Triángulo de danza
¿No has tenido la sensación, a veces, de estar viendo unos espectáculos y que ellos van conformando líneas en tu cerebro, formando figuras geométricas?…Este fin de semana podría haber construido un triángulo equilátero pero ha salido una figura extraña…dos líneas breves y rectas, contundentes, de trazo grueso y de líneas definidas, que no alteran nuestro cuerpo porque se transforman en un trazo mental; estas dos propuestas fueron: Eran casi las dos de la COMPAÑÍA CARMEN FUMERO y The Primate Trilogy de la DRESDEN FRANKFURT DANCE COMPANY…Sin embargo, el otro lado del triángulo, todavía sigue transitando por mi cerebro, como creo que todavía sigue latiendo en el escenario… La obra que ha presentado Daniel Abreu: Venere…Existía antes de que llegásemos al teatro y seguí viva tras nuestra marcha. Allí, encerrada en la sala Verde del Teatro del Canal y en nuestras cabezas…Hay espectáculos que no se pueden describir porque las palabras no pueden acotarlos, porque las imágenes, las texturas o el latido que se instala en la escena son de otro tipo de mixtura idiomática. Realmente, Abreu está llegando a un momento de creación y concreción estilística y poética abrumadora. Probablemente, ha sido, lo mejor del Festival.
Adolfo Simón
La Casa Condal de Maspalomas acoge la exposición “MASDANZA 20 Aniversario”
Maspalomas, 23 de septiembre de 2015.- Un total de 20 fotografías del fotógrafo especializado en danza y movimiento, Jesús Robisco, conforman la exposición « MASDANZA 20 Aniversario», que se podrá disfrutar del 5 al 30 de octubre en la Casa Condal de Maspalomas.
Robisco es el fotógrafo oficial del Festival Internacional de Danza Contemporánea de Canarias, captando cientos y cientos de imágenes en los certámenes oficiales del festival como en las actividades protagonizadas por el público. Esta muestra fotográfica viene a poner en valor histórico todo lo que se ha vivido en MASDANZA en estos veinte años de existencia para que el visitante pueda observar la belleza y singularidad de un instante en la obra de los bailarines y coreógrafos que muchas veces pasan desapercibidos.
Esta exposición que se convierte a la vez en un homenaje a la danza contemporánea presenta fotografías en papel realizadas a partir de fotocopias en color que unidas conforman cada una de las imágenes “se trata de hacer una extensión, un acercamiento, una traducción de lo que el bailarín en el escenario me ha transmitido a mí para que el espectador pueda recrearse tranquilamente observándolas y ojalá tenga un valor didáctico, ojalá inspirador”, ha afirmado Jesús Robisco. Además cada una de las imágenes de la exposición dispone de códigos QR, para que desde cualquier móvil el observador pueda descargarse las fotografías y acceder a más información.
Con más de treinta años en la profesión, Jesús Robisco ha fotografiado entre otros a; Aerowaves, Alicia Amatriaín, Ana Laguna, Ángel Rodríguez, Antonio Carmena, Jesús Carmona, Antonio Najarro, Babirusa Danza, Barcelona Ballet, Ballet dEurope, The Lyon Opera Ballet, Ballet Nacional de España, Pina Bausch Ballet, Boston Ballet, Blanca Li, Carlos Chamorro, Carmen Roche, Carmen Werner, Carolyng Carlson, Cesc Gelabert, Compañía Nacional de Danza, Madrid Superior Conservatory of Dance “María de Ávila”, Dacil Gonzalez, Daniel Abreu, Daniel Doña, Mikhail Baryshnikov, Nacho Duato, Nederlands Dans Theater, Olga Pericet, The Leipzeg Opera, The Paris Opera, The Madrid Royal Dance Conservatory “Mariemma”, Renato Zanella, Roberto Medina, Roberto Olivan, Ruht Balbis, Sharon Fridman, SIB Dance Festival, Sol Picó, Somosquien?, Suite Española, Tamara Rojo, Teresa Nieto, Tony Fabré, Victor Jiménez, Victor Ullate, Víctor Ullate Roche, Virginia Valero, Yosua Cienfuegos, Yuri Yanowski o Zappala Danza entre otros. Forma parte del equipo de trabajo de la revista Susy-Q y también publica en Porladanza, Tiempo de Danza.
Los zuecos van hacia sus buenos hábitos» de la Cia. Nómada en Miradas al cuerpo en Lagrada
Que aparezca el nombre de Daniel Abreu en el programa de mano que acompaña a un espectáculo de danza es una garantía de que el trabajo mostrado será profesional y sin fisuras. Durante toda su trayectoria como intérprete y coreógrafo nos ha deleitado con piezas inquietantes, llenas de momentos inolvidables, sus colaboraciones con otros creadores no son habituales pero en esta ocasión, junto a Roberto Torres, han creado una pieza cuyo título ya es una declaración de principios: Los zuecos van hacia buenos hábitos. En ella, un hombre transita por un espacio duro que acota sus movimientos para terminar sumergido en un lugar más natural y cálido. De este viaje llega a un tercer espacio, este emocional, donde sus experiencias le ha hecho crecer y enfrentarse a sus propios límites.
Adolfo Simón
300 entrevistas y con un pie en el año 3
Con la entrevista a Daniel Abreu(Premio Nacional de Danza) hemos llegado a la entrevista 300 de QRLA…Nunca habríamos soñado, al principio, que llegaría el momento de estar a punto de entrar en el tercer año de existencia de la publicación y haber dado voz y visibilidad a 300 profesionales de las artes escénicas. Gracias a todos los que habéis colaborado para que esto haya sido posible… Os deseamos desde QRLA los mejores deseos para las próximas fechas y que en el 2015 se hagan realidad nuestros deseos más profundos. Nosotros vamos a seguir renovando la publicación y promoviendo la creación en todos sus expresiones. Un abrazo.
ADOLFO SIMÓN
MÓNICA RUNDE-10 & 10: Las instituciones en vez de ayudar a la danza contemporánea la están endeudando y lo peor es que parece que no les importa.
¿Cómo llegas a la danza contemporánea?…
Bailando la Bella Durmiente… me dí cuenta que eso era lo que NO quería hacer. Asi que un poco por la necesidad de contar cosas con un lenguaje propio, o al menos que yo sintiera que era más mío que el ballet clásico.
¿Cómo fue surgiendo tu personal lenguaje en el escenario?…
Poco a poco, escuchando mi cuerpo y dejándome llevar por el y por lo que quería contar. En el fondo y la forma el lenguaje de un coreógrafo contemporáneo está muy unido a la particular escritura de su cuerpo y como este se mueve.
¿Cómo surge 10 & 10?…
Éramos un grupo de buenos bailarines trabajando juntos en una compañía en la que no nos era posible desarrollar nuestras inquietudes como creadores y donde estábamos cada uno de nosotros demasiado encasillados en determinados papeles como intérpretes. Necesitábamos crear e interpretar otras cosas. Eso unido a que Pedro Berdäyes decidiera presentarse al Certamen Coreografico de Madrid y ganáramos el primer premio nos dio el impulso para crear nuestra propia compañía. También que en Madrid en aquella época se respiraba creatividad en las artes escénicas en general y desde las instituciones se fomentaba e impulsaba en particular a la danza contemporánea. Apareció el Festival Madrid en Danza, la Sala Olimpia y su Danza en Diciembre, el Certamen Coreográfico por donde pasaron casi todos los coreógrafos del país… era el cultivo perfecto para que naciéramos.
¿Qué balance haces de los veinticinco años de 10 & 10?…¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de este tiempo?…
Es muy dificil hacer balance positivo desde una compañía de danza contemporánea española sin hacer comparativas con otros países europeos o americanos (¿y si hubiéramos fundado 10 & 10 en Alemania, o Francia, o Méjico, o Brasil…?) y no caer en la queja, pero siempre intento ser positiva.
Cronológicamente:
Tuvimos la suerte de triunfar con el primer programa, de formar parte de esa nueva danza de España a la que se apoyaba tanto desde las instituciones de España y en nuestro caso Madrid (*) como desde los festivales internacionales europeos. Apoyos casi desde el inicio a nivel institucional (INAEM y CAM), como particular (Lola de Ávila nos cedió parte de su estudio para ensayar a diario durante años hasta que cerró la escuela María de Ávila en Madrid). Los noventa fueron años de muchísima exhibición en Europa y de abrir camino en España. En el 2000 llegó el Premio Nacional que nos ayudó a seguir adelante gracias a la aportación económica que traía bajo el brazo. Entonces ya teníamos nuestro propio local de ensayo lo que nos dio una gran libertad para concebir escenografías más espectaculares (teníamos donde almacenarlas y al tiempo poder ensayar con ellas), tener un elenco estable y por lo tanto la posibilidad de ”rodar” con muchos programas a la vez.
Pero las ayudas cambiaron con la entrada en la CEE y el tipo de estructura que las compañías teníamos planteado pasó a ser dificil de mantener. La suerte de cruzarse en nuestro camino nuestra otra gran mecenas, Cristina Rota, que nos ofreció residencia en el Centro de Nuevos Creadores – Sala Mirador. La mudanza significó seguir teniendo un lugar donde ensayar a diario, un local donde estrenar y por fin hacer temporada – en lugar de los dos o tres días de cuando te programan en un festival-pero también trajo el deshacernos de una gran cantidad de escenografía (económicamente no nos podíamos permitir pagar un almacén y tampoco nos interesaba sino podíamos utilizarla en el diario). Rota apostó muy fuerte por la danza contemporánea, hicimos temporadas de un mes, creamos festivales y un lugar donde compartir espacio con el teatro, pero a mediados de los 2000 han vuelto a cambiar, bueno en este caso a menguar y algunas desaparecer, las ayudas a la danza y tanto 10 & 10 como la Mirador tenemos que buscar la manera de flotar dentro de este caos. Eso nos ha alejado a nuestro pesar, obviamente las Salas llenan más con temporadas teatrales que con la danza. El público de danza a bajado un 50%, es un hecho.
25 años de creación, de abrir caminos, de crear lazos con otros creadores aquí y allá, a un tiempo, sentir que estas empezando de nuevo cada año y que cuando entras en ciertas instituciones y círculos te siguen mirando con cierta condescendencia y me encantaría que me miraran como una creadora con 25 años de carrera o una intérprete con 35 y la mirada fuera más respetuosa, creo que me lo he ganado.
Anyway, la danza sigue sin tener su sitio en este país.
¿Es importante tener colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?… ¿En qué medida participan del proceso de creación?…
Para mi el proceso creativo es lo mejor de una producción, gestar lo que será y las reuniones con el equipo artístico.
El equipo creativo es fundamental y participan al 100% en el proceso de creación. Una idea genial de escenografía o vestuario o luz o música o…puede definir el camino a seguir, incluso el detonante de la coreografía. A mi me gusta trabajar con el equipo antes de encerrarme en la sala de ensayo con los bailarines porque se que me van a regalar un montón de ideas que luego desarrollaré en el estudio.
Me gustan mucho esas reuniones de trabajo de exponer ideas y ver como te las rebotan mejoradas, ampliadas, dadas la vuelta… y esas cenas de después – en las que sigues hablando de la creación – no tienen precio.
También es verdad que en el proceso con los bailarines se siguen gestando cambios, en los que tanto ellos como el equipo artístico participan.
Impartes cursos habitualmente…¿Cómo enfocas el trabajo en ellos…?¿Cuáles son los objetivos?…
Imparto cursos a colectivos muy distintos eso hace que el enfoque sea distinto en unos u otros. No es lo mismo impartir una clase o un taller a actores, a bailarines o a futuros pedagogos (el caso de los cursos que imparto en el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila). Llevo más de 35 años impartiendo clases y con los años he aprendido la importancia de traspasar la experiencia, a veces es más importante eso que enseñar la técnica precisa de un movimiento o teoría de la composición.
Antes preparaba las clases al milímetro, ahora primero tanteo el grupo intuyo sus necesidades y desde ahí desarrollo el curso. Hace años que no preparo un curso y me dejo llevar por las necesidades del grupo.
¿Qué utilidad han tenido los premios en tu carrera?…
En este país los premios tienen poca utilidad, te dan una gran alegría cuando los recibes y suelen sacarte de atolladeros económicos, como fue el caso del Nacional de Danza que consiguió que no cerráramos la compañía y pudiéramos pagar las deudas que teníamos en ese momento. Al ser casi todos ellos anuales es como ser algo protagonista ese año, al siguiente ya pasó y la banda y la corona pasan a otra cabeza y otro hombro. Me gustaría que esos premios fueran un reconocimiento de verdad a qué has hecho y un respeto a tu obra.
En general creo que en este país te reconocen en un momento dado tu perseverancia, pero esos mismos que te entregan el premio es más que probable que no hayan visto más que uno o dos (con suerte) de tus trabajos. Por supuesto hay excepciones.
¿Cómo ves el panorama de la danza contemporánea en nuestro país?¿Qué colectivos te interesan?…
No es el mejor momento, pero tampoco es el peor como le gusta decir a algunos.
Ayer leí en el anuario de la SGAE que las funciones de danza han caído un 50 por ciento, junto con la recaudación y el número de espectadores. Eso si que es preocupante porque toda la labor de conseguir unos espacios de exhibición y un público que hemos hecho las compañías a lo largo de los años ha desaparecido en un plís plás.
Si está peor la implicación de las instituciones, tienen menos presupuesto, pero sobre todo menos interés. Somos en cierto modo el I+D+I de nuestro sector y ahora la prioridad en todos los campos es lo que es económicamente efectivo al instante.
Si no interesa la investigación en ciencia o medicina como va a interesar en artes escénicas.
Nunca hemos tenido los apoyos que otras compañías europeas tienen en sus países ni el mismo respeto como creadores y ahora…menos.
Como te he dicho, siempre han interesado los colectivos que por algo reciben ese adjetivo, colectivos…
¿Qué temas o propuestas te seducen a la hora de poner en pie un proyecto?…
Ahora mismo aquellas en las que vaya a disfrutar como creadora o como intérprete. Como creadora he necesitado hablar del ser humano, de la persona como indivíduo y ser social. Eso me llevó a hablar de temas como las drogas (su abuso, adicción y la repercusión en las personas del entorno); el amor homosexual y la no aceptación por la sociedad; el maltrato a la mujer dónde me centre en el maltrato psicológico que no deja huellas en el físico pero destroza la psique de un ser humano; la emigración y el exilio y ese desgarro que crea no pertenecer a ningún país y perderlo todo en el camino… he sido una coreógrafa con un compromiso con el ser humano ”humillado”, compromiso del que me siento muy orgullosa y continuaré creando en ese sentido, aunque no sea «moderno” y no guste al programador de turno. Es mi naturaleza y me puede. Antes de una manera más narrativa, ahora desde las imágenes y la abstracción, pero me doy cuenta que la temática sigue siendo la misma. ¡Que cosas!
He redescubierto el placer de ser dirigida y creo que ese es mi proyecto inmediato. Asi que si alguien necesita una intérprete en la cincuentena…estoy a su disposición.
¿Hay un proceso o plan de trabajo que sigues habitualmente cuando empiezas un nuevo trabajo?…Háblanos de ello…
Basicamente empiezo con mesas de trabajo con el equipo artístico, búsqueda de financiación para ver que se puede hacer de toda esa propuesta creativa, encierro en el estudio con los intérpretes y estreno. Por desgracia en este país vender danza contemporánea sin que esté estrenada y puedan ver un DVD del trabajo es prácticamente imposible, así que las compañías de danza contemporánea no tenemos la posibilidad del teatro de girar inmediatamente después del estreno. Esa parte del proceso me encantaría vivirla.
Háblanos del proyecto que estrenáis en Madrid en Danza…
EPISODIOS – (Temporada 25).
25 años de compañía y mis 35 años de intérprete encima de los escenarios.
Deseo celebrar estos 25 años de compañía y 35 años de intérprete disfrutando de la creación de otros.
Normalmente las compañías celebran reponiendo pedacitos de obras, o convocando a los intérpretes que han pasado por ella… ¿Y desmarcarse y convocar a creadores para que celebren contigo dos cosas a la vez?
Tengo el lujo de contar para estas celebraciones con creadores que admiro, respeto y si pudiera les pondría la alfombra roja cada día que vienen a trabajar conmigo en un estudio: Pedro Berdäyes mi marido artístico durante 16 años, pareja de baile durante 20 y co-creador de 10 & 10; Carmen Werner compañera en la historia dancistica contemporánea de Madrid y a la que admiro por su capacidad compositiva y su forma de narrar el cotidiano; Luis Luque, director con inquietudes dancísticas con el que he compartido obras a los mandos de otros directores y con el que quería compartir proceso creativo; Daniel Abreu del que admiro su imaginario estético, onírico y del que he aprendido una nueva manera de moverme a mis 52; Claudia Faci, amiga, compañera en Ballets, coreografías y giras y una de las mejores dramaturgas de esta ciudad y sobre todo que me conoce desde el inicio de los tiempos; Elisa Sanz colaboradora y amiga desde… alguien con ese imaginario, esos aportes, esa vitalidad, ese pequeño gran genio creativo; y Juan Gómez Cornejo, quizás el mejor iluminador de este país…
De todos ellos soy fan y que ahora estén aquí conmigo es un lujo de esos que ocurren -o propiciamos – una vez en la vida.
¿Cómo está afectando los recortes y el aumento del I.V.A. en vuestra compañía?…
Creo que te he contestado antes en la cronología del balance de los últimos 25 años. Pues mal, muy mal, el arte no es lo mismo que un ordenador y no podemos tener los mismos impuestos que Apple o IBM ya que no tenemos los mismos beneficios. Y te digo ordenadores porque estoy delante de uno…
¿Cómo surge la idea de apoyar a Compañías jóvenes?…
En este país antes que creador y para poder girar, pedir ayudas o simplemente alquilar un estudio para ensayar tienes que ser EMPRESA. Es decir, que para poder ser coreógrafo lo primero es gastar un montón de dinero, que no tienes… ¿que memos que prestar tu infraestructura para que otra persona se pueda beneficiar?.
¿Se pueden plantear propuestas arriesgadas hoy?…
Si no pretendes vivir de esto si.
Si quieres vivir de esto mejor monta un clásico español.
¿Qué le dirías a un joven que empiece hoy en la danza?…
Que emigre y aprenda igual que lo hicimos muchos hace 35 años cuando la situación en este país era la que era. Yo, con 30 años menos, ni me lo pensaría.
Entonces no había compañías ni programación, ¿ahora?…
¿Qué le pedirías a las Instituciones Culturales para la danza?…
Que piensen que están haciendo y si sirve para algo.
Que colaboren con el sector que lleva dando señales años.
Que no metan en el mismo saco la danza contemporánea, el flamenco, el ballet clásico… sino meten en el mismo saco la dramaturgia contemporánea y los clásicos porque la danza no tiene también ante sus ojos esa diversidad y diferencias.
Que la danza, como el teatro (Teatro Valle Inclán, María Guerrero, Fernán Gomez,etc….), la música (Auditorio Nacional,etc) y lírica (Teatro Real, de la Zarzuela, etc) también necesita un espacio de creación y exhibición propios, un teatro de la Danza que ayudaría a crear público y a los creadores a tener un espacio escénico en condiciones para presentar sus trabajos.
Que piensen lo que significa una ayuda a gira por el extranjero o ayuda a la producción a una compañía – montones de billetes de avión, salarios de ensayos, seguridad social… – y no nos paguen esas ayudas hasta que la gira y la producción se han terminado… Están dando una ayudas que a corto plazo en vez de ayudar están endeudando a un montón de creadores, estamos representando a la cultura y una supuesta marca España en el mundo en condiciones penosas porque no tenemos medios – a tiempo – y están fomentando que las compañías desaparezcan bajo las deudas.
Las instituciones en vez de ayudar a la danza contemporánea la están endeudando y lo peor es que parece que no les importa.
¿Qué referentes en la danza internacional tienes?…
Susanne Linke y Pina Bausch son los más fuertes. Debe ser la genética, me gusta el trabajo alemán mucho más que otros. Últimamente mis referentes son más videográficos y pictóricos que dancisticos.
> (*) Quisiera dar las gracias a las personas que desde las instituciones nos apoyaron e impulsaron en nuestros inicios. En el Ministerio de Cultura el entonces asesor de danza Roger Salas y Guillermo Heras director del C.N.N.T.E. – Sala Olimpia (Centro Nacional de Nuevas Tendencias Escénicas); del Ayuntamiento de Madrid: Eduardo López que entonces trabajaba en el Centro Cultural de la Villa (Teatro Fernando Fernán Gómez ahora, más o menos…) y de la Comunidad de Madrid la que era asesora de danza Laura Kumin. Gracias a todos ellos por impulsar la danza y darle los medios para desarrollarse y tomar presencia en el desierto que entonces era Madrid respecto a la danza contemporánea.
Festivales Internacionales de Danza
Experimental Space NoD. Prague, Czech Republic
http://nod.roxy.cz/cs/program#.VFDyz0uBNLs
Festival Novadança 2014. Caixa Cultural. Brasilia, Brazil
http://festivalnovadanca.blogspot.com.br
CSW-Contemporary Scene Foundation. Warsaw, Poland
http://zawirowania.pl/?p=1778&lang=en
Festivales en Oriente
Yeonsu International Dance Festival, Incheon.
Gwang Jin International Summer Dance Festival(GSDF),Seoul
Información recibida a través de Daniel Abreu:
danielabreu.com
Silencio de Daniel Abreu en Madrid en danza
Hay espectáculos de danza contemporánea que nos dejan clavados en la butaca por la excelente técnica de los bailarines y los hay que nos hacen flotar por la atmósfera poética que nos crean desde el escenario. Pocas veces se unen ambas cuestiones, una fantástica técnica de ejecución con un aroma sensorial lleno de imágenes que nos evocan sensaciones o referencias que antes no habíamos tenido. En Silencio, uno de los trabajos más maduros y contundentes de Daniel Abreu, donde realiza un discurso personal que bebe de sus creaciones anteriores para ir más allá, abriendo puertas a universos secretos de intimidad y soledad. Los personajes se deshojan en la escena como aves con alas tronchadas. Una experiencia inusual para el espectador que sale del teatro con una carga emocional importante y sin poder dejar de hacerse preguntas sin respuesta.
Adolfo Simón
Daniel Abreu nos habla de sus últimos trabajos de creación en danza
Balance de tu trayectoria…
Bueno, son casi 10 años ya desde que empecé, y la verdad es que si miro hacia atrás, me siento muy orgulloso de todo lo hecho y muy agradecido a todos aquellos que me apoyaron y todos los bailarines y técnicos que han estado conmigo. Es verdad que el panorama no pinta nada bien para seguir creciendo o proyectando mucho más, pero todo esto se inició por una inquietud personal, así que de seguir sería porque esa inquietud sigue viva. Cuando deje de estarlo, será hora de aparcar y de moverse a otro sitio. Han sido diez años de mucho trabajo, más del que el cuerpo ha podido aguantar. He ido subiendo los escalones poco a poco, lo que no sé ahora es si hay más escalones, si he llegado al lugar donde se empieza a bajar, o a un paisaje maravilloso por explorar. Quién sabe.
¿Cómo surge el proyecto que presentas en la edición de este año de Madrid en Danza?¿De qué va la obra?…
La obra se intentó arrancar hace ahora un año, pero por motivos económicos tuvimos que parar. Éramos más personas en el proyecto que se hizo inviable, y ahora nos hemos quedado Dácil González, Anuska Alonso y yo. En mi caso, las obras nunca surgen de una idea concreta que yo quiera plasmar. Doy por hecho que siempre estamos en movimiento y cambiando, y el subconsciente siempre tiene algo que contar. Después del amor y la lucha del que hablé en Animal, el dolor que trabajé en Cabeza, y la profundidad de algunos otros, como Anything, era tiempo de Silencio. De calma, de contemplación, de parar. Y no sé si en la obra hay algo de eso. A día de hoy no está cerrada, me da miedo cerrar las obras antes de su estreno, es como si hubiera parado de luchar por descubrir algo. Y mientras sigo en ello todo puede cambiar. Aquí puede que todavía quede dolor, dolor estético, pero esta vez ya no importa. Las primeras ideas que desarrollé era un baño de insultos, como una especie de catarsis y de eso ya no queda nada, ya da igual. Duela o no, uno siempre guapo, y sin darle demasiada importancia a nada.
¿Cómo fue el proceso de creación de la misma?…
Ha sido muy difícil. Se comenzó el año pasado y se tuvo que parar. No sabía si volvería a ella, ni cuando, pero al final me propuse hacerlo, Ana Cabo me dio un espacio en Madrid en Danza y ese fue el mayor empuje, así que reduje los bailarines y me puse en marcha. Trabajé un par de meses en una residencia en el Centro de Danza Canal, buscando nuevos materiales allá por primavera. Luego en agosto me fui 20 días a Tenerife al Teatro Victoria, luego Madrid. Lo más duro es que en 6 días he llevado a cabo dos estrenos, uno de encargo en Croacia y este. No es fácil trabajar de esta manera. Si no hay dinero, tengo que hacer muchos trabajos a la vez para poder costear las producciones, y por supuesto mi vida. Por suerte a día de hoy la Comunidad de Madrid me confirma su apoyo, y eso ya es un respiro. Algo justos de tiempo para hacerlo de otra manera, pero felices igualmente. Me gustaría alguna vez poder hacerlo sin prisas, sabiendo con qué cuento, y con la tranquilidad que da saber lo que tienes.
¿Qué opinas de la programación de este año de Madrid en Danza?…
Me sorprende mucho la cantidad de trabajos nacionales que hay, me gusta mucho eso, y como siempre a destacar la variedad. A mi me parece que Madrid en Danza siempre apuesta por la pluralidad, y eso se agradece muchísimo. Toca muchos palos de la danza, y da gusto ver un programa tan completo. Me da pena que me pierdo todo. Nada más estrenar me marcho a San Sebastián y no podré ver nada.
¿Qué función crees que ha de tener hoy la creación contemporánea para la sociedad en la que vivimos?…
Yo no sé si la creación contemporánea debe tener una función o no, en todo casi si la tiene con que sea de entretenimiento a mi me basta. El entretenimiento es una parte importante de la vida, y se le menosprecia porque parece que uno puede entretenerse con cualquier cosa y no es verdad. A mi me gustan los espectáculos que me tocan dentro, pero eso no pasa siempre, así que no espero que la escena deba tener el compromiso de satisfacer mis necesidades ni de enriquecer mi interior. El hecho de ver otros puntos de vista o a veces el mismo, ya es algo que me hacer formar parte del mundo. El momento social que vivimos es tan complejo que no sé si podemos ayudar, ni cómo. La revolución que se necesita ahora mismo no sé si debe pasar en los teatros. Lo ideal sería que la revolución social formara parte del día a día. Y los teatros formaran parte de la noche, de la hora de los sueños… pero esto por ahora es casi una utopía, o eso creo yo.
¿Qué te motiva o inspira para poner en marcha tus proyectos?…
No sé lo que es, soy muy ignorante en eso que me mueve, y me gusta que sea así. Cuánto más conozco de mi, más me sorprende todo. Trabajo desde la intuición y me pongo igualmente en marcha desde ahí. Es maravilloso confiar en el equipo que me acompaña y en uno mismo. Al final todo sale de una forma mágica y espontánea, cuando tengo tiempo para trabajar las obras, antes o después se llega a un paisaje que no me canso de ver. Saber que puedo llegar a eso, es suficiente para arrancar.
¿Cómo está afectando la subida del I.V.A. y los recortes en las ayudas para la danza contemporánea?…
Este año no he bailado mucho así que no puedo hablar del IVA, respecto a los recortes, hay que prescindir de personal y material importante y sustituirlo por más horas de trabajo, más presión, más estrés… Por suerte, en mi trayectoria, con casi cuarenta creaciones, creo que sólo una docena han sido subvencionadas y/o apoyadas. Por lo que en lo que me afecta es ver que no se puede seguir creciendo. La compañía ni se estabiliza ni crece. Hemos perdido ayudas que eran importantes, y hemos tenido que cancelar funciones por motivos económicos. Si miro la cuenta de la compañía no sé cuántos meses más puede seguir adelante. Más que el IVA o los recortes me afectan la mentiras y los deseos de poder económico y social… Dios mío si todos vamos a morir tarde o temprano.
¿Qué obra de teatro, danza o performance has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Como conté antes, he estado un tiempo en Croacia creando una nueva producción para la Zagreb Dance Company, así que lo que he visto lo vi allí. No me interesa poner una etiqueta de me gusta o no a los espectáculos. Puedo decir que no me movieron, pero también decir que soy muy mal espectador, mi ojo es demasiado rápido en la escena. Muchas veces no puedo relajarme y disfrutar, es como mirar al cielo, y en vez de estrellas ver constelaciones, y no pienso si esas constelaciones me gustan o no, sólo las veo. La escena también sufre la globalización, por lo que los trabajos de danza que veo andan más o menos en una línea muy marcada que surgió en Europa hace unos años. De una forma u otra estamos todos ahí, y aunque con variedad, y cada uno con su originalidad, el mensaje que yo recibo (que por supuesto no es el que se da), puede que sea casi el mismo. Al menos la forma, pero el mercado tampoco permite que se varíe, ser muy original es arriesgarse mucho. Ya están bastante difíciles las cosas de por sí.
¿Cómo ves las nuevas generaciones de bailarines y creadores en nuestro país?…
Pues me da mucha pena la poca estabilidad que hay para arrancar o sostener nada. A nivel creativo España siempre ha tenido gente que destaca mucho, tanto aquí como en el extranjero. Como en muchos sitios, no sólo hace falta talento, que hay mucho, también hace falta saber llevar la gestión, lo que implica que o tienes unos estupendos padrinos, o sabes moverte bien en el backstage. Yo llevo viendo desde hace años, que a los más jóvenes (aunque yo de joven ya tenga poco), se nos va lanzando a un mercado vacío de futuro, como mucho se dura dos o tres años. Es la ley de la moda textil, usar y tirar, y no por calidad, sino por filosofía. Cuando ya eres un poco conocido no interesas porque no se te puede descubrir, hay un cierto complejo de padrino. Pero desconozco lo que pasa detrás. Desde mi lado me gusta ver la energía de la gente nueva que llega. El tema técnica o control es otra cosa, requiere de mucha exigencia, preparación y frustración, y no vivimos eso ya todos los días… es muy difícil para alguien que ya vive eso en su casa enfrentarse a un estudio o formación dónde la primera palabra que vas a escuchar es no. Eso hace que se busquen otras formas, que se confíe en talentos y no en la exigencia que el trabajo exige. Y aunque eso estuvo siempre, ahora además tiene un valor y es muy respetable. Y sólo hay que cambiar el ojo para apreciar la velocidad en los resultados, y ver que los procesos tienen otra profundidad, tanto en lo creativo como en la técnica del bailarín. A mi sólo me parece una nueva forma de trabajo, que durará lo que la moda dicte.
¿Alguna idea para seguir creando en tiempos de crisis?…
A mi sólo me da por pensar que no somos mejores que los que estuvieron antes, así que revisando la historia, podríamos coger modelos de transición que inspiren una solución a la difícil situación, no copiarlos, sino ajustarlos a nuestro nuevo futuro. En realidad qué queremos realmente. No sé, y es algo que yo me pregunto si no estaremos actuando por impulso, por rabieta o a saber qué. A mi en tiempos de crisis no me da por crear mucho, aunque no he bajado el listón, ya este año van cuatro creaciones.
¿Proyectos?…
De momento sigo presentando Equilibrio dentro del Circuito de Salas Alternativas por España, algunas funciones de Silencio y otras producciones, y en diciembre presento en Cuarta Pared tres solos para celebrar que somos compañía residente. Presento Perro por no sé qué vez, Un Lugar Donde Sentarse a Escuchar Como Crecen las Hojas de los Árboles, y el estreno en Madrid de Cabeza. Por lo demás, me encantaría tener proyectos nuevos, ilusionarme, pero como todo el mundo vivo en el día a día, y no es precisamente un día luminoso y soleado. Tengo un amplio repertorio que me gustaría que la compañía siguiera bailando, pero lo veo difícil, al menos no de la manera que lo estamos haciendo. De casi mil mails que escribimos al año en temas de distribución, tanto nacional como internacional, sólo nos responden 4 ó 5, que no implica que digan sí. Cada vez que llamamos para hablar con un programador está reunido, o no puede hablar en ese momento. Las ferias y demás no son los marcos dónde más éxito tenemos. ¿Qué se puede proyectar con un panorama así?.
XIV Festival Bilboko Kalealdia y Trayectos
XIV Festival Bilboko Kalealdia
Del 2 al 6 de julio, 39 espectáculos de calle llenarán Bilbao.
El Festival de Teatro y de las Artes de la Calle – BILBOKO KALEALDIA celebra este año su decimocuarta edición y lo hace con una programación de calidad excepcional, que ha logrado reunir las propuestas más novedosas de algunas de las compañías más relevantes del panorama internacional de las artes escénicas de calle. Al igual que el pasado año, la cita mantendrá la estructura habitual de los festivales, agrupando la programación a lo largo de cinco días consecutivos, del 2 al 6 de julio. Los escenarios habituales en el entorno de la Gran Vía y en varias plazas del Casco Viejo y aledaños, acogerán un total de 39 espectáculos, a cargo de 20 compañías, 9 procedentes de Francia y Bélgica y siete del resto del Estado, junto con las vascas ATX Teatroa, Deabru Beltzak, Hortzmuga y Turukutupa.
Todas ellas presentarán en Bilbao sus trabajos más recientes, en su mayoría propuestas escénicas innovadoras, que van de la música, a la danza contemporánea, junto con el teatro de calle, las estructuras móviles o la fusión con disciplinas circenses, como el clown, los juegos malabares, las acrobacias o las marionetas.
Organizado por el Área de Cultura y Educación del Ayuntamiento de Bilbao, con la colaboración Metro Bilbao y el Instituto Francés, BILBOKO KALEALDIA ha programado su plato fuerte precisamente para despedir esta edición, con el último montaje de la reputada compañía valenciana Xarxa Teatre, que llenará con su espectáculo “Papers” la Plaza de Arriaga, el día 6 de julio, a partir de la media noche (24.00 horas).
Trayectos, festival ya tradicional en espacios urbanos de Zaragoza, cumple este año su décimo aniversario y cuenta en la presente edición con destacados bailarines y coreógrafos del panorama nacional e internacional: Tarde o Temprano Danza, Los INnato, Gatos Oscuros, Umma Umma Dance & Manuel Rodríguez, Ertza, Company Eléonore Valère-Lachky, LaMov, Joan Català, Cuatro X Cuatro, IETO, Daniel Abreu, La Macana – Unusual Symptoms y Moving Borders. Además, el Festival patrocina programas de refuerzo profesional para las compañías residentes, así como proyectos comunitarios encaminados a promover la participación y el desarrollo abierto e inclusivo, priorizando el proceso de creación por encima del resultado.
Shintaro Hirahara nos habla de Shun Project aprovechando su estancia en Madrid donde han presentado el proyecto «Recuerdo» con Carmen Werner
¿Cómo surge el proyecto de Recuerdo?…¿Cómo se realiza la co-producción España-Japón?
He permanecido en contacto con Carmen desde que nos conocimos, en 2004, y he participado en las obras que ella ha creado en Japón.
En 2012 se me ocurrió la idea de empezar algo nuevo en Japón. Parecía natural pensar en un proyecto con Carmen y ella estuvo de acuerdo en crear una pieza en colaboración. Eso es lo que pasó.
¿Cómo ha sido el proceso de creación?¿En qué medida habéis participado los bailarines en la dramaturgia y la puesta en escena?…
En un principio Carmen me dio el título: Recuerdo. Yo le envié un vídeo con sugerencias de movimientos en respuesta a esa palabra. Ya con Carmen en Japón, los bailarines improvisaban y sugerían ideas durante los ensayos, de las que Carmen elegía elementos que incorporaba para desarrollar la estructura de la pieza.
¿Cuál es la trayectoria de Shun Projet?… ¿Tiene un estilo definido?…
«Shun-Project» es una compañía con sede en Hokkaido, la parte norte de Japón, compuesta por tres bailarines, una fotógrafa y un músico. Funciona en proyectos ocasionales. Su estilo es único en el uso de la fotografía en las artes escénicas y nuestras actuaciones tienen un ambiente muy vivo.
¿Colaboráis habitualmente con otros creadores como en el caso de Carmen Werner?…Como Shun Project es la primera colaboración con otros artistas. Shintaro Hirahara sí ha colaborado a título individual con coreógrafos y bailarines extranjeros como Alessio Silvestrin, Shintaro Oue o el artista residente en Nueva York Midori Harima.
¿Cómo es la danza contemporánea en Japón?…¿Tiene apoyos estatales y por parte del público?…
La danza contemporánea está considerada en Japón un género menor. Tuvo un momento álgido entre finales de los 90 y 2005 y parece que se ha estabilizado. Uno de los motivos es que sólo existe una compañía residente financiada por un gobierno local. Existen becas gubernamentales pero exigen mucho papeleo y es complicado acceder a ellas. A causa de esto, las becas están limitadas a compañías consolidadas que disponen del personal administrativo especializado, por lo que parece que existen menos opciones para artistas jóvenes y compañías pequeñas.
¿Qué idea se tiene, culturalmente de España, en Japón?…¿Se conoce algo más que el flamenco?…
Creo que en España existe mucha madurez en el terreno de la cultura artística. Existen muchos artistas muy conocidos, como Gaudí, Picasso, Dalí o Goya. También son famosos en Japón. Las culturas de España, como los bares, el jamón serrano, el vino o los equipos de fútbol, son familiares para la gente de Japón. Allí hay muchos aficionados a la comida y los equipos de fútbol españoles. España y Japón mantienen relaciones diplomáticas desde hace mucho tiempo, por lo que en Japón existe una sensación de afinidad con España. Pensamos que la gente aquí es simpática, amable y apasionada. Por la gran distancia geográfica que nos separa, no es fácil para los japoneses venir de visita a España y esto hace que sea uno de los países a los que los japoneses más anhelan viajar.
¿Has visto algún espectáculo en Madrid?¿Qué te pareció?…
Es my típico pero he ido a los museos y me ha conmovido la originalidad y singularidad del arte español. Creo que los artistas españoles tienen un sentido muy fuerte de lo humano.
¿Conoces la obra de otros creadores de danza contemporánea en España?…
Daniel Abreu es un bailarín en el que estoy realmente interesado. Estoy deseando poder ver su trabajo en Japón algún día.
Conozco a bailarines españoles como Jone San Martín y Ander Zabala, de la compañía Forsythe.
¿Qué referentes internacionales tienes en la danza contemporánea?…
Me remito a los diseños escénicos de ROSAS y aprendo de las construcciones ambientales de las piezas de Peeping Tom.
¿El I.V.A. para la cultura, en Japón, es tan elevado como en España?…
No existen impuestos a las artes. Sin embargo, las entradas para las artes escénicas son muy caras y creo que ésta es la razón de que la partida para programas culturales en los presupuestos gubernamentales sea inferior al 1%, tan solo el 0,11%. En Japón, el precio medio de una entrada para una función de ballet clásico es 80 euros, 30 euros para danza contemporánea y 60 para teatro. Para una persona normal, es imposible ver actuaciones a diario. No hay impuestos pero las entradas son caras incluso para los museos o teatros tradicionales japoneses, como Nou o Bunraku. Esto reduce las oportunidades de que la gente aprecie el arte. El resultado es la disminución del interés de la gente por el arte en Japón durante los últimos 20 años. Parece que hay una marcada decadencia en comparación con otros países desarrollados. Si en España continúa el aumento de los impuestos a las artes, el interés de los españoles por el arte también podría verse afectado.
¿Proyectos?…
Como Shun Project nos gustaría hacer exposiciones de fotografía, aunque no hemos decidido las fechas todavía. Como Shintaro Hirahara produzco y organizo actuaciones con el nombre de OrganWorks. Mostraré mis nuevos trabajos en marzo, abril, junio y septiembre. Además, apareceré en un programa de televisión de la NHK(Japan Broadcasting Corporation) el 1 de enero.
Exposición de fotografías de Janusz Matuszevski sobre la Compañía Daniel Abreu
Exposición de fotografías de Janusz Matuszevski sobre la Compañía Daniel Abreu
Centro Cultural Paco Rabal – 20 de Diciembre
Más info en: http://www.danielabreu.com
Un sitio donde escuchar cómo se abren las hojas de los árboles de Daniel Abreu en Territorio Danza-Cuarta Pared
Un sitio donde escuchar cómo se abren las hojas de los árboles de Daniel Abreu en Territorio Danza-Cuarta Pared
Este nuevo viaje de Daniel Abreu se compone de dos piezas…Undressed y 9. Aparentemente son lugares diferentes y sin embargo, hay algo que conecta estos paisajes. El universo de Daniel Abreu como coreográfo e intérprete cada vez es más complejo y abstracto…habita lugares sorprendentes y nos introduce a todos de la mano, a oscuras, para oler y escuchar, para paladear la tierra mojada. Hay tramos del viaje donde se esconde y juega caprichosamente con nosotros mientras le observamos desde el escenario…y hay otros momentos en los que su cuerpo se golpea y arrastra en el espacio vacio, acariciando fantasmas. Las piezas de Daniel cada vez están más elaboradas, son más complejas y compactas…son ventanas que nos abre para asomarnos a sueños inquietantes.
Adolfo Simón
Entrevista a Daniel Abreu, coreógrafo y bailarín.
Desde Buenos Aires, donde el coreógrafo y bailarín Daniel Abreu presenta este fin de semana su trabajo… Nos responde a algunas preguntas sobre cómo está viviendo su momento creativo actual…
¿Qué proyectos estas realizando en Argentina?…
Me vine a Argentina para retomar el trabajo de Marina Wainer: El Cuerpo Deshabitado, ese fue el motivo principal. Era una forma de acompañarla en su cambio de residencia a la ciudad que la vio nacer y con ella todo su trabajo, así que reponer esta magnífica obra aquí era todo un lujo. Además ya que venía era la oportunidad de poner parte de mi trabajo en el escenario. Perro me parecía el más apropiado por trayectoria y por sello. Los recortes no propusieron más que dos funciones, pero las suficientes para tener un hueco y estar en una de las ciudades con más oferta cultural de las que yo conozco. Además a vista de nuevos proyectos para mí y la compañía necesitaba aire nuevo. Buenos Aires tiene entidad e identidad… está llena de detalles que hacen que la cabeza se dispare, así que, mejor sitio que este ahora no se me ocurre.
¿Cómo está la danza contemporánea en Argentina?…
No he tenido la suerte de conocer como para dar una opinión. Sé que hay mucha gente con talento y mucha producción. Si bien conocemos más el teatro o el cine argentino no me cabe duda que aquí hay mucho y espero conocerlo antes de irme. Sólo hay que mirar el ritmo de la ciudad, la abundacia de las cosas, para esperar de la danza un sello personal y rico en detalles y significado.
¿Cómo se ve la realidad cultural de España desde la distancia?…
Lo primero que me sale decir es pobreza en acontecimientos, no en calidad. Si empiezo a enumerar lo que veo aquí en Buenos Aires, cualquier conversación tiene un trasfondo de interés, hay información y mucho acceso a ella. Hay librerias, de las miles que te puedas encontrar, abiertas las 24 horas, incontables teatros, espacios culturales… Aquí lo que sucede importa y no hay mucho más dinero para ello. Hay un espíritu crítico sujeto al aprendizaje. La realidad cultural que se vive en España siento que está ligada a la economía, por lo que no deja de ser mercantilismo, tan absurda como pobre. Igualmente si lo miro desde cualquier otro lado en el que he estado este año, falta valorar lo que se tiene, lo que se hace en España. Pasan más cosas que lo que la tradición ha dictado. Parece que lo único que importa es lo que fue historia sin darnos cuentas que sin el apoyo de lo que pasa hoy, la historia de España se queda 20 años atrás. En el caso de Madrid ha sido la ciudad que ha visto nacer a gente maravillosa con un talento enorme que luego han valorado otros países, gente que nació artísticamente allí y donde también fue aniquilada o sepultada. Es una ciudad que pone un techo y del que tarde o temprano quien tenga ganas de crecer tendrá que irse. O te agarras a la historia y su memoria o no vas a avanzar más.
Daniel Abreu, coreógrafo y bailarín
¿Cuál es el balance artístico de los trabajos presentados en el último año?…
Estoy muy contento con lo que ha pasado a este nivel. Sobretodo me he volcado en la promoción de Animal. Algo que parecía duro que saliera adelante, pero que por sí solo ha ido haciendo su camino. Por esa parte feliz, la gira es sobretodo internacional, se nos sigue haciendo muy difícil entrar a formar parte de la cartelera española y en Madrid, a parte de Madrid en Danza no ha habido más acogida. Igualmente estaremos de gira con Otros rastros en la Red de Teatros Alternativos y eso nos llena el año y el orgullo. Por suerte hemos podido aguantar un año más… pero no sabemos nunca qué pasará en los próximos meses. Los trabajos gustan y tienen un peso, así que lo que falta no sabemos como hacer, ya no podemos cambiarnos la cara (para ser más guapos) o el apellido…
¿Tienes algún proyecto en mente para cuando vuelvas?…Háblame de él…
Vuelvo y me meto de cabeza en dos proyectos, uno en solitario titulado Cabeza y otro de grupo aún por definir que se titula Silencio, en medio de una gira que nos llevará por España, Eslovenia, Italia, Francia y Alemania. En España empiezo en Cuarta Pared el 25 y 26 de septiembre con un programa de solos que no había bailado en Madrid. Respecto a los trabajos de nueva creación, de Cabeza puedo contar algo más aunque no demasiado. Lo estreno en Barcelona el 3 de noviembre y en él trato de indagar más en mi propio lenguaje, de momento un trabajo algo más físico, antes de que el cuerpo diga que ya no puede. Ha sido un año con muchas vivencias para mí y supongo que el trabajo será una manera de canalizar todo eso. No es que vaya a ser biográfico ni mucho menos, pero las experiencias siempre me sirven para ver la realidad de muchos lados… y la trama psicológica siempre es un buen lugar en el que centrarme para dar vida al cuerpo. Cabeza es un espacio en el que uno lo percibe casi todo. Por otro lado, Silencio, estoy por definirlo. Tal y como estamos viviendo la situación en España debo medir mucho qué es lo que se puede y lo que no. Para ello necesito unos días de descanso que espero tomarme a finales de agosto y ver cómo hacer. No es fácil pero aún, si puedo seguir empujando, lo haré.
¿Va a cambiar mucho el plateamiento de producción y creación tras los recortes en cultura?…
Estoy seguro de que sí. Por suerte en mi volumen de creaciones fueron pocas las que se hicieron con dinero público, así que aunque me afectará mucho, y sobretodo al equipo, espero podamos seguir encontrando maneras nuevas. La gestión es algo que me agota y que a veces me hace pensar en ir girando las tornas hacia una vida algo más normal, otra profesión. No sé si tiene mucho sentido seguir luchando por lo que no puede crecer por sí solo. El problema de la producción no es sólo que no se pueda realizar sino que el precio de la venta también baja, con lo que más que generar un mercado como en cualquier sector en el que la propia venta gestiona la empresa, vamos creando un sistema de subsistencia y degradación. La pasión se agota y van quedando resquicios de adicción al trabajo. Si al menos pudiéramos vivir de la venta, sería algo fantástico, pero no sé cuánto durará este mal negocio.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en estos tiempos de crisis?.
No tengo ni idea, pero yo practico una que es no ver la televisión, no leer periódicos, no saber de nada más que el día a día y yo sigo creando, si no seguro que ahora mismo estaría dedicándome a otra cosa. Me parece que los medios se dedican a meter un miedo terrible y a crear realidades temerosas por imposición de ideas. Aprendemos así de niños y seguimos así cuando aún somos adultos, lo único que se cambian maestros por locutores. Creo que España está muy aplatanada por un sistema anclado en la crítica y el desgaste de la propia crítica, poco resuelta en soluciones y en el avance de las cosas. Festejar que un equipo de millonarios ganen no se que historia por dar patadas a un balón y escudarse en que ese festejo es un momento de diversión entre tanta desgracia, a mi me parece como curarse de un corte en la pierna amputándose la pierna. Yo no puedo hablar de política porque no tengo ni la menor idea, si fuera presidente sería el peor de la historia, pero desde mi lugar defiendo hacer en lo que uno cree y cuando deje de creer mirar a los lados a ver a que salvavidas se agarra para seguir flotando en la vida. Ya lo conté en Animal, la vida es una lucha, en la que todos buscamos descanso.
Animal de Daniel Abreu
Que Revienten los Artistas 
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