Exposiciones en Bilbao: Bacon y Titanic y más…
Francis Bacon: de Picasso a Velázquez muestra una selección de cincuenta pinturas que se cuentan entre las más importantes y atractivas de Francis Bacon (Dublín, 1909─Madrid, 1992), junto a una treintena de obras de distintos maestros clásicos y modernos que influyeron en su carrera. La exposición, que incluye muchos trabajos de Bacon que apenas se han exhibido en público previamente, pretende profundizar en la impronta que las culturas francesa y española dejaron en la producción de este artista británico nacido en Irlanda, ferviente francófilo y gran conocedor del arte de grandes maestros españoles, como Velázquez. Bacon inició su carrera como pintor tras visitar la exposición Cent dessins par Picasso en la galería Paul Rosenberg de París. Sumamente interesado en la literatura francesa, fue un ávido lector de Racine, Balzac, Baudelaire y Proust, y un apasionado del arte de pintores establecidos en Francia, como Manet, Degas, Gauguin, Van Gogh, Seurat, Matisse y Picasso, así como de otros creadores franceses de épocas anteriores, como Ingres, Géricault y Daumier.
Más allá de sus primeros encuentros parisinos con la obra de Picasso en los años veinte y treinta, su relación con la cultura española se manifiesta principalmente en su obsesión por el Retrato del Papa Inocencio X, realizado por Velázquez en 1650. Pese a haber tenido la oportunidad de contemplar la obra directamente en la Galería Doria Pamphilj durante un viaje a Roma en 1954, Bacon prefirió tener presentes en su memoria las reproducciones del cuadro, y no el original, durante la creación de las más de cincuenta obras que dedicó a este motivo. Además de Velázquez, a Bacon le fascinaron otros maestros clásicos, como Zurbarán, El Greco o Goya, cuya pintura pudo admirar en el Museo del Prado de Madrid.
Organizada por el Museo Guggenheim Bilbao en colaboración con Grimaldi Forum Monaco.
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Más exposiciones en el Guggenheim:
Hermann y Margrit Rupf fueron los primeros coleccionistas suizos que centraron su labor en el arte abstracto y contemporáneo, dejándose guiar por su criterio personal. En 1954 nació la Fundación Rupf, dedicada a la conservación, consolidación y expansión de estos fondos, que se depositaron en el Kunstmuseum Bern a principios de la década de 1960. Con el fin de garantizar que en el futuro se siguieran realizando adquisiciones, Hermann y Margrit Rupf cedieron también el resto de su patrimonio a la Fundación, que se ocupa del arte contemporáneo más reciente teniendo siempre en cuenta el núcleo que conforma la magnífica Colección atesorada por el matrimonio.
Esta exposición reúne un total de 70 piezas de la Colección Rupf, entre las que se hallan obras de artistas clave de la historia del arte de la primera mitad del siglo XX, como Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris, Fernand Léger, Paul Klee o Vasily Kandinsky, que dialogan con creaciones de artistas contemporáneos cuya producción abarca desde la segunda mitad del siglo XX hasta la actualidad.
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Titanic -The reconstruction- Palacio Euskalduna
Esta exposición tiene una orientación multidisciplinar al servicio de un propósito cultural, didáctico y ilustrativo que reúne elementos originales, algunos de ellos de gran valor histórico, recreaciones e imágenes exclusivas, junto a una colosal maqueta de 12 metros de longitud, 4,5 de anchura y 3,9 de puntal, realizada a escalas 1:30, tanto del Titanic como del puerto de embarque. Es la más grande y espectacular de cuantas se han hecho hasta ahora de la majestuosa nave.
“Titanic: The Reconstruction” se abre al visitante con una hoja de ruta que suma trece espacios temáticos que ilustran con gran detalle y sorprendentes piezas, diferentes aspectos de la construcción, la vida en el barco y los dramáticos y emotivos episodios de su final, el 15 de abril de 1912, en el Atlántico Norte.
La exposición incluye herramientas, materiales y planos del montaje; útiles originales de navegación; imágenes y elementos originales que permiten conocer el barco y la vida en él; la reproducción de sus bodegas con el “coche del Titanic”, una joya histórica fabricada en 1909, víveres, vajillas, encajes, etc.; vestimenta de gala original; objetos personales de algunos pasajeros, réplicas exactas de los lavabos y de la “cabina Marconi” de radiotelegrafía y emotivos recuerdos de las emotivas historias que alumbraron el ocaso de la legendaria nave. En sus bodegas, donde eran trasladadas las obras de arte, podrá verse también el cuadro original de Enrique Gran, titulado “El sueño del Titanic”, una obra que ha despertado el interés de importantes coleccionistas internacionales y del propio actor Leonado Di Caprio.
Finalmente, el visitante accede al área donde se muestra la gran maqueta, iluminada con 3.000 puntos de luz y abierta por estribor para disfrutar, con todo lujo de detalles, de las estancias, pasillos, salones, gran escalinata, gimnasio, piscina, baños turcos, bodegas, comedores, sala de maquinas y otras estancias del “Titanic”. El buque se levanta en una exacta recreación del puerto de Southampton, desde donde salió rumbo a Nueva York, el 10 de abril de 1912.
Exposiciones sugerentes
CONTRAVIOLENCIAS. 28 Miradas de artistas
Una exposición multimedia de arte contemporáneo que denuncia la violencia contra la mujer a través de las miradas de 26 artistas de América, África, Asia y Europa. «Contraviolencias. 28 miradas de artistas» se vale del arte para concienciar sobre la violencia contra la mujer vista desde la óptica de diferentes culturas y sociedades. Sin caer en el sensacionalismo, las 28 obras denuncian el problema y buscan la empatía con el público. La muestra se basa en la pluralidad, tanto al analizar los tipos de violencia contra la mujer como desde sus aproximaciones artísticas, por lo que cobra su significado pleno al ser contemplada en su conjunto.
La exposición, dividida en cinco apartados, reflexiona sobre los diferentes ámbitos que dan origen o cobertura a la violencia contra las mujeres: violencia e individuo, violencia y familia, violencia y comunidad, violencia y cultura y violencia y política; y lo hace a través de diversas disciplinas artísticas: fotografía, dibujo, vídeo, grabado, escultura, pintura, arte textil, videoinstalación y performance.
ENTRADA LIBRE – Laborables y festivos: 11 a 20 horas // Miércoles: hasta las 15 h.
FUNDACIÓN CANAL – MADRID
Mateo Inurria,2
28036 MADRID
COCO CHANEL y su perfume nº 5
El Palacio de Tokio de París recibe desde el 5 de mayo al 5 de junio la exposición «N° 5 Culture Chanel» que resalta el entorno artístico vanguardista del que se alimentó la modista Gabrielle Chanel a lo largo de su vida para crear su marca. Se trata de objetos de culto como el perfume nº 5 que han inspirado a su vez a numerosos artistas. Este recorrido artístico y olfativo se inicia en un jardín vertical, sembrado de jacintos, y concluye en un taller que desgrana la composición del perfume N° 5 y el herbolario con las flores preferidas de Coco Chanel. La escenografía de esta exposición gratuita es minimalista: tres filas paralelas de vitrinas transparentes y rectangulares que recuerdan el frasco del célebre perfume, creado en 1921 y el más vendido en el mundo, todavía hoy. Cada vitrina te lleva a un juego de correspondencias en el que se descubren las fuentes de inspiración de Mademoiselle Chanel (Señorita Chanel), los acontecimientos que marcaron su vida, sus lugares favoritos y los vínculos personales que tejió con los artistas en su época. También desgranan sus recuerdos en el orfanato donde creció y los de sus viajes a Italia o su mitología personal, en torno a personajes como Catalina de Médicis, la astrología, objetos y libros llenos de reminiscencias como el incensario o la Biblia. También se exponen a lo largo del recorrido obras de arte, fotografías, películas, archivos y objetos preciosos procedentes de los grandes museos internacionales o de colecciones privadas y en el centro, la artista holandesa Irma Bloom imprime en relieve su visión del mundo de Chanel en una serie de libros blancos. Todos los grandes artistas de principios del siglo XX están presentes: Cocteau, Picasso, Apollinaire, Stravinsky, Picabia, Modigliani, Tristan Tzara, Man Ray, Dalí, Diaghilev, representantes de la modernidad que eligió y de la abstracción que atraviesa las corrientes artísticas de la época.
Shintaro Hirahara nos habla de Shun Project aprovechando su estancia en Madrid donde han presentado el proyecto «Recuerdo» con Carmen Werner
¿Cómo surge el proyecto de Recuerdo?…¿Cómo se realiza la co-producción España-Japón?
He permanecido en contacto con Carmen desde que nos conocimos, en 2004, y he participado en las obras que ella ha creado en Japón.
En 2012 se me ocurrió la idea de empezar algo nuevo en Japón. Parecía natural pensar en un proyecto con Carmen y ella estuvo de acuerdo en crear una pieza en colaboración. Eso es lo que pasó.
¿Cómo ha sido el proceso de creación?¿En qué medida habéis participado los bailarines en la dramaturgia y la puesta en escena?…
En un principio Carmen me dio el título: Recuerdo. Yo le envié un vídeo con sugerencias de movimientos en respuesta a esa palabra. Ya con Carmen en Japón, los bailarines improvisaban y sugerían ideas durante los ensayos, de las que Carmen elegía elementos que incorporaba para desarrollar la estructura de la pieza.
¿Cuál es la trayectoria de Shun Projet?… ¿Tiene un estilo definido?…
«Shun-Project» es una compañía con sede en Hokkaido, la parte norte de Japón, compuesta por tres bailarines, una fotógrafa y un músico. Funciona en proyectos ocasionales. Su estilo es único en el uso de la fotografía en las artes escénicas y nuestras actuaciones tienen un ambiente muy vivo.
¿Colaboráis habitualmente con otros creadores como en el caso de Carmen Werner?…Como Shun Project es la primera colaboración con otros artistas. Shintaro Hirahara sí ha colaborado a título individual con coreógrafos y bailarines extranjeros como Alessio Silvestrin, Shintaro Oue o el artista residente en Nueva York Midori Harima.
¿Cómo es la danza contemporánea en Japón?…¿Tiene apoyos estatales y por parte del público?…
La danza contemporánea está considerada en Japón un género menor. Tuvo un momento álgido entre finales de los 90 y 2005 y parece que se ha estabilizado. Uno de los motivos es que sólo existe una compañía residente financiada por un gobierno local. Existen becas gubernamentales pero exigen mucho papeleo y es complicado acceder a ellas. A causa de esto, las becas están limitadas a compañías consolidadas que disponen del personal administrativo especializado, por lo que parece que existen menos opciones para artistas jóvenes y compañías pequeñas.
¿Qué idea se tiene, culturalmente de España, en Japón?…¿Se conoce algo más que el flamenco?…
Creo que en España existe mucha madurez en el terreno de la cultura artística. Existen muchos artistas muy conocidos, como Gaudí, Picasso, Dalí o Goya. También son famosos en Japón. Las culturas de España, como los bares, el jamón serrano, el vino o los equipos de fútbol, son familiares para la gente de Japón. Allí hay muchos aficionados a la comida y los equipos de fútbol españoles. España y Japón mantienen relaciones diplomáticas desde hace mucho tiempo, por lo que en Japón existe una sensación de afinidad con España. Pensamos que la gente aquí es simpática, amable y apasionada. Por la gran distancia geográfica que nos separa, no es fácil para los japoneses venir de visita a España y esto hace que sea uno de los países a los que los japoneses más anhelan viajar.
¿Has visto algún espectáculo en Madrid?¿Qué te pareció?…
Es my típico pero he ido a los museos y me ha conmovido la originalidad y singularidad del arte español. Creo que los artistas españoles tienen un sentido muy fuerte de lo humano.
¿Conoces la obra de otros creadores de danza contemporánea en España?…
Daniel Abreu es un bailarín en el que estoy realmente interesado. Estoy deseando poder ver su trabajo en Japón algún día.
Conozco a bailarines españoles como Jone San Martín y Ander Zabala, de la compañía Forsythe.
¿Qué referentes internacionales tienes en la danza contemporánea?…
Me remito a los diseños escénicos de ROSAS y aprendo de las construcciones ambientales de las piezas de Peeping Tom.
¿El I.V.A. para la cultura, en Japón, es tan elevado como en España?…
No existen impuestos a las artes. Sin embargo, las entradas para las artes escénicas son muy caras y creo que ésta es la razón de que la partida para programas culturales en los presupuestos gubernamentales sea inferior al 1%, tan solo el 0,11%. En Japón, el precio medio de una entrada para una función de ballet clásico es 80 euros, 30 euros para danza contemporánea y 60 para teatro. Para una persona normal, es imposible ver actuaciones a diario. No hay impuestos pero las entradas son caras incluso para los museos o teatros tradicionales japoneses, como Nou o Bunraku. Esto reduce las oportunidades de que la gente aprecie el arte. El resultado es la disminución del interés de la gente por el arte en Japón durante los últimos 20 años. Parece que hay una marcada decadencia en comparación con otros países desarrollados. Si en España continúa el aumento de los impuestos a las artes, el interés de los españoles por el arte también podría verse afectado.
¿Proyectos?…
Como Shun Project nos gustaría hacer exposiciones de fotografía, aunque no hemos decidido las fechas todavía. Como Shintaro Hirahara produzco y organizo actuaciones con el nombre de OrganWorks. Mostraré mis nuevos trabajos en marzo, abril, junio y septiembre. Además, apareceré en un programa de televisión de la NHK(Japan Broadcasting Corporation) el 1 de enero.
Que Revienten los Artistas 
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