Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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«Le Bal de Paris» en Los Teatros del Canal

Blanca Li, como siempre a la cabeza de la innovación en el espectáculo como ya nos ha demostrado con Robot! o Elektrik entre otros espectáculos, nos invita a al gran Baile de París en Los Teatros del Canal , una experiencia para descubrir de manera espectacular la realidad virtual a través de la danza y la música. Aquí se nos ofrece un espectáculo total, que en cuarenta minutos transcurre en realidad virtual dentro de un mundo poético, fantástico, innovador, delicado y sorprendente.

El Baile de París existe de verdad y se celebra cada año, al cual suelen acudir los vástagos de la gran aristocracia vestidos con sus mejores galas como debutantes en la vida social, en una noche marcada por la alta costura y las donaciones benéficas al que es casi imposible asistir si no eres hijo, sobrino o nieto de algún aristócrata, de algún emperador empresarial o de algún actor más que premiado. Así que con esta idea, y creando una realidad virtual para todos los públicos, Blanca Li ha querido acercar este ambiente lujoso y algo anacrónico a todo el mundo. Para ello ha contado con la Casa Chanel a la hora de diseñar el vestuario que cada persona puede elegir entre varios maniquís que se pueden ver en una vitrina al principio del espectáculo y transformarse en ese rico heredero asiduo a estos eventos.

Espectador y actor a la vez, el público es llevado a participar y bailar durante la experiencia, en interacción con bailarines reales de manera alternativa entre el mundo real y el mundo virtual.

Estructurada en torno a tres grandes escenas de danza, Le Bal de Paris sumerge al espectador en el torbellino de una gran historia de amor en la que el público será libre de bailar, de vivir la fiesta a su libre albedrío, y de interactuar con quien desee.

Una experiencia divertida, fabulosa y vanguardista para disfrutar con amigos o en familia.

Luis Mª García


«Pulcinella»en el Auditorio Nacional de Música con la colaboración de la CND y coreografía de Blanca Lí

La Orquesta Nacional de España y la Compañía Nacional de Danza han presentado «Pulcinella», ,dirigida por Jordi Francés, ballet de Igor Stravinsky basado en una obra de teatro del siglo XVIII en torno al personaje Pulcinella o Polichinela originario de la commedia dell’arte. El ballet se estrenó en la ópera de París el 15 de mayo de 1920. El bailarín Léonide Massine creó el libreto y la coreografía, y Pablo Picasso diseñó los trajes y decorados originales. La obra fue encargada por Sergei Diaghilev.

Ahora es Blanca Lí, actual directora de los Teatros del Canal, la encargada de crear un ballet adaptado para que público familiar que acude dentro del programa «En Familia» de la OCNE por encargo de Joaquín de Luz, director de la Compañía Nacional de Danza.

Lí ha querido atraer al público más joven creando tres espacios escénicos en los que muestra la historia principal con los solistas en primer plano, la orquesta en segundo plano y un coro en el tercero con el resto de bailarines en una propuesta innovadora para el Auditorio, diferente y arriesgada que permite concentrarse en cada plano, limpiando todo dramáticamente para concentrarse en el ballet. La alegría y el colorido de la música se transmiten a los bailarines con una coreografía expresiva, juguetona e incluso descarada que demuestra el desparpajo.

En definitiva, ha sido todo un acierto y una propuesta innovadora y de calidad para atraer al público más joven y, por qué no, a todo el mundo a abrirse al mundo de la música clásica y el ballet de la mano de grandes profesionales. Esperemos ver más propuestas de este tipo en un futuro.

Luis Mª García Grande.

pulcinella

 


«Solstice» de Blanca Li en los Teatros del Canal

Blanca Li es una mujer llena de pasión y de fuerza vital que demuestra a través de sus montajes. «Solstice», un montaje «poético», coproducido por los Teatros del Canal de Madrid y el Teatro Nacional de Chaillot de París, que busca crear conciencia ante «el cambio climático».

«Es un espectáculo muy bello y poético con una apertura al futuro positiva, y con el mensaje de que si todos participamos en el cambio podemos lograr realmente hacer algo para que nuestro planeta y nuestro modo de vida se corrija y así podamos proteger nuestro medio ambiente», ha indicado esta artista que ha creado coreografías para Pedro Almodóvar, Beyoncé, Daft Punk o Coldplay.

En esta ocasión se compromete con las relaciones ambiguas y complejas que el ser humano mantiene con su entorno, a medio camino entre la preocupación y la admiración, el amor y la violencia, la conservación y la destrucción. En este montaje apuesta por un baile muy orgánico, intuitivo y contemporáneo que demuestra el trabajo en equipo con 14 bailarines que se funden con los cuatro elementos básicos: la tierra, el aire, el agua y el fuego. Compuesto de potentes cuadros estéticos ayudada por la tecnología y la música en directo de ritmos africanos que nos sumergen en un ritual ancestral y a la vez civilizado en el que se juega con el tiempo, el movimiento y la luz, investigador de nuestros límites para acercarnos a la naturaleza, al ecosistema que nos alberga y hacernos reflexionar sobre el futuro de nuestro planeta.

«Solstice» forma parte de la programación de Escenario Clece para los Teatros del Canal, donde se presentará en cuatro únicas funciones desde el miercoles 31 y hasta el 3 de noviembre.

Luis Mª García

solstice


La Casa Condal de Maspalomas acoge la exposición “MASDANZA 20 Aniversario”

Maspalomas, 23 de septiembre de 2015.- Un total de 20 fotografías del fotógrafo especializado en danza y movimiento, Jesús Robisco, conforman la exposición « MASDANZA 20 Aniversario», que se podrá disfrutar del 5 al 30 de octubre en la Casa Condal de Maspalomas.
Robisco es el fotógrafo oficial del Festival Internacional de Danza Contemporánea de Canarias, captando cientos y cientos de imágenes en los certámenes oficiales del festival como en las actividades protagonizadas por el público. Esta muestra fotográfica viene a poner en valor histórico todo lo que se ha vivido en MASDANZA en estos veinte años de existencia para que el visitante pueda observar la belleza y singularidad de un instante en la obra de los bailarines y coreógrafos que muchas veces pasan desapercibidos.
Esta exposición que se convierte a la vez en un homenaje a la danza contemporánea presenta fotografías en papel realizadas a partir de fotocopias en color que unidas conforman cada una de las imágenes “se trata de hacer una extensión, un acercamiento, una traducción de lo que el bailarín en el escenario me ha transmitido a mí para que el espectador pueda recrearse tranquilamente observándolas y ojalá tenga un valor didáctico, ojalá inspirador”, ha afirmado Jesús Robisco. Además cada una de las imágenes de la exposición dispone de códigos QR, para que desde cualquier móvil el observador pueda descargarse las fotografías y acceder a más información.
Con más de treinta años en la profesión, Jesús Robisco ha fotografiado entre otros a; Aerowaves, Alicia Amatriaín, Ana Laguna, Ángel Rodríguez, Antonio Carmena, Jesús Carmona, Antonio Najarro, Babirusa Danza, Barcelona Ballet, Ballet dEurope, The Lyon Opera Ballet, Ballet Nacional de España, Pina Bausch Ballet, Boston Ballet, Blanca Li, Carlos Chamorro, Carmen Roche, Carmen Werner, Carolyng Carlson, Cesc Gelabert, Compañía Nacional de Danza, Madrid Superior Conservatory of Dance “María de Ávila”, Dacil Gonzalez, Daniel Abreu, Daniel Doña, Mikhail Baryshnikov, Nacho Duato, Nederlands Dans Theater, Olga Pericet, The Leipzeg Opera, The Paris Opera, The Madrid Royal Dance Conservatory “Mariemma”, Renato Zanella, Roberto Medina, Roberto Olivan, Ruht Balbis, Sharon Fridman, SIB Dance Festival, Sol Picó, Somosquien?, Suite Española, Tamara Rojo, Teresa Nieto, Tony Fabré, Victor Jiménez, Victor Ullate, Víctor Ullate Roche, Virginia Valero, Yosua Cienfuegos, Yuri Yanowski o Zappala Danza entre otros. Forma parte del equipo de trabajo de la revista Susy-Q y también publica en Porladanza, Tiempo de Danza.expomas


Blanca Li: Entre la poética y el estrés tecnológicos.

robot blanca li 2Para Blanca Li el mundo siempre va para adelante y ella le planta cara sin miedo. A través de «Robot» ha logrado convencernos de que la «Revolución tecnológica» tiene más ventajas que inconvenientes y que hay que adaptarse a lo que venga, aunque sea a fuerza de un duro trabajo. A Blanca le ha costado comprender cómo baila un robot y cómo puede ayudarle en su trabajo, pero al final ha salido fortalecida y ha ganado la batalla tecnológica.

La reflexión que se realiza en la obra sobre el mundo contemporáneo y la adaptación del hombre a la máquina es profunda, partiendo de un trabajo corporal de los bailarines que pasa de lo orgánico a lo robótico en continuas evoluciones. La experimentación sobre el movimiento comienza con un acercamiento y,  a medida que sube el ritmo de la música los bailarines experimentan en sus carnes ese cambio tecnológico que cada día nos va invadiendo. La metáfora es pura, lo que se ve no necesita aclaraciones.Blanca Li

Estas reflexiones crean una coreografía para 8 bailarines cuyos movimientos activan los extraños instrumentos musicales de Maywa Denki y la música del español Tao Gutiérrez.

Pero el Talento de Blanca, aparte de residir en una buena formación y coreografía, reside en su manera de ver la vida y de reflejarla en sus espectáculos: El humor y el contraste de visiones sobre la danza se reflejan fielmente en este espectáculo que pasa por la música japonesa, la africana, la electrónica, la samba y el cuplé mezclándose con retazos de escenas pop y pas à deux con robots que nos enternecen y nos recuerdan a Fred Astaire y Ginger Royers.

En fin, un espectáculo que ensalza el arte de la danza y que nos hace pensar, emociona, llega al corazón y nos recuerda  que merece la pena arriesgar en la vida y andar con paso firme y tacón alto por la vida.

Luis Mª García Grande.Robot-A.Jerocki-07-copie-620x440

www.teatroscanal.com/espectaculo/robot-danza-blancali


Entrevista a Blanca Li

 

 

¿Cómo surge el proyecto de ROBOT?…

image_383_image_frTodo empieza del cotidiano, no hay un momento concreto en el que digo ¡Ay! voy a hacer este espectáculo, sino que, poco a poco, me voy dando cuenta de que las máquinas están invadiendo mi vida y están cada vez más presentes y esto me va creando una reflexión sobre un cambio que está ocurriendo y un día me entran las ganas y pienso que podría ser interesante trabajar sobre este cambio, la adaptación del hombre a la máquina… Hojeas la prensa y ves los robots, te metes en Internet e investigas un poco en nuevas tecnologías, y cosas que se utilizan ahora en la relación contemporánea: música, cine, … en la robótica hay un mundo increíble de posibilidades para crear y en Japón están muy obsesionados por encontrar un robot de compañía para, de alguna manera, ocuparse de una población que es cada vez más vieja y que necesita asistencia… hay un mercado a la vista. En Francia también existe una de las mayores empresas de robótica desarrolladas: acaban de sacar un nuevo robot que se llama Romeo, que es el hermano mayor de Nao, el que yo uso en el espectáculo, y cada vez se acerca más al robot de compañía.

Así  que me fui a Japón para interesarme por todo ésto, inspirarme, ver exposiciones, encontrarme con gente que investigaba, ver los artistas que usaban máquinas y tecnología y ahí descubrí a Maywa Denki que es uno de los artistas que ha creado máquinas autónomas que en realidad son instrumentos que tocan solos, y me encantó el trabajo que hacía, me pareció muy bonito y poético y a la vez supermoderno y ultradesarrollado tecnológicamente. Correspondía con la idea que yo tenía del proyecto en el que los artistas y las máquinas compartían el espacio escénico.

¿Cómo ha sido el proceso dramaturgico en la puesta en escena?

En realidad, para mí, es como una metáfora del mundo contemporáneo y una reflexión sobre el presente y el posible  futuro de la evolución de la relación del hombre y la máquina, que es obvia y que ha cogido una velocidad increíble: en los próximos años van a pasar todavía muchas cosas como las impresoras en 3D, que imprimen comida, los coches que viajan solos, … Hay un futuro muy cercano en que las cosas van a cambiar de manera radical y a mi me apetecía hablar de todo ésto, pero a través de sensaciones y con la idea de la evolución del hombre y de la adaptación del hombre a la máquina, que eso es lo que me sorprende: la velocidad a la que va surgiendo y a la que nosotros nos adaptamos, a los tres días ya manejamos el teléfono y sabes cómo funciona… las máquinas las crea el hombre, pero para que éste se adapte rápidamente. Y también reflexiono sobre la aparición del hombre-máquina: obviamente, con el primer implante de corazón y con otros órganos que se van a ir haciendo, el hombre tendrá piezas de recambio… Con todo este tipo de sensaciones es con lo que quiero experimentar.

Dentro del propio espectáculo se expresa esta evolución: al principio están los cuerpos y es una danza depurada, no hay nada, y poco a poco las máquinas van invadiendo el espacio escénico hasta que las máquinas están ahí como pepito por su casa y los bailarines se van acostumbrando a ellas, que es lo que pasa en la vida real… no nos damos cuenta pero ahí están.

¿Hay algún referente técnico del que has partido para esta coreografía?

Las máquinas de Maywa Denki serán las máquinas que toquen la música en directo, autómatas que son mis músicos. Al volver a París me encontré con los fabricantes de Nao, el robot humanoide que no llega al metro de altura y que está bastante desarrollado. Fui a ver a los fabricantes, ya que la parte del movimiento les interesa mucho y todavía tienen que investigar mucho hasta que el robot pueda moverse mejor. Decidí que haría el espectáculo con los autómatas musicales, las partes de video que suelo utilizar para mis espectáculos y los robots humanoides que me acababan de presentar. Ahí empezó la aventura y primer paso del espectáculo.

¿Cómo ha sido el proceso de creación?…¿Qué te ha inspirado?…

Ha sido largo, han sido casi tres años desde que tuve la idea hasta que he acabado el espectáculo. Siempre me ha gustado utilizar la tecnología, pero sabía que es algo lento y pesado y que tiene otro ritmo diferente al del bailarín en un estudio. Entonces, empecé mucho antes con las máquinas que con los bailarines. Sé el ritmo de los bailarines pero no sabía el de las máquinas y tenía miedo de que las máquinas me superaran y comencé con un programador que venía conmigo al estudio. Yo tenía que entender cómo funcionaba la programación de un robot y cómo podía darle una coreografía. Te das cuenta de que es muy lento, manipular mucho, es un trabajo de animación: le pones la mano en un sitio, lo grabas, subes un poco la mano, lo grabas…pero la pierna ya la has tenido que mover antes y grabarlo y tener mucho cuidado para que no pierda el equilibrio entre un movimiento y otro… es bastante complicado, lento y al principio frustrante porque llevaba cinco horas y no había conseguido que diesen un paso… Primero me tuve que adaptar a ese trabajo y saber cómo funcionan para poder saber lo que iba a hacer.

Por otro lado, con las máquinas musicales teníamos el mismo problema…hay que componer la música expresamente para esas máquinas, ya que no tienen todas las notas musicales, son instrumentos musicales y algunos tienen tres notas, dos sonidos… y entonces Tao Gutierrez, el compositor al que pedí toda la música, se tuvo también que ir a Tokio, pasar tiempo con las máquinas para entenderlas y cada uno intentábamos avanzar para tener, cuando llegaran los bailarines, una parte del trabajo hecho, porque sino era imposible.

Luego llegaron los bailarines, después de saber cómo funcionan las máquinas y como se programan, y en el estudio se empieza a trabajar… Primero organicé una parte de trabajo sólo con los bailarines y luego ya los juntábamos a las máquinas y a partir de ahí venían todos los problemas, muchísimos, la máquina se aceleraba, la música se cortaba, el robot se caía… todo era una superación de problemas…poco a poco y día tras día, y ante la desesperación de todo el mundo, conseguimos todos adaptarnos a ese ritmo de las máquinas y tener un poco de paciencia… a veces hasta se iba el wi-fi y había que parar, el ordenador que se bloqueaba, … los bailarines a veces se desesperaban también… no era un ensayo normal de esos que empiezas de arriba a abajo… al minuto teníamos que parar… pero día tras día superamos los problemas. El proceso duró 4 meses todos juntos y como un año desde el momento en que tengo las máquinas hasta el estreno.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como creadora?…

imagesYo no hago balances… En realidad en el momento en que acabo un trabajo ya estoy pensando en el siguiente. Sobre todo vivo experiencias, cada trabajo para mi es una experiencia y es un periodo de mi vida que corresponde a un estado de ánimo, a algo que he vivido y cada trabajo corresponde a un periodo, a cómo estaba en mi vida y porqué lo hice y durante el momento en que vivo ese proceso, estoy metida en algo, me lo paso superbien y me divierto un montón y cuando ya salgo de ese proceso, que ya siento que lo he acabado, porque no es el día del estreno, sino que a veces tardo un par de meses más mientras el espectáculo gira y lo veo, lo analizo, lo cambio, lo arreglo…  y hay un día en que lo dejo en paz y me vuelve a arrancar la capacidad de crear. Pero mientras tengo un proyecto es un bloqueo que me cuesta pensar en otro proyecto…aunque a veces se me han juntado varios… Muchas veces tengo que esperar meses para que de entre las ideas que tengo una coja más fuerza.

¿Qué espectáculo de danza has visto últimamente?¿Qué te pareció?…

Lo último que he visto es el de Benjamin Milpied, el que va a ser director de la ópera de París, y era un espectáculo interesante con piezas de cuatro coreógrafos invitados, cada uno con personalidades diferentes y a la vez con cierta unidad con lenguajes comunes y a la vez completamente diferentes y me apetecía verle porque es el referente de la ópera de París y viene de estar muchos años en Los Ángeles y es una personalidad en la danza. Me gusta ver el trabajo de otros coreógrafos.

¿Conoces el estado de la danza contemporánea en España?…¿Qué referentes internacionales tienes en la danza?…

Es una catástrofe, pero no es de ahora, ha sido siempre una catástrofe. La pena es que no ha evolucionado mucho en todos estos años. Me fui de España por desesperación, no sé si me habría quedado si la danza estuviera mejor. Tenía la sensación de tener un paredón delante, de estar encerrada ante una muralla. Sentí claramente que no iba a crecer. Tenía mucha energía y ganas pero es como cuando estás encerrado…y lo sentí como una necesidad fuerte el tener que salir e irme para poder crecer y, realmente, es lo mejor que hice en mi vida, porque creces con la experiencia y la posibilidad de crear, nadie es crear, pero si tienes la posibilidad de crecer y crear como artista hay que intentarlo y eso solo te lo permite la creación, darte hostias y trabajar día a día… Para mi la creación es como un músculo, hay que ejercitarlo e ir mejorando, pero si no puedes, y es el caso aquí, porque es muy difícil crear si no tienes un contexto, ayudas… las compañías están solas y no tienen ningún tipo de ayudas y como artista es difícil crecer en esas condiciones. No es cuestión de ganar dinero en la danza… aunque seas el mejor del mundo no genera grandes beneficios, es una economía pequeña, pero por eso es importante el apoyo, que te arropen, que haya teatros que te programen, gente interesada… En Francia los teatros tienen la programación hecha con un año de antelación, tienen los teatros con su público y te hacen promoción, en España no. Incluso hay teatros que te ayudan en la producción. Tienes compañeros y no estás solo, aquí no.

¿Proyectos?…

Tengo siempre mil… el problema es decidir cual. Estoy haciendo un rodaje de una adaptación de mi espectáculo «Electro Kif» al cine y tengo otro proyecto cinematográfico, otro espectáculo con el que voy a empezar a trabajar, otra cosa en Nueva York, otra en Buenos Aires…

http://www.teatroscanal.com/espectaculo/robot-danza-blanca-li/

 

 


Programación de los Teatros del Canal – Temporada 2013/14

Los Teatros del Canal renuevan su programación con más de 120 citas de música, lírica, danza y teatro

· Para celebrar los cinco años de los espacios, se repondrá la antología de zarzuela ‘Viva Madrid’

· Se representarán coproducciones como ‘Ensayando Don Juan’, ‘La voix humaine’, ‘Emilia’ y ‘Mierda de artista’

· Fuerte apoyo a la danza con el English Ballet, Nacional de Cuba, Ullate, Momix, Blanca Li o el Ballet de Biarritz

· Se pondrá en marcha un nuevo programa de proyectos de integración social

Más info en:

http://www.teatroscanal.com/

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