«Petisa Loca» de Sara Calero en Madrid en Danza
A los espíritus creadores les encanta cometer pequeñas locuras y Sara Calero entra dentro de estos pequeños locos que se lanzan a exponer en público lo que le pasa por su cabeza. En esta ocasión la Guerra Civil Española es el detonante para contarnos una historia inquietante a través del cante y dirección musical de Gema Caballero y la guitarra de José Almarcha. También cuenta con la colaboración de la música electrónica de The Lab para subrayar ese tono dramático y la dureza de la situación que tiene que vivir la protagonista de esta pieza, tomando la decisión de emigrar a América en una España dominada por ladictadura, la tradición y el catolicismo.
Es indiscutible que Sara tiene ya una técnica y un lenguaje propio que le hacen única en la escena y que logra despertar los sentimientos del espectador metiéndolo de lleno en la historia. Poco atrezzo, pero justo para dar énfasis al baile y surmergirnos en la atmósfera idónea por la que deambula una mujer a veces desesperada y a veces optimista y con la fuerza necesaria para cambiar su vida.
El Festival Madrid en Danza tenía que contar una vez más con su presencia, necesaria por su calidad y por su arte.
Luis Mª García Grande.
El gato montés en el Teatro de la Zarzuela
Esta producción de El Gato Montés es una síntesis dramática y estética que se instala en el tenebrismo español y que lleva el texto dramático a sus últimas consecuencias. La música, inspirada y con garbo, enlaza melodías con gran vuelo a lo largo de sus tres actos y cinco cuadros. El texto cuenta la rivalidad a muerte entre un torero de gran éxito, «el Macareno», y un bandolero de la justicia, «el Gato Montés», por una muchacha gitana, «la Soleá». Ella ama al bandolero con el que se ha criado, pero también se siente muy unida al torero que la ha acogido. Esta obra lírica españolísima, ahora depurada de todo tipismo cañí decimonónico, es de un gran impacto emocional. Aquí está nuestro imaginario español revestido de una gran riqueza melódica. Una puesta en escena de atmósfera crepuscular de belleza intensa por la que transcurren personajes reconocibles y otros surgidos del imaginario del autor, el encuentro de ambos llena la obra de un mundo de fascinación popular.
Adolfo Simón
Sueño de Andrés Lima en el Teatro Alhambra
Diciembre ha comenzado en el Teatro Alhambra de Granada con una propuesta escénica compartida entre el Teatro de la Ciudad y La Abadía de José Luis Gómez. Andrés Lima ha ideado una mezcla de escritura realista y metafórica, en torno a la muerte y las circunstancias que rodean a la decadencia mental y física del individuo. He escrito mezcla, pero quizá sería más propio hablar de acumulación de materiales creativos, pues la integración entre los distintos planos de escritura no es ni mucho menos armónica o se encuentra encajada del todo. En la parte realista, asistimos a la decadencia y muerte de un hombre, inspirado según se lee en la propia publicidad del montaje en el padre del propio Andrés Lima. La narración de algunas de las últimas circunstancias de esta especie de conquistador irredento que se apaga (un individuo lastrado por el alcoholismo) deja paso en el montaje a una atmósfera onírica, rotundamente carnal, en la que asistimos a pequeñas coreografías de sencilla sensualidad con las que además disfrutamos de una palabra de Shakespeare que aparece y desaparece en escena de manera inopinada. La mente a punto de extinguirse que interpreta con seguridad y tino Chema Adeva sueña en verso, acudiendo sobre todo al repertorio más conocido de El Rey Lear y El sueño de una noche de verano. Nathalie Poza destaca en un elenco bien elegido y dispuesto, por la calidad y fuerza con la que dota a su doble (¿triple?) personaje en escena.
Rafael Ruíz Pleguezuelos
“The trouble of walking straight” en Teatro Pradillo
“The trouble of walking straight” es una propuesta única y efímera. Cada día es distinta, una construcción que se realiza con el conjunto de los asistentes que se presenten ese día. En este caso se centra en caminar, todo el mundo camina y todo el mundo lo hace de manera diferente. Con la lectura de unos texto, que se nos presenta en forma de sobre y con una frase como llave, nos sumamos a la propuesta leyendo su contenido como si por un momento fuera nuestro. Un manifiesto ante el resto de espectadores, para después pasar a ser parte de ese mundo que camina y avanza. Lo que allí se crean son numerosas historias que giran entorno a este concepto, una idea que puede pasar desapercibida sin ser consciente del peligro que puede albergar. Finalmente cerramos esta creación con la aportación de alguna de nuestras historias. Historias de pasos que hemos ido dando a lo largo de nuestras vidas. Haciendo caminos por el mundo y por la vida.
Patricia Jorge
“Los viajes de Marco y Pili” en el Circo Price
“Los viajes de Marco y Pili” es la pieza que presenta el Circo Price para su nueva cita navideña. En este caso se trata de una versión sobre la historia de Marco Polo, que traslada a unos niños desde las aulas de un colegio a un viaje con el que descubrirán un mundo de circo y fantasía. Con una apuesta rica en variedad, se convierte en un evento para toda la familia. La música en directo y los audiovisuales, compactan el espectáculo para envolvernos en la magia que caracteriza esta época del año.
Patricia Jorge
10% de Tristeza en ESSENCIA 2017 de Cuarta Pared
Una de las cuatro obras gestadas en el festival Essencia 2017 de Cuarta Pared. Dirigida por Rakel Camacho y con la colaboración de la artista plástica Mireia Vila. Se gesta en forma de laboratorio, con la palabra felicidad como única guía (palabra que pronto será prohibida del vocabulario de los actores). Y de esa experimentación pronto salen los temas autobiográficos y personales. Durante la elaboración se busca huir de los lugares comunes, hurgar y profundizar, buscar desde la poesía y la metáfora, evitar las etiquetas y permitir el caos.
El proceso indaga en el lenguaje performativo, en el trabajo horizontal y el actor como creador. Ello implica que los actores sean valientes a la hora de proponer, y que la directora sea valiente a la hora de aceptar y recoger ese material.
El resultado es una pieza collage con escenas que se mueven en lo íntimo, en lo surrealista, en lo espectacular, en la interacción con el público, en la emotividad, en la euforia, en los sueños pendientes, en la conexión. En seguir descubriendo, porque una búsqueda de ese tamaño no puede concebir un final.
Guille Pavón Gray
Emoticores en Cuarta Pared
Emoticores es un espectáculo de danza en el que se trabajan las emociones a través de las formas, los colores, el sonido y el movimiento, con el objetivo de ayudar al entorno familiar de los niños a relacionar las emociones con aquello que las provoca. Una propuesta llena de sensasiones visuales para estimular a los más pequeños a la creatividad.
Adolfo Simón
Damas clásicas en Madrid
Y no tan clásicas…La Compañía Nacional de Teatro Clásico ha tenido la interesante idea de hacer coincidir, al tiempo, en sus dos salas, a las damas clásicas más conocidas del repertorio del teatro del siglo de Oro: La dama duende y La Dama boba. En La dama duende de Calderón de la Barca, Helena Pimenta provoca un juego de espejismos para el público, consiguiendo que acompañemos a los personajes en su mágico viaje del misterio al amor. En La dama boba de Lope de Vega, Alfredo Sanzol despoja el texto, la escena y los personajes de cualquier adorno clásico para convertir la obra en un juego actual donde el público se ve reflejado en comportamientos y actitudes, en otro viaje, de nuevo, hacia el amor.
Adolfo Simón
Karenina Express en EM La Inmaculada en Granada
El pasado jueves, 30 de noviembre, dos grupos de alumnos de EM La Inmaculada tuvieron la oportunidad de presenciar en clase una propuesta de teatro de objetos, una forma teatral poco común y bastante desconocida que sin embargo posee unas posibilidades pedagógicas inmensas. Visitó nuestras aulas Adolfo Simón, director de teatro, profesor de dramaturgia en la sala madrileña Cuarta Pared y director del CDR (Centro Dramático Rural) de Mira (Cuenca). Ofreció a nuestros alumnos un espectáculo llamado Karenina Express, la primera propuesta que creó con la técnica llamada teatro de objetos o de cerca, manipulación de materiales sencillos que cuentan una historia abierta que debe completar el espectador. El espectáculo forma parte de un proyecto artístico general del autor llamado Nido Dadá. Tras la representación, los alumnos tuvieron oportunidad de establecer un animado coloquio sobre las posibilidades didácticas de este tipo de teatro, en el que con la aportación de profesores, alumnos y el propio Adolfo Simón surgieron ideas para su aplicación en el aula.
Rafael Ruíz Pleguezuelos
“Interrupted” en el Teatro Lara
¿Quién dijo que vivimos en Tiempos Modernos?
Chaplin en su película de 1936 ya preconizaba el estrés como algo que se normalizaría en la sociedad moderna e industrializada y haría aparecer un de las peores enfermedades modernas: La Depresión. ¡Ahora estamos igual que al principio…! ¡No hemos controlado nada !, al revés, el Trabajo- para las personas que lo tenga-, supone, muchas veces un gran obstáculo en sus vidas.
“Interrupted” es la historia de un fracaso de vida. Una vida interrumpida por una presión externa que no se acaba de gestionar bien.
Anabel (Andrea Jiménez) combina la ternura y el clown de una manera muy bien hilvanados. Las actrices entregan sus cuerpos a una trama que va gestando este drama, convertido en comedia inteligentemente para que el público sea capaz de pensar más allá de lo que le puede pasar a una mujer con éxito.
Personajes delirantes interpretados por Noemí Rodríguez, nos sumergen en un mundo surrealista pleno. Así como sus compañeras de reparto Ariadna Cárdenas y Esther Ramos. Una maquinaria estupenda donde la interpretación, expresión corporal, dramaturgia y buena dosis de sensibilidad hacen de este trabajo un reloj casi perfecto. «Controlar el Tiempo…que no sea el Tiempo el que os atrape»
Luis Castilla
To no end en Essencia de Cuarta Pared
La investigación de esta pieza se dirige hacia el ritual. De una forma caótica y rigurosamente estructurada, han creado un rito con todo aquello que pueda hacerles pensar en la felicidad, en su arista brillante y, por supuesto, sombría. Con un eje de guía claro, arriba y abajo, subir y bajar, estallar de euforia y deslizarse por la pendiente de su descenso, presentaron algo que cambiaba a cada segundo y que, sin embargo, tenía una raíz común. Una pieza performática a medio camino entre la experiencia gastronómica y la danza como vehículo hacia el juego.
Adolfo Simón
Oirotalev en el Teatro Intemperie
Oirotalev = Velatorio.
Juan Frendsa:
“Nadie se siente cómodo en un velatorio, nadie sabe qué decir cuando es la mismísima muerte la única que es capaz de decir algo con el silencio.”
Séneca dijo una vez:
“¡Oh muerte! ¡Cómo persigues al dichoso y rehuyes al desdichado!”
Y así se nos presentan los 3 hermanos de esta obra. Desdichados que se vuelven a reencontrar, cada cual con sus heridas y cicatrices. Cada cual con sus verdades y mentiras. Cada cual con el terrible silencio de soportar la vida.
¿Quien iba a decir que la muerte iba abrir muchas puertas y ventanas? O cerrarlas.
No es más desdichado el que muere, sino el que sigue vivo sufriendo el peso del pasado. Y sobre todo de lo que se ha ido cosechando a lo largo de su vida.
Los estrenos son bastantes emocionantes, y ver las lágrimas del dramaturgo de la obra más, en esta caso Juan Frendsa. Me imagino que tiene que ser algo maravilloso ver cómo esos personajes escritos por ti, ahora toman fuerza y una tercera dimensión. Verlos caminar, hablar y sentir.
Un sentimiento y vivencia que así lo refleja una de las actrices del reparto, Tamara Casellas, la cual en medio del turbio momento, interpreta un personaje con fuerza y personalidad.
“La culpa es de la sangre” Esa sangre que no elegimos, si no que se nos da y crea vínculos con personas con las cuales quizás no tenemos conexión. Eso que se llama familia.
Dave Aidán
“Los cerdos nos miran” en La Usina
“Los cerdos nos miran”… Una chica. Un chico. Una hermana. Un hijo. Un camión que descarrila. Un hombre muerto junto a los cerdos… En este caso hablamos de relaciones, la línea comunicativa que se establece de manera, muchas veces incompresibles, entre las personas. Aquí se trata de intentar aplacar la idea de la individualidad. Una idea que está arraigada a los personajes dejando un margen extremadamente corto para comunicarse. Existe un aislamiento y la continua necesidad de establecer algún tipo de conexión. La mirada y la muerte son dos iconos constantes y grandes propulsores de toda la pieza. A medida que avanza podemos ver el desarrollo de un lenguaje abstracto que proporciona la potencialidad de los actores, dejando que estos sean los que nos cuenten, en primera persona, lo que está pasando.
Patricia Jorge
“I`ll be you mirror” en la Sala Mirador
“I`ll be you mirror” de la compañía dlcAos fue presentada este fin de semana en la Sala Mirador. Esta pieza nace de la necesidad de trasladar las coreografías más allá de los cuadernos de notas. La danza se apropia del sentido de la pieza, combinando los símbolos dramatúrgicos por donde se desarrolla la propuesta. En este caso y con una apuesta contemporánea, los libros son el marco de la historia de estos cuatro intérpretes. Cuatro seres que transitan por las líneas imaginarias de una lectura universal, dejando que esta sea la que se apropie de sus cuerpos. Una apropiación que hace dependientes las relaciones entre ellos y una búsqueda constante del equilibrio. Propuestas como estas nos recuerdan que la danza ha dado un gran salto desde los últimos años y ahora podemos empezar a ver como las líneas de las artes troncales comienzan a desvanecerse, pudiendo disfrutar de cosas tan contaminadas y ricas en nuevos lenguajes.
Patricia Jorge
Tebas Land de Sergio Blanco en el Pavón Teatro Kamikaze
Tomando como tema central la figura del parricidio, el dramaturgo franco-uruguayo Sergio Blanco escribe esta obra de teatro inspirada en el legendario mito de Edipo, en la vida del santo europeo San Martín del siglo IV y en un expediente jurídico en el que se narra el juicio de un joven parricida. Los procesos de creación e investigación son misteriosos, cuando se cree que se buscan respuestas, aparecen preguntas inesperadas. Tebas Land plantea una cuestión de rabiosa actualidad, la necesidad de restaurar la justicia sobre los antihéroes, los protagonistas de nuestro tiempo. Un director y autor teatral ha de enfrentarse a las dificultades de una producción y termina enfrentándose a otra, que nunca habría elegido pero que le hará entender mejor su vida y el mundo que habita. El proceso teatral es el vehículo para poner en juego el teatro de la vida y a través de él, todos los personajes se transformarán con la experiencia, el débil encontrará herramientas para sobrevivir y el fuerte descubrirá su lado menos luminoso. Una obra que habla de hoy mirando en los espejos rotos del pasado. Gracias a la cuidada programación de este teatro, se estrena por fin en nuestro país el texto de Blanco dirigido por Natalia Menéndez y protagonizado por Israel Elejalde y Pablo Espinosa.
Adolfo Simón
El éxtasis de los insaciables de Réplika Teatro
“El éxtasis de los insaciables”, el último montaje de la compañía estrenado en noviembre de 2016 fue galardonado con el Premio ADE “José Luis Alonso” para jóvenes directores. El montaje de Mikolaj Bielski a partir de material dramático de S.I.Witkiewicz traslada la acción a la crítica contemporánea de convencionalismos asumidos en nuestra esfera cotidiana, a la falta de libertad escondida en los roles sociales y a la decadencia de una cultura occidental que se ha convertido en espectáculo y depredación. El público asiste a un ritual caduco e impúdico que todos sabemos existe pero que ignoramos por no enfrentarnos a ese mundo de poder putrefacto. Y también asistimos a la ceremonia en la que se devoran física y psicológicamente para terminar en un momento íntimo y delicado de degustación culinaria donde el tiempo se detiene para mostrarnos que nada ha cambiado y que no cambiará si seguimos pasivos ante un mundo a la deriva. Experiencia escénica con carácter performativo y ritual, con presencia de música electrónica tocada en directo.
Adolfo Simón
Programa doble en CUARTA PARED
Cuarta Pared nos tiene acostumbrados a una programación cuidada, tanto para adultos como para público familiar. Este fin de semana he podido disfrutar de dos propuestas que tienen algo en común…el amor y la muerte.
En La noche del Sr.Smith de la Compañía con el mismo nombre, asistimos a los sueños propios y ajenos de este personaje en el periplo por conseguir la vida eterna. El precio de la inmortalidad es muy alto, tal vez demasiado si supone que aquello que fue tan importante, el amor, hay que perderlo por una vida aséptica y sin fin. Una obra que nos obliga a reflexionar sobre los límites entre el deseo y la realidad.
En la programación familiar, dentro de la Muestra de las Semanas Internacionales de Teatro de Acción Educativa, hemos podido disfrutar del más difícil todavía, llevar a cabo la representación de Romeo y Julieta por un solo actor, Jorge Padín. Ultramarinos de Lucas siempre se ha distinguido por realizar propuestas serias y arriesgadas, en este caso, realiza una proeza estética y poética que mantiene en esencia la obra del bardo; con el amor como equipaje hacia el destino final, la inevitable muerte.
Adolfo Simón
Premier en Nave 73
Dicen que los niños y los borrachos nunca mienten. En Premier, aprovechando la euforia del éxito, cuatro personajes se abandonan al alcohol en la celebración de un gran estreno…Poco a poco, iremos conociendo lo que vincula a los personajes, sus sombras y debilidades. Hasta el más fuerte, terminará siendo víctima de sus propios miedos. Una puesta en escena sencilla, centrada en la interpretación de cuatro actores de entre los que destaca Verónica Larios que asume el papel de la verdugo de los otros títeres, aunque terminará atrapada en su propia telaraña.
Adolfo Simón
Cinco tonos del color azul en el Teatro Intemperie
¿Cómo se gestiona el duelo ante la pérdida de un ser querido?
¿Y que pasa cuando descubrimos los diferentes tonos de este duelo? Hace poco se inauguró el Teatro Intemperie en El Barrio de Malasaña, y esta semana se ha podido vivir la experiencia de conocer los “Cinco tonos del color azul”.
La muerte sigue siendo un tema tabú y del cual se piensa que ante una dolorosa pérdida la vida no tiene sentido. Obviamente hay fases que superar, pero siempre con la idea de que la vida sigue y sobre todo aceptar la muerte.
Esta experiencia es un acto sincero con toques cómicos de la vida misma. Es un baño natural con agua pura. Profunda, honesta y llena de verdad. Una verdad dada por unas joyas de actrices como Marta Aguilar y Lluna Gay y de su directora Paula Ribó.
Un espejo donde quizás muchas personas se puedan ver reflejadas, obligados y obligadas a pasar por los cinco tonos del color azul. Cada uno de los tonos corresponde a las 5 fases del duelo según el esquema clásico descrito por Elisabeth Kübler-Ross: negación, ira, depresión, negociación y aceptación.
Un rito entre la vida y la muerte lleno de él antes y él después.Es emoción y miedo. Una etapa nueva de madurez que explorar.
Un conjunto rico entre interpretación, textos, vídeos y músicas.
Y nos secaremos las lagrimas, seguiremos bailando, que la vida sigue y los recuerdos habitan en nuestros cuerpos.
Dave Aidan
LA METAMORFOSIS de TITOYAYA DANSA / GUSTAVO RAMÍREZ en el Teatro de la Abadía dentro del Festival Madrid en Danza
La Metamorfosis planteada por Gustavo Ramírez se centra en los personajes secundarios de la célebre obra de Franz Kafka. La construcción coreográfica profundiza y gira en torno a las evoluciones de dichos personajes, en torno a sus metamorfosis, que no son más que el viaje particular de cada uno de ellos hacia la animalidad, quedando finalmente despojados de las connotaciones y de los atributos más básicos de la condición humana. Cualquier rastro de amor, compasión, empatía o perdón va a ser erradicado de la relación que se construye entre ellos a lo largo de la pieza. Una obra de teatro-danza en la que podemos observar los preámbulos del inicio de la transformación del protagonista en un ser extraño, algo que provoca también que las personas de su entorno vean su vida y personalidad alterada, de este modo nos obligan a reflexionar sobre si lo que somos es fruto de nuestros miedos o el miedo de los demás nos transforma.
Adolfo Simón
Democracia de Michael Frayn en el Festival «Una mirada al mundo» en el CDN
Basada en hechos reales acaecidos en la República Federal de Alemania de los años 60 y 70, la obra muestra el auge y caída de Willy Brandt, mentor de la Ostpolitik y premio Nobel de la Paz. Relata cómo Günter Guillaume, el funcionario que ganándose la confianza del Canciller consiguió ser su asesor personal, provocó su renuncia y la de su gobierno cuando se descubrió que era espía de la República Democrática Alemana. Un montaje sobrio e impecable que no hace concesiones a la hora de tratar unos acontecimientos que sorprendieron al mundo. La puesta en escena era contundente y espectacular, conservando la esencia de la historia real en la que estaba basada; una ocasión para conocer los entresijos del poder sin filtro.
Adolfo Simón
Dos nuevos entremeses, «nunca representados» en el Teatro de la Abadía
Los entremeses de Cervantes son como un árbol en el que siempre se descubren brotes inesperados. La Abadía, que ha llevado “sus” entremeses por numerosos teatros, en España y en el extranjero, logrando una conexión con el público que sorprende al tratarse de textos de hace cuatro siglos, aborda ahora, de la mano de Ernesto Arias, otras dos piezas: La guarda cuidadosa y El rufián viudo llamado Trampagos. Dos nuevos entremeses «nunca representados» invitan al espectador a reconocer en las acciones de modestos personajes, la grandeza del valor humanístico en Cervantes: la libertad de las mujeres, el valor individual y la fuerza colectiva. Ernesto Arias, al frente de un equipo artístico virtuoso construye un universo poético y atmosférico en el que transitan seres marginales con otros fantásticos, la mezcla de estos mundos genera momentos de intensidad teatral poderosa donde la verdad y el viaje a otro tiempo se nos hace presente y nos habla de hoy, cara a cara con las debilidades y monstruosidades de una sociedad que parece sucumbir siempre a la misma torpeza existencial.
Adolfo Simón
Rain de Anne Teresa De Keersmaeker / Rosas en los Teatros del Canal dentro del Festival de Otoño a Primavera
Rain , inspirada en la composición Music For 18 Musicians de Steve Reich, es una de las piezas más características de la creadora belga Anne Teresa De Keersmaeker. Con esta vibrante coreografía estrenada en 2001 –y revisitada más tarde en 2016–, De Keersmaeker regresa a dos de sus grandes pasiones: la danza más pura y la música minimalista de Reich. Durante una hora y diez minutos, diez bailarines corren, vuelan y chocan en el escenario, delineado por una cortina de finas cuerdas blancas, y despliegan una impresionante sucesión de piezas de baile. Las estructuras matemáticas, el uso implacablemente geométrico del espacio, el arte de la variación constante –características todas ellas que se han convertido en sellos reconocibles de la coreógrafa– son llevadas al límite en Rain. A veces cuesta ver lo científico en una obra de arte, nos encontramos con el resultado, con la vacuna encontrada para curar la enfermedad, pero es apasionante cuando, desde el patio de butacas, asistimos a lo que podría ser el viaje de investigación en un laboratorio. En Rain vemos multitud de combinaciones, variaciones, pruebas y modificaciones…Los cuerpos se convierten en moléculas en el aire que se fusionan y multiplican o se diluyen. Durante un poco más de una hora, los cuerpos de los bailarines transitan por el escenario como si de anfibios o pájaros se tratase, buscando un refugio o una huida…Rain es una prueba límite para el cuerpo y la resistencia, un viaje sumergido en una música que pauta cada compás y movimiento.
Adolfo Simón
Más info en: http://www.madrid.org/fo/2017-2018/rain.html
Paseando de museo en museo
La casa-museo Lope de Vega se encuentra situada en el carismático barrio de las letras. Este lugar no solo organiza visitas guiadas por la estancia, si no que gestiona actividades paralelas como la ocurrida esta mañana. En este caso se tratada del acercamiento a uno de los primeros manuales referidos a las danzas de la época, llegando a recoger más de setenta tipos y normas estrictas en cuanto al protocolo que debía llevarse con rigurosidad. Una actividad de lo más curiosa, aunque no la única. La Casa América expone actualmente una propuesta llamada “Chaco Ra’anga“ que recoge un proyecto colectivo sobre doce viajeros de Argentina, Bolivia y Paraguay, dónde recorrieron el Gran Charco Americano. En este caso nos podemos empapar de un material altamente sensible y rico, pero también de una forma que invita al visitante a recorrer las salas con mayor expectativa. Una forma que traza un puente entre lo aborigen y lo tecnológico, donde los sentidos acaban cobrando protagonismo. A unos metros de distancia y ya empezada la tarde, podemos acercarnos al Palacio de Velázquez para acompañar a Esther Ferrer en una de las performas que realizará esta semana. Hoy hemos partido desde el Retiro para recorrer, parte de el mismo y la ciudad de Madrid. Durante dos horas se ha podido ver deambular a un grupo polifónico que causaba tal expectación que iban acompañados con las miradas sorprendidas los turistas. Si por el contrario no nos apetece deambular podemos optar por La Casa Encendida, dónde ahora mismo se puede visitar la exposición de Marcel Dzama “Dibujando una revolución”, que nos ofrece un amplio catálogo de técnicas que van desde el dibujo al video-performance, sumergiéndonos en su particular universo. Todo ello unido por la ironía, los disfraces, la violencia, el sexo, la muerte, la música y la danza; que se entremezclan para darnos reflexiones acerca de nuestro propio mundo actual. Por si fuera poca la carga de esta última opción, a unos pocos metros, en el Reina Sofía, podemos cerrar la tarde con la propuesta de Thiago Granato “Trança”. Se trata de una investigación y creación, sobre que ocurre cuando se rompe la barrera entre el yo y el otro. Una danza que teje las líneas entre las fuerzas internas, sentimientos y sensaciones, para darles cuerpo en escena. Un viaje por el tiempo y el cuerpo.
Patricia Jorge
Que Revienten los Artistas 
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