«Grinder, el musical» en el Teatro Fígaro
La historia del ligoteo gay masculino resumida en un cabaret fresco, desinhibido y cachondo sigue en cartelera después de dos años de su estreno en el Teatro Fígaro. Desde esos anuncios por palabras y esas cartas ocultas hasta la modernidad de las app, Miss Grinder, la representación de este programa que se reencarna en una especie de ama sadomaso y que nos va desvelando las diferentes personalidades a través de cinco chicos extraídos de esos perfiles siempre tan originales… Los artistas derrochan simpatía y profesionalidad a la hora de interpretar sus papeles y sus canciones.
La escenografía es versátil y ayuda a crear un ritmo dramatúrgico junto a las canciones que nos recuerdan diferentes musicales históricos. La participación del público es obligada debido a este formato cabaretero y también hay reminiscencias de diversas divas gais trasnochadas o no tanto cuando deciden también reinventarse a golpe de himnos patrióticos.
Grinder el Musical está abierto a todo el mundo, sin barreras y sin wifi y eso es importante también como avance en las reivindicaciones de este colectivo.
Luis Mª García
“Cronología de las bestias” en el Teatro Español
“Cronología de las bestias” es la última propuesta que podemos ver en la sala principal del Teatro Español. Hablamos de una propuesta que indaga la mentira travestida, y que bajo ella se encuentra un acontecimiento de duelo u olvido. Con un juego atemporal de los sucesos, vamos dejando entrever una comedia sátira que muestra la necesidad de crear un mundo bajo la irrealidad. Se trata pues, de la supervivencia de unos seres que prefieren no conocer y no mirar atrás. Construyendo su identidad desde el punto en el que un día la mentira se convirtió en verdad. Por ello la lógica del engaño ya no conoce de parámetros y ya nadie conoce cual es la autentica verdad de la ficción. Una cronología que nos da que pensar, ¿hasta que punto somos capaces de manipular?.
Patricia Jorge
Aida en el Teatro Real de Madrid
En Aida conviven, como en pocas óperas, lo grandioso y lo íntimo: al sanguinolento enfrentamiento entre etíopes y egipcios se yuxtapone el amor de Radamès, jefe militar de estos, por Aida, esclava de aquellos. El suyo es un amor más poderoso que el odio entre ambos pueblos, las diferencias sociales y las convicciones incompatibles; un amor tan sólido como el muro que impide su consumación.
Verdi eligió esta historia tras rechazar una amplia gama de alternativas que iban desde tramas cómicas hasta temáticas a partir de las cuales hubiera podido componer una gran opera. Se implicó intensamente en el proceso de redacción del libreto que firmaría Antonio Ghislanzoni, con quien ya había colaborado en la revisión de La forza del destino, y su estreno en la Ópera de El Cairo, inaugurada solo dos años antes, resultó todo un éxito. Como parte de la celebración de su bicentenario, el Teatro Real ha querido rendir homenaje a su propia tradición, rescatando de sus almacenes parte de la escenografía de la producción de 1998 que tanta admiración levantó en su momento, y que durante mucho tiempo fue imposible reponer por sus complejos requerimientos técnicos y humanos. Aida ha vuelto al Teatro Real con un alarde técnico impresionante. A las estructuras mecánicas y escenográficas hay que sumar la video creación que genera atmósferas muy sugerentes, creando perspectivas que dan monumentalidad a la obra. Y, además, otros aspectos técnicos dar espectacularidad a los momentos grandiosos y delicadeza a los íntimos. Hay imágenes estáticas de una belleza impresionante, creando frisos humanos que parecen esculpidos en la escena. Todo el elenco principal es excelente pero el cuerpo del coro y figuración consigue muchas secuencias impactantes. A todo ello hay que sumar la música que envuelve cada escena dando brío y belleza a esta impresionante opera.
Adolfo Simón
Mamá en el Teatro Lara
‘Mamá se está muriendo. Tiene cáncer de pecho, o tal vez de pulmón… ahora no lo recuerdo”.
Así comienza la confesión de la protagonista de esta obra de teatro, una joven que presume de arrasar en las discotecas y de lucir los mejores estilismos. Entre alcohol y risas, Eva nos confesará su miedo a los cambios, a crecer, al cáncer, a despedirse, a confiar y a amar. Nos adentraremos en el baúl de los recuerdos de Eva recorriendo su infancia, las aventuras de su adolescencia y la enfermedad de su madre, que la obligará a hacerse adulta mucho antes de lo previsto. A menudo terminamos siendo los padres de nuestros padres, hay un momento en la vida que el relevo generacional se da y nos convierte en seres que vagamos como sonámbulos por la noche eterna del crecimiento.
Adolfo Simón
Este es un país libre y si no te gusta vete a Corea del Norte de Iñigo Guardamino en la Sala Mirador
Este es un país libre y si no te gusta vete a Corea del Norte es una comedia negra de tierra quemada. Historias sobre nacer, crecer, reproducirse y morir en una sociedad enferma. Una obra que quiere hablar de lo que somos y la alternativa. Si es que existe. Este texto con el que la compañía trata de explicar la razón y sentido de esta pieza dramática se acerca bastante a lo que ocurre en la escena…Un espacio desolado, cargado de identidades huecas permite que afloren seres que parecen sacados de un collage publicitario de un tiempo y un mundo a la deriva. Un constraste brutal entre la realidad que vivimos a diario y la que soñamos como imposible. Teatro de texto e imagenes visto a través de espejos deformantes.
Adolfo Simón
Senecio Ficciones de Sara Molina en La Casa Encendida dentro del Festival de Otoño a Primavera
Sara Molina es considerada por muchos como una de las decanas de nuestro teatro de vanguardia. Actriz, dramaturga y directora, la que fuera fundadora en 1995 de la compañía Q. teatro de la que es directora artística. En el Festival de Otoño a Primavera ha mostrado su última creación, Senecio Ficciones, que apunta hacia una de las constantes de su trabajo: la de dramatizar la teoría. Construida a partir de un esquema de sucesivas enseñanzas (primeras, segundas y terceras enseñanzas al joven Senecio, el arlequín del famoso cuadro de Paul Klee), la pieza reflexiona sobre un tema trascendente con intensidad, humor y un fantasioso lirismo. El resultado compartido con el público asistente, está más cerca de una sesión de reflexión teórica que una exposición escénica sobre el conflicto palabra y cuerpo.
Adolfo Simón
“Una introducción” de Olga de Soto en los Teatros del Canal
“Una introducción” de Olga de Soto es un trabajo de investigación acerca de “La mesa verde” de Kurt Jooss (maestro de Pina Bausch). Se trata de un trabajo documental que recorre diferentes puntos de vista y que ahonda en las numerosas líneas de la materia como elemento de creación. Para ello investiga la vida de los bailarines que formaron parte del primer montaje y los más cercanos, cronológicamente, que pudieron ver y bailar la pieza. Realiza un recorrido por la memoria desde diferentes prismas, lo que hace que la pieza se acerque al verdadero contexto de la época. Sin duda se trata de un viaje circular que destripa las connotaciones que hacen de esta danza una auténtica obra atemporal.
Patricia Jorge
La espina que quiso ser flor o la flor… de Olga Pericet en los Teatros del Canal
La espina que quiso ser flor o la flor que soñó con ser bailaora. Lo femenino y lo masculino, la luz y la oscuridad, el drama y la ironía, la fealdad y la belleza, la contundencia de la espina y la delicadeza de la flor. Todo ello encarnado en el cuerpo de baile de Pericet y distribuido en composiciones escénicas ideadas por Carlota Ferrer para ella. Un viaje intimo que nace de las heridas y los besos y que, a través del baile y el cante, con granaínas, bulerías, tanguillos y tangos, nos conduce desde lo desconocido a la luz. El flamenco ya salió del rincón de la tradición para instalarse en el universo de la contemporaneidad, por suerte, de unos años a esta parte, estamos disfrutando de propuestas que parten del riesgo, de la ruptura…de mezclar lenguajes y poéticas para encontrar el flamenco del futuro, sin límites ni corsés…las espinas han de transformarse en flores.
Adolfo Simón
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/olga-pericet/
Antártica en Galileo Teatro
The Bag Lady Theater es una compañía que trabaja en los límites entre el teatro de objetos y el teatro físico, sin palabras, por un camino decididamente contemporáneo. Antártica es su segunda creación, inspirada en la expedición liderada por Ernest Shackleton, es un homenaje a las mujeres que en la espera quedaron para siempre enterradas en el hielo y a las que decidieron que la única derrota verdadera era la de no salir a explorar jamás. Una pieza breve e intensa que se asemeja a los sueños, esos que, al despertar, no sabes si fueron reales o no. El Teatro Galileo está programando propuestas diversas, buscando espectáculos que conecten con el público de hoy.
Adolfo Simón
La Casa del lago de Aidan Fennessy en la Sala Pequeña del Centro de Arte Fernán Gómez
Óscar Almeida, abogado criminalista, despierta una mañana en la habitación de un hospital sin saber cómo ha llegado allí. Alicia entra en la habitación con una carpeta, un ordenador portátil, documentos y varias fotografías. Información acerca de un terrible accidente en el que Óscar se ha visto involucrado, pero del que no recuerda nada. Alicia debe trabajar rápido para unir las piezas del puzzle de un misterioso incidente antes de que él vuelva a olvidar todo. En una propuesta escénica a medio camino entre un ring de boxeo y una cárcel, los dos personajes se encuentran en citas continuadas en las que la acción parece que avanza para enroscarse sobre si misma. El espectador trata de ser el que compone este puzle misterioso y cuando cree haber descubierto las claves, otra fisura descoloca las piezas. Teatro de diálogo donde cada palabra es usada con precisión, como si fueran bisturís que oxigenan el cerebro averiado o no del protagonista. ¿Qué es verdad y mentira en esta maraña lingüistica?.
Adolfo Simón
«Animales heridos» en el Teatro Lara
Mariano Rochman nos vuelve a sumergir en el mundo de los sentimientos y las heridas cicatrizadas a través de este pequeño montaje creado para una pareja de actores y en el que el personaje femenino irá intercambiando roles que van pasando por la vida de un hombre, Román, que vuelve al pasado no resuelto y remueve las cicatrices sentimentales que lleva en la mochila. Rochman nos gratifica con la profundidad que crea en sus personajes y los actores Marta Cuenca y Víctor Anciones nos dan cuenta de ello con una interpretación intimista que va planteando los discursos vitales que nos quiere trasladar el autor resolviendo los monólogos de su pensamiento interno a veces complicados de trasladar al público.
Luis Mª García Grande
e.v.a. de t de teatre en el Pavón kamikaze
Recuerdo como si fuese ayer, andar por el metro de Madrid y encontrarme, en un agosto tórrido, la publicidad de un espectáculo que se estrenaba en el Teatro Marquina. Nadie conocía a la Compañía ni la obra; seguramente quisieron aprovechar un hueco libre en la programación para presentarse en nuestra ciudad, el grupo se llamaba t de teatre y lo que iba a estar días en cartel, se instaló en aquella sala durante meses, el boca a boca fue la mejor publicidad. Con el tiempo, se fue descubriendo que, un grupo joven de actrices estaban proponiendo una obra con un planteamiento distinto desde la producción y, sobre todo, desde la narrativa escénica, además de usar un humor inteligente que atraía a todo tipo de público. Han pasado veinticinco años y t de teatre lo celebra, después de múltiples montajes con los que han mantenido una personal producción que las ha llevado a giras enormes, con su última producción e.v.a que se ha estrenado en el Teatro Pavón Kamikaze. Durante este tiempo han probado múltiples fórmulas, aunque el núcleo femenino se ha mantenido. Y alrededor de ellas gira la historia que se cuenta en e.v.a. En clave de cuento fantástico, cuatro mujeres realizan un periplo existencial y emocional que las lleva a redescubrirse como seres humanos. El dolor está presente en cada historia que nos proponen, pero desde una perspectiva de aprendizaje, tratando de que forme parte de la vida para que no tengamos la tentación de instalarnos en él como única vía existencial. Una puesta en escena potente, con un espacio que se transforma de forma sencilla en múltiples lugares y situaciones nos permite viajar con los personajes en esa aventura vivencial. Todo el elenco funciona como un engranaje perfecto, asumiendo todos los personajes que aparecen en la realidad o en la ensoñación. Un nuevo estreno que se suma a la programación selecta del Teatro Pavón Kamikaze.
Adolfo Simón
Los empeños de una casa de Sor Juana Inés de la Cruz en la CNTC
Los empeños de una casa es el único drama de la producción literaria de Sor Juana Inés de la Cruz. Se representó por primera vez el 4 de octubre de 1683, durante los festejos por el nacimiento del primogénito del virrey conde de Paredes. Sin embargo, algunos sectores de la crítica sostienen que pudo haberse montado para la entrada a la capital del arzobispo Francisco de Aguiar y Seijas, aunque esta teoría no se considera del todo viable. La historia gira en torno a dos parejas que se aman, que, por azares del destino, no pueden estar juntos aún. Esta comedia de enredos es una de las obras más destacadas de la literatura hispanoamericana tardo barroca y una de sus características más peculiares es la mujer como eje conductor de la historia: un personaje fuerte y decidido que expresa los anhelos —muchas veces frustrados— de la monja. Doña Leonor, la protagonista, encaja perfectamente en este arquetipo. La puesta en escena que se presenta en la sala pequeña del Teatro de la Comedia potencia este juego de ocultación en un espacio a dos bandas donde el público observa cada reacción de los espectadores que tiene en frente.
Adolfo Simón
Caravane en CANAL-Centre National de la Danse
Este fin de semana, en los Teatros del Canal, ha habido un desembarco total de materiales sobre danza contemporánea. El programa rico y complejo llegaba desde el Centre National de la Danse e invadía múltiples espacios donde se podía asistir a sesiones pedagógicas, conferencias, consultas de grabaciones en video, etc. Y, además, propuestas escénicas en las que se indagaba sobre el lenguaje de la danza desde perspectivas diversas.
Bailar los sentidos
L’oeil la bouche et le reste de Volmir Cordeiro en la Sala Negra.
En esta pieza para cuatro bailarines, Volmir Cordeiro nos invita a mirar la mirada. El coreógrafo condensa todas las funciones oculares: llorar, pestañear, fijarse, guiñar, ojear… pero no se olvida de lo invisible. La obra se articula en torno a las nociones de desasimiento y desbordamiento, porque lo propio del ojo, prisionero del cuerpo, es aventurarse más allá de sí mismo. Tras profundizar en el sentido de la vista y el gusto, la indagación se trasladó al resto del cuerpo, como si se tratáse de un sentido más que se va descubriendo fragmento a fragmento de piel.
Bailar el músculo
Movimiento sobre movimiento de Noé Soulieren el Escenario de la Sala Roja.
Movimiento sobre movimiento (2013) de Noé Soulier reproduce físicamente las secuencias de Improvisation Technologies en las cuales William Forsythe expone diferentes herramientas para analizar y crear movimientos. Al tratarlos como movimientos de danza, Noé Soulier les da otro estatuto: lo que era una explicación de la danza se vuelve danza por sí mismo. Superpone a esos gestos explicativos una reflexión sobre la manera en que esos movimientos están definidos en las diferentes prácticas coreográficas. El sentido de las palabras acaba por sumarse al sentido de los gestos para crear correspondencias, fricciones o desfases. Una pieza que, a pesar de su caracter didáctico, se transformaba en una creación sobre las posibilidades expresivas del cuerpo, llegando a cotas artísticas muy sugerentes.
Bailar ideas
Gustavia de Mathilde Monnier y La Ribot en la Sala Verde. Mathilde Monnier y La Ribot interpretan a un mismo personaje en Gustavia: un espectáculo que se apoya en el universo del burlesque clásico (Keaton, Chaplin, los hermanos Marx), pero también en la escena, la performance y las artes plásticas. El burlesque es un arte entre la danza y la palabra, que nace de la transformación de la incompetencia en competencia. El desgaste gratuito, la repetición y el accidente son los mecanismos a través de los cuales nos hablan de las derivas, las catástrofes y las bondades de la vida. Dos artistas con recorridos muy diferentes pero unidas por una misma búsqueda en torno al devenir del arte y la representación. Y que al unirse en esta creación llegan a cotas fascinantes de comunicación expresiva, construyendo situaciones delirantes fantásticas, rayando lo surreal.
Adolfo Simón
El dúo de la Africana del Proyecto Zarza en el Teatro de la Zarzuela
¡Por fin aire fresco en el Teatro de la Zarzuela!. Hay que empezar diciendo que el nuevo equipo de dirección de este teatro se está tomando en serio la revisión y acercamiento de nuestro género musical más popular al público de hoy. Desde las vallas publicitarias que podemos encontrar en el metro, en las que se aprecian guiños simpáticos para atraer a unos espectadores ávidos de formas diferentes y actuales en la escena. En las puestas en escena para el público adulto ya han realizado intentos de dar un giro a la dramaturgia y puesta en escena para que las obras no parezcan sacadas de un baúl cerrado durante mucho tiempo. En la versión libre que se ha presentado esta semana pasada, dirigida especialmente al público jóven, había gran cantidad de elementos atractivos. Por un lado, la utilización de la estructura del Dúo de la Africana para poder jugar con ella a una metatrealidad sencilla, el ensayo de una gala y de paso, incluír otros temas, además de los que hay en la zarzuela original, canciones que hoy están en la mente de todos y que nos provocaban sonrisas y tarareo en el patio de butacas. Pero, además de la versión del libreto, el marco estético funcionaba de maravilla, sencillo, con toques de escenario de concierto musical y con elementos estéticos pop que le daban mucho juego a la propuesta. Y, sobre todo, un elenco de cantantes jóvenes, con unas facultades excelentes para cantar, bailar, actuar…qué placer da ver al futuro de nuestras voces para la zarzuela. Y por último, una jóven y reducida orquesta que sonaba como si fueran cien músicos. Cierro como empecé…¡Por fin aire fresco en el Teatro de la Zarzuela!
Adolfo Simón
Despertar de primavera, una tragedia de juventud de Teatro Praga en Naves Matadero
Despertar de Primavera, escrita en 1891 por el dramaturgo alemán Frank Wedekind, escandalizó en su época por abordar escenas con temática homoerótica, masturbación, sado-masoquismo, violación, suicidio y referencias al aborto. 125 años después, la compañía portuguesa Teatro Praga rescata este texto de Wedekind, sobre un grupo de adolescentes en conflicto con una sociedad conservadora y moralista, para cuestionar algunas dictaduras invisibles actuales como las identidades duales o establecidas socialmente (hombre y mujer, homosexual y heterosexual) y la identidad de la lengua. En la propuesta de Teatro Praga se pone el acento sobre la juventud de hoy en día que transita entre juegos de personalidad e intentos de trascendencia. Una figura burka en rosa que va cambiando de acto, es un enfoque claro sobre la idea de dificultad para ser lo que se desea profundamente. Entre el cabaret y el videoclip transita esta pieza que busca traer el texto de Wedekind a nuestros días.
Adolfo Simón
Gorakada de Titiricuentos en Titerescena del CDN
Basado en los cuentos: «El Zapatero y los Duendes», «Garbancito» y «El Ruiseñor», dos actrices, utilizando diferentes técnicas de manipulación (Bunraku, Sombras y Objetos) y una elaborada composición musical, nos transportaron a la remota China, donde a un Emperador, el canto de un pájaro revelara el placer de vivir. Un espectáculo sencillo realizado con técnicas clásicas con las que consiguen la ensoñación precisa para cautivar a los más pequeño de la casa.
Adolfo Simón
Electra de Companhia Chapitô en Cuarta Pared, dentro del Festival de Otoño a Primavera
Esta Compañía había puesto el listón muy alto con el Edipo que presentaron la semana pasada. La opinión era unánime, una puesta en escena sencilla, basada en el trabajo corporal de los actores que traducían el texto escénicamente y lo volvían accesible, como un cuento contado a niños. Pues con Electra se han superado, sobre todo porque han añadido un elemento simple como una cuchara a la que dan mil usos para mostrarnos los diferentes personajes de la obra y la relación que se establece entre ellos. De nuevo, una tragedia pasada por la trituradora del humor que, además de mantener el horror, nos hace reírnos de él por el disparatado y preciso trabajo de los actores. Una Compañía a la que habrá que seguir los pasos porque tienen un sello personal que conecta muy bien con el público de hoy, hablando de historias de hace mucho tiempo.
Adolfo Simón
Birdie de Agrupación Señor Serrano en los Teatros del Canal
Birdie es más que un espectáculo que juega con diferentes lenguajes teatrales y audiovisuales, es una propuesta de investigación sobre una sociedad que está perdiendo el rumbo y deja que los pájaros se estrellen contra las olas del mar. Y además, hacen accesible su discurso, con humor y habilidad; aunque muestren temas espinosos, lo hacen de una forma sencilla, como hacen los niños, que tratan temas terribles con distancia, sin entrar en densidades que bloquean la comunicación. En apenas una hora, nos tasladan a lugares, a historias y a todo lo que ocurre en el devenir de esos acontecimientos con la fragilidad de la magia. Está claro que han encontrado su lenguaje personal que no se parece a ningún otro y con el que hay, siempre, discurso y poética.
Adolfo Simón
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/agrupacion-senor-serrano/
«Re Cordis» en el Teatro de las Culturas
Los recuerdos pueden ser lo único que nos queda para reconocernos y saber quiénes somos. Lo que se recuerda se siente, vuelve a pasar por nuestro corazón. Alberto Amarilla juega con esta palabra, que tiene mucho que ver con nuestro corazón y mezcla de una manera poderosa el juego teatral utilizando técnicas clásicas y contemporáneas para crear una pequeña joya en la que las personas que pasan por la vida del personaje aparecen a través de su palabra, gesto y actos. El sentimiento convertido en acto teatral.
Luis Mª García Grande
Unamuno: venceréis pero no convenceréis en el Teatro de la Abadía
En 2018 se celebra el VIII centenario de la Universidad de Salamanca, la más antigua de España y una de las más antiguas de Europa, creada en 1218. El espectáculo Unamuno: venceréis, pero no convenceréis se presenta en el marco de esta efeméride. El actor, director de escena y miembro de la RAE José Luis Gómez ha estrenado un nuevo espectáculo en el que late su inquietud por la Memoria Histórica y su compromiso con la expresión en vida de la lengua castellana. Durante toda la obra no podía dejar de preguntarme mentalmente… ¿Nuestros políticos han leído alguna vez a Unamuno?…¿Por qué no dejan de pensar con el ombligo y se enfrentan a las interrogantes que el escritor se hizo a lo largo de su vida y sobre todo cuando esté país entró en una guerra destructiva de la que salieron perdiendo todos?. Hay un juego dramatúrgico muy sugerente, el doble plano en el que un actor convoca a Unamuno para tratar de entender su pensamiento y acciones. Todos los actores realizan en algún momento una indagación para poder encarnar al personaje. Aquí, un actor lleno de preguntas se acerca al fantasma del escritor para entender las razones de su posicionamiento ético, poético y político. A partir de aquí, la partida está echada, una vez entra en la convención el público, dejamos de ser ciudadanos de hoy para ser de cualquier momento en la historia donde la imposibilidad de diálogo y respeto se ha instalado en el día a día, llevando a nuestra barca a la deriva. Un trabajo comprometido que plantea al respetable si no estaremos repitiendo los mismos tropiezos que en el pasado ya que, el futuro aún no está escrito.
Adolfo Simón
Juguetes rotos de Carolina Román en el Teatro Español
Juguetes rotos habla de otro tiempo y habla de ahora. Desgraciadamente, los personajes que transitan por esta historia de ficción que se parece brutalmente a la realidad, son seres que vivieron sus sueños truncados, su deseo de libertad mermado por una sociedad castrante y represora. Hace cincuenta años tenían un apelativo para ser señalados y encarcelados en este país; los que ostentaban el poder, sabían cómo romper los juguetes frágiles. Mirar al pasado a través de estas páginas arrancadas de muchos diarios íntimos de los gais que no tuvieron ocasión de ser libres en un mundo lleno de candados emocionales y sexuales, nos permite entender mucho mejor sobre qué se construye la intolerancia: Sobre el miedo y el terror a ser uno mismo. Hoy, las canciones son otras, la estética es diferentes y las referencias de lugares y personajes son otras, si no en nuestra calles próximas, en algún lugar de este mundo se sigue señalando con el dedo acusador todo aquello que habla de belleza y libertad. Juguetes rotos es una pieza que, aunque ficcional, podría haber sido construida sobre los recuerdos de muchos de aquellos seres que, desgraciadamente, ya no existen y que en ciudades como Barcelona y Madrid, lucharon por su identidad. Carolina Román escribe una historia sin estridencias y la lleva al escenario con delicadeza y humor. Y la verdad en la escena llega de la mano de dos grandes actores, Nacho Guerreros con un trabajo sutil y medido, al que da contrapunto Kike Guaza que entrega emoción y alma a los múltiples rostros que crea en la escena. Están agotadas todas las localidades…¿Cuándo y dónde volverá esta función?.
Adolfo Simón
Comedia Aquilana de Torres Naharro en la CNTC
Nao d’Amores y la CNTC llevan a cabo esta importante conmemoración, abordando en colaboración la puesta en escena de la Comedia Aquilana. Una deliciosa comedia de fantasía, que gira en torno a los amores del caballero Aquilano y la princesa Felicina, hija del rey Bermudo, considerada la primera obra romántica del teatro español. Ana Zamora, de nuevo, aborda un texto poco representado para hacernos llegar, con la particular estética y poética de la Compañía que dirige, una pieza exquisita llena de juegos escénicos con los que nos hace disfrutar, deleitándonos con esta historia y sus enloquecidos personajes. Un gran reto al poner en escena una comedia con gran gusto y cuidada escenificación.
Adolfo Simón
The Primitals de Yllana y Primital Bros en el Teatro Alfil
Yllana y Primital Bros se unen para sorprendernos con una divertidísima comedia musical a capella. Cuatro aborígenes de un planeta que podría ser el nuestro invaden el escenario, dispuestos a conquistar al público – a carcajadas o a machetazos – pero siempre rebosando música de mil géneros que, como esponjas, han ido absorbiendo en sus viajes por los confines del espacio tiempo. La mezcla de buenas voces, teatro gestual preciso y clown disparatado provoca un viaje enloquecedor para el público que participa desde el patio de butacas como un niño fascinado. Realmente, con este espectáculo, se consiguen momentos hilarantes pero también pellizcos emocionales; la suma de ambos llena de originalidad la escena.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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