La Pilarcita en el Teatro Lara
Cuando uno habla de milagros acude a las más altas esferas para explicar, de manera sobrenatural, la resolución de un problema. Cuando uno habla de devoción se traslada de manera casi automática a la idea religiosa de su doctrina. Pero cuando uno habla de fe, debe tener el espíritu abierto para entender que creer es necesario para vivir. “La Pilarcita” nos recuerda a través de enigmáticos personajes, que uno busca y rebusca en si mismo y en la vida, lo necesario para enfrentarse a su destino más presente, con la esperanza de que algún día este cambie. Se trata de un puente al pasado, a la tradición y a lo que arrastramos estas nuevas generaciones. Un viaje por la realidad del amor, la amistad, los sueños, los deseos y las tristezas que se esconden detrás de cada una de ellas. Una moraleja dónde pone en entredicho que los milagros no aparecen de repente, ni súbitamente como un meteorito caído del cielo. Que el autentico milagro lo forja uno día a día, con deseos, sueños, fe y constancia. A fuego lento, removiendo y esperando el momento para dejar escapar los olores, presos de una olla, de una receta que nadie conoce con exactitud.
Patricia Jorge
HÁBITAT de DANIEL DOÑA Compañía de Danza en el Festival Madrid en Danza
La Compañía de Danza de Daniel Doña –Premio Ojo Crítico en 2016– ha sido la encargada de levantar el telón del XXXII Festival Internacional Madrid en Danza. Hábitat en los Teatros del Canal, los días 21 y 22 de noviembre, es una pieza de Danza Española renovadora que esquiva las barreras disciplinarias, con la que el bailarín y coreógrafo investiga sobre los límites de su discurso coreográfico para poner en orden su danza. Sin duda, una pieza de riesgo para arrancar la edición de este año, un trabajo complejo, lleno de variaciones y mezclas, de bailes y músicas, a veces contrarias en discurso y poética que, sin embargo, coinciden en un espacio sensorial diferente y lleno de sensaciones múltiples. Además, les acompaña en escena una escultura… por momentos pájaro, a veces ala y en otras ocasiones…barco que vuela…de repente nos parece que el alma del baile se vuelve corporea en esa figura viva que se eleva por encima de los ojos del público y se enzarza en la piel de los bailarines y músicos.
Adolfo Simón
Más información en: http://www.madrid.org/madridendanza/2017
TEORÍA y PRÁCTICA sobre los PRINCIPIOS MECÁNICOS del SEXO en el Teatro Lara
El teatro nos permite ver la vida al otro lado de las mentiras, donde se esconde la verdad de las relaciones. En tan solo dos situaciones, dos parejas que en principio no lo son, nos descubrirán lo que a veces intuímos pero que no queremos creer nunca. En estas dos situaciones, el amor, la fidelidad y el sexo serán los temas principales. Porque es cierto que en teoría, todos tenemos ciertas cuestiones resueltas, pero la práctica demuestra que el ser humano es débil y a la vez terriblemente manipulador. Situaciones cómicas que nos provocan escalofríos ante las confesiones imprevistas. El teatro, cuando es sencillo y directo, se agradece ya que va directo al intelecto y emoción del público. En esta obra, reímos y pensamos al tiempo, algo poco habitual.
Adolfo Simón
Madrid, ciudad sin fin.
Dicen que Madrid es la ciudad que nunca duerme y no le falta razón. Si a uno le gusta transitar y dejarse embaucar por todo lo que esta ciudad puede ofrecer, sabrá que la pequeñez se queda en una mera idea. Un sábado del mes de noviembre es capaz de ofrecernos jornadas como la llevada a cabo por el “Coño’s Project” en la Tabacalera. Un día entero dedicado a actividades, conciertos, puestos, talleres, comida, arte y demás entretenimientos; para reunirnos en torno a la mujer y el papel que esta juega hoy en la sociedad. Avanzando y adentrándonos en la tarde, La NeoMudejar, otro espacio imprescindible, nos trae un visionado de vídeo-performance de la mano de Pancho López, que hace un recorrido por numerosas propuestas Iberoamericanas y abre la veda a la reflexión y el intercambio de opiniones sobre este modelo de arte. Si estos dos eventos no fueran lo suficientemente atractivos, cosa que resulta casi imposible, se puede optar por acudir a alguna de las salas de teatro alternativo que más esta resonando esta temporada, el Teatro Pradillo. Este espacio recoge numeras apuestas por la creación y la investigación a nuevos lenguajes. En este caso se trata de “Pickpocket” una arriesgada reflexión acerca de lo que podríamos denominar “cultura”. Un autentico pulso a la belleza y a la libertad, un cántico desafinado que resuena en el vacío. Sin nada que perder se adentran en una lucha más que reflexiva que no deja indiferente a vencedores o vencidos. Un gran cierre para poner punto y final a un sábado cargado de tanta variedad como opciones posibles.
Patricia Jorge
El palacio encantado de Edgar Allan Poe, en El Teatro Alhambra
El teatro Alhambra de Granada acogió el domingo, 12 de noviembre la nueva propuesta escénica de la legendaria compañía británica The Tiger Lillies. Se trataba de una función única, hecho que se tradujo en un lleno absoluto de la sala y una expectación muy por encima de lo habitual. En hora y media de representación, Tiger Lillies desplegaron su estilo habitual, creación de música sobre el escenario envuelta en un halo de misterio y extravagancia. Tres actores/músicos (más músicos que actores) que mezclan melodías de los gitanos del este, ópera popular y ambiente de cabaret. En El palacio encantado de Edgar Allan Poe todo es anarquía, algo que es un emblema de la compañía pero que también lastra al espectáculo como tal. Las composiciones son interesantes, brillantes algunas, disfrutables en su excentricidad. Ponen música a composiciones de Poe de una manera tan emotiva como peculiar, anclados en lo grotesco y oscuro, haciendo esa especie de teatro punk que tantos reconocimientos le ha traído. El argumento general es demasiado delgado, no obstante, actuando los diálogos entre canciones como mera excusa para pasar al siguiente número musical. Un espectáculo único, irrepetible, tan peculiar que merece la pena verlo, en sus fortalezas y debilidades.
Rafael Ruiz Pleguezuelos
El florido pensil en el Teatro Marquina
Desde hace tiempo existe una técnica llamada «risoterapia» que ayuda a superar tiempos difícil y situaciones complicadas en las vivencias de las personas. Cuando alguien dice aquello de «cualquier tiempo pasado fue mejor», les sugeriría que fuesen a ver la obra «El florido pensil», bueno, animaría a que fuese a alguien con un concepto progresista de la humanidad, a los catastrofistas no. Los que ya tenemos una edad, sabemos lo que significaba entrar en un aula y tener la sensación de estar en un cuartel militar. La educación, en este país, durante aquellos funestos cuarenta años, consistió en aleccionar a los individuos en cómo tenían que pensar y sentir. Y para ello usaron todo lo que tenían a su alcance, la escuela, la radio, etc. Ver El florido pensil es una oportunidad para exorcizar alguno de aquellos fantasmas de los que hemos heredado muchos de nuestros tics sociales y democráticos. Y si es con humor, pues doblemente saludable. Esta versión femenina; tuve ocasión de ver también la masculina hace años, agudiza e ironiza sobre los decretos diarios con los que se nos inculcaba para ser «buen español». Hacía tiempo que no me reía tanto en cada una de las escenas donde las actrices juegan a ser alumnas y profesoras para transmitir ese código terrible de comportamiento. Núria González, Mariola Fuentes, Chiqui Fernández y África Gonzalbes están deliciosas en cada una de sus caracterizaciones, pero Esperanza Elipe llega a unos niveles de hilaridad y disparate fantásticos en la creación de la falangista despiadada. Si quieren mirar al pasado sin ira y reírse de los fantasmas que siguen durmiendo en el desván de la memoria, vaya a ver El florido pensil.
Y en Lagrada, todavía quedan funciones de «Mujer olvido» una pieza que recuperar la figura de María Teresa León que para aquellos que no la conozcan y que deberían conocerla, hagan, de ese modo, justicia a una mujer fascinante que fue invisibilizada durante mucho tiempo.
Adolfo Simón
Títeres en el Mirlo Blanco y en el Montacargas
Lo interesante de Madrid es que en un mismo fin de semana, podemos encontrar diversas propuestas para público familiar, en escenarios de muy diferente formato.
En el CDN, en su sala el Mirlo Blanco, se ha presentado Kiti Kraft de Bambalina Teatre, una pieza de títeres y objetos en la que se ha investigado sobre formas novedosas creadas a partir de plásticos y papel.
Y en la Sala El Montacargas, el colectivo TITUR Teatro Urgente ha presentado su nueva propuesta, «Pernales, el último bandolero». Estos artistas siguen afianzando su lenguaje de títeres tradicionales de teatrito al que suman música popular en directo que le da un formato muy sugerente y rico.
Adolfo Simón
Circo de sastre en Naves Matadero
La mente viaja de muchas maneras y existen guías facilitadoras de estos trayectos. Artistas chamánicos como los japoneses de Circo de Sastre que, tras su éxito en Japón pisan por primera vez Europa. Portadores de un género inventado, presentan un concierto de música en directo, un espectáculo de un nuevo circo, una lección de sastrería, una performance, una obra teatral, contando una historia tejida con sonidos, tela y luz. Una nueva fórmula que indaga sobre la poética del circo como espacio de ensoñación y magia.
Adolfo Simón
Gloria Fuertes por La Fantástica Banda en el Teatro Lara
Gloria Fuertes por la Fantástica Banda es un concierto-recital para toda la familia.
Gloria era una «Poeta» como a ella le gustaba que le llamaran que escribía, sobre todo para ella y al hacerlo así se divertía de lo lindo y podía sacar punta a todas las cuestiones universales de la Vida. Escribía sobre una pequeña arañita igual que bromeaba con la Muerte. Para ella cualquier tema era digno de ser poetizado: la ecología, la guerra, la paz, el amor, los animalitos, etc…
Con una selección amplia de sus poemas, La Fantástica Banda, creada en el año 2010 y siempre preocupada por la oferta musical infantil, da vida y alma a sus maravillosas poesías, tocándolas en distintos géneros y a ritmo de palmas y bailes vamos conociendo a esta Gloria-niña que a todxs nos seduce.
Un montaje muy recomendable y encantador donde las familias podrán pasar un rato fantástico conmemorando este Centenario del nacimiento de Gloria Fuertes.
Luis Castilla
Un tercer lugar /3D de Denise Despeyroux en la Sala Margarita Xirgu del Teatro Español
Seis personajes profundamente neuróticos tratan de relacionarse entre sí lo mejor que pueden, y también de amarse lo mejor que saben. Unos se decantan por el modelo del amor cortés, colocando al otro en el lugar de lo incondicionado, donde se vuelve imposible cuestionarlo y disponiéndose a cualquier sacrificio a la espera de que el amado se convierta por fin en amante. Otros observan con perplejidad cómo su propia verdad les es arrebatada; cómo en respuesta a su imperiosa necesidad de ser tomados en serio solo reciben extrañas tergiversaciones y comunicaciones defectuosas. Todos, en definitiva, ya sea en el papel de víctimas o victimarios, amantes o amados, anhelan la posibilidad de un contacto auténtico y una comunicación verdadera; tal vez el descubrimiento de un tercer lugar donde ya no sea necesario esconderse más. Es muy interesante que lo que propone Denise en el fondo de su obra, sea trasladable a otros ambitos de esta sociedad enferma actual en la que nos debatimos entre extremos…O pensamos en blanco o en negro…Miramos desde el balcón o nos lanzamos al vacío. Creo que en ese viaje de descubrimiento que experimentan los personajes hacia una catársis que les permitirá optar a otra forma de vivir, vendría muy bien como filosofía para sobrevivir a un tiempo sin esperanza para el amor y el respeto hacia el otro.
Adolfo Simón
Missing de Gecko en los Teatros del Canal dentro del Festival de Otoño a Primavera
Aclamada por medios como The Guardian o The Times, Missing es una creación sobre la memoria y la identidad, sobre cómo nuestro pasado moldea el tipo de personas que somos. El montaje es un viaje a la mente de Lilly, una mujer normal que recuerda el día de su boda, sus lecciones de flamenco, sus fiestas, las raíces de sus padres… Hechos inconexos a los que el espectador dotará de significado dependiendo de sus propias vivencias. Y la propuesta es tan compleja y abierta que permite que el público, de manera individual, escriba su propio diario, extrayendo de las imágenes y fantasmagorías que se crean, su propio periplo vital. Danza y fisicidad, teatro de objetos y espacios construyen en Missing un universo que nos remite al mundo diario pero cargado de sueños donde nos redescubrimos más profundamente; allí están las respuestas a las preguntas que nunca nos hacemos.
Adolfo Simón
Famélica de Juan Mayorga en el Teatro del Barrio
“Famélica” es un texto escrito por Juan Mayorga en colaboraciones con el director Jorge Sánchez. En este caso se nos presenta una historia del día a día… ¿A quién le apasiona realmente su trabajo? ¿Quién se siente valorado con el trabajo que realiza? ¿Quién desea levantarse cada mañana para plantarse ocho horas seguidas en la oficina?. Esta propuesta pone sobre la mesa todas estas cuestiones. Se trata de los trabajadores de una empresa que se centran en la creación de un pequeño colectivo, tratando de llevar a cabo un proyecto que contrapone todo esto. Con una gran carga política y social, el diálogo transcurre entre la más pura realidad y la sátira más gamberra. Situaciones que nos hace plantearnos un autentico paralelismo con lo que hoy en día pasa en nuestro mundo. Por si fuera poca la inmersión que se nos propone, a posteriori se organiza un encuentro entre dos personajes de gran calado en la política española. En este caso de la mano de Iñigo Errejón y Manuel Jabois. Para así cerrar una autentica jornada dedicada a la reflexión y la implicación para la sociedad del siglo XXI.
Patricia Jorge
Out of Context / For Pina de ALAIN PLATEL / LES BALLETS C DE LA B en los Teatros del Canal
Un homenaje a la obra de la coreógrafa Pina Bausch, fallecida en 2009, un año antes de que Alain Platel estrenara Fuera de contexto, su pieza más exitosa de la última década.
En Out of context, el director Alain Platel continúa buscando un lenguaje del movimiento conectado a lo inconsciente, lo arbitrario, lo descontrolado. El material de movimiento cubre una amplia gama de distonía, o lo que es lo mismo: espasmos, convulsiones, tics. Estos pueden ir desde mover ligeramente la boca, castañear los dientes, sacar la lengua, pestañear, fruncir el ceño, hacer muecas, mover los dedos como si estuvieran tocando el piano, menear ligeramente los músculos, el torso, la pelvis o la cabeza, sacudir el abdomen o el diafragma, entorpecer el equilibrio y caerse, hasta un repertorio sinfín de formas absurdas de caminar. Pequeños tics alternados rápidamente con grandes pasos. Incansablemente, de forma agitada.
Para ello, Platel escoge a virtuosos bailarines. No se siente tan atraído por el inconsciente en sí como por la tensión entre la amplia gama de movimientos descontrolados y los componentes tradicionales de la coreografía, como la ejecución de movimientos sincronizada (simultánea). En ese entre-deux, esa zona de tensión entre el inconsciente y el superconsciente, se abre un espacio muy interesante no solo para el director, sino también y sobre todo para los bailarines con los que tanto tiempo lleva ya trabajando.
Hay ocasiones que, al salir de un espectáculo, es necesario vagar por los alrededores del edificio, como retomando la orientación de nuevo. Cuando en el patio de butacas se pierde el equilibrio sensorial y emocional, lo que está pasando en la escena es de un orden sobrenatural. No me extraña que este espectáculo sea un homenaje a la gran Pina; es como si Alain Platel hubiera atrapado por un tiempo el espíritu del genio de la danza teatro. Que los intérpretes lleguen desde el patio de butacas para desprenderse de su piel social y se transformen en lo más primitivo que hay en nosotros para transitar por el tiempo, el dolor y la ternura y mostrarlo abiertos en canal…es impagable. Y al final, todo vuelve al orden inicial, a la máscara social. Buen inicio de la nueva etapa de los Teatro del Canal.
Adolfo Simón
“Blod” en Teatro Pradillo
“Blod” es la transformación en estado presente, un encuentro entre lo que es y lo que está siendo. Con la capacidad de enfrentarse al cambio, va creciendo y muriendo en un mismo espacio de tiempo. Se alimenta, se reproduce, se caga; y todo ello en una órbita de miradas que lo envuelven. La contextualización de esta pieza se queda en el fondo de nuestras dudas, porque aquí no importa el encuadre, ya que se trata de una “cosa” en su propia dimensión. Una dimensión que nos da la oportunidad de des-catalogar y poder sentirnos cómodos con ello, con la imagen, con la emoción o con las ideas; que no encuentran armadura. Y es que se trata es de no poder definir, de la incapacidad que se nos presenta ante esto que hacen llamar Blod.
Patricia Jorge
TOTEM del Cique du Soleil en Madrid
Todo empezó hace 30 años con un sueño. El sueño de una pequeña comunidad de artistas itinerantes que lo darían todo por compartir su amor por el escenario, el circo y el mundo. Desde entonces, la familia ha aumentado y ahora está compuesta por miles de soñadores – creadores, artistas, técnicos y trabajadores que desarrollan su función entre bastidores. El sueño se ha convertido en un símbolo del orgullo de Quebec, una compañía internacional de entretenimiento que ha puesto en pie 35 grandes producciones, 20 de las cuales están todavía representándose en algún lugar del mundo. La compañía, que celebró en junio de 2014 su 30 aniversario, ha logrado cautivar a cerca de 150 millones de espectadores de 300 ciudades en los seis continentes. Actualmente, cuenta con cerca de 4.000 empleados, que incluyen 1.300 artistas de cerca de 50 países diferentes. El Circo del Sol regresa a Madrid del 10 de noviembre al 7 de enero con su producción TOTEM. Desde su estreno mundial en el año 2010, más de 2 millones de personas en todo el mundo han sido hipnotizado por la intimidad y la belleza de TOTEM. Con un elenco de 46 acróbatas, actores, músicos y cantantes, TOTEM es una combinación de atletismo, comedia, emoción y efectos visuales sorprendentes. Escrito y dirigido por Robert Lepage, TOTEM recorre el fascinante viaje de la especie humana, desde su original estado anfibio hasta el deseo final de volar. Los personajes evolucionan en el escenario evocando una tortuga gigante, el símbolo del origen de muchas civilizaciones antiguas. De nuevo, el Circo del Sol trae una propuesta que supera a las obras anteriores, aquí, la dramaturgia y la puesta en escena se equilibran para sumar una historia secuencial que va propiciando números fascinantes que dejan boquiabierto al público.
Adolfo Simón
Espía a una mujer que se mata de Daniel Veronese en el CDN
No habrá vestimentas teatrales, ni ritmos bucólicos en fríos salones, ni trastos que denoten el tiempo campestre. La acción se desarrollará en la ya vieja y golpeada escenografía de Mujeres soñaron caballos. Una mesa, dos sillas y una botella. Quitando elementos hasta llegar a la expresión mínima, adecuada para los actores. Espía a una mujer que se mata, versión de Tío Vania, acaba sedimentando algunas cuestiones de orden universal: el alcohol, el amor por la naturaleza, los animales toscos y la búsqueda de la verdad a través del arte. Dios, Stanislavski y Genet…desvencijados. Estas palabras encontramos en el programa de mano y después, serán la guía dramática de la escena. El teatro de Veronese se caracteriza por desenfocar los referentes literarios para darles un prisma que conecte con el público de hoy, para ello, evita los adornos y las máscaras, todo lo que vemos es, nada parece. Una hora intensa de emociones contenidas que a veces estallan como un volcán amordazado durante siglos. Teatro en estado puro y sin filtro.
Adolfo Simón
«Razones para ser guapa» de Neil Labute en Nave 73
“Razones para ser guapa” es una comedia ácida que retrata sin escrúpulos una sociedad atrapada en la imagen, en la que cada vez somos menos capaces de mirarnos, reconocernos y vernos como seres humanos. A veces, un comentario sin mala intención, puede provocar una catastrofe emocional, de esto y de las mentiras que envuelven las relaciones habla de este texto que han escenificado de manera muy sencilla, apoyando la propuesta en la interpretación.
Además, en el hall de la Sala se puede disfrutar de una exposición sugerente.
Adolfo Simón
«Maleable» de Helena Lizari en La Casa Encendida
Cuerpo y objetos bailan juntos creando una serie de imágenes poéticas en este viaje a través de las sensaciones, de los sentidos. Una aventura de percepción por medio de las texturas, del tacto. Porque Maleable es elástico, suave, moldeable, flexible, transformable, consistente. Una propuesta en la que los pequeños van ocupando el espacio y la acción para convertirse en protagonistas de este viaje sobre la material y el juego.
Adolfo Simón
MA.drid por Curro DT en DT Espacio Escénico
MA.drid por Curro DT en DT Espacio Escénico
Madrid. Noviembre. 1936.
¿Que recordamos de esta fecha? ¿es importante?
¿Alguien vio, oyó o sintió lo ocurrido por esas fechas?
Un recuerdo. Una memoria por la urbe. Un diario que se abre mediante el cuerpo y su valor para expresar multitud de cosas. Una lente que informa. Unas voces que emulan los días de aquellos bombardeos que parecen ser olvidados bajo el imperioso paso del tiempo. De nuestro presente.
Un Noviembre de 1936, que después de 81 años, sigue teniendo para los intérpretes un ruido penetrante.
Una combinación de partituras corporales que empastan con la voz de aquellos escritos obtenidos de la indagación.
Y tres preguntas para meditar:
¿Por qué Madrid resistió?
¿Por qué nadie lo recuerda?
¿Por qué pasean por Madrid?
Desde luego ahora pasearé por las calles de Madrid intentando redescubrir su historia.
Amérika Liyun
«El sermón del bufón» de Albert Boadella en los Teatros del Canal
“El sermón del bufón” es la última propuesta de Albert Boadella para los Teatros del Canal. En ella podemos hacer un viaje por la historia de nuestro teatro, a través de su mirada biográfica y crítica. Entrelazando lo testimonial con fragmentos de sus obras más relevantes, podemos observar los dos puntos opuestos que tan bien crean el sentido del humor que invade la propuesta. Entre el niño y el viejo anda el juego. La ficción y la realidad, que dan paso al acto real y directo, de un interprete expresando sus pensamientos y reflexiones, eso crea un ambiente reflexivo que se traslada a la butaca, creando así casi un debate introspectivo en cuanto a la mirada que tenemos con y para el arte. En este caso hablamos de una idea que se resume, en la exposición de la conciencia personal y artística de uno de los iconos del teatro. Boadella se pone a disposición del teatro para que sea ahora el quien lo escriba.
Patricia Jorge
«Troyanas» en el Teatro Español
La versión de Alberto Conejero, dirigida por Carmen Portaceli llega por fin a Madrid después de haber pasado por Mérida y el Grec. En ella podemos ver un montaje que trata de acercar al público, de manera cercana, la visión de Eurípides sobre la tragedia de la guerra y sobre unas protagonistas secundarias en los conflictos bélicos: las mujeres, que siempre han estado veladas a los ojos de la sociedad.
Las versiones de los clásicos suelen centrar sus puntos de vista en el fin último que quieren el autor y, en este caso, la directora. Conejero ha limpiado el texto original, quitando el coro, algunos personajes y poniendo el acento en el discurso sobre la mujer y la guerra, haciendo asequible al público un texto en el que cuesta introducirse al que no es iniciado en el hecho teatral y actualizando la tragedia con imágenes de la guerra de Siria. Además ha introducido el fantasma de Políxena, hija muerta de Hécuba e interpretada por Alba Flores, en contrapunto dramatúrgico a la falta de coro. La dirección de Portaceli le secunda, actualizando el discurso de Hécuba con una interpretación de Aitana Sánchez-Gijón contundente pero algo desafectada del dolor que le quiso imprimir Eurípides. Ernesto Alterio interpreta a Taltibio, el funesto mensajero griego que trata de expiar la culpa que pesa sobre su espalda al haber sido y cómplice en la muerte del nieto de Hécuba, estableciendo el orden en el discurso de la obra, uniendo los fragmentos de texto entre las mujeres y contrarestando protagonismo al lado troyano.
En la escenografía de Paco Azorín, minimalista, inspirada en la masacre que tuvo lugar en Hula, Siria, nos encontramos una escena llena de cadáveres envueltos en tela blanca y con una contundente torre caída en forma de «T» sobre la que se proyectan imágenes de guerra actuales, documentando al público y dando así efectividad al discurso directivo, en sus dos vertientes, como directora de la obra y como directora del Teatro Español, que Portaceli quiere afirmar sobre el tema tan de actualidad ahora como en tiempos de Eurípides.
Si quieren ver arder Troya, tienen que acercarse al Teatro Español del 10 de noviembre al 17 de diciembre.
Luis Mª García Grande.
“IV La fiesta de la vida se celebra de diversas formas” en Territorio Danza de Cuarta Pared
“IV La fiesta de la vida se celebra de diversas formas” es la última propuesta que se presenta del Festival Territorio Danza. En este caso, y con una gran diferencia al resto de propuestas, se nos presenta una pieza ligera y cargada de lo cotidiano, lo de siempre, lo que somos y muchas veces olvidamos. Se trata de un grito a la alegría, a la fiesta, al colectivo, a la familia, los amigos, los amores, las copas que nos tomamos de más, los bailes absurdos, los juegos de mesa, los chistes malos… y un sin fin, de momentos únicos que se presentan en pequeñas cápsulas de felicidad. Hablamos de una danza cargada de sencillez y belleza, un espacio para disfrutar y dejarse impregnar de los recuerdos. Sin duda una autentica forma de celebrar, no sólo la vida, sino el teatro.
Patricia Jorge
Ay! Carmela de José Sanchís Sinisterra en los Teatros del Canal
Ay, Carmela es un canto a la supervivencia, a la dignidad del ser humano, un suspiro, un dolor encerrado en un “ay”, es una historia contada desde los ojos de Paulino, un muerto en vida que necesita aferrarse a la idea de que la aparición de Carmela, una muerta que vuelve a la vida, es real y de que el espectáculo debe continuar sea como sea. Este texto es ya un clásico contemporáneo, una historia que a todo creador le interesa tratar en algún momento. Cada temporada aparece una lectura nueva en la cartelera, un intento por seguir desvelando lo que hay escrito entre líneas. Aparentemente, la historia es sencilla y su narración accesible pero está llena de guiños y enigmas para que se puedan realizar múltiples lecturas. En esta producción, se acentúa un aspecto que en otras propuestas no he visto, se subraya lo sobrenatural, ese espacio desde el que viene Carmela, de un mundo que va desapareciendo, borrándose de la memoria; como lo que parece que nos ocurre a nosotros sobre ese tiempo máldito de las dos Españas. Las atmósferas de este montaje son más enigmáticas, los personajes transitan por una realidad envuelta en niebla y por sueños que se hacen realidad en forma de pesadillas. Un trabajo sólido y complejo.
Adolfo Simón
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/ay-carmela-jose-sanchis-sinisterra/
La visita en el Teatro Infanta Isabel
La posibilidad de un atentado circunstancial e imprevisible contra Adolf Hitler durante su estancia en París. Esta es la premisa de la que parte Carmen Resino para desarrollar el discurso dramático de La visita, a manos de Pilar Barrera y Luis Perezagua. Una pieza que nos propone reflexionar sobre la fragilidad del ser humano en circunstancia imprevisibles.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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