e.v.a. de t de teatre en el Pavón kamikaze
Recuerdo como si fuese ayer, andar por el metro de Madrid y encontrarme, en un agosto tórrido, la publicidad de un espectáculo que se estrenaba en el Teatro Marquina. Nadie conocía a la Compañía ni la obra; seguramente quisieron aprovechar un hueco libre en la programación para presentarse en nuestra ciudad, el grupo se llamaba t de teatre y lo que iba a estar días en cartel, se instaló en aquella sala durante meses, el boca a boca fue la mejor publicidad. Con el tiempo, se fue descubriendo que, un grupo joven de actrices estaban proponiendo una obra con un planteamiento distinto desde la producción y, sobre todo, desde la narrativa escénica, además de usar un humor inteligente que atraía a todo tipo de público. Han pasado veinticinco años y t de teatre lo celebra, después de múltiples montajes con los que han mantenido una personal producción que las ha llevado a giras enormes, con su última producción e.v.a que se ha estrenado en el Teatro Pavón Kamikaze. Durante este tiempo han probado múltiples fórmulas, aunque el núcleo femenino se ha mantenido. Y alrededor de ellas gira la historia que se cuenta en e.v.a. En clave de cuento fantástico, cuatro mujeres realizan un periplo existencial y emocional que las lleva a redescubrirse como seres humanos. El dolor está presente en cada historia que nos proponen, pero desde una perspectiva de aprendizaje, tratando de que forme parte de la vida para que no tengamos la tentación de instalarnos en él como única vía existencial. Una puesta en escena potente, con un espacio que se transforma de forma sencilla en múltiples lugares y situaciones nos permite viajar con los personajes en esa aventura vivencial. Todo el elenco funciona como un engranaje perfecto, asumiendo todos los personajes que aparecen en la realidad o en la ensoñación. Un nuevo estreno que se suma a la programación selecta del Teatro Pavón Kamikaze.
Adolfo Simón
Los empeños de una casa de Sor Juana Inés de la Cruz en la CNTC
Los empeños de una casa es el único drama de la producción literaria de Sor Juana Inés de la Cruz. Se representó por primera vez el 4 de octubre de 1683, durante los festejos por el nacimiento del primogénito del virrey conde de Paredes. Sin embargo, algunos sectores de la crítica sostienen que pudo haberse montado para la entrada a la capital del arzobispo Francisco de Aguiar y Seijas, aunque esta teoría no se considera del todo viable. La historia gira en torno a dos parejas que se aman, que, por azares del destino, no pueden estar juntos aún. Esta comedia de enredos es una de las obras más destacadas de la literatura hispanoamericana tardo barroca y una de sus características más peculiares es la mujer como eje conductor de la historia: un personaje fuerte y decidido que expresa los anhelos —muchas veces frustrados— de la monja. Doña Leonor, la protagonista, encaja perfectamente en este arquetipo. La puesta en escena que se presenta en la sala pequeña del Teatro de la Comedia potencia este juego de ocultación en un espacio a dos bandas donde el público observa cada reacción de los espectadores que tiene en frente.
Adolfo Simón
Despertar de primavera, una tragedia de juventud de Teatro Praga en Naves Matadero
Despertar de Primavera, escrita en 1891 por el dramaturgo alemán Frank Wedekind, escandalizó en su época por abordar escenas con temática homoerótica, masturbación, sado-masoquismo, violación, suicidio y referencias al aborto. 125 años después, la compañía portuguesa Teatro Praga rescata este texto de Wedekind, sobre un grupo de adolescentes en conflicto con una sociedad conservadora y moralista, para cuestionar algunas dictaduras invisibles actuales como las identidades duales o establecidas socialmente (hombre y mujer, homosexual y heterosexual) y la identidad de la lengua. En la propuesta de Teatro Praga se pone el acento sobre la juventud de hoy en día que transita entre juegos de personalidad e intentos de trascendencia. Una figura burka en rosa que va cambiando de acto, es un enfoque claro sobre la idea de dificultad para ser lo que se desea profundamente. Entre el cabaret y el videoclip transita esta pieza que busca traer el texto de Wedekind a nuestros días.
Adolfo Simón
Electra de Companhia Chapitô en Cuarta Pared, dentro del Festival de Otoño a Primavera
Esta Compañía había puesto el listón muy alto con el Edipo que presentaron la semana pasada. La opinión era unánime, una puesta en escena sencilla, basada en el trabajo corporal de los actores que traducían el texto escénicamente y lo volvían accesible, como un cuento contado a niños. Pues con Electra se han superado, sobre todo porque han añadido un elemento simple como una cuchara a la que dan mil usos para mostrarnos los diferentes personajes de la obra y la relación que se establece entre ellos. De nuevo, una tragedia pasada por la trituradora del humor que, además de mantener el horror, nos hace reírnos de él por el disparatado y preciso trabajo de los actores. Una Compañía a la que habrá que seguir los pasos porque tienen un sello personal que conecta muy bien con el público de hoy, hablando de historias de hace mucho tiempo.
Adolfo Simón
Birdie de Agrupación Señor Serrano en los Teatros del Canal
Birdie es más que un espectáculo que juega con diferentes lenguajes teatrales y audiovisuales, es una propuesta de investigación sobre una sociedad que está perdiendo el rumbo y deja que los pájaros se estrellen contra las olas del mar. Y además, hacen accesible su discurso, con humor y habilidad; aunque muestren temas espinosos, lo hacen de una forma sencilla, como hacen los niños, que tratan temas terribles con distancia, sin entrar en densidades que bloquean la comunicación. En apenas una hora, nos tasladan a lugares, a historias y a todo lo que ocurre en el devenir de esos acontecimientos con la fragilidad de la magia. Está claro que han encontrado su lenguaje personal que no se parece a ningún otro y con el que hay, siempre, discurso y poética.
Adolfo Simón
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/agrupacion-senor-serrano/
«Re Cordis» en el Teatro de las Culturas
Los recuerdos pueden ser lo único que nos queda para reconocernos y saber quiénes somos. Lo que se recuerda se siente, vuelve a pasar por nuestro corazón. Alberto Amarilla juega con esta palabra, que tiene mucho que ver con nuestro corazón y mezcla de una manera poderosa el juego teatral utilizando técnicas clásicas y contemporáneas para crear una pequeña joya en la que las personas que pasan por la vida del personaje aparecen a través de su palabra, gesto y actos. El sentimiento convertido en acto teatral.
Luis Mª García Grande
Unamuno: venceréis pero no convenceréis en el Teatro de la Abadía
En 2018 se celebra el VIII centenario de la Universidad de Salamanca, la más antigua de España y una de las más antiguas de Europa, creada en 1218. El espectáculo Unamuno: venceréis, pero no convenceréis se presenta en el marco de esta efeméride. El actor, director de escena y miembro de la RAE José Luis Gómez ha estrenado un nuevo espectáculo en el que late su inquietud por la Memoria Histórica y su compromiso con la expresión en vida de la lengua castellana. Durante toda la obra no podía dejar de preguntarme mentalmente… ¿Nuestros políticos han leído alguna vez a Unamuno?…¿Por qué no dejan de pensar con el ombligo y se enfrentan a las interrogantes que el escritor se hizo a lo largo de su vida y sobre todo cuando esté país entró en una guerra destructiva de la que salieron perdiendo todos?. Hay un juego dramatúrgico muy sugerente, el doble plano en el que un actor convoca a Unamuno para tratar de entender su pensamiento y acciones. Todos los actores realizan en algún momento una indagación para poder encarnar al personaje. Aquí, un actor lleno de preguntas se acerca al fantasma del escritor para entender las razones de su posicionamiento ético, poético y político. A partir de aquí, la partida está echada, una vez entra en la convención el público, dejamos de ser ciudadanos de hoy para ser de cualquier momento en la historia donde la imposibilidad de diálogo y respeto se ha instalado en el día a día, llevando a nuestra barca a la deriva. Un trabajo comprometido que plantea al respetable si no estaremos repitiendo los mismos tropiezos que en el pasado ya que, el futuro aún no está escrito.
Adolfo Simón
Juguetes rotos de Carolina Román en el Teatro Español
Juguetes rotos habla de otro tiempo y habla de ahora. Desgraciadamente, los personajes que transitan por esta historia de ficción que se parece brutalmente a la realidad, son seres que vivieron sus sueños truncados, su deseo de libertad mermado por una sociedad castrante y represora. Hace cincuenta años tenían un apelativo para ser señalados y encarcelados en este país; los que ostentaban el poder, sabían cómo romper los juguetes frágiles. Mirar al pasado a través de estas páginas arrancadas de muchos diarios íntimos de los gais que no tuvieron ocasión de ser libres en un mundo lleno de candados emocionales y sexuales, nos permite entender mucho mejor sobre qué se construye la intolerancia: Sobre el miedo y el terror a ser uno mismo. Hoy, las canciones son otras, la estética es diferentes y las referencias de lugares y personajes son otras, si no en nuestra calles próximas, en algún lugar de este mundo se sigue señalando con el dedo acusador todo aquello que habla de belleza y libertad. Juguetes rotos es una pieza que, aunque ficcional, podría haber sido construida sobre los recuerdos de muchos de aquellos seres que, desgraciadamente, ya no existen y que en ciudades como Barcelona y Madrid, lucharon por su identidad. Carolina Román escribe una historia sin estridencias y la lleva al escenario con delicadeza y humor. Y la verdad en la escena llega de la mano de dos grandes actores, Nacho Guerreros con un trabajo sutil y medido, al que da contrapunto Kike Guaza que entrega emoción y alma a los múltiples rostros que crea en la escena. Están agotadas todas las localidades…¿Cuándo y dónde volverá esta función?.
Adolfo Simón
Comedia Aquilana de Torres Naharro en la CNTC
Nao d’Amores y la CNTC llevan a cabo esta importante conmemoración, abordando en colaboración la puesta en escena de la Comedia Aquilana. Una deliciosa comedia de fantasía, que gira en torno a los amores del caballero Aquilano y la princesa Felicina, hija del rey Bermudo, considerada la primera obra romántica del teatro español. Ana Zamora, de nuevo, aborda un texto poco representado para hacernos llegar, con la particular estética y poética de la Compañía que dirige, una pieza exquisita llena de juegos escénicos con los que nos hace disfrutar, deleitándonos con esta historia y sus enloquecidos personajes. Un gran reto al poner en escena una comedia con gran gusto y cuidada escenificación.
Adolfo Simón
Vidrio molido en los huesos de Al descubierto Physical Theatre en El Umbral de Primavera
¿Se imaginan tener vidrio molido en sus huesos? ¿Se imaginan sentir que sus huesos son de vidrio?
Algo tan frágil pero a la vez puede ser muy cortante.
Tengo vidrio molido en los huesos, me circula rabia y dolor por las venas. He sentido en ocasiones como se empezaban a moler los vidrios de mis huesos, y dolía.
Unos nuevos lenguajes empiezan a florecer en este Umbral de Primavera, y es lo que podemos indagar con Al descubierto Physical Theatre.
Una simbiosis entre Gabriel Garcia Marquez y Yasunari Kawabata que ha dado como resultado la propuesta de ‘’Vidrio molido en los huesos’’. Un viaje que nos hace reflexionar sobre la explotación femenina y los recuerdos. Un mundo onírico lleno de riqueza corporal y creación escénica.
Nuestra memoria nos puede jugar malas pasadas y también nos ayuda a crear conciencia sobre lacras en la sociedad que debemos seguir trabajando. Una libertad que muchas personas tienen restringida por el poder de otras que tienen la mente desalmada.
La increíble y triste historia de la cándida Eréndira y de su abuela desalmada se escribió en 1972 por Gabriel Garcia Marquez y La casa de las bellas durmientes de Yasunari Kawabata se escribió en 1961.
En las dos obras existe un tema en común, la trata de mujeres. Un problema que aun en el 2018 sigue estando presente. Parece que las cosas no han cambiado mucho, pero aun así seguimos trabajando para el cambio total, por conseguir una simetría social.
Cuatro intérpretes que ponen voz, cuerpo y sentimientos a una puesta escénica sentida y delicada. Un equipo creativo que ha conseguido el empaste de varios lenguajes artísticos. Un magnifico juego con proyecciones de vídeo-mapping que envuelve a la propuesta en una misma linea expresiva.
Una indagación a lo mas profundo del comportamiento humano.
‘’Vidrio molido en los huesos’’ en el Umbral de Primavera, todos los domingos hasta el 25 de marzo.
Dave Aidan
Edipo de la Companhia Do Chapitô en Cuarta Pared, dentro del Festival de Otoño a Primavera
Edipo es la gran tragedia por excelencia, a nadie se le ocurriría hacerla en broma…o sí. Hay dos cosas sorprendentes en esta propuesta, por un lado, no dejan fuera a ningún personaje o trama esencial para recorrer la obra y entender las razones de su desenlace y, además, hecho todo ello por tres intérpretes. Y otra cosa impactante es que, los cuerpos de los dos actores y la actriz, cuentan tanto o más que el texto que emplean para narrar la historia, cuerpos que generan gags y situaciones delirantes para que, sigamos la trama de Edipo y…sin dejar de reír!. ¿Alguien da más?…Ah! y a escenario desnudo, sin luces, ni vestuario, ni escenografía. Un ejercicio esencial de teatro-teatro, sin artificios ni elementos de adorno. Una propuesta deliciosa. Atentos, el fin de semana próximo, la misma compañía, en la misma sala, muestra su particular visión sobre Electra.
Adolfo Simón
“Las cosas que no caen por su propio peso” en Teatro Pradillo
“Las cosas que no caen por su propio peso” es la propuesta de Esther Belvis para un programa compartido que ofrece el Teatro Pradillo. Esta propuesta nos habla de la injusticia, del deseo de que el universo tome partido en los acontecimientos que nos hacen dignos perdedores. Con diferentes líneas y lecturas, podemos entre ver una reflexión profunda acerca de este tema. Para ello el lenguaje escénico se entrelaza con un texto a modo de autobiografía, que hace que giremos al rededor de los conceptos: peso, gravedad, caída, deseo, esperanza y espera. Se trata pues de una pieza que se nutre de la performance para crear un espacio dónde se encuentren la reflexión y la narrativa.
Patricia Jorge
En manque de Vincent Macaigne / Théâtre Vidy-Lausanne dentro del Festival de Otoño a Primavera en el Teatro de la Abadía
Vincent Macaigne sitúa su En manque en una fundación privada que mantiene la totalidad del arte europeo en una caja fuerte. Pero el autor, actor y director no critica a una sociedad colapsada por sus propias certezas –y en la que un puñado de personas maneja la miseria de los demás–, sino que utiliza el teatro para ir más allá de nuestras verdades y obsesiones. Macaigne aspira a un renovado deseo de vivir para evitar el colapso total y escapar de la angustia de la soledad. En manque es un singular estudio teatral, coreográfico y plástico en el que Macaigne exhibe una serie de personajes en pleno proceso de búsqueda de un amor puro y radical. Y para que estas ideas atraviesen al público, lo sitúa en un espacio fantasmagórico que por momentos nos recuerda un after o una pesadilla. Este viaje solo tiene un fin, despertar al respetable ante la duda entre el amor como eje del mundo o el abuso del poder… De nuevo…»Ser o tener».
Adolfo Simón
Yogur piano de Gon Ramos en el CDN
Yogur piano nació en Espacio Labruc, una sala que, desgraciadamente ya no existe. Nació allí porque, en muchas ocasiones, en espacios del circuito alternativo, aparecen pequeñas joyas que rara vez dan el salto a otro tipo de espacios. Por suerte, en este caso, la obra, tas muchas funciones, ha sido incluida en la programación del CDN; inteligente decisión, ese debería ser un objetivo de los teatros nacionales, dar apoyo y visibilidad a creaciones que, de otro modo, pasan inadvertidas. Yogur piano es una pieza escrita en el papel y la escena por Gon Ramos, un joven autor que plantea un discurso personal, hablando de sus preocupaciones en la comunicación y lo hace a través de intérpretes de su generación y con un lenguaje que se puede entender por todo tipo de generaciones. Tras un preámbulo rayando la locura, la pieza entra en un túnel de silencio y poesía muy sugerente. Al final, nos vemos en los ojos de los actores, allí descubrimos nuestros miedos y soledades…Y que la vida podría reducirse a una canción tocada a cinco manos en un piano.
Adolfo Simón
En un tiempo oscuro en Naves Matadero
Daniel Teba presenta «En un tiempo oscuro», una producción creada en residencia en Naves Matadero, que bebe de la tragedia clásica para, con una estética kitsch, explorar la figura del héroe en el mundo en el que vivimos. El resultado es una pieza a medio camino entre el cabaret y la comedia social…La figura del héroe se usa aquí para mostrar un tiempo sin esperanza ni ética.
Adolfo Simón
Un cuerpo en algún lugar de Gon Ramos en el Teatro Pavón Kamikaze
En «La vida es sueño» de Calderón de la Barca, el protagonista no sabe cuando sueña y cuando vive en la realidad. En «Un cuerpo en algún lugar» hay un juego dramatúrgico sugerente que permite a los actores dar saltos temporales y emocionales importantes. ¿Qué pasaría si siempre vemos el mismo rostro en todas partes?…¿Cómo se vive cuando buscas a la persona amada y no la encuentras en ninguna parte?. A veces, viajar física o mentalmente, provoca que, al volver al punto de partida, todo esté alterado. ¿Y cómo se vive cada minuto sin saber si lo que vemos es nuestro pasado o nuestro futuro?. Una propuesta desnuda escénicamente, centrada en el trabajo de actores que se sumerjen en espacios y tiempos múltiples, creando una sensación hipnótica para el público. Teatro de texto e imaginación.
Adolfo Simón
Malvados de oro en el Teatro Pavón Kamikaze
El interés que desatan los personajes malvados proviene de algo ancestral, algo primitivo y lejano que a veces no podemos controlar. Intelectualmente nos pueden parecer censurables, pero algo dentro de nosotros nos obliga a seguirles, dando lugar a un inabarcable catálogo de personajes que nos conmueven desde la paradoja amor-odio que les profesamos. Entre ellos se encuentran algunos de los más brillantes del Siglo de Oro. Revolver en las entrañas de estos personajes y en las del actor que los representa, Daniel Albadalejo, es el objetivo de este montaje escrito por Jesús Laiz y dirigido por José Bornás. A través de una dramaturgia ágil, en la que el público juega un importante papel como interlocutor, asistimos a un recorrido por diferentes obras y personajes que, si formaran el equipo de un partido de fútbol contra el teatro Isabelino, ganarían nuestros autores por goleada. La hora que dura el espectáculo se pasa rápido gracias a el aplomo del actor que transmuta en personajes masculinos y femeninos con tan solo un giro en el vestuario. Una pieza sencilla y deliciosa que nos permite conocer a fondo nuestro expléndido Siglo de Oro.
Adolfo Simón
E se elas fossem para Moscou- CHRISTIANE JATAHY en los TEATROS del CANAL
Esta propuesta es teatro, pero también cine. En una sala un grupo de espectadores está viendo representada “Las tres hermanas”. Esta sala funciona a la vez como set de rodaje, la representación está siendo grabada y simultáneamente se está proyectando en otra estancia, donde otro grupo de espectadores ve la película. La obra está concebida de tal manera que los dos grupos verán ambas versiones de la obra de Chéjov, la teatral y la cinematográfica. Mientras estamos viendo la obra de teatro en rodaje, no puedo dejar de pensar en «Vania en la calle 42» de Louise Malle…y cuando después, pasamos a ver la filmación retransmitida en directo, todo el tiempo tengo en mi mente «Interiores» de Woody Allen. Es tan frágil la frontera entre el directo y lo filmado, entre la realidad y la ficción. La vida es tan extraña que a veces tenemos la sensación de vivir el pasado o estar imaginando nuestro futuro como si fuese una película…que al reproducirse en nuestra cabeza, ya es pasado. Esta peculiar y atractiva adaptación de «Tres hermanas» nos permite entrar en un universo donde lo mental y lo físico se dan la mano. Donde el vértigo por vivir se instala en el escenario y el patio de butacas, por eso la pregunta insistente…¿Cómo se puede cambiar, dar un giro a nuestros deseos?…O tal vez no podemos salir de nuestro espacio de confort y dejar que la vida pase sin vivirla. Una propuesta honesta, esencial, sin adornos ni frivolidades, una obra que no debería perderse nadie que quiera y ame, el teatro y el cine…y la vida.
Adolfo Simón
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/christiane-jatahy/
«Prometeo encadenado» de Circo Interior Bruto en Pradillo
“Prometeo encadenado” es la última propuesta del Circo Interior Bruto, una compañía fundada hace casi veinte años con un objetivo claro, la investigación múltiple de diferentes corrientes artísticas cómo son el teatro, la performance, el arte de acción, el happening… En este caso se nos presenta una idea roncambolesca del mítico Prometeo encadenado, una mirada de hoy para el hoy, con un puente interior que evoca al ayer. Un lugar desde dónde nuestra posición como público nos sitúa en un entredicho constante. ¿Representamos lo que queremos creer que somos?. Unas cuestiones que cohabitan con varias líneas en un lenguaje rico y porqué no decirlo, divertido. Sin duda un acto de valentía y generosidad por parte de este colectivo, que nos acerca a una visión que por desgracia no solemos ver.
Patricia Jorge
El público en el CDN
“El público” de Federico García Lorca, encuentra casa esta vez en la compañía Ksec Act, un grupo de actores japoneses que se adentran a representar este universo de forma onírica. Con una mezcla entre lo simbólico y lo ritual, transcurre la obra. Una apuesta grande por lo corporal y físico, nos regala imágenes sumamente potentes. Se encuentra a un medio camino entre lo que esconde la palabra del señor Lorca y toda la fuerza que posee la tradición teatral japonesa. Hablamos pues, de una obra que suma dos grandes potencias para hacer convivir dos estilos totalmente diferentes en un imaginario muy personal que caracteriza a esta compañía.
Patricia Jorge
La colonia de vacaciones de Javier Montero en el Teatro del Barrio
La colonia de vacaciones permite que «Las palabras» transmuten en conceptos, en cuerpos múltiples, en imágenes descontextualizadas. No es una obra de teatro al uso, es un juego a partir de formulaciones lingüísticas sobre las que construir mapas sociales y humanos. Un experimento sobre la palabra y el cuerpo.
Adolfo Simón
«PLAYOFF» de La Joven Compañía en el Conde Duque
“PLAYOFF” es la nueva apuesta de la Joven Compañía. Un texto escrito para la ocasión por Marta Buchaca. Se trata de la historia de siete jugadoras de fútbol, apasionadas por este deporte. El vestuario será testigo del partido más importante para su carrera profesional y de como florecerán los problemas que sufren por su condición femenina en este terreno. La pasión por lo que verdaderamente quieren hacer y las dificultadas a las que han de enfrentarse en todos los ámbitos de su vida, por elegirla ante la desaprobación de su entorno. Una obra que reflexiona no sólo el papel de la mujer en el deporte profesional, sino que abre la puerta a una realidad tan común como el día a día.
Patricia Jorge
Memoria y pensamiento en el CDN
A veces me doy el gusto de hacer doblete teatral, como se hacía en los cines de sesión continua el siglo pasado. Hoy he hecho un viaje al pasado para recuperar la frágil memoria de nuestra historia y para volver sobre el pensamiento de filósofos que no debería olvidarse nunca.
En la sala de la Princesa del María Guerrero está en programación: Beatriz Galindo en Estocolmo de Blanca Baltés. Una pieza necesaria teatralmente pero sobre todo, imprescindible por la recuperación de unas mujeres que no tuvieron la ocasión para cambiar el mundo cuando en su espíritu y deseo estaba. Sartre deja a unos personajes encerrados en ningún lugar en A puerta cerrada, aquí, en Beatríz Galindo hay otra puerta que no se abre más que en los sueños, en la realidad, se convirtió en ese muro infranqueable que no permitió la libertad de ideas para un nuevo futuro. Blanca Baltés realiza un juego dramaturgico muy sugerente al plantear el teatro dentro de un rodaje cinematográfico, fórmula que le da mucho juego para mostrarnos lo que fue o tal vez pudo ser; lo que en el cine son sueños que se hacen realidad, en la vida se convierten en pesadillas. La puesta en escena de Carlos Fernández de Castro apoya cada situación con sencillez, para que el discurso social no se desdibuje en ningún momento.
En la sala grande del María Guerrero está Voltaire/Rousseau-La disputa de Jean-Françoise Prévand. Una pieza de teatro de ideas pero en el buen sentido de la palabra. El artífice de este proyecto es Josep María Flotats que huye de espectacularidad en la propuesta para centrar toda la atención en ese combate dialéctico que se establece entre los dos personajes históricos. Flotats es muy generoso en este espectáculo porque deja el personaje más teatral en manos de Pere Ponce que está en un momento exquisito como actor. La velada se vuelve deliciosa conforme se instala, en la escena, la íntimidad y el coraje por defender sus ideas; Voltaire la razón y Rousseau el impulso irracional. De golpe, dos personajes de otro tiempo, nos hablan de la dificultad para escucharse, de la intolerancia, el individualismo y la vehemencia. Oyendo su mirada sobre el mundo, su posición frente a los temas importantes parecían las declaraciones de algunos personajes influyentes que, a diario, nos asaltan en los medios de comunicación.
Adolfo Simón
“Diotima” de María Zambrano en La Puerta Estrecha
“Diotima” de María Zambrano, es la última propuesta que podemos ver en la Puerta Estrecha. Esta pieza cobra vida en este particular espacio para hacernos de trampolín a un universo que poco tiene que ver a lo que estamos acostumbrados. Hablar de la propuesta sería un intento en vano para con el uso de la palabra de hoy día. Es la profundidad del trabajo lo que hace que la belleza renazca de los rincones, las líneas del tiempo que dibujan una atmósfera dónde los elementos fortalecen su potencia. Dejarse llevar por el tempo es incontrolable, igual que lo es la construcción imaginativa y sensorial que nos ofrece. Capas, capas y más capas, de lenguajes que encuentran la conexión en una flecha que nos entra por todos lados. Sin duda se trata de la compactación de lo mágico en un discurso que nos recuerdan aspectos tan potentes como la vida, la muerte, el amor, el tiempo y la feminidad, de unas de las grandes filósofoas del siglo XX.
Patricia Jorge
Que Revienten los Artistas 
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