Los empeños de una casa de Sor Juana Inés de la Cruz en la CNTC
Los empeños de una casa es el único drama de la producción literaria de Sor Juana Inés de la Cruz. Se representó por primera vez el 4 de octubre de 1683, durante los festejos por el nacimiento del primogénito del virrey conde de Paredes. Sin embargo, algunos sectores de la crítica sostienen que pudo haberse montado para la entrada a la capital del arzobispo Francisco de Aguiar y Seijas, aunque esta teoría no se considera del todo viable. La historia gira en torno a dos parejas que se aman, que, por azares del destino, no pueden estar juntos aún. Esta comedia de enredos es una de las obras más destacadas de la literatura hispanoamericana tardo barroca y una de sus características más peculiares es la mujer como eje conductor de la historia: un personaje fuerte y decidido que expresa los anhelos —muchas veces frustrados— de la monja. Doña Leonor, la protagonista, encaja perfectamente en este arquetipo. La puesta en escena que se presenta en la sala pequeña del Teatro de la Comedia potencia este juego de ocultación en un espacio a dos bandas donde el público observa cada reacción de los espectadores que tiene en frente.
Adolfo Simón
Caravane en CANAL-Centre National de la Danse
Este fin de semana, en los Teatros del Canal, ha habido un desembarco total de materiales sobre danza contemporánea. El programa rico y complejo llegaba desde el Centre National de la Danse e invadía múltiples espacios donde se podía asistir a sesiones pedagógicas, conferencias, consultas de grabaciones en video, etc. Y, además, propuestas escénicas en las que se indagaba sobre el lenguaje de la danza desde perspectivas diversas.
Bailar los sentidos
L’oeil la bouche et le reste de Volmir Cordeiro en la Sala Negra.
En esta pieza para cuatro bailarines, Volmir Cordeiro nos invita a mirar la mirada. El coreógrafo condensa todas las funciones oculares: llorar, pestañear, fijarse, guiñar, ojear… pero no se olvida de lo invisible. La obra se articula en torno a las nociones de desasimiento y desbordamiento, porque lo propio del ojo, prisionero del cuerpo, es aventurarse más allá de sí mismo. Tras profundizar en el sentido de la vista y el gusto, la indagación se trasladó al resto del cuerpo, como si se tratáse de un sentido más que se va descubriendo fragmento a fragmento de piel.
Bailar el músculo
Movimiento sobre movimiento de Noé Soulieren el Escenario de la Sala Roja.
Movimiento sobre movimiento (2013) de Noé Soulier reproduce físicamente las secuencias de Improvisation Technologies en las cuales William Forsythe expone diferentes herramientas para analizar y crear movimientos. Al tratarlos como movimientos de danza, Noé Soulier les da otro estatuto: lo que era una explicación de la danza se vuelve danza por sí mismo. Superpone a esos gestos explicativos una reflexión sobre la manera en que esos movimientos están definidos en las diferentes prácticas coreográficas. El sentido de las palabras acaba por sumarse al sentido de los gestos para crear correspondencias, fricciones o desfases. Una pieza que, a pesar de su caracter didáctico, se transformaba en una creación sobre las posibilidades expresivas del cuerpo, llegando a cotas artísticas muy sugerentes.
Bailar ideas
Gustavia de Mathilde Monnier y La Ribot en la Sala Verde. Mathilde Monnier y La Ribot interpretan a un mismo personaje en Gustavia: un espectáculo que se apoya en el universo del burlesque clásico (Keaton, Chaplin, los hermanos Marx), pero también en la escena, la performance y las artes plásticas. El burlesque es un arte entre la danza y la palabra, que nace de la transformación de la incompetencia en competencia. El desgaste gratuito, la repetición y el accidente son los mecanismos a través de los cuales nos hablan de las derivas, las catástrofes y las bondades de la vida. Dos artistas con recorridos muy diferentes pero unidas por una misma búsqueda en torno al devenir del arte y la representación. Y que al unirse en esta creación llegan a cotas fascinantes de comunicación expresiva, construyendo situaciones delirantes fantásticas, rayando lo surreal.
Adolfo Simón
El dúo de la Africana del Proyecto Zarza en el Teatro de la Zarzuela
¡Por fin aire fresco en el Teatro de la Zarzuela!. Hay que empezar diciendo que el nuevo equipo de dirección de este teatro se está tomando en serio la revisión y acercamiento de nuestro género musical más popular al público de hoy. Desde las vallas publicitarias que podemos encontrar en el metro, en las que se aprecian guiños simpáticos para atraer a unos espectadores ávidos de formas diferentes y actuales en la escena. En las puestas en escena para el público adulto ya han realizado intentos de dar un giro a la dramaturgia y puesta en escena para que las obras no parezcan sacadas de un baúl cerrado durante mucho tiempo. En la versión libre que se ha presentado esta semana pasada, dirigida especialmente al público jóven, había gran cantidad de elementos atractivos. Por un lado, la utilización de la estructura del Dúo de la Africana para poder jugar con ella a una metatrealidad sencilla, el ensayo de una gala y de paso, incluír otros temas, además de los que hay en la zarzuela original, canciones que hoy están en la mente de todos y que nos provocaban sonrisas y tarareo en el patio de butacas. Pero, además de la versión del libreto, el marco estético funcionaba de maravilla, sencillo, con toques de escenario de concierto musical y con elementos estéticos pop que le daban mucho juego a la propuesta. Y, sobre todo, un elenco de cantantes jóvenes, con unas facultades excelentes para cantar, bailar, actuar…qué placer da ver al futuro de nuestras voces para la zarzuela. Y por último, una jóven y reducida orquesta que sonaba como si fueran cien músicos. Cierro como empecé…¡Por fin aire fresco en el Teatro de la Zarzuela!
Adolfo Simón
Despertar de primavera, una tragedia de juventud de Teatro Praga en Naves Matadero
Despertar de Primavera, escrita en 1891 por el dramaturgo alemán Frank Wedekind, escandalizó en su época por abordar escenas con temática homoerótica, masturbación, sado-masoquismo, violación, suicidio y referencias al aborto. 125 años después, la compañía portuguesa Teatro Praga rescata este texto de Wedekind, sobre un grupo de adolescentes en conflicto con una sociedad conservadora y moralista, para cuestionar algunas dictaduras invisibles actuales como las identidades duales o establecidas socialmente (hombre y mujer, homosexual y heterosexual) y la identidad de la lengua. En la propuesta de Teatro Praga se pone el acento sobre la juventud de hoy en día que transita entre juegos de personalidad e intentos de trascendencia. Una figura burka en rosa que va cambiando de acto, es un enfoque claro sobre la idea de dificultad para ser lo que se desea profundamente. Entre el cabaret y el videoclip transita esta pieza que busca traer el texto de Wedekind a nuestros días.
Adolfo Simón
Gorakada de Titiricuentos en Titerescena del CDN
Basado en los cuentos: «El Zapatero y los Duendes», «Garbancito» y «El Ruiseñor», dos actrices, utilizando diferentes técnicas de manipulación (Bunraku, Sombras y Objetos) y una elaborada composición musical, nos transportaron a la remota China, donde a un Emperador, el canto de un pájaro revelara el placer de vivir. Un espectáculo sencillo realizado con técnicas clásicas con las que consiguen la ensoñación precisa para cautivar a los más pequeño de la casa.
Adolfo Simón
Electra de Companhia Chapitô en Cuarta Pared, dentro del Festival de Otoño a Primavera
Esta Compañía había puesto el listón muy alto con el Edipo que presentaron la semana pasada. La opinión era unánime, una puesta en escena sencilla, basada en el trabajo corporal de los actores que traducían el texto escénicamente y lo volvían accesible, como un cuento contado a niños. Pues con Electra se han superado, sobre todo porque han añadido un elemento simple como una cuchara a la que dan mil usos para mostrarnos los diferentes personajes de la obra y la relación que se establece entre ellos. De nuevo, una tragedia pasada por la trituradora del humor que, además de mantener el horror, nos hace reírnos de él por el disparatado y preciso trabajo de los actores. Una Compañía a la que habrá que seguir los pasos porque tienen un sello personal que conecta muy bien con el público de hoy, hablando de historias de hace mucho tiempo.
Adolfo Simón
Birdie de Agrupación Señor Serrano en los Teatros del Canal
Birdie es más que un espectáculo que juega con diferentes lenguajes teatrales y audiovisuales, es una propuesta de investigación sobre una sociedad que está perdiendo el rumbo y deja que los pájaros se estrellen contra las olas del mar. Y además, hacen accesible su discurso, con humor y habilidad; aunque muestren temas espinosos, lo hacen de una forma sencilla, como hacen los niños, que tratan temas terribles con distancia, sin entrar en densidades que bloquean la comunicación. En apenas una hora, nos tasladan a lugares, a historias y a todo lo que ocurre en el devenir de esos acontecimientos con la fragilidad de la magia. Está claro que han encontrado su lenguaje personal que no se parece a ningún otro y con el que hay, siempre, discurso y poética.
Adolfo Simón
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/agrupacion-senor-serrano/
Unamuno: venceréis pero no convenceréis en el Teatro de la Abadía
En 2018 se celebra el VIII centenario de la Universidad de Salamanca, la más antigua de España y una de las más antiguas de Europa, creada en 1218. El espectáculo Unamuno: venceréis, pero no convenceréis se presenta en el marco de esta efeméride. El actor, director de escena y miembro de la RAE José Luis Gómez ha estrenado un nuevo espectáculo en el que late su inquietud por la Memoria Histórica y su compromiso con la expresión en vida de la lengua castellana. Durante toda la obra no podía dejar de preguntarme mentalmente… ¿Nuestros políticos han leído alguna vez a Unamuno?…¿Por qué no dejan de pensar con el ombligo y se enfrentan a las interrogantes que el escritor se hizo a lo largo de su vida y sobre todo cuando esté país entró en una guerra destructiva de la que salieron perdiendo todos?. Hay un juego dramatúrgico muy sugerente, el doble plano en el que un actor convoca a Unamuno para tratar de entender su pensamiento y acciones. Todos los actores realizan en algún momento una indagación para poder encarnar al personaje. Aquí, un actor lleno de preguntas se acerca al fantasma del escritor para entender las razones de su posicionamiento ético, poético y político. A partir de aquí, la partida está echada, una vez entra en la convención el público, dejamos de ser ciudadanos de hoy para ser de cualquier momento en la historia donde la imposibilidad de diálogo y respeto se ha instalado en el día a día, llevando a nuestra barca a la deriva. Un trabajo comprometido que plantea al respetable si no estaremos repitiendo los mismos tropiezos que en el pasado ya que, el futuro aún no está escrito.
Adolfo Simón
Juguetes rotos de Carolina Román en el Teatro Español
Juguetes rotos habla de otro tiempo y habla de ahora. Desgraciadamente, los personajes que transitan por esta historia de ficción que se parece brutalmente a la realidad, son seres que vivieron sus sueños truncados, su deseo de libertad mermado por una sociedad castrante y represora. Hace cincuenta años tenían un apelativo para ser señalados y encarcelados en este país; los que ostentaban el poder, sabían cómo romper los juguetes frágiles. Mirar al pasado a través de estas páginas arrancadas de muchos diarios íntimos de los gais que no tuvieron ocasión de ser libres en un mundo lleno de candados emocionales y sexuales, nos permite entender mucho mejor sobre qué se construye la intolerancia: Sobre el miedo y el terror a ser uno mismo. Hoy, las canciones son otras, la estética es diferentes y las referencias de lugares y personajes son otras, si no en nuestra calles próximas, en algún lugar de este mundo se sigue señalando con el dedo acusador todo aquello que habla de belleza y libertad. Juguetes rotos es una pieza que, aunque ficcional, podría haber sido construida sobre los recuerdos de muchos de aquellos seres que, desgraciadamente, ya no existen y que en ciudades como Barcelona y Madrid, lucharon por su identidad. Carolina Román escribe una historia sin estridencias y la lleva al escenario con delicadeza y humor. Y la verdad en la escena llega de la mano de dos grandes actores, Nacho Guerreros con un trabajo sutil y medido, al que da contrapunto Kike Guaza que entrega emoción y alma a los múltiples rostros que crea en la escena. Están agotadas todas las localidades…¿Cuándo y dónde volverá esta función?.
Adolfo Simón
Comedia Aquilana de Torres Naharro en la CNTC
Nao d’Amores y la CNTC llevan a cabo esta importante conmemoración, abordando en colaboración la puesta en escena de la Comedia Aquilana. Una deliciosa comedia de fantasía, que gira en torno a los amores del caballero Aquilano y la princesa Felicina, hija del rey Bermudo, considerada la primera obra romántica del teatro español. Ana Zamora, de nuevo, aborda un texto poco representado para hacernos llegar, con la particular estética y poética de la Compañía que dirige, una pieza exquisita llena de juegos escénicos con los que nos hace disfrutar, deleitándonos con esta historia y sus enloquecidos personajes. Un gran reto al poner en escena una comedia con gran gusto y cuidada escenificación.
Adolfo Simón
The Primitals de Yllana y Primital Bros en el Teatro Alfil
Yllana y Primital Bros se unen para sorprendernos con una divertidísima comedia musical a capella. Cuatro aborígenes de un planeta que podría ser el nuestro invaden el escenario, dispuestos a conquistar al público – a carcajadas o a machetazos – pero siempre rebosando música de mil géneros que, como esponjas, han ido absorbiendo en sus viajes por los confines del espacio tiempo. La mezcla de buenas voces, teatro gestual preciso y clown disparatado provoca un viaje enloquecedor para el público que participa desde el patio de butacas como un niño fascinado. Realmente, con este espectáculo, se consiguen momentos hilarantes pero también pellizcos emocionales; la suma de ambos llena de originalidad la escena.
Adolfo Simón
Vidrio molido en los huesos de Al descubierto Physical Theatre en El Umbral de Primavera
¿Se imaginan tener vidrio molido en sus huesos? ¿Se imaginan sentir que sus huesos son de vidrio?
Algo tan frágil pero a la vez puede ser muy cortante.
Tengo vidrio molido en los huesos, me circula rabia y dolor por las venas. He sentido en ocasiones como se empezaban a moler los vidrios de mis huesos, y dolía.
Unos nuevos lenguajes empiezan a florecer en este Umbral de Primavera, y es lo que podemos indagar con Al descubierto Physical Theatre.
Una simbiosis entre Gabriel Garcia Marquez y Yasunari Kawabata que ha dado como resultado la propuesta de ‘’Vidrio molido en los huesos’’. Un viaje que nos hace reflexionar sobre la explotación femenina y los recuerdos. Un mundo onírico lleno de riqueza corporal y creación escénica.
Nuestra memoria nos puede jugar malas pasadas y también nos ayuda a crear conciencia sobre lacras en la sociedad que debemos seguir trabajando. Una libertad que muchas personas tienen restringida por el poder de otras que tienen la mente desalmada.
La increíble y triste historia de la cándida Eréndira y de su abuela desalmada se escribió en 1972 por Gabriel Garcia Marquez y La casa de las bellas durmientes de Yasunari Kawabata se escribió en 1961.
En las dos obras existe un tema en común, la trata de mujeres. Un problema que aun en el 2018 sigue estando presente. Parece que las cosas no han cambiado mucho, pero aun así seguimos trabajando para el cambio total, por conseguir una simetría social.
Cuatro intérpretes que ponen voz, cuerpo y sentimientos a una puesta escénica sentida y delicada. Un equipo creativo que ha conseguido el empaste de varios lenguajes artísticos. Un magnifico juego con proyecciones de vídeo-mapping que envuelve a la propuesta en una misma linea expresiva.
Una indagación a lo mas profundo del comportamiento humano.
‘’Vidrio molido en los huesos’’ en el Umbral de Primavera, todos los domingos hasta el 25 de marzo.
Dave Aidan
Edipo de la Companhia Do Chapitô en Cuarta Pared, dentro del Festival de Otoño a Primavera
Edipo es la gran tragedia por excelencia, a nadie se le ocurriría hacerla en broma…o sí. Hay dos cosas sorprendentes en esta propuesta, por un lado, no dejan fuera a ningún personaje o trama esencial para recorrer la obra y entender las razones de su desenlace y, además, hecho todo ello por tres intérpretes. Y otra cosa impactante es que, los cuerpos de los dos actores y la actriz, cuentan tanto o más que el texto que emplean para narrar la historia, cuerpos que generan gags y situaciones delirantes para que, sigamos la trama de Edipo y…sin dejar de reír!. ¿Alguien da más?…Ah! y a escenario desnudo, sin luces, ni vestuario, ni escenografía. Un ejercicio esencial de teatro-teatro, sin artificios ni elementos de adorno. Una propuesta deliciosa. Atentos, el fin de semana próximo, la misma compañía, en la misma sala, muestra su particular visión sobre Electra.
Adolfo Simón
“Angélica (una tragedia)” en la Cineteca del Matadero
Este sábado se proyectaba en la Cineteca de Matadero el documental “Angélica (una tragedia)”. En este caso es complicado encuadrar la temática, puesto que el documental graba el montaje de una de las obras de la artista, aunque en realidad lo que podemos ver es mucho más privado e intimo que eso. Hablamos de Angélica Liddell, una creadora que hace de su vida una obra, no a la inversa, por lo tanto se trata de un acto violento hacia la intimidad de la persona. Nada es comparable o referencial para atar este lenguaje soberbio y terrorífico. Hablamos de una mujer que no entiende de leyes, su mundo encuentra un puente que nos hace poder entrar y recorrer la parte más oscura que algunos llaman belleza. El documental encuentra una estética impecable para mostrar a una bestia que ha venido a la tierra para liberarnos de la desgracia más humana.
Patricia Jorge
“Las cosas que no caen por su propio peso” en Teatro Pradillo
“Las cosas que no caen por su propio peso” es la propuesta de Esther Belvis para un programa compartido que ofrece el Teatro Pradillo. Esta propuesta nos habla de la injusticia, del deseo de que el universo tome partido en los acontecimientos que nos hacen dignos perdedores. Con diferentes líneas y lecturas, podemos entre ver una reflexión profunda acerca de este tema. Para ello el lenguaje escénico se entrelaza con un texto a modo de autobiografía, que hace que giremos al rededor de los conceptos: peso, gravedad, caída, deseo, esperanza y espera. Se trata pues de una pieza que se nutre de la performance para crear un espacio dónde se encuentren la reflexión y la narrativa.
Patricia Jorge
Tata mala de ENRIC MONTEFUSCO & BUENA SUERTE en los Teatros del Canal
Una pieza de teatro musical en la que Montefusco busca un equilibrio artístico multidisciplinar sin referentes claros, reivindicando la cultura popular. El texto de la joven dramaturga Diana Bandini se convierte en escena en una experiencia colectiva catártica. El espectáculo reflexiona sobre cómo superar lo que nos hace daño y nos produce miedo, sobre la naturaleza del ritual y su sentido psicológico y político. Una obra que da la mano a las tradiciones de las que han bebido los integrantes de este espectáculo inclasificable, con lenguajes contemporáneos como la plástica, la performance o la música experimental. Un híbrido sugerente que transita por lo que entenderíamos como teatro musical pero que lanza cabos hacia otras formas de entender la escena, en definitiva, un trabajo que encaja muy bien en la excelente programación que se está llevando a cabo en la temporada actual de los Teatros del Canal.
Adolfo Simón
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/enric-montefusco-buena-suerte/
«Sin baile no hay paraíso» de PERE FAURA en los Teatros del Canal
Un único cuerpo presenta y baila cuatro solos emblemáticos de la historia de la danza: La muerte del cisne de Maia Plisétskaya; Singing in The Rain, el solo de Gene Kelly; You Should Be Dancing, de Saturday Night Fever, bailado por John Travolta; y Fase, de Anne Teresa De Keersmaeker y Michele Anne de Mey, de la compañía Rosas. A modo de collage, en una estructura simétrica y repetitiva, Pere Faura combina estas piezas icónicas. Lo que empieza como una clase técnica sobre como se contruye una coreografía, poco a poco va transformándose en un viaje personal de intérprete a través del cual nos muestra su viaje personal para que la danza se instale en su disco duro personal y creativo. Un ejercicio curioso a medio camino entre la clase magistral y la confesión íntima.
Adolfo Simón
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/pere-faura/
En manque de Vincent Macaigne / Théâtre Vidy-Lausanne dentro del Festival de Otoño a Primavera en el Teatro de la Abadía
Vincent Macaigne sitúa su En manque en una fundación privada que mantiene la totalidad del arte europeo en una caja fuerte. Pero el autor, actor y director no critica a una sociedad colapsada por sus propias certezas –y en la que un puñado de personas maneja la miseria de los demás–, sino que utiliza el teatro para ir más allá de nuestras verdades y obsesiones. Macaigne aspira a un renovado deseo de vivir para evitar el colapso total y escapar de la angustia de la soledad. En manque es un singular estudio teatral, coreográfico y plástico en el que Macaigne exhibe una serie de personajes en pleno proceso de búsqueda de un amor puro y radical. Y para que estas ideas atraviesen al público, lo sitúa en un espacio fantasmagórico que por momentos nos recuerda un after o una pesadilla. Este viaje solo tiene un fin, despertar al respetable ante la duda entre el amor como eje del mundo o el abuso del poder… De nuevo…»Ser o tener».
Adolfo Simón
Yogur piano de Gon Ramos en el CDN
Yogur piano nació en Espacio Labruc, una sala que, desgraciadamente ya no existe. Nació allí porque, en muchas ocasiones, en espacios del circuito alternativo, aparecen pequeñas joyas que rara vez dan el salto a otro tipo de espacios. Por suerte, en este caso, la obra, tas muchas funciones, ha sido incluida en la programación del CDN; inteligente decisión, ese debería ser un objetivo de los teatros nacionales, dar apoyo y visibilidad a creaciones que, de otro modo, pasan inadvertidas. Yogur piano es una pieza escrita en el papel y la escena por Gon Ramos, un joven autor que plantea un discurso personal, hablando de sus preocupaciones en la comunicación y lo hace a través de intérpretes de su generación y con un lenguaje que se puede entender por todo tipo de generaciones. Tras un preámbulo rayando la locura, la pieza entra en un túnel de silencio y poesía muy sugerente. Al final, nos vemos en los ojos de los actores, allí descubrimos nuestros miedos y soledades…Y que la vida podría reducirse a una canción tocada a cinco manos en un piano.
Adolfo Simón
Recreo de Carmen Roche en Bailar en la Berlanga
Ante un tema tan candente como el acoso escolar, la Cía de Carmen Roche nos presenta RECREO, en la Sala Berlanga, dentro del ciclo Bailar en la Berlanga. Una muestra cuyo objetivo es la promoción de la danza española, pasando por varios géneros y estilos como la danza española, contemporánea, break dance, flamenco, teatro…etc. En esta ocasión nos encontramos ante una búsqueda de la poesía a través del movimiento. Una danza delicada ante la rabiosa situación que aun sigue estando presente en colegios: el acoso escolar. Un espectáculo que profundiza en este conflicto mediante la expresión de los cuerpos en escena. Violencia como punto de partida, movimientos bruscos ante la fragilidad del tema, un viaje de contacto físico en donde todo resuena a pasado, presente y esperemos que no en el futuro. Hemos sido testigos de esta manera de bailar, pero RECREO plantea una visión de las veces que seguramente hemos sido testigos de estas situaciones y no hemos hecho nada. El silencio se apodera ante la brutalidad del asunto. Son voces que bailan y expresan con un lema: al acoso se le puede poner fin. Seamos conscientes de la violencia que esto conlleva y las consecuencias desastrosas para quienes lo sufren y también para los que callan. Quiero seguir bailando con la idea de nunca ser maltratado en el silencio. De nunca permitir ser una víctima. De no aceptar que nadie defina mi vida. Cada uno y una deber definir su vida y su pista de baile. Que cada persona haga su propia coreografía de vida, y que baile sin parar.
Y una pregunta incesante en la mente: ¿Como estamos educando a las niñas y niños para el futuro?
Dave Aidan
Apocalipsis de Mahé Boissel en Laneomudéjar
¿Te ha ocurrido alguna vez acudir a un lugar para ver la obra de alguien y sentir que esa artista da cuerpo y forma a tus sueños y pesadillas?…¿Cuántas veces te encuentras con alguien con quién hacen falta pocas palabras para comunicarte?…A veces el silencio, una mirada…un trazo en un dibujo o un color te comunican mucho más que todas las palabras juntas. Hoy he estado en Laneomudéjar para la inauguración de Apocalipsis de Mahé Boissel y he viajado a través de sus personajes, de sus muñecos e instalaciones a…Si creyese en la reencarnación, diría que a las páginas de mi diario de náufrago en la Edad Media. Pocas veces, ocurre que una artista, con su obra, te hace entender el mundo y sus misterios. Ha sido una experiencia catártica. Imprescindible visita a esta exposición.
Adolfo Simón
En un tiempo oscuro en Naves Matadero
Daniel Teba presenta «En un tiempo oscuro», una producción creada en residencia en Naves Matadero, que bebe de la tragedia clásica para, con una estética kitsch, explorar la figura del héroe en el mundo en el que vivimos. El resultado es una pieza a medio camino entre el cabaret y la comedia social…La figura del héroe se usa aquí para mostrar un tiempo sin esperanza ni ética.
Adolfo Simón
De agua y barro en Cuarta Pared
Pensemos en el inicio, en el nacimiento de todo a partir de la nada. Una bola de barro, pinturas de colores, un espacio en blanco… y todo se crea. El aire, el agua, los animales, los vegetales, las personas. Todo nace. También todo acaba. O es infinito. Como un gran big-bang. Una propuesta sencilla y sorprendente para el público más pequeño de la casa, una obra cerca del lenguaje performático en el que las sensaciones y materias generan un universo onírico fascinante.
Adolfo Simón
Un cuerpo en algún lugar de Gon Ramos en el Teatro Pavón Kamikaze
En «La vida es sueño» de Calderón de la Barca, el protagonista no sabe cuando sueña y cuando vive en la realidad. En «Un cuerpo en algún lugar» hay un juego dramatúrgico sugerente que permite a los actores dar saltos temporales y emocionales importantes. ¿Qué pasaría si siempre vemos el mismo rostro en todas partes?…¿Cómo se vive cuando buscas a la persona amada y no la encuentras en ninguna parte?. A veces, viajar física o mentalmente, provoca que, al volver al punto de partida, todo esté alterado. ¿Y cómo se vive cada minuto sin saber si lo que vemos es nuestro pasado o nuestro futuro?. Una propuesta desnuda escénicamente, centrada en el trabajo de actores que se sumerjen en espacios y tiempos múltiples, creando una sensación hipnótica para el público. Teatro de texto e imaginación.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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