Fandango Avenue de SARA CALERO en Madrid en Danza/Teatros del CANAL
La bailarina Sara Calero presentó anoche el estreno absoluto de su última creación, Fandango Avenue, en el marco del 35º Festival Internacional Madrid en Danza en los Teatros del CANAL. En este nuevo espectáculo, la artista se acerca al fandango, una de las formas musicales y dancísticas más importantes y representativas de la Península Ibérica, declarado Bien de Interés Cultural en 2010 y origen de un buen número de estilos flamencos. Cuando alguien preguntaba como podría ser la escena tras la pandemia, aparecía mucha incertidumbre sobre como podrían cohabitar los intérpretes con los músicos en escena, por ejemplo. No se exactamente como se ha visto afectado el espectáculo de Fandango Avenue por todo lo que hemos vivido, lo que está claro es que podría ser una elección estética y funcional lo que se mostró anoche en el escenario. Se cuidaron las distancias óptimas, hubo muchos cambios escénicos y movimientos de los artistas, sobre todo de Sara, claro está. Y sin embargo, nada me hizo pensar que había sido una elección forzada por la situación que estamos viviendo, todo tenía sentido y lugar coherente. Tal vez, en los audiovisuales había un sutil homenaje a las calles vacías de las ciudades y la necesidad de que ese paisaje gris fuese sustituido por flores gigantes de colores. El espectáculo es una suerte de collage donde las piezas se van encadenando, cambiando la paleta musical, vocal y dancística del lienzo de la escena conforme avanza la propuesta. Además, ante el éxito de venta del aforo reducido, he podido tener ocasión de ver online la obra, algo que ya hemos integrado en el encierro, la escena en la pantalla.
Adolfo Simón
Volver al lugar de los sueños
Cuando pase el tiempo, podremos contar que…»Vivimos una experiencia insólita, estuvimos encerrados en casa durante tres meses y en ese tiempo, no pudimos refugiarnos ni un solo día en ese lugar donde todo se altera, el tiempo, las historias, el encuentro en vivo en los teatros.» Y podremos decir algunos, la noche del 17 de junio volvió el rito, nos reencontramos en la casa de la imaginación: El Teatro. Anoche volvió a abrir sus puertas los Teatros del Canal y allí estuve, no podía faltar a la cita porque, durante esto tiempo de aislamiento he sentido la falta de ese lugar donde abstraerme de la realidad, ese espacio donde experimentar todo tipo de emociones, como muchas veces no se sienten en la vida. Después de mucho tiempo volví a prepararme para la ceremonia, me volví a vestir para ir al teatro y acudí como quien va a una cita especial; las mariposas revoloteaban en mi estómago al llegar al edificio. El telón ya estaba levantado en la calle, la música y la animación nos recibían antes de entrar en el hall del teatro donde la medida de temperatura sería la prueba final para poder acceder a la sala. El patio de butacas y el escenario ya nos esperaban con cierta teatralidad, por un lado, una agrupación de música nos hacia más fácil la espera y en las butacas que no podían ser ocupadas, naturaleza verde y figuras estáticas creaban una atmósfera extraña que evitaba la sala distante y vacía. Y se hizo un leve oscuro tras las palabras de Blanca Li para recordar a las víctimas de la pandemia. Y sobre el oscuro, aparecieron los pasos de Israel Galván, transfigurado bajo una leve luz, realizando un rito mágico con sus manos y su cuerpo, tratando de realizar un exorcismo al momento que vivimos, para despejar la niebla y el miedo ante un futuro incierto. Durante una hora asistimos a una pieza breve y sencilla, cargada de emoción. Poco importa si lo que allí ocurrió y se vio no dejará satisfecho a todo el mundo, tal vez a mí no ha provocado lo que otras obras en un patio de butacas pero, lo importante creo no era lo teatral anoche, era la posibilidad de romper el maleficio de un teatro cerrado, recuperar el espacio de la emoción y el encuentro, dejando claro que el teatro no es un lugar de peligro, es un espacio de VIDA y SANACIÓN!. Las entradas para las obras programadas en este peculiar Madrid en danza están agotadas pero se pueden ver vía online, consultar en la web del Teatro. Larga vida al TEATRO!!!.
Adolfo Simón
Parque dos Poetas de Oeiras – Jardins Esquecidos de TEATROMOSCA (Portugal)
La clave de esta propuesta online: MODOS DE VER: Parque dos Poetas de Oeiras – Jardins Esquecidos está precisamente en el título. Teatromosca es, probablemente, una de las compañías más inquietas del panorama actual portugués. En sus producciones y en las experiencias escénicas que invitan a su teatro y el Festival contemporáneo que realizan desde hace varios años, hay un elemento común en todo ello: Huir de la convención y lo establecido. En esta ocasión y hasta finales de junio los viernes y sábados, se puede participar en una propuesta de teatro inmersivo. Cuando empezó el encierro ellos estaban a punto de ponerse a ensayar su nuevo espectáculo que tenía como objetivo desdibujar la frontera entre escena y realidad, entre equipo creativo y público activo. Durante el encierro han apostado por seguir el proceso de creación aunque fuese desde el ámbito virtual o en la sala de ensayos, convertida en un laboratorio de investigación dramatúrgica. Un equipo amplio ha participado, creando planos que se cruzan desde diferentes poéticas teatrales y audiovisuales. La memoria se cruza con el presente y las imágenes poéticas del pasado se funden con paisajes del hoy visto a través de la ventana de las casas del equipo. Pero este complejo tejido, suma otras capas cuando el público que asiste, presencialmente, forma parte del desarrollo de contenidos en directo. Así se consigue una extraña atmósfera de gran complejidad donde el voyeur, desde casa, observa el espacio privado de creación, aportado su granito de arena, su «pincelada» particular. Este fin de semana han empezado a probar el «collage complejo» que han construido, seguramente, en sucesivas semanas irán ajustando tiempos, texturas y lenguajes para que sea un viaje poderoso. Y será interesante comprobar esta experiencia en vivo cuando la realicen en su teatro.
Adolfo Simón
RESERVAS:
Inscripción en línea: https://us02web.zoom.us/meeting/register/tZMlcuGsqjsiHNCArAr-YPgtqEBRD9-4SIDq?fbclid=IwAR1LrrPXbbJYN_QL7L47IM6ClTG9LdxmXnDapka5kCwj0j1SeTWWqkBnq6c
Hasta el 25 de julio, todos los viernes y sábados a las 21 pm (hora de Portugal)
Astracán de Carlos Be en Nueva York
A estas alturas de la película ya es conocida de sobra la trayectoria nacional e internacional de Carlos Be y por supuesto, todos conocemos la solida experiencia audiovisual y teatral de Joan Bentallé. Lo que está por descubrir y que estoy seguro nos traerá muy gratas e inquietantes propuestas, es el tandem que han creado de un tiempo a esta parte ambos creadores. La dramaturgia y dirección de Carlos Be está descubriendo en el universo de las marionetas que tan bien conoce Joan Bentallé, un espacio expresivo donde tienen cabida personajes e historias que hasta ahora no habíamos disfrutado en ese lenguaje que, erróneamente, se considera teatro para público familiar en general. En la programación actual de Microteatro online se puede disfrutar de una de sus piezas, pero a la que queremos hacer mención en esta nota es a la obra breve «Astracán» que ha sido presentada en el Festival de Nueva York «Queerantine fuerza» de forma online. Una historia frívola y patética a partes iguales donde la sonrisa se mantiene en nuestros labios durante la misma, para congelarse al final.
Adolfo Simón
Microteatro online
En estos tiempos de confinamiento, también el Microteatro propone una programación online que los artistas hacen desde casa para público adulto e infantil. Piezas de diferentes estéticas y contenidos, siempre con el acento puesto en lo que nos preocupa en el aislamiento que toda la sociedad vive ahora, una ocasión para reflexionar sobre la soledad, el individualismo, la dificultad de encontrar un lugar bajo el sol o la denuncia sobre la desigualdad del acceso a la sanidad en según que mundo vivimos…el pobre o el rico. Bendita Sanidad de Nancho Novo, Puppet Show de Carlos Be con Joan Bentallé, Alta frivolidad con Carmen Mayordomo e Iván Ugalde y David Ordinas con su casting imposible….hasta que volvamos a los espacios reales, vivamos el teatro desde casa.
Adolfo Simón
RONEM RAM.0 de Jesús Nieto en #ABADÍACONFINADA
Ronem Ram (Mar Menor al revés). 0, es una ficción especulativa que reflexiona sobre la crisis climática a partir del actual colapso medioambiental del Mar Menor, en el campo de Cartagena. La pieza es un organismo vivo que se mueve entre la realidad y la ficción para imaginar y especular escenarios medioambientales y humanos posibles en un futuro próximo. La retransmisión en directo desde el mar que abre y cierra la pieza, nos permite salir de las cuatro paredes que nos aíslan en este tiempo en pause, para experimentar una huida mental hacia el futuro y revisitar las páginas con fotos y videos que se habrán ido alojando durante los próximos años en el álbum del futuro…¿Cómo será todo dentro de 30 años?. Una experiencia emocional y virtual, viajando sobre la espuma de las olas eternas.
Adolfo Simón
BE Festival online
El Be Festival ha traído a los escenarios españoles múltiples e interesantes propuestas de teatro y danza contemporáneos en las ediciones anteriores. Este año, por el encierro mundial que estamos viviendo todos han presentado una programación online que, de nuevo, está llena de experiencias no convencionales. En la primera semana del Festival, he podido comprobar el buen estado y creatividad de creadores españoles que han desarrollado una poética personal a la altura de cualquier performer internacional. UNA CONFERENCIA ESPECTACULAR de DAVID ESPINOSA, VIDEO RECETA con SELINA LOSA, FORO DE CINE SOBRE OJO GUAREÑA con EDURNE RUBIO y SHAN SHUI por EDURNE RUBIO y MARÍA JEREZ. Universo de objetos, delirio gastronómico, cine experimental y diálogo audiovisual y performático nos han introducido en los nuevo lenguajes de las artes vivas. La semana próxima continúa la programación del BE FESTIVAL online.
http://befestival.org/
Adolfo Simón
TRAS LOS PASOS DE AUGUSTO MADEIRA MENDES en LA ABADÍA CONFINADA
Una pieza de teatro documental construida en tres fases. El relato del viaje a Portugal contado en primera persona a modo de intro, un corto sobre la experiencia y un desenlace fantástico con una pregunta final: ¿qué ocurre cuando la ficción comienza a invadir la realidad?. El formato de esta propuesta audiovisual es curiosa porque aparentemente parece una conferencia online sobre el proceso de investigación y creación de una obra de teatro pero, poco a poco…gracias a los documentos a los que accedemos, la experiencia es personal y sensorial. Por momentos se experimentan sensaciones que vivió el equipo durante el proceso. Una mezcla interesante entre documento y vivencia.
Adolfo Simón
Mentalismo interactivo con Pablo Rainjenstein
Pablo Rainjenstein es un mentalista de largo recorrido. Su trayectoria es múltiple y con intensas búsquedas en espacios y formatos paranormales. En esta ocasión y dado que todos estamos confinados en casa, Rainjenstein nos convoca a la suya para vivir una experiencia inquietante. Como en una cita subversiva, a través de la plataforma zoom, entramos en su morada. De su mano conocemos los rincones de su curiosa casa que, además, oculta historias tras sus paredes. No voy a extenderme en las diferentes pruebas a las que nos somete grupal e individualmente, bastará decir que cada vez son más sorprendentes y vertiginosas. Pablo consigue que la distancia física y virtual se desvanezca para provocarnos sensaciones inquietantes. No os perdáis esta propuesta como las que va a realizar en el Museo de Cera próximamente.
Podéis informaros en su instagram: https://www.instagram.com/raijenstein/
Adolfo Simón
INSTRUCCIONES PREVIAS PARA UNA UTOPÍA en el TEATRO de la ABADÍA CONFINADO
Este espectáculo ha nacido mientras esperamos. Mientras esperamos a que se vuelvan a abrir las casas, la calles, las plazas. A que se vuelvan a abrir los teatros. A que podamos volver intentar ganarnos la vida. A que se diluya la incertidumbre de no saber lo que quedará en pie. Mientras esperamos a poder estar en el mismo lugar con gente, junta. A volver a tocarnos. Más que una experiencia teatral es una propuesta sensorial y auditiva. Durante media hora, un audio nos indica, en nuestro encierro, una serie de acciones y actividades. Por momentos somos espectadores de lo que ocurre y de repente, nos convertimos en ese «ser» que deambula por la realidad interior y la imaginación exterior. Un viaje que nos conecta profundamente con lo que añoramos del tiempo perdido.
Adolfo Simón
ESTO ES AGUA en #ABADÍACONFINADA
ESTO ES AGUA de David Foster Wallace es una de las propuestas que se realizan en la plataforma virtual del Teatro de la Abadía. Una pieza interpretada por Israel Elejalde fruto de la complicidad del Teatro Pavón Kamikaze y el Teatro Abadía. A partir del discurso que pronunció David Foster Wallace en 2005 para los alumnos que se graduaban ese año en la Universidad de Kenyon, se nos propone una reflexión importante en estos tiempos de ambigüedad e incertidumbre. Esto es agua parece una obviedad antes las situaciones truculentas que estamos viviendo y ante las cuales, muchas veces, resulta complicado posicionarse en el eje conveniente entre ética y realidad. Poco a poco, gracias al aplomo escénico del actor, entramos en un laberinto donde terminamos estancados en la referencia individual en perjuicio de la colectiva. En este encierro estamos asistiendo a muchos experimentos escénicos virtuales, tal vez, Esto es agua, da sentido a esta plataforma donde el discurso entre forma y fondo alcanzan buenos resultados. Dentro de las variadas actividades que se generan desde este Teatro, otra propuesta muy interesante ha sido el encuentro entre profesionales que hoy, gracias a la generosidad de Helena Pimenta y Marta Pazos nos ha permitido indagar más en su visión sobre la creación escénica.
Adolfo Simón
Teatro confinado en LA ABADÍA
Este fin de semana he asistido a dos experiencias de teatro confinado en La Abadía. Álex Peña, Alberto Cortés y Rosa Romero se convertían en los protagonistas de #TeatroConfinado en una supuesta Estación Espacial, una pieza que viajaba de lo genérico a lo concreto, de lo Celeste a lo íntimo del hogar para aunar conceptos como la intimidad, la vigilancia y el voyeurismo gracias a herramientas como SpiedLife, Google Earth o Skyline. En estos tiempos donde todo el mundo estamos encerrados en casa y con la necesidad de «escapar» creativamente, he visto en las redes y televisiones muchas propuestas similares a la expuesta en La Abadía. La otra pieza, Informe lejía de Luis Bermejo, es teatro en vivo rabioso. Aquí si aparece una experiencia diferente a lo que nos encontramos día a día en los medios de comunicación. Un personaje, encerrado, clownesco y absurdo, nos invita a visitar su casa para compartir una velada íntima con fatal desenlace. Que Luis Bermejo es un gran actor no es novedad, pero aquí, se abandona a un ejercicio vertiginoso a través del cual nos muestra la locura agazapada que habita en la cabeza de todos los que estamos encerrados EN CASA. También hemos tenido ocasión de disfrutar del trabajo y experiencias de creación en encuentros con Sonia Mejías y Gabriel Olivares.
Adolfo Simón
Visita guiada a una sesión de BDSM Nº26, una experiencia de #TeatroConfinado
El Teatro de la Abadía y el Laboratorio de Acción Escénica Vladimir Tzekov propone «Visita guiada a una sesión de BDSM Nº26», una experiencia de #TeatroConfinado para poder seguir disfrutando en estos momentos difíciles de dos cosas: las artes escénicas y la vida en comunidad. A través de la plataforma ZOOM, se convoca al público para seguir, en silencio e invisiblemente, el discurso teórico sobre el BDSM que, un «dominador», va desgranando frente a un micrófono y ante la mirada y escucha de los asistentes. La confianza se va creando durante el desarrollo de la propuesta y el dominador va respondiendo a las peticiones del público virtual. Poco a poco, los «voyeurs» tendrán ocasión de expresar perfomáticamente, haciéndose visibles en el sistema ZOOM, con una parte de su cuerpo(a ser posible no el rostro)inspirándose por el discurso BDSM. Poco a poco, el verbo y el cuerpo, combinados virtualmente, van creando una suerte de videocreación. Más que una experiencia teatral recuerda más a los laboratorios radiofónicos de los años setenta.
Adolfo Simón
Tenors en el Teatro Alfil
TENORS es una parodia de los míticos conciertos que durante los años noventa hicieron por todo el mundo los «Tres Tenores». Con un extraordinario nivel musical, pero sin dejar pasar la oportunidad de reírse del divismo, la solemnidad y del protocolo de los conciertos de música clásica. Combinando la ópera con el humor visual más alocado, consiguen hacer reír al espectador a través de situaciones absurdas que empiezan conmovedoras y terminan en delirio. En un día como hoy, cuando la ciudad está perpleja ante los acontecimientos y los teatros a medio fuelle, es una suerte acudir a un lugar donde cuatro locos nos hacen viajar, a través del juego, la canción y la parodia a otro mundo, a otro ánimo y el público agradece que, durante una hora, la sonrisa no deje de dibujarse en la boca.
Adolfo Simón
Españolas, Franco ha muerto en el Teatro Español
Enero de 1978. En el parlamento una diputada del grupo comunista pide la amnistía para las mujeres que hayan cometido los llamados “delitos específicos para las mujeres” que siguen en las cárceles mientras que otras llevan su lucha a las calles alzando la voz por nuestros derechos…Ese fue el comienzo, después de décadas de oscuridad, del camino hacia la recuperación de los derechos de igual y respeto hacia la mujer, habría que preguntarse porque, desde de varias décadas, se supone que hacia la luz, seguimos en un callejón sin salida y pintado de gris con respecto a los derechos de la mujer en nuestra sociedad. Españolas, Franco ha muerto es un collage de datos y juegos escénicos para mostrarnos cómo era nuestra sociedad antes de morir el dictador y qué ha pasado en todo este tiempo. Tal vez, le falta más contundencia en lo ocurrido y en lo que debería cambiar, la imagen final es la más potente en cuanto a discurso y forma.
Adolfo Simón
MiraMiró de Baal en Cuarta Pared dentro de Teatralia 2020
MiraMiró es un espectáculo de danza y animación de vídeo que se inspira en el universo plástico de Joan Miró. Una selección de la obra pictórica del artista enmarca la pieza. Los pequeños de la casa disfrutaron de la combinación de proyecciones y trabajo corporal, una experiencia sorprendente ya que, ante sus ojos…la pantalla se fundía con los bailarines, creando plasticidad inspirada en la obra de Miró.
Adolfo Simón
Instrucciones para caminar sobre el alambre en Cuarta Pared
¿Dónde está Alba? Su hermano y su madre han denunciado su desaparición y ayudan en la reconstrucción de sus últimos días para poder encontrarla. La investigación nos llevará a conocer a una familia que lucha por sobrevivir en un mundo invivible. Un mundo que lesiona sus cuerpos, que desequilibra sus mentes, que les empuja a la resignación. Un mundo bipolar en el que intentan encontrar su lugar. Alba estaba segura de haberlo encontrado, pero ahora Alba ha desaparecido… Durante toda la representación martilleaba en mi cabeza la palabra «progreso»…progreso, prisa, presión, pronto, pronto, pronto…sentí que Alba era una Alicia de nuestro tiempo que atraviesa el espejo para encontrarse consigo misma y lo que encuentra es un laberinto sin salida en una sociedad brutal. Vivimos tiempos complicados en los que cada vez estamos más alejados de nuestros orígenes, abandonados al precipicio del sin sentido. Instrucciones para caminar sobre el alambre tiene una dramaturgia compleja en la que las historias se devoran entre si para mostrar esa crudeza de un tiempo sin horizonte. Y la puesta en escena completa ese universo donde los seres se convierten en voces mecánicas que instruyen sobre las posibilidades de salvarse del naufragio, en cuerpos robóticos sin orientación, perdidos en la maraña de los sueños rotos. Y los actores completan ese espacio poético donde se funden con pantallas de ecuaciones imposibles y bicicletas que vuelan a ninguna parte. Una pieza que nos deja, al final, suspendidos al borde del abismo para seguir pensando… ¿progreso?…
Adolfo Simón
«Pulcinella»en el Auditorio Nacional de Música con la colaboración de la CND y coreografía de Blanca Lí
La Orquesta Nacional de España y la Compañía Nacional de Danza han presentado «Pulcinella», ,dirigida por Jordi Francés, ballet de Igor Stravinsky basado en una obra de teatro del siglo XVIII en torno al personaje Pulcinella o Polichinela originario de la commedia dell’arte. El ballet se estrenó en la ópera de París el 15 de mayo de 1920. El bailarín Léonide Massine creó el libreto y la coreografía, y Pablo Picasso diseñó los trajes y decorados originales. La obra fue encargada por Sergei Diaghilev.
Ahora es Blanca Lí, actual directora de los Teatros del Canal, la encargada de crear un ballet adaptado para que público familiar que acude dentro del programa «En Familia» de la OCNE por encargo de Joaquín de Luz, director de la Compañía Nacional de Danza.
Lí ha querido atraer al público más joven creando tres espacios escénicos en los que muestra la historia principal con los solistas en primer plano, la orquesta en segundo plano y un coro en el tercero con el resto de bailarines en una propuesta innovadora para el Auditorio, diferente y arriesgada que permite concentrarse en cada plano, limpiando todo dramáticamente para concentrarse en el ballet. La alegría y el colorido de la música se transmiten a los bailarines con una coreografía expresiva, juguetona e incluso descarada que demuestra el desparpajo.
En definitiva, ha sido todo un acierto y una propuesta innovadora y de calidad para atraer al público más joven y, por qué no, a todo el mundo a abrirse al mundo de la música clásica y el ballet de la mano de grandes profesionales. Esperemos ver más propuestas de este tipo en un futuro.
Luis Mª García Grande.
Curva España de CHÉVERE en los Teatros del CANAL
En los últimos años Chévere (Premio Nacional de Teatro 2014) ha realizado una serie de trabajos que exploraron las posibilidades del teatro-documento y la memoria colectiva como desencadenantes de una ficción teatral (Citizen, Eurozone, Eroski Paraíso). Este proyecto es un paso más para profundizar en los mecanismos narrativos que surgen en la frontera entre lo real y lo inventado, entre la historia y la leyenda, entre la pantalla y el escenario. En esta propuesta, el lenguaje audiovisual es el eje dramatúrgico de la pieza, creando capas escénicas que nos trasladan al pasado para recrear momentos que irán desvelando los entresijos donde el poder cambió el curso de las cosas. Una obra que afianza el recorrido de Chévere como compañía contemporánea que da el mismo valor a los temas que tratan que al lenguaje teatral que usan para llevarlo a cabo y, como siempre, nos dejan la duda de si todo fue así o ha sido fruto de la imaginación.
Adolfo Simón
THREE TALES de Beryl Korot y Steve Reich en NAVES MATADERO
Articulada en tres actos, la obra revisita tres sucesos clave de principios, mediados y finales del siglo XX. Cada uno de ellos reflexiona sobre las implicaciones del desarrollo de la ciencia en el pasado reciente. Así, desde los inicios del transporte aéreo hasta las pruebas nucleares o los experimentos genéticos se plantea el debate sobre la naturaleza física, ética y religiosa de un entorno tecnológico que ha crecido de manera exponencial desde 1945. Una experiencia curiosa en la que se mezcla la música y voces en directo con fondo de video creación. Una propuesta interdisciplinar en la recta final de la programación con Naves de Matadero. Ópera contemporánea para estimular los sentidos del oído y la vista.
Adolfo Simón
Festejen la broma en el Teatro de La Latina
Joaquín Reyes presenta un nuevo espectáculo de humor. Ha preparado con gran esmero una amalgama de chorradas para deleite de su querido público y también, de algún despistado que se meta en el teatro buscando humor inteligente. A pesar de ser ya un viejuno —en el mundo de la comedia se entiende—, Reyes no ha perdido la frescura de sus inicios chanantes ¿esto quiere decir que sigue haciendo bromas sobre pedos? Efectivamente así es. Se agradece, en medio de una cartelera intensa y performática, que se suba un cómico al escenario a derrochar ingenio y delirio. El público ríe sin control porque entra en una espiral absurda donde, también, se tocan temas delicados y que, el humor, permite zarandear.
Adolfo Simón
Diálogo del Amargo en el Teatro Español
Lorca inagotable, Lorca inspirador…Lorca siempre. Creo que no hay un día en nuestra cartelera sin Lorca. Cuando no son sus obras, son piezas que se realizan a partir de sus textos inconclusos, sus poemas, sus conferencias…todo es material inspirador. En este caso se ha hecho una curiosa dramaturgia a partir de la pieza breve del Dialogo del Amargo. Como en las pesadillas, las voces aparecen sin tiempo ni lugar…y los personajes cambian de piel para mostrarnos, como si mirásemos a través de un caleidoscopio, las múltiples posibilidades de algo terrible como es un crimen. Lorca sobrevuela por encima de la escena y se cuela en los distintos planos de este puzle in memorian por todos los muertos a manos de intolerantes.
Adolfo Simón
Celui qui tombe (El que cae) de Yoann Bourgeois dentro de Teatralia en los Teatros del CANAL
En medio de un escenario oscuro, como si fuera el universo, una plataforma cuadrada con vida propia gira y se mueve con aparente autonomía siempre llevando encima a seis intérpretes-acróbatas que, como en la vida, intentarán mantenerse en pie, buscar el equilibrio en la inestabilidad, dividir las fuerzas y confiar los unos en los otros. Afectados por la fuerza centrífuga en aumento, sus cuerpos se inclinan cada vez en ángulos más agudos, como si lucharan contra un gran viento. Mientras, suena música de Beethoven o Frank Sinatra. Además de girar como un disco, la plataforma adquiere una inclinación vertiginosa, sube y baja como una balsa en una tormenta. La inauguración de este año en Teatralia ha sido fantástica con esta propuesta que rompe todos los moldes…No van dirigida a un público específico y al tiempo es para todos los paladares. No es circo, ni danza, ni teatro…y lo es todo al tiempo. Y sin caer en un discurso subrayado, nos habla de la esencia del ser humano, de las necesidades que tenemos todos, desde que llegamos a este mundo y hasta que nos vamos de él, de mantenernos firmes, de sobrevivir a los obstáculos, de superar los límites… Una obra compleja y sencilla a la vez. Una experiencia profunda para todo tipo de público. Una pieza para entendernos mejor y conocer nuestras debilidades y deseos.
Adolfo Simón
Rule of Three de Jan Martens/Nah en los Teatros del CANAL
A Jan Martens (Bélgica, 1984) le gusta decir que su creación Rule of Three es una colección de pequeñas historias escritas desde el cuerpo, la música, la iluminación, el vestuario y los textos, edificado todo a partir de contrastes: la quietud y la explosión, la precisión y la intuición, el corazón y la razón. Es la primera vez que el joven creador belga trabaja con un músico en directo. Sintió esta necesidad y creó alianza con el percusionista norteamericano Nah, que ha mezclado para él percusiones en directo con sonoridades programadas, samples manipulados y sonidos encontrados, que mantienen un diálogo con los tres bailarines de esta producción. Lo más llamativo de esta propuesta es la estructura de la pieza, durante más de una hora asistimos a un collage de secuencias fragmentadas donde los ritmos y los cuerpos generan partituras hipnóticas que no cesan en el vértigo sonoro y espacial que se crea ante nuestra mirada. Los tres bailarines son acróbatas emocionales que transitan por el escenario creando atmósferas muy sugerentes, llenas de tensión dramática. En la recta final de la pieza, todo queda suspendido al silencio y su piel se despoja del ruido de nuestro tiempo para entrar en un paisaje desconocido donde los cuerpos se reinventan.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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