Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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John Neumeier: La danza es una expresión humana

neumeyer¿Cómo ha sido el proceso de adaptación de la novela al ballet?…
Cuando era un chico de quince años leí la novela y me fascinó, me pareció universal. Pasó el tiempo y llegó el momento en que quise hacer un ballet con ella. Era muy importante elegir bien la música…En la película de Visconti y en la ópera se han realizado versiones muy personales y no quise inspirarme en ellas, preferí retomar la novela original. Al volver a leerla sentí un impacto importante, vi de nuevo que es un texto intelectual, para mí no es solo una historia sentimental. Creo que en ella se posiciona al artista frente al arte. Aschenbach era muy preciso…él mismo se vio en una situación similar a la que describe en la novela. Lo complicado era elegir bien la música. En el film se usa la música de Mahler y todo el mundo me preguntaba si la iba a utilizar yo, pero nunca lo pensé. Siempre imaginé a Bach por la precisión y claridad de su obra. Tras reflexionar mucho creí que no era la música apropiada pero leí que Bach había compuesto una obra para el personaje de Federico el Grande, algo que estaba también en la inspiración de la novela… El anhelo y el deseo… Descubrí también que Richard Wagner fue el modelo que también inspiró al autor. La música de Tristán e Isolda me resultaba interesante…Finalmente hice un collage con Bach y Wagner… Para mí era necesario descubrir como trasladar una obra de palabras a un mundo sin ellas…Pensé sobre qué sentiría el autor antes de que llegasen las palabras…Finalmente lo trasladé a un coreógrafo famoso en crisis…

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¿Es un espectáculo autobiográfico?…
No es biográfico. Debo decir que las traslación de todos los personajes que creo en mis obras son, de algún modo, alter ego mío porque si no, no podría crearlos.

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¿Hay alguna escena que haya creado y no esté en la novela?…
Hay que entender que la danza es una forma humana no realista…En el texto solo hay contacto visual entre los protagonistas pero si se piensa en el diálogo interior que hay detrás de las palabras, podemos imaginar que hay un contacto emocional que yo he intentado mostrar en el dueto en la playa. La danza va más allá de la forma natural de moverse. En el último dueto también he tratado de ir más allá de la imagen que expresa. Si miráis la foto del programa de mano puede surgir la pregunta de si este momento ocurrió o solo pasó en el alma del autor.

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¿Cuánto tiempo hacía que no venía el Ballet de Hamburgo a España?..
Desde 2003 que vinimos con Niyinski al Teatro Real.

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¿Qué proyectos tiene para el Ballet de Hamburgo?…
Podría escribir un libro sobre esto…Para mí, lo importante es que la Compañía sigue, pronto hará cuarenta y dos años que la dirijo…Es un río que sigue y fluye, siempre es el mismo y siempre sigue. Es un grupo de artistas que se unen porque tienen el mismo concepto del arte: La danza es una expresión humana. Cada integrante aporta su experiencia personal, no hay una idea de virtuosismo. Estamos reponiendo una pieza y en los ensayos técnicos, aunque no tendrían que estar algunos de los integrantes, todo el mundo espera hasta el final para recibir las anotaciones sobre los ensayos. Entienden que son unos privilegiados al realizar un trabajo como este…Eso es ser artista.

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¿Tiene en cuenta hacer obras de diferentes estilos para el repertorio de la Compañía?…
Soy un coreógrafo de gustos variados. En España hemos presentado Cascanueces en una adaptación mía… Una Compañía tiene que introducir diferentes estilos, aunque lo más importante es mostrar la humanidad a través de la danza, independientemente del estilo, lo importante es la honradez y lo vivo que este esa obra en cada momento, da igual si son creaciones clásicas o mías.

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Rita Consentino nos habla de su trabajo para la escena

Rita_Cosentino_1220¿Cómo surge el proyecto de La pequeña cerillera?…¿De qué va la obra?…
El proyecto surge de una propuesta del Señor Gerard Mortier, anterior director artístico del Teatro Real, para realizar un cuento de Andersen para la temporada del Pedagógico. Fue un encargo del Teatro para el cual tuve que pensar una adaptación posible para la escena y además elegir una pieza musical que acompañara a la historia. Este cuento de Andersen es muy conocido, y se podría decir que es uno de los más tristes que ha escrito el autor danés; su protagonista, una niña pobre obligada por su padre a vender cerillas bajo el frío y la nieve logra a través de su imaginación romper las ataduras de una realidad opresiva. Es a través de su fantasía que la niña se encuentra con todo aquello que desea, hasta que finalmente su abuelita se hace presente invitándola a irse con ella; en el cuento de Andersen la niña muere pero para esta adaptación he pensado suavizar este final y enmarcar el cuento dentro de otra situación que hiciera posible la participación de los niños y sus sonrisas.

¿Cómo ha sido el proceso de creación?…
Mi idea siempre fue, y en todos los trabajos que realizo, la utilización de video además de crear una situación por fuera del cuento para que éste pudiera aparecer como parte central del espectáculo.
La idea fue entonces contar la historia de una niña que quiere ir a ver a su abuelita y para ello debe coger un tren que está a punto de partir, sin embargo, no tiene billete, por lo que decide viajar de polizón. En el tren debe lidiar con el revisor que la persigue todo el tiempo pero el encuentro con un hombre muy especial, el mismo Andersen. cambiará su vida para siempre.
Desde el punto de vista musical, apenas leí el cuento de H. C. Andersen recordé la sonata para piano y violín de César Franck cuyo universo sonoro podría acompañar perfectamente a la historia. Y así fue.
Aparte necesitaba un marco musical para el comienzo y cierre del espectáculo, para ello Gabriel Skármeta hizo su aporte preciso para crear musicalmente la apertura y cierre de la obra, además de algunos efectos de sonido que acentuarían palabras o frases claves del cuento.
El proceso fue complejo en el punto de combinar varios planos a la vez: la historia, la música, el video y la escena en vivo con los actores. Hemos tenido muy pocos ensayos y gracias a la calidad profesional de los actores (Uxía Gonzalvo, Máximo Esteban y Joseba Pinela), la interpretación musical de Alexis Delgado y Marta Morán y de todo el equipo se ha podido montar todo en 8 días.
Con Ricardo Sánchez Cuerda, escenógrafo, pensamos un espacio posible y así fue como surgió un vagón de tren donde todo podía suceder. Jorge Arranz creó los dibujos de las proyecciones que Iñaki García editó magistralmente, Tiziana Magris vistió a los personajes y el toque final fueron las luces de Lía Alves que le dio el gesto mágico que faltaba.

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¿Hay algún referente técnico o estético del que has partido para esta puesta en escena?… Háblanos de ello…
Sinceramente no. En el caso de éstos espectáculos para niños más que valerme de referentes estéticos, utilizo y combino procedimientos o recursos, es decir, el video, la música, la interpretación intentando crear una estética propia. Siempre me ha gustado esta posibilidad que ofrece el video en combinación con la escena en vivo, las relaciones que se pueden crear entre sí y el equilibrio posible para que ni uno ni otro se lleve el protagonismo sino que pueda generar una nueva totalidad estética.

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¿Cómo ha sido el proceso de puesta en escena en El Teatro Real?…
Como te comenté hemos tenido muy pocos días de ensayo pero el apoyo técnico de todas las áreas ha posibilitado que todo llegue a buen puerto.

¿Qué has querido contar desde la dirección?…
Este cuento de Andersen como muchos otros de su autoría son cuentos que contienen mensajes muy esperanzadores. Son cuentos que tienen la estructura vital de los cuentos de hadas y por ello su función pedagógica es fundamental. Desde la dirección, quise rescatar ese sentido de la esperanza que contiene el cuento y el valor del viaje como una experiencia reveladora.
La cerillera logra romper las ataduras de su vida oprimida y triste a través de su imaginación creando ella misma una realidad llena de magia. Esa posibilidad es la que todos los niños deberían tener, es decir, es nuestra obligación como adultos, lograr que ellos disfruten de su infancia, respetando sus derechos y ayudándolos a encontrar valores que los motiven para resolver sus conflictos futuros.

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¿Qué balances haces de tus últimos trabajos para la escena?…
Bueno, no es una pregunta fácil. Lo que sí puedo decir es que hago todo lo que está a mi alcance para lograr aquello que tengo en la cabeza a la hora de un montaje. Y siempre compruebo , y cada vez más, la importancia de tener un equipo artístico y humano de calidad para lograr resultados nobles y sensibles artísticamente hablando.

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¿Qué espectáculo has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Debo decir que hace tiempo no veo teatro porque la ópera es lo que más consumo. Lo último fue Tristán e Isolda y me pareció una puesta impecable y musicalmente brillante.

¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes a la escena?…
Es de sentido común y ya se ha hablado mucho acerca de cómo lamentablemente afecta estas medidas a la cultura. La cultura no es mero entretenimiento es mucho más que eso. Por eso, esperemos que pronto se revierta esta situación para que el sector vuelva a revitalizarse.

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¿Proyectos?…
Sí, algunos. Pero por cábala no los digo…

Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis…
Sí, seguir creyendo. Creer en el arte como medio de expresión vital de una sociedad. Y saber que a veces para expresarnos no se necesita mucho…sino preguntarnos con lo que tenemos qué podemos hacer y cómo utilizarlo. A veces las crisis son oportunidades.

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Tristán e Isolda de Richard Wagner en el Teatro Real

De nuevo Peter Sellars dirige escénicamente una ópera en el Teatro Real, en este caso se enfrenta a un monumento wagneriano como es Tristán e Isolda, cuatro horas de maravillosa música perfectamente dirigida por Marc Piollet y ejecutada con maestría por la orquesta. Richard Wagner crea una música fascinante para acompañar la historia del amor imposible de Tristán e Isolda, un amor que trasciende al tiempo y la realidad. Es una ópera intensa y teatral, la acción es mínima, todo ocurre en la cabeza y el corazón de los personajes. Esta obra es un reto para cualquier director de escena que puede dejarse llevar por lo aparatoso y perder de vista la esencia de la pieza. Pero Sellars, de nuevo nos sorprende al elegir a un artista contemporáneo como es Bil Viola y dejar que la escenografía sea una caja negra donde aparecen las fantasmagorías que el video artista ha creado. Este ambiente mágico y crepuscular nos sumerge en las emociones de la obra y acompaña a los espléndidos cantantes en el viaje al universo de los sueños imposibles. Un obra genial.
Adolfo Simón

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