«NOSOTRAS» EN TEATRO PRADILLO
«Nosotras» parte de la reflexión de Inés Narváez sobre el mundo del arte y la creación. Y la primera pregunta que le surge es ¿Por qué las mujeres no han tenido la misma relevancia y reconocimiento en este mundo? Sí, el mundo, de manera sibilina, se ha encargado de que no tengan el mismo peso las mujeres que los hombres en el mundo del arte. Los delitos se comenten por acción o por omisión, estudiaba yo… y aquí el gran delito se ha cometido por la gran omisión que se ha cometido ocultando a las mujeres, no teniéndolas en cuenta o, simplemente ignorándolas.
Por eso, una pequeña venganza ha salido de la cabeza de Narváez y Runde, un acto de discriminación positiva, seleccionando entre hombres y mujeres según se entra a la sala y sentando a las mujeres en lugares preferentes y a los hombres en segunda fila, haciéndoles sentir a cada uno en un lugar extraño, unas por preferencia y otros por discriminación. Danza, videoproyección y composición musical serán las herramientas de este montaje para hablar de la creación artística en femenino, para reivindicar el lugar de la mujer en la historia y para demostrar que los techos de cristal se pueden reventar. Una fiesta, una celebración y un show pone en evidencia que «alguien» se ha encargado de discriminar el «talento» y que hay mujeres (y hombres) dispuestos a pisotear todos esos libros sesgados de Historia del Arte.
Luis Mª García
«Color sin nombre» de José Maya en el Teatro Pavón
El arte siempre ha suscitado emociones y ha contribuido a la creatividad de otros artistas. En esta ocasión el bailaor madrileño José Maya vuelve del 14 al 24 de febrero al Teatro Pavón con su espectáculo interactivo Color sin nombre, inspirado en la pintura del artista suizo Mark Rothko. Maya fusiona danza, música y arte visual para crear una obra única e impactante.
Acompañado por el cante por José Del Calli y Delia Membrive, la percusión de Lucky Losada y la guitarra de Rycardo Moreno, José Maya materializa en este espectáculo, estrenado en el festival Suma Flamenca de la Comunidad de Madrid en 2022, las emociones que surgen de la pintura del artista suizo siguiendo su instinto. El espectacular viaje interior nos invita a cuestionar la universalidad de las emociones humanas.
Unas proyecciones digitales monumentales nos trasladan desde la capilla de Rothko a una serie de paisajes abstractos y oníricos. Al ritmo de sus pasos, el bailarín nos guía por la profundidad de los colores. Poco a poco van creando los relieves y tintes de estos paisajes con horizontes infinitos. La naturaleza es a veces dramática, oscura e incandescente al ritmo de una soleá exaltada, a veces suave y espiritual cuando se canta una alegría aérea.
Sobrino de Rafael Romero «El Gallina» y Fernanda Romero, José Maya es un bailaor gitano de origen andaluz nacido en Madrid. Empieza a bailar profesionalmente con nueve años, compartiendo cartel en el Teatro Albéniz de Madrid con Antonio Canales, Juan Ramírez y Joaquín Grilo.
Con trece años entra a formar parte de las compañías de El Güito y Manolete, con quienes realiza giras por España y Portugal. Desde 2007 es miembro del sexteto del maestro de la guitarra Tomatito.
Ha bailado como telonero con su propio espectáculo en los conciertos de estrellas internacionales como Marc Anthony, Beyoncé, Björk o Juan luis Guerra y en grandes escenarios de todo el mundo como el Theater Skirball Center de Nueva York, en el Théâtre Marines Memorial de San Francisco o el Festival internacional de percusión de Montreal, el Teatro Le Palace de París con varios llenos, entre otros. En 2021 presentó en el Teatro Pavón Rizoma, junto a Pastora Galván.
«H.E.R.N.I.A» de L’Ayapampa Teatro en la Sala Tarambana
Estrenada con éxito en el festival SURGE, el acrónimo de «Hemos experimentado roturas nauseabundas imposibles de amar» parte de las vivencias de dos jóvenes, Dave Aidan y Cori Bustamante, con grandes pesos ya a sus espaldas. Pesos de la vida y vivencias que han experimentado y sufrido en sus carnes y huesos. La precariedad laboral del actor, la aparición de enfermedades incapacitantes y su tratamiento por la sociedad, la situación de la asistencia sanitaria, la presión social para ser el mejor, la competición… esas roturas que todos hemos experimentado y que llevan a los creadores a sumergirnos en una ola de emociones como la frustración, el enojo, la rabia, el miedo… pero contadas con un tono muy irónico, humorístico y fácil de digerir, como la píldora de Mary Poppins.
El lenguaje escénico en esta pieza es fundamental para empatizar con los protagonistas, ponernos en su piel y comparar vidas. Para ello se utilizan muchos instrumentos escénicos que crean metáforas hermosas, imágenes oníricas que nos sumergen rápidamente en la dinámica de la obra. La pieza se gestó en el Centro Dramático Rural a través de una pequeña residencia en la que experimentó con materiales encontrados en el medio rural. Globos, ramas, ruidos de batería y piedras son algunos de los elementos materiales que nos van a llevar por este camino de baldosas amarillas por el que vamos superando los problemas cotidianos, desafíos y avanzando, reto a reto, al maravilloso mundo de Oz.
«H.E.R.N.I.A» estará en la Sala Tarambana los días 21 y 28 de enero y es una oportunidad única para descubrir o volver a disfrutar de un trabajo que transmite calidad y ternura.
Luis Mª García
De «América» a «Europa» con la Compañía Nacional de Danza
El Teatro de la Zarzuela es el lugar ideal para pasar las calurosas tardes de verano revisando grandes hits de la danza contemporánea y asistiendo a algún estreno interesante con factura española.
Por eso, Joaquín de Luz, ha propuesto un programa doble en dos semanas que viaja a través de coreografías de Ámérica a Europa a través de sus autores y que nos aporta una visión amplia de lo que es capaz de montar la CND y que demuestra la madurez alcanzada con su director.
Empezamos por Con Apollo, creado en 1928 por George Balanchine con Igor Stravinsky para los Ballets Russes de Diaghilev, interpretado majestuosamente por Alessandro Riga. Seguimos con otra coreografía de Peter Martins, exfigura y exdirector del New York City Ballet (NYCB), con su Barber Violín Concerto en la que nos encontramos la lucha de estilos clásico y contemporáneo a través de dos parejas que, ineludiblemente mezclarán sus destinos.
En la tercera pieza, Joaquín de Luz y Lauren Lovette nos regalan Sinatra Suite de Twyla Tharp, un pequeño caramelo que nos regala el director, entre romántico y canalla con varias melodías de Sinatra.
Llegando al final de la segunda parte, vuelve Balanchine y su incombustible Tschaikovsky Pas De Deu -un ballet virtuoso creado para el lucimiento-
Por último, otro estreno: Heatscape, una pieza vibrante que fusiona el ballet con el arte callejero creando una coreografía de enormes dificultades debido a su rapidez en la ejecución, búsqueda de la sincronía, y virtuosismo. que nos transmite la energía y talento de Justin Peck para el Miami City Ballet en 2015. Un cierre espectacular en la larga propuesta de esta jornada, para pasar a la siguiente semana al otro continente: «Europa».
Comenzamos esta semana y hasta el 23 de julio, con Bella Figura, una vibrante coreografía de Jirí Kylián estrenada a finales del siglo pasado por el Nederlands Dans Theater y adoptada por la CND hace menos de un año, trayendo de nuevo a uno de mis coreógrafos favoritos.
Más tarde, Sad Case —de la cordobesa Sol León y el británico Paul Lightfoot— regresa a los escenarios madrileños con los divertidos mambos bailados distópicamente que generan una profunda belleza estética en el espectador y también una sensación de inquietud ante la visión de algo que les descoloca.
Y como guinda final a este viaje, el estreno absoluto de A tu vera de Joaquín de Luz y Sara Calero. Con esta creación ambos coreógrafos y bailarines que elimina los límites entre estilos y escuelas para traernos, con música en directo, y una atractiva escenografía que tomará protagonismo al final de la pieza, un conjunto en el que destacan los solos de Calero y de de Luz y que fusiona lo flamenco con lo contemporáneo.
Luis Mª García
Aquellas migas de pan en el Teatro Infanta Isabel de Madrid
Inma Cuevas, en su faceta de directora, nos regala una historia realmente enternecedora escrita por Jennifer Haley. Tratar sobre temas tan personales sobre la demencia o el alzheimer es arriesgado, pero son temas que el Teatro debe abordar y Haley ha sabido construir una historia caleidoscópica entre dos mujeres, la escritora que padece la demencia temprana y su cuidadora, una joven de vida algo caótica. «Mujeres que necesitan enfrentarse a sus miedos para poder avanzar» dice Cuevas que con su tamiz de directora aporta calidez a la historia, algo de juego y mucha delicadeza en la relación que crea entre los personajes.
Ayuda la experiencia de una veterana como Mónica Bardem, que despliega todo su saber actoral y el rescoldo de su apellido para hacer un personaje creíble, sólido y realmente complicado, como el de la escritora Alida. Por su parte Carmen Ibeas encarna a Beth, la joven cuidadora con frescura y versatilidad, siendo fiel a los patrones que le gustan a Cuevas para su teatro.
Una obra comprometida, responsable y digna de ser representada y vista por primera vez en España y que se hace necesaria por su temática para poder sensibilizar y hablar de cosas y realidades de las que nos cuesta hablar…
Luis Mª García
Que Revienten los Artistas 
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