Reflexiones sobre la ópera, el arte y la política de Gerard Mortier
23.02.2015 • 19:00 h. • SALA Valle-Inclán del Círculo de Bellas Artes
Presentación del libro en torno al director de ópera y ex director artístico del Teatro Real… Gerard Mortier. Fallecido el pasado año, Mortier era poseedor de una profunda visión filosófica y social de la ópera.
En el acto también participarán José Miguel Parra (Editorial Confluencias), Mauricio Sotelo (músico y compositor), Alexander Polzin (escultor) y Juan Barja (director del Círculo de Bellas Artes).
Más info en: http://www.circulobellasartes.com/evento.php?s=humanidades&id=342
Exposiciones sobre la escena
RICKY DÁVILA: El cuento de un idiota
El próximo jueves, 5 de junio, a las 20:00 h. la Fábrica Galería presenta la exposición El cuento de un idiota, de Ricky Dávila, como parte de la programación del Festival Off de PHotoEspaña 2014. Durante la apertura de la muestra contaremos con la presencia del artista, que nos explicará en directo el planteamiento y desarrollo de este proyecto.
El cuento de un idiota es una serie inédita realizada por encargo de Gérard Mortier para el Teatro Real de Madrid. Doce interpretaciones en forma de fotografías en blanco y negro dotadas de una extraordinaria fuerza visual. Un trabajo conceptual y contundente con el que Dávila reinventa en clave fotográfica el imaginario de las grandes óperas que pasaron por el Real en aquella temporada 2012-2013, como The Perfect American, de Philip Glass, o Don Giovanni, de Mozart.
Más info en: http://www.lafabrica.com
Fátima Rueda expone su pintura y escultura bajo el título “La Magia de la Danza”
Más info en: http://lamiradaactual.blogspot.com.es/2014/04/fatima-rueda-expone-su-pintura-y.html
GERARD MORTIER, in memóriam
El 2 de abril a las 20.30 horas, fecha en que estaba programado Enfoques -encuentro entre los artistas y el público que solía presentar y moderar Gerard Mortier-, se ofrecerá un acto de homenaje a su memoria, que tendrá lugar en la Sala principal, de *acceso libre a todos aquellos que quieran unirse a este simbólico recuerdo.
Se exhibirá un video, realizado especialmente para esta ocasión, que recordará las producciones más emblemáticas de la programación diseñada por Gerard Mortier para el Teatro Real y evocará algunos momentos de sus vivencias durante el período en que fue su director y consejero artístico.
Asimismo, actuarán la Orquesta Titular del Teatro Real y algunos de los artistas que participan en Lohengrin, anticipando las funciones que serán dedicadas a su memoria.
* Acceso libre hasta completar el aforo
Rita Consentino nos habla de su trabajo para la escena
¿Cómo surge el proyecto de La pequeña cerillera?…¿De qué va la obra?…
El proyecto surge de una propuesta del Señor Gerard Mortier, anterior director artístico del Teatro Real, para realizar un cuento de Andersen para la temporada del Pedagógico. Fue un encargo del Teatro para el cual tuve que pensar una adaptación posible para la escena y además elegir una pieza musical que acompañara a la historia. Este cuento de Andersen es muy conocido, y se podría decir que es uno de los más tristes que ha escrito el autor danés; su protagonista, una niña pobre obligada por su padre a vender cerillas bajo el frío y la nieve logra a través de su imaginación romper las ataduras de una realidad opresiva. Es a través de su fantasía que la niña se encuentra con todo aquello que desea, hasta que finalmente su abuelita se hace presente invitándola a irse con ella; en el cuento de Andersen la niña muere pero para esta adaptación he pensado suavizar este final y enmarcar el cuento dentro de otra situación que hiciera posible la participación de los niños y sus sonrisas.
¿Cómo ha sido el proceso de creación?…
Mi idea siempre fue, y en todos los trabajos que realizo, la utilización de video además de crear una situación por fuera del cuento para que éste pudiera aparecer como parte central del espectáculo.
La idea fue entonces contar la historia de una niña que quiere ir a ver a su abuelita y para ello debe coger un tren que está a punto de partir, sin embargo, no tiene billete, por lo que decide viajar de polizón. En el tren debe lidiar con el revisor que la persigue todo el tiempo pero el encuentro con un hombre muy especial, el mismo Andersen. cambiará su vida para siempre.
Desde el punto de vista musical, apenas leí el cuento de H. C. Andersen recordé la sonata para piano y violín de César Franck cuyo universo sonoro podría acompañar perfectamente a la historia. Y así fue.
Aparte necesitaba un marco musical para el comienzo y cierre del espectáculo, para ello Gabriel Skármeta hizo su aporte preciso para crear musicalmente la apertura y cierre de la obra, además de algunos efectos de sonido que acentuarían palabras o frases claves del cuento.
El proceso fue complejo en el punto de combinar varios planos a la vez: la historia, la música, el video y la escena en vivo con los actores. Hemos tenido muy pocos ensayos y gracias a la calidad profesional de los actores (Uxía Gonzalvo, Máximo Esteban y Joseba Pinela), la interpretación musical de Alexis Delgado y Marta Morán y de todo el equipo se ha podido montar todo en 8 días.
Con Ricardo Sánchez Cuerda, escenógrafo, pensamos un espacio posible y así fue como surgió un vagón de tren donde todo podía suceder. Jorge Arranz creó los dibujos de las proyecciones que Iñaki García editó magistralmente, Tiziana Magris vistió a los personajes y el toque final fueron las luces de Lía Alves que le dio el gesto mágico que faltaba.
¿Hay algún referente técnico o estético del que has partido para esta puesta en escena?… Háblanos de ello…
Sinceramente no. En el caso de éstos espectáculos para niños más que valerme de referentes estéticos, utilizo y combino procedimientos o recursos, es decir, el video, la música, la interpretación intentando crear una estética propia. Siempre me ha gustado esta posibilidad que ofrece el video en combinación con la escena en vivo, las relaciones que se pueden crear entre sí y el equilibrio posible para que ni uno ni otro se lleve el protagonismo sino que pueda generar una nueva totalidad estética.
¿Cómo ha sido el proceso de puesta en escena en El Teatro Real?…
Como te comenté hemos tenido muy pocos días de ensayo pero el apoyo técnico de todas las áreas ha posibilitado que todo llegue a buen puerto.
¿Qué has querido contar desde la dirección?…
Este cuento de Andersen como muchos otros de su autoría son cuentos que contienen mensajes muy esperanzadores. Son cuentos que tienen la estructura vital de los cuentos de hadas y por ello su función pedagógica es fundamental. Desde la dirección, quise rescatar ese sentido de la esperanza que contiene el cuento y el valor del viaje como una experiencia reveladora.
La cerillera logra romper las ataduras de su vida oprimida y triste a través de su imaginación creando ella misma una realidad llena de magia. Esa posibilidad es la que todos los niños deberían tener, es decir, es nuestra obligación como adultos, lograr que ellos disfruten de su infancia, respetando sus derechos y ayudándolos a encontrar valores que los motiven para resolver sus conflictos futuros.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos para la escena?…
Bueno, no es una pregunta fácil. Lo que sí puedo decir es que hago todo lo que está a mi alcance para lograr aquello que tengo en la cabeza a la hora de un montaje. Y siempre compruebo , y cada vez más, la importancia de tener un equipo artístico y humano de calidad para lograr resultados nobles y sensibles artísticamente hablando.
¿Qué espectáculo has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Debo decir que hace tiempo no veo teatro porque la ópera es lo que más consumo. Lo último fue Tristán e Isolda y me pareció una puesta impecable y musicalmente brillante.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes a la escena?…
Es de sentido común y ya se ha hablado mucho acerca de cómo lamentablemente afecta estas medidas a la cultura. La cultura no es mero entretenimiento es mucho más que eso. Por eso, esperemos que pronto se revierta esta situación para que el sector vuelva a revitalizarse.
¿Proyectos?…
Sí, algunos. Pero por cábala no los digo…
Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis…
Sí, seguir creyendo. Creer en el arte como medio de expresión vital de una sociedad. Y saber que a veces para expresarnos no se necesita mucho…sino preguntarnos con lo que tenemos qué podemos hacer y cómo utilizarlo. A veces las crisis son oportunidades.
Brokeback Mountain en el Teatro Real
El legado de Gerard Mortier se ha hecho realidad dentro del Real: Una ópera pedida por encargo para su estreno mundial y que trata de un tema muy común en las óperas pero que se adapta a nuestros días. La ópera toma como punto de referencia la muy elogiada película de Ang Lee en la que se narra la relación física y enamoramiento de dos vaqueros en el Wyoming de los sesenta.
Nos encontramos ante un tema transgresor aún en nuestros días: la historia de amor de dos vaqueros en los sesenta en Wyoming. Brokeback Mountain nos habla del amor imposible y del deseo puro a través de la historia de dos vaqueros, representados por Tom Randle y Daniel Okulitch, que se conocen en la montaña. La montaña es un lugar aislado del mundo, donde puede florecer un amor puro y donde sus personajes lo viven con plenitud apartados de un mundo «normal», donde la moral no va a ser tan moderna como nos lo hacen creer los medios de comunicación. Todavía existen muchas barreras para dos hombres que se aman y que desean vivir su amor con plenitud. Por este motivo, el comportamiento humano se ve distorsionado, afectado y, muchas veces, perseguido.
Ivo van Hove, director de esta obra, nos habla de este interés por reflejar la concepción de amor imposible y de la relación que tiene con Tristan und Isolde en términos de convención social y represión. Una tragedia, provocada por la moral actual que enlaza perfectamente con antiguas óperas. A través de un escenario minimalista consigue crear una atmósfera represiva y asfixiante en la que la montaña, representada en imágenes proyectadas (creadas por Tal Yarden) sobre un escenario completamente blanco, juega el papel del destino: algo inamovible y aplastante. La escena, prácticamente vacía nos sugiere un lugar inhóspito y agreste. Más adelante nos introduce en el mundo cerrado y burgués de Wyoming, que nos recuerda a Edwar Hopper y David Lynch en su imaginería. Por último el escenario se torna negro con la muerte de Jack, en el que el coro, reflejado a base de sombras y la madre de Jack, interpretada magistralmente por Jane Henschel, juegan un papel fundamental.
La relación entre la partitura, creada por Wuorinen, y la escena es de complementareidad y apoyo mutuo y refleja fielmente lo que se ha querido reflejar en el libreto. Wuorinen también ha querido reflejar, mediante una música densa y evocadora que nos traslada al peso de la montaña, ese peso de la sociedad actual y ese sentimiento de agobio por parte de los dos protagonistas. Su música minimalista intenta reflejar un discurso hablado coloquialmente en un tiempo y época precisos, aportando a los personajes masculinidad y despojándoles de cualquier diálogo superfluo, tal y como ha reflejado la libretista y también creadora de la novela Annie Proulx, la cual ha trabajado en complicidad con el músico, simplificando diálogos y creando personajes que no aparecían en la película y que redondean la partitura, como el coro y un fantasma.
Una magnífica producción que pone al Teatro Real en un listón bastante alto y que nos hace reflexionar: Dicen que el amor mueve montañas, pero en Brokeback Mountain nos demuestran que le cuesta mover la moral.
Luis Mª García Grande.
Que Revienten los Artistas 
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