Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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Jesús Cracio: El teatro ha de educar en el conocimiento de la vida

cracio¿Cómo surge el proyecto que presentas en el Matadero?…
EL PROYECTO NACE DE UN OFRECIMIENTO QUE ME HACEN DESDE LA DIRECCIÓN DEL TEATRO ESPAÑOL (JUAN CARLOS PÉREZ DE LA FUENTE Y ROSARIO CALLEJA) CON MOTIVO DE SELLAR CON EL NOMBRE DE MAX AUB UNA DE LAS SALAS DEL MATADERO, ME INVITAN A REALIZAR UN MONTAJE CON TEXTOS DE MAX AUB. ..

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Háblanos del proceso dramatúrgico y del montaje…
A PARTIR DE ESE DIA (14 DE FEBRERO PARA ESTRENAR EL 14 DE MAYO…) COMIENZO A BUSCAR LIBROS Y DOCUMENTACIÓN DE MAX AUB: TEATRO, TEATRO BREVE, CUENTOS, POESÍA, NOVELA, SUS DIARIOS, ESTUDIOS SOBRE MAX AUB… Y UN SIN FIN DE LIBROS INCATALOGABLES. DUERMO, COMO, ME DUCHO, PASEO, MONTO EN BICI CON MAX AUB. KILÓMETROS Y KILÓMETROS DE PALABRAS ESCRITAS REVOLOTEAN SIN CESAR EN MI CABEZA. COMIENZO A ELEGIR LOS TEXTOS. BAJO UNA PREMISAS INTOCABLES: FIDELIDAD AL MUNDO DEL AUTOR, TEXTOS QUE TENGAN REPERCUSIÓN Y ACTUALIDAD, NO DESECHAR NINGÚN PALO DE SUS VARIOPINTOS ESCRITOS.. A LOS ENSAYOS LLEGO CON UN TEXTO -BORRADOR CASI TERMINADO QUE FUE VARIANDO Y TOMANDO FORMA DEFINITIVA CON EL TRABAJO DE LOS ENSAYOS. A LA HORA DE HACER REPARTOS NO BUSCO ACTORESTRICES DISPONIBLES SINO DISPUESTOS.EN ESTA CASO IBA MAS ALLÁ: NECESITABA ACTORESTRICES QUE CANTARAN, BAILARAN , QUE SUPIERAN INVOLUCRARSE EN EL PROCESO SIN PREJUICIOS, SIN MIEDOS…

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¿De qué va la obra?…
ES UN COLLAGE CERCANO AL CABARET LITERARIO (O VICEVERSA) EN EL QUE SE AÚNA LA PALABRA, LA DANZA Y LA MÚSICA. UN RETRATO MINIMALISTA DE LA VIDA Y OBRA DE MAX AUB. UN COKCTAIL CON LOS MEJORES Y MAS ACTUALES ELIXIRES DE M.A.

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¿Cómo ha sido el proceso de creación durante los ensayos?…
PLANTEÉ EL TRABAJO COMO UN PROCESO EN CREACIÓN. SILVIA DE MARTA YA TENÍA LA MAQUETA DE LA ESCENOGRAFÍA DESPUES DE VARIOS DÍAS CONVERSACIONES. TRABAJO DESDE LA DRAMATURGIA ESPACIAL Y DE LA LUZ. CON PILAR VELASCO IBA PROBANDO EN LA MAQUETA LAS DIVERSAS ATMÓSFERAS LUMÍNICAS. TENGO QUE SABER CON NITIDEZ POR DONDE HABITAN LOS ACTORES EN EL ESPACIO. CON EL BORRADOR DEL TEXTO EN LA MANO FUIMOS ENSAYANDO ESCENAS QUE LOS ACTORES NO SABÍAN DONDE IBAN SITUADAS DENTRO DEL DESARROLLO DE LA OBRA. EL TRABAJO CON CELIA LAGUNA (PIANISTA) FUE EXHAUSTIVO. LA MÚSICA DEBÍA ENVOLVER EL ESPECTÁCULO. ME DEJO LLEVAR MUCHO POR LA FISICIDAD DE LOS ACTORESTRICES: SU CUERPO, SU FORMA DE DECIR, SUS VIRTUDES, SUS CARENCIAS (HAY QUE CONVERTIR SIEMPRE EL OBSTÁCULO EN TRAMPOLÍN). AUNQUE DENTRO DE MI CABEZA YA ESTABA EL DESARROLLO EMOCIONAL Y DRÁMATÚRGICO DEL “TODO”, ALGUNAS ESCENAS FUERON CAMBIANDO DE LUGAR POR NECESIDADES ACTORALES.SABÍA COMO IBA A EMPEZAR Y COMO IBA A TERMINAR.

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¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear este espectáculo?…
EMPECÉ A DEDICARME AL TEATRO CUANDO TENÌA 18 AÑOS. HAN PASADO 51. MEDIO SIGLO DE VER Y HACER TEATRO.DE VIVIR POR Y PARA.

Háblanos de los últimos proyectos teatrales que has realizado…
COMO SIEMPRE EN MI TRAYECTORIA PASO DEL OFF A LOS TEATROS INSTITUCIONALES EN UN ABRIR Y CERRAR DE OJOS. EL PASADO AÑO ESTRENÉ EN LA SALA “UMBRAL DE PRIMAVERA” UN MONTAJE DE UN POEMA DE LA POETISA SYLVIA PLATH “TRES MUJERES”. EN FEBRERO DE ESTE AÑO REALIZÉ UNA LECTURA DRAMATIZADA EN LA COMPAÑIA NACIONAL DE TEATRO CLÁSICO DE LA OBRA DE MARÍA DE ZAYAS, “LA TRAICIÓN EN LA AMISTAD”, EN EL TEATRO PAVÓN. Y UNA SEMANA DESPUES COMENCÉ CON LA DRAMATURIGIA DE MAX AUB.

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¿Por qué haces teatro?…
HA IDO CAMBIANDO EL POR QUÉ CON EL PASO DEL TIEMPO. EMPECÉ EN EL TEATRO PARA INTENTAR SALVARME DE LA DICTADURA FRANQUISTA. NO QUERÍA SER IGUAL A LOS QUE ME RODEABAN. HOY DIA PODRÍA DECIR QUE ES COMO EL AIRE QUE RESPIRO. PERO COMO SE PREGUNTA MAX AUB “¿QUIEN SOY? ¿EL QUE FUÍ O EL QUE AHORA SOY?” ..

¿Cómo fueron tus orígenes en el mundo del espectáculo?…
CON EL TEATRO INDEPENDIENTE DE LOS AÑOS 60-70. PERTENECÍ A VARIOS GRUPOS EN LOS CUALES SE FORJÓ MI CONOCIMIENTO Y COMPROMISO TEATRAL: “LA MÁSCARA” (GIJÓN). Y YA EN MADRID CON “LOS GOLIARDOS”, “EL ESPOLÓN DEL GALLO”, “EL GAYO VALLECANO”…

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¿Qué balances haces de tus trabajos como director/autor?…
NO CAMBIARÍA NADA DE LO QUE HE HECHO. CREO QUE EN MI CURRICULO VOY AÑADIR “LO QUE NO HE HECHO”. EN LA TRAYECTORIA DE UN PROFESIONAL DEBE DE SER TAN IMPORTANTE LO REALIZADO COMO AQUELLO DE LO QUE TE HAS LIBRADO O NO QUERIDO HACER.

¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
ME ALEGRO QUE ME HAGAS ESTA PREGUNTA PERO NECESITARÍA COMO MÍNIMO DIEZ HOJAS. RESUMIENDO: EDUCAR EN EL CONOCIMIENTO DE LA VIDA. UNA OBRA DE TEATRO SE ENSAYA PERO LA VIDA NO.

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¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro en España?.
SI NO SON LOS RECORTES Y EL IVA SIEMPRE HABRÁ ALGO QUE NOS ESTARÁ PATEANDO. EL ESTADO-AL MENOS EN ESPAÑA- NO AMA NI DEFIENDE EL TEATRO. EL TEATRO ES UN ARMA PELIGROSA. HACE PENSAR. TIENE LA INMEDIATEZ Y LA COMUNICACIÓN DIRECTA QUE NO TIENEN OTRAS ARTES. “LA BOTA QUE NOS PISA SIEMPRE SERÁ LA MISMA BOTA”(…O ALGO PARECIDO…). BERTOLD BRECHT.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
UN MONÓLOGO DE ISABELLA ROSSELLINI SOBRE LA SEXUALIDAD DE LOS ANIMALES. EMOCIONANTE

¿Proyectos?…
EN OCTUBRE (TOCO MADERA…) ESPERO ESTRENAR “LA PRUEBA” DE LUKAS BÂFUSS, PROYECTO CON EL LLEVO DANDO VUELTAS DESDE HACE 2 AÑOS. LUKAS BÂRFUSS ME FASCINA. HEMOS CONSEGUIDO UN DINERITO POR MEDIO CROWFUNDING Y NOS PONEMOS MANOS A LA OBRA.

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“Don Juan Tenorio” en el Teatro Pavón

De nuevo volvemos a ver sobre las tablas al Don Juan, pero esta vez transformado por obra y gracia de una mujer que no es Doña Inés: Blanca Portillo. Una adaptación novedosa sobre el mito del Tenorio que intenta desmontarlo y ponerlo en otro lugar. “Creo que ya va siendo hora de que alguien llame al Tenorio por su nombre” ha dicho Blanca. Y es que para ella el Tenorio no es un héroe, no es ese mito del conquistador de corazones, seductor “gallardo y calavera”. Para La Portillo el Tenorio es un modelo de destrucción, de crueldad, de desprecio por la vida propia y ajena y de una persona que no tiene capacidad para construir… Y así lo ha reflejado. ¡Ya está bien de ensalzar al villano!

Algunos ya han tachado el montaje de “desafortunado” pero hay opiniones para todos los gustos y la curiosidad por ver nuevas ideas puede más que unas críticas, porque al final la creatividad es lo que se debe de premiar, y sobre todo en el teatro.

Si para Zorrilla en su época el Don Juan fue una muestra de divertimento y manera de vivir hoy en día podemos poner en entredicho muchas de sus actitudes como hombre como persona y eso es precisamente lo que la directora ha querido. Para ello ha contado con un Don Juan con un tono de voz canalla y desgastada por la vida que acentúa más el matiz de destructor y mala persona, da más protagonismo a las mujeres, destaca el papel del personaje de Brígida, desvergonzada y provocadora sobre todo en una escena, brillante invención, de la que todo el mundo sale hablando por su “novedad”, y, como sorpresa final, nos da una vuelta de tuerca en el personaje de Doña Inés que va a perder toda su inocencia virtuosa en el último “flash” de la obra.

Con un montaje escénico contemporáneo y minimalista que huye de convencionalismos como la ya manida “escena del sofá” y cambios de escena acompañados de la voz en directo de la voz de Eva Martín a ritmo del blues, nos encontramos ante un escenario atemporal que acentúa la contemporaneidad que se ha querido dar al argumento y nos presenta un espacio casi vacío donde se acentúa el fondo del texto.

Si bien es verdad que, es duro enfrentarse a dos horas y media de función sin descansos,por otra parte la curiosidad sobre esta puesta en escena nos mantiene pegados al asiento. Lo digo porque los entreactos musicales con su sobreabundancia alargan el tiempo y lo mismo pasa con una especie de espectros creados para enrarecer el ambiente y sumergirnos en el mundo de las ánimas pero también para  ayudar a los cambios de escena y aquí se pierde el ritmo trepidante que tiene que tener el verso y la obra.

Aún así merece la pena verlo, si es que aún quedan entradas, y aunque no estemos en noviembre porque este montaje de nuevo nos demuestra que el Teatro Clásico no está muerto, que puede ser reinterpretado de mil maneras y que hay que apostar por nuevas formas de expresión y de pensamiento en el acto teatral.

Luis Mª García Grande.

 


Felipe Andrés Santos: Creo que el teatro debe ser una ventana para la reflexión y el descubrimiento

felipe¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?
Empecé a los 15 años en los grupos de teatro aficionado de mi ciudad, Alcalá de Henares. Después me interesé por la formación y tras hacer cursos en Metropolis y la Escuela de William Layton, conseguí entrar en la RESAD, hecho fundamental en mi vida profesional pues, además de tener profesores maravillosos como Charo Amador, Ernesto Caballero…, me permitió entrar en contacto con profesionales con los que sigo trabajando en el presente.
…¿Por qué haces teatro?…
Para mí significa tener un lugar en el mundo en el que poder expresarme y en el que poder transformar en cierta medida lo que me rodea.

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en la interpretación?…
Mi trayectoria, principalmente teatral, está basada en el esfuerzo y en el trabajo del día a día, lo que me hace sentir muy satisfecho. Todo lo conseguido, sea mucho o poco, ha sido cocido a fuego lento, con muchas horas de dedicación y compromiso. He tenido la suerte d trabajar con directores muy experimentados como Juan Pastor, con el que he realizado 6 montajes, y con el que trabajar es un auténtico regalo para cualquier actor, gracias a él mi trabajo en “El fantástico Francis Hardy, curandero” fue reconocido con el Premio Unión de Actores de este años al mejor actor secundario de teatro, o con directores más jóvenes y talentosos como Victor Velasco, que fue compañero de promoción en la Resad y este año me abrió la puerta del CDN para protagonizar el montaje “La corrupción al alcance de todos”.
Mi implicación siempre es total y procuro vivir todos mis trabajos con la mayor ilusión e intento sacar lo mejor de cada experiencia, aunque sea algo comercial y a priori menos interesante, por ejemplo mi primera gran gira teatral fue con ´Frente a frente´ dirigida por Fermín Cabal en la Cía de Pedro Osinga, con él hice en un año más de 400 representaciones, era el típico vodevil y aprendí mucho.
Aunque he participado en varias producciones comerciales más, realmente donde he tenido un desarrollo y una proyección más interesante ha sido, además de los trabajos mencionados anteriormente, con las funciones producidas por mi compañía Críacuervos. Con la comprometida farsa política ´Pacto de Estado´conseguimos titulares en todos los periódicos y llegamos a estrenar en la Sala 2 del Nuevo Teatro Alcalá y con ´Cuando fuimos dos´ permanecimos casi una año de representaciones en el Teatro Infanta Isabel de Madrid y gira, consiguiendo emocionar a mucha gente y en la que mostramos, desde la mayor naturalidad, la vida de una pareja homosexual.
En televisión he intervenido en 14 series con papeles episódicos y he realizados decenas de programas de bromas de cámara oculta. Es un medio que me fascina y en el que espero poder tener un mayor desarrollo.

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¿Qué sentido ha de tener el teatro para la sociedad en la que vivimos?..
Creo que el teatro debe ser una ventana para la reflexión y el descubrimiento, un lugar donde reconocernos y, por qué no, también divertirnos.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Principalmente tiene que haber un personaje y una historia que me enganchen, que me motiven, y que tenga posibilidades comerciales, es decir, que pueda interesar al público. No me gusta hacer teatro sólo para los amigos.
Si conecto con lo que se quiere contar me lanzo sin prejuicios.
También es fundamental el equipo que integre el proyecto, hablar un lenguaje común me parece imprescindible para que las cosas fluyan y se produzca el hecho artístico.

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¿Cómo surgió la propuesta del Chejov que estáis haciendo en La Guindalera?…Háblanos de este proyecto y tu trabajo en él…
Juan Pastor, con el que ensayé y no pude estrenar hace años ´La petición de mano´ de Chéjov, nos sugirió a María Pastor, José Bustos y a mí rescatar algunas piezas cortas cómicas de Chéjov para hacer un espectáculo fresco y divertido para el verano en Guindalera. Nos encantó la idea y contando con su supervisión y ayuda en la dramaturgia nos lanzamos, queríamos que no fuera un espectáculo convencional, y surgió la idea, partiendo de ´La audición´ del propio Chéjov, de hablar de nuestro mundo, si en las piezas cortas este retrata los deseos y anhelos, la frustación , la soledad, las miserias y defectos del alma, nosotros estableciendo un paralelismo con el momento actual, situamos la acción dentro del proceso de inicio y creación de un espectáculo, de la lucha , renuncias y sacrificios que el creador tiene que soportar en el desamparo y mediocridad reinante. Esto nos permite también jugar al teatro dentro del teatro y el público lo disfruta enormemente.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?..
He protagonizado, CUANDO FUIMOS DOS de Fernando J. López y dirección de Quino Falero en el Teatro Infanta Isabel y gira (montaje del que me siento especialmente orgulloso porque fue de producción propia) y LA CORRUPCIÓN AL ALCANCE DE TODOS de José Ricardo Morales y dirección de Victor Velasco en la Sala de la Princesa del Teatro María Guerrero.
También he participado en la Dramatización de ´EL RECONCILIADOR´de Manuel Silvela que con dirección de Juan Pastor se pudo ver en el Teatro Pavón.

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¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Aunque terminamos con las representaciones esta semana, me gustaría continuar con ´Verano Chéjov´ después de agosto pues estamos obteniendo un éxito tremendo de público y está gustando mucho.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
La subida del IVA está consiguiendo que cualquier montaje superior a 2 personajes sea practicamente inviable, por lo que la oferta teatral se está empobreciendo muchísimo, reduciendo la cartelera de muchos teatros, que hace años contaban con grandes e interesantes producciones, a espectáculos de monologuistas. La mayoría del teatro alternativo se ha visto abocado a una multiprogramación insostenible para las compañías, ya que además de mermar la calidad de las representaciones, hace casi imposible tener una continuidad y un rodaje con el que poder amortizar la inversión, por lo que muchos actores están trabando casi sin cobrar y en condiciones lamentables.
Lugares como la Guindalera que apuestan por la calidad y el rigor, y no por la cantidad y “el todo vale”, deberían estar protegidos.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Disfruté enormemente de NOVECENTO en la sala pequeña del Teatro Español. Texto bellísimo interpretado magistralmente por Miguel Rellán y dirigido con una gran precisión y sensibilidad por Raúl Fuertes. Me conmovió y emocionó muchísimo pues me transporte por cada imagen, sentimiento y vivencia del personaje. Un ejemplo de honestidad y rigor.
Igualmente me gustó LA BELLA DE AMHERST en el Teatro Guindalera que con magistral dirección de Juan Pastor me metió de lleno en la vida de la poetisa Emily Dickinson, maravillosamente encarnada por María Pastor.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Constancia, compromiso y mucha ilusión. Rodearse de gente con los mismos intereses y contar buenas historias.


Carmen Ruíz nos habla de su trayectoría como actriz

ruiz¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro es una parte muy importante de mi vida. Contar historias, el aquí y ahora, el trabajo en equipo… son algunas de las muchas cosas que me motivan y llenan de ilusión para hacer teatro. El teatro te hace estar con los pies en la tierra. Siempre alerta ya que es un arte que se crea y desarrolla a cada instante.

¿Qué balance haces de tu trayectoria como actriz?…Háblanos de tus últimos trabajos…
He tenido la oportunidad y la suerte de formar parte de proyectos muy diferentes tanto en cine, televisión y teatro que me han aportado muchas satisfacciones como actriz, aunque aún me queda mucho por aprender y hacer.
Actualmente se está emitiendo la tercera temporada de “Con el culo al aire” en la que participo. También se estrenó en cine “La vida inesperada” una preciosa película de la que me siento muy orgullosa de formar parte. Y ahora estar en “Las dos Bandoleras” en el Teatro Pavón es para mi muy importante y satisfactorio.

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¿Cómo surge tu participación en el proyecto de Las Bandoleras?…
Surge de una llamada de Carme Portaceli, la directora, proponiéndome el personaje de Doña Inés. Me encantó la dramaturgia que habían hecho Carme y Marc Rosich y el proyecto me pareció un estupendo reto profesional.

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Háblanos de tu personaje…
Inés es una mujer sensible, valiente y muy inteligente. Va siempre por delante de los acontecimientos. Es la mayor de las dos hermanas y la que pone el punto de cordura.

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¿Cómo ha sido el proceso creativo?…Háblanos del trabajo con la directora de escena…
Ha sido un proceso estupendo tanto con el verso como con el trabajo físico. Carme es una gran directora, sensible, generosa, clara y muy concreta a la hora de dirigir.
Hemos contado con Gabriel Garbisu como asesor de verso con el que hemos hecho un trabajo muy meticuloso.
Además hemos tenido que trabajar varias coreografías de esgrima. Ha sido extraordinario y hemos tenido la gran suerte de contar con Jesús Esperanza y Kike Inchausti como maestros.

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¿Cómo preparas los personajes?…¿Cuál es tu método?…
Eso depende mucho del tipo de personaje y del proyecto. Lo primero siempre es hacer un buen análisis del texto. Pero no tengo el mismo método para todo y voy siempre muy abierta para poder hacer con libertad todo lo que el director me proponga y todo lo que vaya surgiendo con los compañeros. Me gusta sorprenderme y que me sorprendan.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Creo que el teatro debe hacer pensar, soñar, divertir, conmover e intentar no dejar indiferente al espectador.

¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Es tremendo. Entre la subida de impuestos y el recorte en las subvenciones hacer una obra de teatro es una heroicidad. Aunque creo que a nivel artístico en estos momentos hay muy buenas ideas y muchos profesionales extraordinarios, la situación no acompaña.
Todo esto aleja al público que se piensa mucho qué ir a ver porque no se lo puede permitir.
Distanciar a la sociedad de la cultura es una tragedia y es lo que está pasando.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Sería muy osado por mi parte hacer ningún tipo de sugerencia. Lo que pienso es que hay que seguir adelante, confiar en las historias que queremos contar, en el talento de tantos buenos profesionales que tenemos y seguir luchando por un teatro de calidad. Seguir teniendo hambre de llegar al público. Seguir. No tirar la toalla.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
El minuto del Payaso un fantástico espectáculo dirigido por Fernando Soto con un brillante Luis Bermejo.
“La cortesía de España” dirigido por Josep María Mestres de la Joven Compañía de CNTC que también me gustó mucho.
Ahora no puedo ver mucho más porque estoy con funciones de martes a domingos. En cuanto terminemos en el Pavón me pondré al día.

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¿Proyectos?…
De momento “Las dos bandoleras”

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Próxima dramatización en la Compañía Nacional de Teatro Clásico

“El reconciliador” de Manuel Silvela.
Teatro Pavón
Lunes 2 junio- 19.00 hrs

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JUAN GÓMEZ-CORNEJO SÁNCHEZ, Iluminador de “El viaje a ninguna parte” nos habla de su trayectoria

cornejo¿Cómo surge tu participación en el proyecto de El viaje a ninguna parte?…
Primero por invitación de la directora Carol López, es la primera vez que trabajamos juntos, y después por invitación del C.D.N. También por la propuesta de Álvaro Luna (video escena) que somos habituales colaboradores y que el sí que había trabajado con Carol López.

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¿Qué balance haces de tu larga trayectoria como iluminador?…
Que difícil resumir y hacer balance, sobre todo porque “lo de larga” es bien cierto ya.
El balance es positivo, me siento un ser afortunado por desarrollar una profesión que me apasiona y además me permite vivir de ella. El tener una formación autodidacta (de forma irremediable en este país) te da inseguridad pero por otro lado te obliga a descubrir y aprender de forma continuada en el proceso. La investigación es constante y eso te motiva continuamente y no te deja parar. Analizas tus trabajos y los de tus compañeros y eso te mantiene vivo y te permite seguir aprendiendo.

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¿Cuáles han sido los proyectos para los que has realizado un diseño de iluminación en el último año?…
“La verdad sospechosa” con dirección de Helena Pimenta para la C.N.T.C.
“Maribel y la extraña familia”, “El cojo de Inishmaan” bajo la dirección de Gerardo Vera para Grey Garden.
“El Crédito” dirección Gerardo Vera. Producción Carlos Larrañaga
“Los Justos” con dirección de Javier Hernández. Producción de 611 Teatro.
“Conversaciones con mama” con dirección de Juan Echanove. Pentación.
“Emilia” dirección de Claudio Tolcachir, para Producciones Teatrales Contemporáneas.

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¿Cuándo te llega la propuesta de un proyecto te dejan margen de creación o te piden lo que necesitan?…
Normalmente si me llaman es para que yo haga mi propuesta, lógicamente con unas pautas de dirección para que todo se encamine hacia el mismo lugar. Te piden necesidades pero más de tipo dramático que tú traduces en propuestas de luz.

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¿A partir de qué creas los diseños de iluminación?…
A partir del texto, de la música, del espacio propuesto y fundamentalmente de la historia que se quiere contar. Y sobre todo de la propuesta de dirección que debe de ser nuestra mayor aliada y servirnos de guía. Todo debe de confluir en un mismo punto.

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¿Qué iluminadores tienes como referencias? ¿Por qué?…
Uno en este “arte tan joven” siempre tiene en la cabeza a los maestros, a los que cuidan de una forma especial la luz y han marcado un estilo con sus espectáculos. Bob Wilson, Robert Lepage, Robert Carsen, a veces no son tanto iluminadores si no directores que tienen un especial cuidado con la luz y se acompañan de grandes iluminadores. Puedo seguir citando a Jennifer Tipton, Vinicio Cheli, Max keller, y en cine Vittorio Storaro, Alcaine, Aguirresarobe, etc. También una gran cosecha Española de directores e iluminadores estupendos con los que comparto esta pasión por la luz. Evito citarlos para no olvidarme de ninguno. Perdón, si citare a Josep Solbes que nos abrió camino y que desgraciadamente ya no está entre nosotros.

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¿Hay una carencia de formación a nivel iluminación en la profesión teatral de nuestro país?…
Total y absoluta y esto hay que remediarlo lo antes posible. Estamos en Europa y en estos aspectos formativos no lo parece. Hay pequeñas incursiones más en la parte técnica que en la artística pero es curioso que mientras que en la RESAD (Real Escuela Superior de Arte Dramático) existe la especialidad de escenografía no existe la de Iluminación. También sucede lo mismo en el Instituto del Teatro en Barcelona. Si alguien quiere estudiar Iluminación se tienen que ir fuera de España irremediablemente.

PASE GRAFICO , EL CREDITO. CRLOS HIPOLITO Y LUIS MERLO . 25/09/13 RUBEN MONDELO

¿Cuál ha sido tu formación en esta materia?…
Como ya he dicho bastante autodidacta, no quedaba otra que aprender sobre el terreno y apuntándome a todo “curso viviente” relacionado con el tema de la luz. Viendo espectáculos, analizándolos. Mi labor como director técnico en La histórica Sala Olimpia (ahora teatro Valle Inclán) y posteriormente en el Teatro Central de Sevilla durante la Expo 92 me permitió disfrutar dese dentro de muchísimos espectáculos y aprender de ellos. Y continuamente aprendo de mis colegas con los que comparto, no solo oficio si no, la ilusión por la luz.

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¿Qué iluminación has visto últimamente que te haya interesado?…
Interesarme casi me interesa todo, yo soy un espectador muy agradecido y siempre saco cosas positivas. Podría decir que me ha interesado el trabajo de Lluis Pascual- Fernando Ayuste con “El Caballero de Olmedo” en la CNTC.
“The Indian Queen”de Peter Sellars con iluminación de James Ingalls en el Teatro Real.
Sorprenderme realmente hace tiempo que no veo nada que me sorprenda, echo de menos espectáculos que nos visitaban antes con un componente visual importante. Estamos descuidando este tipo de propuestas y son tan necesarias para el espíritu como las minimalistas (escuetas) en a las que últimamente estamos tan acostumbrados.

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¿Están bien dotadas técnicamente las salas actualmente?…
Si nos fijamos en las grandes capitales, centros oficiales, teatro de ópera y de musicales, más o menos te diría que sí, que no están mal equipados.
Si nos vamos de gira con algún espectáculo y visitamos el resto de España “de bolo” como se suele decir (montaje y actuación en el mismo día) te diría que, sin ánimo de ser pesimista, la cosa deja mucho que desear y la presentación de los espectáculos queda bastante desmejorada por el tema de los equipos. Te tienes que adaptar continuamente y esto en ocasiones es bastante frustrante. Las dotaciones técnicas en general no cumplen ni los mínimos.

¿Se nota la crisis actual en la demanda de iluminación?…
Si claro ¡cómo no¡ sobre todo en los presupuestos y cuando te dicen que el espacio es “vacío” (concepto moderno que ha perdido absolutamente su significado, ahora quiere decir que no hay “ni un duro” para escenografía) y que todo “lo arreglamos con la luz” pero que no hay presupuesto para más material de iluminación. Como ya te lo sabes le buscas el lado gracioso que por momentos no aparece por ningún sitio.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempo de crisis?…
No dejar de inventar y no permitir que nos quiten la ilusión por este maravilloso trabajo. Esto que cada cual lo interprete y traduzca a su modo.

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¿Qué proyectos tienes entre manos?
Lo más inmediato remontar “La vida es sueño” en el teatro Pavón para la C.N.T.C. ahora en el mes de Marzo.
“Amo y criado” con Helena Pimenta para la C.N.T.C que se estrenara en el Festival de Almagro.
“El señor de las Moscas” con José Luis Arellano para la Joven Compañía.
Como el arranque de la entrevista era el estreno de “El viaje a Ninguna Parte” déjame volver a esta obra tan de actualidad.
Ha sido un trabajo de disfrute y total entrega de todo el equipo artístico. Es de agradecer la generosidad absoluta de todos los actores para contar de una forma tan poética algo que a “los cómicos” nos resulta tan familiar. El proceso me ha hecho olvidar que mi cometido era la luz.
Desde aquí les doy las gracias a todos y a la directora Carol López por dejarme participar en tan gratificante experiencia.


DRAMATIZACIÓN en la Compañía Nacional de Teatro Clásico: Vendado es amor, no es ciego(Zarzuela barroca)

Libreto de José de Cañizares/Música de José de Nebra. En colaboración con la Escuela Superior de Canto de Madrid y el Conservatorio Profesional de Música Arturo Soria. Única representación lunes 24 de febrero Teatro Pavón. 20.00 hs.
Más info en: http://teatroclasico.mcu.es/

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CNTC: Encuentro con el equipo artístico de la Función de “Los áspides de Cleopatra”

Jueves 16 de enero. Teatro Pavón. Encuentro con el equipo artístico de la Función de “Los áspides de Cleopatra”, de Rojas Zorrilla. Dirección: Guillermo Heras. Coproducción CNTC / Complejo teatral de Buenos Aires, al finalizar la función.

ASPIDES

 


Mesa redonda en la Compañía Nacional de Teatro Clásico

En la sede temporal: Lunes 25 de noviembre. Teatro Pavón. 19 h. “Lo que la mentira crea”: mesa-debate en torno a “La verdad sospechosa”. Entrada libre.
Más info en: http://teatroclasico.mcu.es

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Javier Hernández-Simón en verano…

javierhernandez¿Qué balance artístico haces de este año?…
Desde el punto de vista personal, no me puedo quejar. He estado inmerso en la gira de “La vida es sueño” que ha sido todo un fenómeno de crítica y público, y en el proceso de ensayos de “La verdad Sospechosa” que se estrenó en el pasado Festival de Almagro. Ambas producciones de la CNTC. En este aspecto he tenido la grandísima suerte de contar con la confianza de Helena Pimenta y ser su ayudante de dirección.
En un nivel más general, artísticamente creo que ha sido un buen año, en el que han surgido proyectos muy interesantes. Siempre ocurre en épocas de crisis, los ingenios se agudizan…aunque por desgracia, no siempre estos proyectos tienen la repercusión que deberían. Verdaderamente nos encontramos en una situación agonizante.

¿Cómo estás pasando el verano?…
La verdad es que está siendo un verano intenso y feliz, ya que tras el estreno de “La verdad Sospechosa” en Almagro…me he sumergido en los ensayos de “Los Justos” de Albert Camus, en el que participo como director de escena, y que está siendo producido por mi compañía 611teatro. Esta obra es un sueño que yo tenía desde hace algo más de 10 años, y por fin hemos reunido el dinero para levantarla…nos dejamos todos nuestros ahorros…pero bueno…hay que arriesgarse ¿no?. Se trata de una versión de la obra de Camus que hemos realizado entre el dramaturgo bilbaíno José A. Pérez y yo, situando la acción en una célula de E.T.A. a finales de los 70.

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¿Has visto algún espectáculo interesante?…
Pues entre la gira y los ensayos, apenas he podido ver nada… si creo que “la verdad sospechosa” es una obra que va a despertar el interés del público, la verdad es que Helena Pimenta está en un momento artístico impresionante. Soy muy afortunado de poder trabajar a su lado, porque estoy aprendiendo muchísimo.
Tengo muchas ganas de ver el último trabajo de la compañía La Tristura “El sur de Europa, días de amor difíciles” y también el último trabajo de la compañía Almaviva “Fuenteovejuno, ensayo sobre la violencia”.

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¿Qué libro estás leyendo?…
Como estoy en proceso de ensayos de “Los Justos”, ahora mismo no estoy leyendo nada que no tenga que ver con el tema. Ahora mismo mi libro de cabezera es “Sangre, votos, manifestaciones: ETA y el nacionalismo radical 1958-2011” De Gaizka Fernández y Raúl Lopez.
En cuanto termine los ensayos de “Los Justos” y estrenemos “La verdad sospechosa” en Madrid, me está esperando “Viaje al fin de la noche” de Louis-Ferdinand Céline.

¿Proyectos para el otoño?…
En Otoño será el estreno oficial de Los Justos en Alcira (Valencia) y estaré haciendo temporada en el Pavón con la CNTC…con eso creo que estaré mucho más que ocupado…por suerte.

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Dramatización de El egoísta en la Compañía Nacional de Teatro Clásico

La Compañía Nacional de Teatro Clásico, con sede en el Teatro Pavón de Madrid, presentó ayer la dramatización de un texto original y desconocido: “El egoísta” de María Rosa Gálvez, datado hace dos siglos y versionado y dirigido para esta ocasión, quién si no podría rescatar y ofrecer esta joya, que Juan Antonio Hormigón, intelectual, artista y hombre de teatro donde los haya, un propuesta que nos muestra, con rabiosa actualidad, el tema del machismo llevado a su extremo, al deseo del marido de matar a la esposa, por puro cansancio de su bondad, de su amor y su abnegación, con el remate de presentar sin pudor la amante a la esposa, y en unos giros ora cómicos ora dramáticos nos entretuvo con una puesta en escena sencilla y calculada. Un color de terciopelo rojo y un hermoso reloj de pared, ambientación de Tomás Adrián junto a una iluminación ajustada de Luis Perdiguero y unos movimientos de tiralíneas donde los actores transitan declamando sus versos, que por momentos leen y por otros recitan de memoria; siempre maravillosa María José Alfonso y un Miguel Palenzuela que a sus recién cumplidos ochenta se muestra vigoroso y fuerte, ejemplo para todos los actores de profesionalidad y buen hacer, felicidades maestro!. El resto del elenco, como elementos de una orquesta siguen la batuta de Hormigón entrando en las notas tal y como él propone. El tiempo se pasa volando cuando se tiene la suerte de asistir a este tipo de representaciones.
Ángel Savín

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“Todo por el dinero” de Antonio Gil y Zárate en la Compañía Nacional de Teatro Clásico

El teatro Pavón, sede la Compañía Nacional de Teatro Clásico, dentro de un ciclo de dramatizaciones, ha presentado ayer, bajo la dirección de Rosa Briones, “Todo por el dinero” de Antonio Gil y Zárate, en una rica versión de Ana Martín Puigpelat, y para gusto del espectador asistimos a una auténtica representación teatral, donde el hecho de que los actores llevaran el texto en la mano queda como una anécdota de la función, una ambientación acertadísima, moderna, de Jone González Sistiaga, una iluminación de Pedro Yagüe que recorre el espacio escénico generando ambientes y un espléndido vestuario hacen de la propuesta una auténtica representación, el ritmo de la pieza, que se adorna en las transiciones con la guitarra de Rainer Seiferth, genera una agilidad que convierte el verso de Gil y Zárate en una delicia, que en ocasiones nos lleva a la carcajada. Los actores soberbios, Francesco Carril, guapo galán, vivo y fresco, Petra Martínez, para llevársela a casa, Helio Pedregal magnifico, y Marian Arahuetes, Marcial Álvarez y Ángel Solo siempre al quite, que elenco tan estupendo, Rosa Briones que lleva la batuta, conocedora del teatro clásico como lo es, reivindica y eleva la comedia a un cielo que nos hace concebir esperanzas de que el teatro clásico sigue siendo una buena apuesta para hacer TEATRO con mayúsculas.
Ángel Savín

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El Lindo Don Diego de Agustín Moreto en la Compañía Nacional de Teatro Clásico

El Teatro Pavón, sede la Compañía Nacional de Teatro Clásico, presenta estos días una versión de Joaquín Hinojosa de la comedia de figurón El Lindo Don Diego, de Agustín Moreto, dirigido por Carles Alfaro, una escenografía de Paco Azorín, espléndida, por lo moderna y barroca a la vez, espejos que descienden, transparencias y pantallas que permiten observar lo de atrás, un vestuario de María Araújo variopinto, mezcla de épocas, muy colorido y a la vez moderno, nos preparan para este divertimento del Narciso, para este enredo con final feliz, y para unos versos y figuras literarias de aliteración, anáforas y concatenaciones que hacen que el público ría con las repeticiones de Mosquito explicando a su señor si estaba y donde estaba porque allí estaba, un humor fino y los galanes, muy buena pinta el don Mendo, enamorados de las damas y don Diego de si mismo, para caer en el ridículo final. Edu Soto, pavonea con acierto su don Diego, Carlos Chamarro nos divierte con su Mosquito y un elenco que acierta en sus recitados, ya no gritados, como en otras ocasiones, y que dejan ganas de volver al Clásico, ojalá no se pierda nunca y el público sepa que tenemos clásicos para rato.
Ángel Savín

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Dramatizaciones en la Compañía Nacional de Teatro Clásico

Prosiguiendo el programa de dramatizaciones que ha programado la Compañía Nacional de Teatro Clásico, el lunes día 4 de marzo a las 7 de la tarde, tendrá lugar en el Teatro Pavón de Madrid la de “Todo por el dinero”, obra de Antonio Gil y Zárate. La puesta en escena corre a cargo de Rosa Briones.
Más info en: (http://teatroclasico.mcu.es/es/temporada/verobra.asp?id_obra=%7B830E03D8-AB62-40DB-814D-649134828EDA%7D&sec=5)

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Mesa-debate: Calderón hoy…en la Compañía Nacional de Teatro Clásico

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“Entremeses Barrocos”

COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO CLÁSICO
Teatro Pavón
“Entremeses Barrocos”
Autores: P. Calderón de la Barca, B. de Quirós y A. Moreto. Versión: L. García Araus.
Dirección: P. Valenciano, E. Marinas, A. Galán y H. del Saz.

Los entremeses en las bodas suelen ser variados, y éstos que nos presenta la CNTC así lo son y como en las bodas nos hablan de AMOR. Unos entreseses suelen estar buenos y otros no tanto pero lo importante es la impresión final. Con una puesta en escena agradable, sorprendente y moderna nos introducen en la idea del amor barroco trasladándola hasta nuestros días en forma de banda de Rock, aunque no de Rock barroco sino hard rock a lo AC/DC, también de blues o de pop a lo Madonna seguón van transcurriendo esta variedad de entremeses.
La propuesta es válida aunque nos hace la cabeza un lío con tanto entremés, entresijo y mojiganga y esto hace que pensemos que es mejor desconectar y parar de analizar qué autor están poniendo en escena y dejarse llevar por lo que nos cuentan intentando ver la unidad de la obra en la que han intervenido cuatro directores.
Los artistas nos hacen entrar bien pronto en ese mundo barroco y divertido provocando las risas de la sala desde el principio y haciéndonos entender bien el verso. No podemos negar que la Compañía tiene unos profesionales que interpretan con soltura a estos clásicos del Siglo de Oro. Destaca Juan el Rana, de Toni Misó que solía representar un conocido actor barroco llamado Cosme Pérez.

Luis Mª García Grande.

compañia nacional teatro clásico

El Juan Rana de Toni Misó