevar por el universo mágico que se despliega ante sus ojos. Durante la obra se suceden una serie de escenas independientes donde la carcajada se entremezcla con la fascinación. Lo imposible con lo humorístico. Un despliegue continúo de imágenes y mundos cambiantes, a veces tiernos, a veces surrealistas, a veces paródicos; que sorprenden continuamente al espectador. Y si gran parte del éxito de la pieza se basa en el ingenio y la fantasía de las propuestas, no menos importante es el cuidado, la precisión, la pulcritud y la técnica corporal de las que los cinco intérpretes se sirven.
Guille Pavón Gray
Una enloquecida aventura interior en el Teatro Pavón Kamikaze
Proyecto que forma parte de la I Residencia Artística El Pavón Teatro Kamikaze. Una enloquecida aventura interior plantea un recorrido por la vida de seis mujeres a través de su particular visión del mundo y de su vía de escape: el arte. Seis mujeres poetas, novelistas, cantautoras. Todas ellas decidieron poner fin a sus vidas, hecho que pasó a convertirlas en “poetas suicidas”. La pieza, presentada en el Ambigú del teatro, explora el espacio consiguiendo efectos sugerentes en los ventanales; uno de ellos se convierte en un lienzo que se transforma en directo y en el espacio mínimo restante, las actrices transitan por múltiples emociones para hacer transparente la poesía de estas mujeres inspiradoras, consiguiendo que su viaje al vacío, se entienda a través de su obra y del final de sus vidas. Una obra intensa, llena de curiosas soluciones escénicas e interpretativas.
Adolfo Simón
Animaciones escénicas
Esta semana se celebrará el Día de la animación y parece que la escena teatral se ha adelantado a este acontecimiento. En Naves del Matadero se ha podido disfrutar de La Consagración de la Primavera en una versión muy peculiar, la proyección en pantalla gigante de los dibujos realizaciones por Sagar para recrear esta obra musical de Stravinsky que, en directo, estaba acompañada de la música del genial compositor a cargo de la Orquesta del Teatro Real. Una experiencia curiosa para todo tipo de público. Y en Cuarta Pared, también para público familiar, se ha presentado el espectáculo Años luz, una pieza exquisita en la que se combinaba las música y efectos en directo mientras las proyecciones y sombras chinas, fusionadas con el trabajo actoral, generaban un juego potente para hablarnos de la amistad y la necesidad de soñar un mundo mejor.
Adolfo Simón
Venus en los Teatros del Canal
Cinco personajes coinciden en un café. A través de encuentros y conversaciones, viajarán a diferentes momentos de su vida en un período que comprende desde los años sesenta hasta nuestros días. En una realidad donde el tiempo parece que no existe, poco a poco, la relación entre ellos irá saliendo a la luz para descubrir secretos y sentimientos que permanecían ocultos. En esta obra intimista se nos sumerge en una atmósfera llena de sugerencias cinematográficas, a través de la cual nos invitan a pensar sobre la posibilidad real de elegir sobre nuestra vida, sueños y fantasías. A veces, la realidad se parece a una canción y en otras ocasiones, nos recuerda una escena de alguna película de nuestra adolescencia…¿Vivimos o soñamos?…
Adolfo Simón
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/venus-victor-conde-teatro/
Luces de Bohemia en el CDN
Una nueva mirada sobre esta gran obra de Valle Inclán, en esta ocasión, de la mano de Alfredo Sanzol que ha ido a la esencia del texto, huyendo de la artificiosidad que se plantea en ese periplo nocturno por Madrid. Alguien ha comentado que en realidad es un gran guión de cine y siempre se cae en la tentación de reproducir todos los espacios que se proponen durante el relato y esa cuestión, muchas veces distrae lo que el gran autor quería contar que no era tanto un viaje al exterior de una ciudad si no a las entrañas de la misma a través de sus personajes. Sanzol desnuda el escenario e instala una serie de espejos creando los extrañamientos de situaciones y seres que vagan sin rumbo por la ciudad y sus fantasmas. Una propuesta austera, centrada en el trabajo de actores y el léxico espléndido de Valle.
Adolfo Simón
Katiuska en el Teatro de la Zarzuela
Opereta en dos actos con música de Pablo Sorozabal y libreto de Emilio González del Castillo y Manuel Martí Alonso
Se estrenó en el Teatro Victoria de Barcelona, el 27 de enero de 1931 y ahora se presenta en el Teatro de la Zarzuela en una producción del Teatro Arriaga de Bilbao, coproducida por el Teatro Campoamor de Oviedo, el Teatro Calderón de Valladolid y el Teatro Español de Madrid donde se presentó hace unas temporadas. Katiuska es la primera obra para la escena que compuso Pablo Sorozábal, dando así el compositor un giro de la música sinfónica a la lírica. La obra manifiesta un claro interés por una sencilla historia que tiene como trasfondo un episodio de la Historia de Rusia, pero sin entrar en vericuetos complicados. El director de escena, Emilio Sagi, presenta la historia como un ejercicio de evasión del público de la época ante la dura realidad. Su finalidad, hacer una Katiuska «cinematográfica y nostálgica» y «plasmar aquellos años grises» de la Revolución de 1917 encerrados en un gigantesco marco dorado sobre un paisaje en ruinas. De este modo, la obra original adquiere una dimensión mayor al conseguirse con la puesta en escena, una atmósfera intensa y potente a nivel dramático gracias al cruce de las situaciones narradas en un contexto de intensidad poética.
Adolfo Simón
Un bar bajo la arena de José Ramón Fernández en el CDN
Cuando llegué a casa me hice un bocadillo de queso con anchoas y mientras lo devoraba, seguí con la emoción de lo que había vivido en la Sala de la Princesa del Teatro María Guerrero. Se cumplen este año cuatro décadas de la creación del Centro Dramático Nacional y lo celebran con esta obra que no es nostálgica, más bien hace honor a la memoria de tantos personajes y actores como han vagado por lo que fue la cafetería del teatro. Allí, se iniciaron amores, carreras profesionales… y ahora se puede revivir el eco y la presencia de tantos seres que todavía vagan entre estas paredes. José Ramón Fernández ha escrito el diario de aquel lugar, con saltos de tiempo y de experiencias personales o reales ocurridas allí; como pasa en la vida…No siempre sabemos si lo que estamos viviendo es realidad o ficción…y allí, sentados en un patio de butacas ocupado por algunos de los que experimentaron el periplo de este lugar, como Segismundos amnésicos, acompañamos a cada personaje que se cuela por las paredes o acude al lugar para recuperar aquella escena ensayada y mil veces interpretada. Trozos de memoria del público y los artistas…y de las obras que allí surgieron de las tinieblas…Ernesto Caballero junto a un equipo dúctil de actores, transita por la historia reciente de nuestro teatro, de puntillas y acariciando la memoria. Gracias!.
Adolfo Simón
Dirty Dancing en el Teatro de La Luz Philips
En el verano de 1963, la joven de 17 años Frances “Baby” Houseman está a punto de aprender una de las mayores lecciones de la vida, así como un par de cosas sobre baile. Estando de vacaciones junto con sus padres y su hermana mayor en el lujoso hotel Kellerman’s en Catskill, Nueva York, Baby muestra muy poco interés en las actividades recreativas del lugar hasta que encuentra una mejor forma de entretenerse cuando descubre por accidente una desenfrenada fiesta llena de música y baile en el área de empleados del hotel. Fascinada por los provocativos pasos de baile y los hipnóticos ritmos musicales, Baby no podrá esperar ni un segundo más para ser parte de ese mundo, sobre todo tras conocer a Johnny Castle, el carismático instructor de baile del hotel. Su vida cambiará para siempre en el instante en que Baby se transforme en la compañera de baile de Johnny tanto en el escenario como fuera de él, dos jóvenes espíritus ferozmente independientes y de mundos distintos que se unirán en lo que será el más desafiante verano de sus vidas. No importa si viste la película, el musical aborda la historia desde la mirada a un tiempo en el que los sueños eran posibles y la magia podía aparecer a la vuelta de la esquina. Es una ocasión para recuperar la estética de los sesenta que llenó nuestros ojos de color y diversión…Sin nostalgia podremos recuperar los sueños de adolescente para darles una nueva oportunidad en este viaje a las canciones y el baile de la mano de una propuesta efectiva y resuelta con efectos sencillos.
Adolfo Simón
La noche justo antes de los bosques en CONDE DUQUE
La noche justo antes de los bosques es un texto fundamental de la dramaturgia francesa contemporánea, pero no tan conocido ni representado en España. Koltès, en 1977, pone en boca de un extranjero que da vueltas por la ciudad un discurso que cuarenta años después y en un contexto diferente sigue sorprendiendo por su vigencia y potencia literaria, pero no solo literaria, de lo que se habla es, casi más rabiosamente actual en nuestros días… Un hombre sin lugar donde poder detenerse y pensar, un hombre sin patria ni destino, un hombre que trata de mirar la realidad, aunque le asfixie, un hombre sin derechos, condenado por su piel y su origen…Un hombre como tantos hay en los suburbios de las grandes ciudades, allí donde la lluvia no cesa de caer. Fernando Renjifo traslada la acción al patio del Conde Duque donde el personaje está perdido en la noche y la soledad, entre esos muros cargados de historia y violencia, allí lanza su grito contra la oscuridad del cielo de la ciudad.
Adolfo Simón
EL PUEBLO DE LOS MELLADOS por Félix Albo en los Teatros Luchana
Un espectáculo en el que humor e intriga se mezclan con sorprendente precisión. Cuatro asesinatos perturban la vida de un pueblo. El Guardia Civil autóctono, junto a un alto rango y dos agentes en prácticas venidos de la capital, comienzan una investigación que altera más aún la vida de los lugareños. Un espectáculo en clave de cuento fantástico narrado donde el actor se desdobla en múltiples personajes con guiños al público todo el tiempo.
Adolfo Simón
Fausto en el Teatro Real
La leyenda de Fausto, el hombre que vende su alma al diablo a cambio de poder y conocimiento, bebe de diversas fuentes populares. Al igual que la de Orfeo o la de Don Juan, ha pervivido a lo largo de los años plasmada en un sinfín de manifestaciones artísticas. Solo en el terreno musical, ha inspirado a compositores tan diversos como Richard Wagner, Franz Schubert, Gustav Mahler o Hector Berlioz. No escapó tampoco Charles François Gounod a esta historia hipnótica, a partir de la cual compondría la que acabaría siendo su ópera más popular. En esta propuesta estrenada en el Teatro Real y dirigida por Àlex Ollé (La fura dels Baus) se huye de los habituales efectismos del sello furero para centrarse en la historia que nos muestra el mal y el bien como las dos caras de una misma moneda. Un mundo futurista donde todo está en manos de la investigación y el deseo por trascender, los hombres se convierten en seres sin humanidad, cercanos a los robots que no tienen sentimientos pero si ambición. Un universo plástico lleno de referencias al comic y las películas catastróficas acompaña a Fausto en su bajada a los infiernos, allí donde descubrirá sus miserias y la cara oculta de su personalidad. Musicalmente fue impecable la orquesta, dirigida por Dan Ettinger.
Adolfo Simón
Otelo a juicio en el Fernán Gómez
Una abogada independiente, que busca abrirse un hueco en el competitivo – y masculino – mundo del Derecho, recibe, a altas horas de la noche, a un misterioso cliente. Un hombre de negocios en el momento más dulce de su vida, disfrutando del éxito más absoluto, necesita ayuda legal. Ha estrangulado a su mujer y se llama Otelo. Así empieza una historia que podría haber salido en primera plana de una periódico y que nos permitirá entrar en el subconsciente de un hombre que al enfrentarse a sus fantasmas dará saltos en el tiempo para que el verdadero Otelo le muestre las razones de su crimen. Esta propuesta entre el clasicismo y la contemporaneidad, nos permite conocer más a fondo la psicología de los personajes de Shakespeare a través del perfil que adopta el Yago de hoy frente al Otelo de ayer.
Adolfo Simón
Monta al toro blanco de Íñigo Guardamino en el Teatro Pavón Kamikaze
Monta al toro blanco es una comedia negra como el fondo del mediterráneo, una obra que habla del final de esta escapada, del momento en el que la Unión Europea se encuentra en una encrucijada, el instante decisivo, y lo hacen con historias que forman un estado de ánimo, un intento de juntar los cristales rotos del espejo que era Europa. Monta al toro blanco es un caleidoscopio en el que se cruzan miradas reales con otras cargadas de artificio, arañazos de vida con últimos alientos de muerte y destrucción. El toro blanco somos todos, en nuestra intimidad y en nuestro espacio público. El rompecabezas está desordenado con inteligencia, como pasa en el día a día, no hay líneas rectas en el camino ni metas alcanzables, hay confusión y desconcierto. Todo es un poema abrupto escrito delante de un mundo en ruinas para hacernos imaginar el naufragio del otro mundo. No hay concesiones ni deferencias para nada, todo es un fresco de muerte y desesperanza.
Adolfo Simón
Tierra baja y Lluís Homar a partir de la obra de Àngel Guimerà en el Teatro de la Abadía
Esta propuesta es un acercamiento actual y contemporáneo a una de las obras más emblemáticas de la literatura catalana. Esta nueva interpretación del clásico de Àngel Guimerá es un proyecto muy personal de Lluís Homar que, con dramaturgia y dirección de Pau Miró, presenta un Tierra baja inédita, para una sola voz, asumiendo en solitario todos los papeles de la obra: el ingenuo pastor Manelic, que desciende de la tierra alta a la baja de las pasiones humanas más turbulentas, así como Marta, obligada a casarse con él, e incluso el señor Sebastián. Pocas veces se puede disfrutar de un recital interpretativo en el que lo clásico y lo contemporáneo se dan la mano en la escena. Pocos actores son capaces de, una vez haber conseguido el prestigio y respeto de público y crítica, sumergirse en un juego escénico donde no hay límites ni artificio. Lluís Homar juega con los fantasmas de la tierra y la hojarasca para desvelar el rosto del lobo que, para cada uno tendrá una cara distinta. Cuando termina la función, se sale del teatro con la sensación de haber estado en un mundo mágico y sencillo, donde todo es posible con mover una mano o mirar tras una puerta.
Adolfo Simón
La ronda en el Conde Duque
Cuando cae la noche, un vigilante cierra el portón de la entrada principal del Conde Duque. A partir de ese momento, nadie puede entrar. Bibliotecas, archivos, teatros, oficinas, salas de exposiciones, pasillos, sótanos… descansan indolentes, silenciosos. Durante seis noches, en pequeños grupos, el público conocerá la intimidad nocturna del edificio y de sus guardianes. Entre realidad y ficción, entre visita turística y espectáculo, La Ronda es una propuesta artística que toma la forma de recorrido. Un paseo que cruza el teatro y el museo, el vestíbulo y el patio, pero sin detenerse ahí, sin demorarse más de lo imprescindible, porque para llegar a un lugar siempre hay que atravesar otro… Una oportunidad única para llegar a las entrañas del lugar y pisar por las piedras que han visto la historia de la ciudad de Madrid. Como dice un vigilante, el espacio duerme de día y por la noche habla y es verdad, sensaciones y sensorialidad acompañan a los visitantes entre ruido y silencio.
Adolfo Simón
Sidra en vena en el Teatro Lara
Escrita y dirigida por JuanMa Pina y producida por Montgomery Entertainment, Sidra en vena es la quinta comedia que este autor y la productora estrenan en el Teatro Lara en los últimos cuatro años. Compartirá sala con la exitosa Lavar, marcar y enterrar, del mismo autor y productores, que lleva representándose casi cinco años y que está cerca de convertirse en la obra más longeva del Off madrileño. Un disparate pop lleno de personajes que bordean el delirium tremens y que esconden muchos secretos. Una obra que recuerda al comic y a los autores de La Codorniz, humor rayando la astracanada y el disparate.
Adolfo Simón
«Fedra» en el Teatro la Latina
Quedan muy pocos días para disfrutar en Madrid, de esta Fedra que Paco Bezerra y Luis Luque han reinterpretado y adaptado para hablarnos del amor y la culpa. Un texto bello y contundente como la interpretación de Lolita Flores, reencarnada en una Fedra pasional pero profunda y contenida, combativa y muy sexual que se desata mostrándonos el verdadero final que ideó Eurípides para ella.
Crear un volcán escénico tiene muchas connotaciones. Es una imagen impactante que nos sumerge directamente en el ideario de su personaje principal, en esa metáfora que se nos pretende mostrar y esto ha sido un verdadero acierto a la hora de encuadrar escénicamente la obra.
El final, contundente, como realmente hubiese querido Eurípides
Luis Mª García
Una gran emoción política de Luz Arcas y Abraham Gragera en el CDN
Desde el exilio, María Teresa León esperaba regresar algún día a su país libre de la dictadura franquista. Cuando por fin pudo hacerlo, en 1977, el alzhéimer no le permitió reconocer la tierra que pisaba. España y María Teresa han sufrido el mismo destino: el borrado de memoria, la enfermedad del olvido. Este es el punto de partida de una pieza de danza teatro que podría haberse quedado en un lienzo abstracto sobre el personaje y la enfermedad que llenó su mente al final de su vida y, sin embargo, se utiliza el cuerpo, la música y el espacio…también la palabra deconstruida, para ahondar en el universo comprometido de María Teresa León y en cómo se rebela para no olvidar las injusticias y soñar con un futuro mejor. La pieza se divide en dos partes, una primera en la que el espíritu de la escritora vaga por la escena, bordeando la ceniza suspendida de los recuerdos…en la segunda, los fantasmas y los miedos se adueñan del escenario para crear universos de pesadilla donde el dolor se cruza con la desesperación y la impotencia por no poder mantener el imaginario firme y la ética como emblema. Una pieza emocionante y comprometida.
Adolfo Simón
«Remember Queen» en el Teatro Phillips de la luz
Ojalá pudiéramos ver en vida a Freddie Mercury intrpretando los temas más emblemáticos de Queen, pero la vida es así de injusta, al cielo le gustan las estrellas y se las lleva de esta tierra. No obstante se agradecen propuestas escénicas que nos trasladen a 1986 cuando el grupo tenía ya una fama mundial y medios para crear un gran espectáculo con sus canciones.
Remember Queen es una propuesta que pretende darnos una imagen fiel de esa Gira de Queen en el 86 y que cuida hasta el más mínimo detalle de este espectáculo. Aunque a veces se pierde el ritmo del concierto debido a los cambios de vestuario, ya que se pretenden emular varios looks de Freddie emblemáticos en su vida, la fuerza con la que actúa Piero Venery nos perfila la figura del cantante. El sonido en general y la emulación de Brian May por Leonardo Giananetto de sus solos con la guitarra eléctrica son buenos y están perfectamente medidos para poder disfrutar de ellos.
El escenario de un teatro se queda pequeño para revivir a Queen y ojalá esta propuesta pueda trasladarse a otros más grandes donde disfrutaremos como si las estrellas volvieran a pisar la tierra.
Luis Mª García Grande
«Sous la plage» de M.Villanueva Mir, G. Valverde Ros y M. Bitari en ÍDEM en La Casa Encendida
Interpretada por el periodista sirio-palestino Mohammad Bitari, Sous la plage propone un espacio de reflexión crítica sobre la construcción del discurso europeo sobre los conflictos en el mundo árabe y la así llamada “crisis de los refugiados”: un discurso que pretende definir quién es el «otro» pero que, finalmente, dice mucho más sobre quiénes somos nosotros. Sous la plage plantea interrogantes sobre los discursos y las paradojas generados alrededor de las revueltas en los países árabes y su actualización en la actual crisis migratoria. Una pieza escénica interdisciplinar en la que el discurso ético se cruza con los efectos sonoros y audiovisuales. Una obra que busca en el espectador una actitud activa y reflexiva sobre el mundo de hoy.
Adolfo Simón
Happy Island de IDEM en La Casa Encendida
El festival arrancó con el estreno en España de la última pieza de La Ribot, Happy Island, realizada en colaboración con el colectivo de danza inclusiva portugués Dançando com a diferença. Una pieza de danza y cine con cinco bailarines profesionales con discapacidad física e intelectual en la que, La Ribot, performer y coreógrafa ha desarrollado su faceta más autentica, dejando libertad absoluta en el proceso de creación y aceptando el discurso técnico y expresivo que ha dado como resultado el encuentro entre este grupo de artistas que han dialogado gracias a las diferencias, creando de algún modo, un lugar común diferente, sugerente y sin prejuicios. Una pieza donde no se puede descubrir quién puso el punto de partida en el viaje y quién bajó el telón imaginario.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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