«EscenA3» en la Sala Mirador
“EscenA3” es un propuesta a tres bandas dónde el cuerpo sirve de eje central para la construcción hecha poesía. En este caso somos partícipes de una jornada rica en diversidad, por la cantidad de lenguajes distintos y puestas en escenas, que hacen de la experiencia un viaje por las emociones. ¿Es la atmósfera un lugar dónde uno puede habitar?¿Se trata de un lugar de paso o por el contrario, puedes recorrer su vacío infinito? Cuando un cuerpo se mueve algo se transforma, el aire que corta, el espacio que habita, la energía que recorre la tensión muscular. Hablamos de una percepción muy pequeña de las cosas, el instante de un cuerpo suspendido a la caída o la intensidad de un cuerpo contra otro cuerpo, hablamos pues, de cosas bellas. Son cuerpos atravesados por historias, atrapados en su propio tiempo y espacio, a disposición como el resto de elementos que conforman el todo. La fuerza, la iluminación, la elegancia, el universo y el vacío; en este caso un círculo de tres picos que no se cierra porqué está roto, cómo lo están los cuerpo que se fraccionan en un segundo de tiempo, creando una simetría rota. Un grieta por donde podemos asomarnos y ver, que aquello que no se cierra forma parte de algo más grande, algo que se completa con nuestra participación en el equilibrio.
Patricia Jorge
“Cercos” en Dt Espacio Escénico
“Cercos” es una propuesta de Marianela León y Mario Bastián, dónde se reúne el trabajo de ambos en la simbiosis de sus particulares lenguajes expresivos, dando como resultado una propuesta cargada de líneas dramatúrgicas. En este caso se nos presenta una pieza a partir de conceptos como el cuerpo, el objeto y el individuo; todo ello guiado a través de una composición sonora que genera una atmósfera y que recoge los pozos de las cosas olvidadas. Hablamos de un viaje que transcurre por territorios desconocidos para la sensibilidad cotidiana, un espacio dónde los elementos danzan sin partitura y el cuerpo violentado, trata de encontrar la salida. Los límites se mueven, están vivos, tanto como aquello que delimita, aquello que cansado de abarcar la forma modifica las leyes y juega con la delimitación de su propio espacio. Cuando uno cree haber atravesado la línea que delimita el molde, encuentra que estas líneas no son fijas, que el rizoma es un concepto mental que muchas veces nos trata de prisioneros. Que por mucho que tratemos de superar ese bucle conceptual, hace falta echar toda la carne en el asador, para que el cuerpo encuentre, aunque por un instante, el verdadero territorio que habitar.
Patricia Jorge
Solo una actriz de teatro de Gabriel Calderón en la Sala Margarita Xirgu del Teatro Español
La memoria en el teatro es efímera, bueno, en el teatro y en la vida. Por eso es importante que, de vez en cuando, alguien nos recuerde los rasgos fundamentales de creadores que sembraron las bases del teatro de hoy en día. Es necesario recordar para intentar que no se pierda el espíritu de esos momentos cumbres en los que surgieron autores, actores…creadores en definitiva, que no claudicaron ante el poder y la mediocridad. Solo una actriz de teatro de Gabriel Calderón es un juguete dramático para que la inmensa actriz, Estela Medina, transite por el escenario como si fuese el mejor lugar que pueda habitar. Durante una hora, el espíritu de Margarita Xirgu, en la sala que lleva su nombre en Madrid, se hace presente a través de las palabras y recuerdos de Estela, recreando fragmentos de personajes y obras que construyeron la carrera de la actriz más importante del siglo XX y con la que, Estela, tuvo la suerte de aprender y trabajar bajo los focos del mejor lugar del mundo, un teatro.
Adolfo Simón
La otra mano de Cervantes de Luis Felipe Blasco Vilches en el Teatro Alhambra
El teatro Alhambra de Granada, dentro de la programación de abono de la temporada,
ha ofrecido esta singular propuesta que viene de la mano de Pedro Álvarez-Ossorio y
La Fundición de Sevilla y que pudimos disfrutar los días 3,4 y 5 de noviembre. Ya se
sabe que Cervantes es una figura inagotable, a partir de la que se pueden crear
infinitos espectáculos que recorran la singular biografía de un creador sin parangón.
Para ambientar, La otra mano de Cervantes, Luis Felipe Blasco Vilches ha elegido un
momento crucial en la vida de nuestro escritor más universal: 1597, año en que es
encarcelado en la Cárcel Real de Sevilla. Se trata del momento en el que, si tenemos
que creer al prólogo de la obra, se gesta su Don Quijote de la Mancha. También hay en
la pieza ensueños articulados a modo de flashbacks que oxigenan el estatismo del
encierro en la cárcel ofreciendo pasajes que recuerdan el largo cautiverio que
Cervantes sufrió en Argel.
Todo lo que he descrito hasta este momento, ese punto de arranque de su biografía,
actúa más como excusa para que la pieza comience a caminar que como soporte real
de su trama. Porque La otra mano de Cervantes nace fundamentalmente con vocación
de comedia. Una comedia que se basa en la relación sobrevenida de un Cervantes
enojado por la causa de su cautiverio (el engaño de un banquero sevillano y la ruina
financiera consiguiente) con el compañero de celda, un ladrón sevillano que posee
amplias resonancias de su Rinconete. La obra es por tanto ese diálogo (casi monólogo
de Cervantes, pues su opuesto es un hombre de pocas palabras) entre el artista y su
compañero de celda.
Lo mejor de la propuesta escénica que pudimos disfrutar en el teatro Alhambra, con
Sebastián Haro en el papel de Cervantes, es el juego de música y palabra que se crea
en escena gracias a la instrumentación ofrecida por los músicos Jasio Velasco y
Carmen García Moreno, quienes, con viola y violoncello, tejen un manto musical bello
e inteligentemente diseñado con el que acentuar y decorar las palabras del texto de
Blasco Vilches.
Rafael Ruiz Pleguezuelos
La gallina churra en Cuarta Pared
La gotera de la azotea ha traído esta obra de teatro con canciones a Cuarta Pared. En la pieza, títeres y narración se intercalan con música popular que anima al patio de butacas a participar. Una historia de solidaridad entre animales de la que los humanos deberíamos aprender.
Adolfo Simón
“Amor, locura y sexo” y “Tiempos de conversación” en Cuarta Pared-Territorio Danza
“Amor, locura y sexo” y “Tiempos de conversación” son las ultimas piezas de Carmen Werner presentadas en el Territorio danza 2017, que en este caso coincide con el 30 aniversario de la compañía Provisional Danza. Quizás lo más representativo de ambas propuestas sea la carga simbólica que posee el discurso, los elementos narrativos están en constante juego con el cuerpo y la danza. Viajamos a través de dos historias que concentran las desdichas del ser, el amor capaz de cualquier acto sin razón y la soledad como concepto simple y sentenciador. Sentarse a ver a estas propuestas, es abrir la puerta al espacio personal e íntimo de una atmósfera que recoge nuestros pensamientos más arraigados, nuestros miedos o condenas por ser humano. Invita, no sólo a la reflexión personal, si no que abre la puerta a un lugar que no nos concierne, asomando la cabeza a una confesión, dónde el cuerpo es el chivato y el alma el chisme.
Patricia Jorge
«Muros» en el CENTRO del ACTOR
Con “Muros” abre la nueva iniciativa a convertirse en sala, el Centro del Actor. Con una puesta en escena de lo más sencilla, se nos pone en bandeja una clara necesidad por contar y denunciar la realidad de los refugiados en esta era, en la que vivimos. Cargada de una realidad tan cierta como incierta, viajamos a través de un lenguaje poético que consolida una propuesta dónde contenido y forma, hacen de puentes entre ese mundo y el nuestro, casi creando un ayer y un hoy. Olvidamos muchas veces que el teatro escribe parte de la historia, que se trata de una herramienta comunicativa y un arma de denuncia, contra lo que es por desgracia, una sociedad mentalmente enferma. Por eso, propuestas como esta nos hace devolver la conciencia a todo esto que sucede en un mundo, que desgraciadamente olvidamos cuando dejan de ser portada de revista.
Patricia Jorge
«Algún día» de La Cachada Teatro en Casa de América
“Algún día” se llama la propuesta que nos ofrece La Cachada Teatro. Interpretada por mujeres reales del Salvador, la obra nos cuenta en primera persona la dura cotidianidad de uno de los países más pobres y peligrosos del mundo, dónde la muerte, la violencia, los abusos sexuales, el abandono o las drogas son algunas de las múltiples realidades a las que se tienen que enfrentar día a día. Tras un trabajo terapéutico, dónde el teatro funciona como eje central de canalización, han convertido las historias de estas mujeres en una propuesta de teatro testimonial, dónde ellas mismas nos cuentan parte de su biografía con una puesta en escena sencilla y directa. Lo más interesante de este trabajo es la verdad a la que uno se enfrenta al sentarse en la butaca, como el teatro como herramienta es capaz de generar la visión más dura de esta situación, despojandose de todo efectismo para dar espacio a las voces que ha día de hoy siguen gritando al vacío.
Patricia Jorge
La verità de la Compagnia Finzi Pasca en los Teatros del Canal
Obra creada en torno al telón original Tristan Fou pintado por Salvador Dalí en Nueva York durante los años 20, La Verità empuja al límite las destrezas físicas de la compañía, en un despliegue de imágenes sorprendentes, sombras que juegan a su antojo, equilibrios imposibles; plumas y lentejuelas…El lenguaje de la acrobacia, del teatro físico, puede fácilmente conquistar el territorio donde no es ni día ni noche, donde la luz no toca la realidad pero la dibuja, la inventa, la reinventa. Esta Compañía internacional ha traido a la Sala roja del Teatro del Canal, una de sus más sorprendentes creaciones. La obra transcurre es un juego que desvela las capas de pintura del lienzo de Dalí, llenando el escenario de personajes fascinantes que podrían haber salido del imaginario del genial pintor solo que, en este caso, cobran vida y transitan, vuelan y viajan por el espacio y el tiempo. Un derroche de fantasía y locura que deja boquiabierto al público escena tras escena.
Adolfo Simón
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/la-verita-compania-finzi-pasca/
«Mendoza» de Los Colochos en el Festival de Otoño a Primavera
En «Mendoza», la tragedia escocesa de Shakespeare se traslada a la Revolución Mexicana para contar la historia de un valiente guerrillero al que se le aparece una bruja o curandera que le anuncia que llegará a ser gobernador y dueño de la provincia. “Él se lo cree y comienza a cometer actos atroces para obtener lo que le dijeron que iba a lograr hasta que se da cuenta de que está en medio de un lago de sangre”, ha explicado Carrillo, quien apunta que ha seguido escrupulosamente la estructura del bardo. “Creíamos que los clásicos tienen algo muy universal y, partiendo de esa universalidad, lo hemos llevado a la particularidad de México, para que los espectadores pudiesen entrar en la obra con sus propios referentes y con personajes que les resultasen más familiares”. La idea era acercarse a la esencia de Shakespeare, de lo que su teatro representó en su día, pero sintiéndolo como algo actual. “Esa lucha de poderes de la que él habla sigue sucediendo hoy y no tiene fronteras”. Una pieza en la que los actores transitan por la escena en una relación íntima con el público; a veces sentados entre ellos, afianzando la idea de que todos estamos a un céntimetro del poder corrupto. La caracterización de los personajes es sencilla para que la identificación sea mayor, tan solo la «bruja» ritualista usa máscara que le da caracter atemporal. Una obra que nos reconcilia con el teatro como espacio en el que mirarnos sin tiempo.
Adolfo Simón
Rabiosa melancolía de Marianella Morena en el Teatro Español
Dentro de la SEMANA URUGUAYA en el Teatro Españolse ha presentado Rabiosa melancolía, una pieza de teatro musicalizado de curiosa factura. La propuesta musical es minimalista, pero protagonista también junto a la palabra. Los actores también son cantantes compartiendo escenario con la cantautora Malena Muyala, quien también actúa. En plano completamente acústico, este cuarteto juega y construye músicas desde la ficción y ficciona desde la música. Un teatro de creación que tiene componentes de absurdo y delirio que genera en el público extrañas e inquietantes sensaciones.
Adolfo Simón
Bodas de sangre en el CDN
Hay quien piensa que la obra de Yerma es en realidad el universo de un personaje que se ve atravesado por otros seres que revolotean a su alrededor, creando la posibilidad de que la protagonista se mire en sus ojos y se entienda mejor, evolucionando como mujer y ser humano en un tiempo y contexto determinado. Ayer estuve viendo la versión de Bodas de sangre que ha realizado Pablo Messiez en el María Guerrero, al salir, hablando con una amiga entendí lo que se nos proponía…En realidad, no se narran las circunstacias que generan la tragedia si no la mirada intuitiva y profunda que tiene sobre lo que está por venir de la madre del novio. Es como si la madre, interpretada de manera creíble y evocadora, por Gloria Muñoz, nos indicase el ángulo poético y emocional desde los que quiere el autor que observemos los acontecimientos. Así, una actriz excepcional como es Gloria Muñoz, nos sumerge en espacios que se contradicen pero que, seguro, son como su mirada los ve y teme en cada momento. Todo, de este modo, adquiere sentido, incluso la escena de los novios perdidos en el bosque; la madre los imagina perdidos en una noche sin luna. Y sobre todo, la madre nos traslada a la piedad de Miguel Ángel y a una Medea impotente, en la escena final, allí donde el tiempo se detiene y ella besa la sangre derramada, esa que la tierra ha gestado.
Adolfo Simón
«Carmen» en el Teatro Real
Calixto Bieito nos propone una reflexión sobre determinados símbolos a la hora de revisitar «Carmen», ópera que creó un mito y símbolo a la vez de una España en un tiempo determinado. Para ello despoja el escenario de adornos e introduce dos grandes componentes: La bandera española y la figura del famoso toro de Osborne. Los personajes que transitan por este vacío escénico son a su vez otra serie de símbolos del poder, lo impuesto, la tradición y la sensualidad, la pasión y, como no, la libertad representada en la figura de Carmen. Los símbolos pueden condicionar toda una serie de comportamientos en la población, banderas, iconos, uniformes… nos hacen reflexionar sobre la necesidad de crear símbolos y suscitar pasiones para aferrarse a ellos o la necesidad de experimentar la libertad.
Luis Mª García Grande
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Desde su estreno en París en 1875, Carmen, de Georges Bizet, es una de las óperas más representadas de la historia, se ha convertido en un mito y ha servido de inspiración a grandes artistas de otras disciplinas: pintura, danza, cine… El Teatro Real la recupera en esta ocasión con dirección musical de Marc Piolllet y escénica de Calixto Bieito.
El director de escena español destapa en Carmen una historia de violencia y marginación, de sensualidad a flor de piel, de lucha de sexos, en la que la verdadera protagonista es la violencia de género. Bieito traslada la acción a una Ceuta o Melilla de los años setenta, con un decorado minimalista que desnuda el lado más marginal de la ciudad.
Despojando la ópera de símbolos estereotípicos, Calixto Bieito logra que el protagonismo recaiga sobre las pasiones que transitan por el escenario. Un escenario casi desnudo que representa una España sórdida, atávica y machista, donde la fábrica de tabaco se relega a los márgenes de un cuartel militar en la frontera de lo que podrían ser Ceuta y Marruecos. La bandera española izada en medio de un territorio africano es el símbolo perfecto de algo que se quiere imponer, aunque no quede muy claro exactamente qué es ese algo. El universo de esta Carmen es el de los trapicheos, la testosterona y el turismo de sol y playa. Producción concebida originalmente para el Festival de Peralada, fue repuesta en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y propuesta de nuevo por la Opéra national de Paris. Es esta última producción la que llega ahora al Teatro Real.
“Natten” en La casa Encendida, dentro del Festival de Otoño a Primavera
“Natten” es el vocablo sueco utilizado para designar la acción de pasar la noche y en este caso, es también, el nombre que da Marten Spangberg a su ultima propuesta. Se trata de una performance de casi siete horas que recoge a los espectadores durante las horas de sueños para embarcarlos en un viaje hacía los más oscuro de la noche. Por ello la duración del espectáculo cobra una importancia vital, ya que nuestro sueño debe llegar hasta el límite de dormirnos ahí mismo. Necesario porque hablamos de esa línea entre la conciencia y la no conciencia, que experimentamos en lo llamado duermevela, ese espacio a medio camino dónde la percepción se vuelve difusa y transforma las realidades que recoge nuestra razón consciente. Así que uno pasa siete horas viendo, escuchando, imaginando; compartiendo espacio, mantas y cojines, con otros asistentes. Durmiendo y despertando en puntos diferentes del viaje, para así dar, por una noche, un espacio a todo lo desconocido y abstracto de nuestros sueños, a nuestros monstruos, nuestra oscuridad y esa manera aterradora de vivir lo desconocido. Para llevarnos al final una reflexión sobre nuestras noches más oscura.
Patricia Jorge
«Tormenta» y «Jardín de invierno» en Territorio Danza
La compañía Cielo raso presentó “Tormenta” y “Jardín de invierno” en la programación de Territorio danza, en la sala Cuarta Pared. Hablamos de dos propuestas de danza contemporánea dónde el lenguaje y la propuesta escénica tienen mucha potencia narrativa. Posiblemente esto sea el factor principal que hace que el espectador se enganche desde el minuto cero, creando así un estado de atención permanente. Los micro-ambientes que se van generando en ambas piezas gozan, no solo de una gran carga plástica, si no de la destreza vigorosa de los bailarines. Las ideas que se nos presentan se encuentran en continuo desarrollo, abriendo las diferentes capas del discurso a medida que avanza el ejercicio. La unión de todo ello hace de las propuestas auténticas películas, ya que fotograma a fotograma, las imágenes potentes y cautivadoras, se meten por la retina a modo de flashes. Paisajes que uno se lleva a casa tras la función y que caracteriza el trabajo y la trayectoria de esta compañía, dónde la danza encuentra otro marco poético y personal.
Patricia Jorge
El circo de pulgas de Matarile en Naves de Matadero
Matarile lleva 30 años creando vanguardia sobre las tablas. Fundada en Santiago de Compostela por Ana Vallés y Baltasar Patiño ha puesto en escena más de 30 espectáculos en ciudades como París, Edimburgo, Boston o Leipzig, entre otras muchas, siendo galardonada con más de una veintena de premios y menciones en Europa. Y tras este recorrido…¿Qué se puede plantear para una nueva creación?, pues seguramente hay que lanzarse al vacío y acudir a lugares peligrosos como el circo; ese espacio en el que nunca se sabe si el león se comerá al domador o si la trapecista se mantendrá firme sobre el columpio o caerá al vacío. Matarile convoca a una galería de monstruos contemporáneos surgidos de una mente donde habitan sueños y pesadillas. Y a estos seres, les hace dar el salto mortal que todos imaginaríamos en una sesión actual del circo de Manolita Chen. El circo está en declive porque tras el tiempo de fieras navega hacia la poesía y lo conceptual, Matarile reinventa el concepto circo como un espacio de filosofía de muerte y fracaso, como un espacio de regeneración o extinción.
Adolfo Simón
El barrrio de la Letras en la Compañía Nacional de Teatro Clásico
Barrio de las Letras es un recorrido a través de las palabras de algunos de los más destacados artistas que vivieron aquí, que trabajaron en este lugar o que incluso nacieron en alguno de sus edificios. Tal vez los nombres más recurrentes sean los de Lope, Cervantes, Góngora y Quevedo, pero no son los únicos: Rojas Zorrilla, Calderón, Tirso o Ruiz de Alarcón también habitaron el barrio, siendo bautizados o enterrados en la Iglesia de San Sebastián. Pedro Víllora engarza muy hábilmente los escritos que se cruzaron los protagonistas de este tiempo, mostrando con más detalle el día a día de estos ingenios de las letras y Ángel Fernández Montesinos, convierte la sala en un pequeño cabaret literario donde los actores juegan a una partida literaria llena de ingenio y mordacidad. Una pequeña joya en la sala pequeña de la Compañía Nacional de Teatro Clásico.
Adolfo Simón
Sigue la tormenta en Lagrada
La obra habla sobre el ser humano. Se pregunta por la responsabilidad individual y colectiva, la falsa inocencia, la banalidad del mal y el silencio cómplice. De lo pronto que olvidamos aquello que no quisimos saber. Y también habla del sentido del arte en general y del teatro en particular en la sociedad en la que se desarrollan porque, en palabras de su autor: “El teatro es una muralla contra la barbarie”. Esa muralla que, justo en estos tiempos está tan de rabiosa actualidad en nuestra sociedad. Un texto que pide ser leído tras la función para seguir disfrutando del pensamiento profundo que plantea. La puesta en escena que se ha visto en Lagrada, tenía una propuesta sencilla con un trabajo actoral sin histrionismo que se agradece porque daba verosimilitud y profundidad al texto.
Adolfo Simón
El rufián dichoso en el Teatro Bellas Artes
El Rufián Dichoso cuenta la historia de la conversión de un hombre perteneciente al hampa sevillana, Cristóbal de Lugo, criado del inquisidor Tello de Sandoval. Bajo la protección de su amo, Lugo tiene libertad para actuar a su antojo en los escalones más bajos de la sociedad hispalense, sin muestras de arrepentimiento. Este es el punto de partida de las peripecias de un personaje que a la mitad de la obra da un giro radical y se transforma. Este juego de espejos deformantes lo plantea el autor para mostrar las dos caras de la sociedad de su tiempo. En la propuesta escénica se muestran los dos planos jugando con niveles de altura en una escenografía que permite mostrar lo terrenal y lo elevado.
Adolfo Simón
Ópera y títeres para público familiar
La oferta para público familiar en fin de semana sigue siendo muy variada y rica.
En el Teatro Real, Dido & Eneas, nos ha deleitado con una pieza muy teatral con la orquesta incluida en el escenario. Los personajes se acercaban a la edad del público del patio de butacas y se creó una conexión muy simpática en el coliseo madrileño.
Y en Lagrada, un collage de cuentos deliciosos ensamblados a través de pequeñas sombras chinas y objetos convertidos en personajes. Un trabajo sencillo y emotivo, El aire de las castañas, de la mano de su creadora, Mar Porras.
Adolfo Simón
Best of BE FESTIVAL 2017 en el Teatro de la Abadía
Cada verano desde 2010 el BE FESTIVAL mapea la escena europea contemporánea para traer a Birmingham una selección de alrededor de 20 obras. Este año la programación se ha confeccionado entre más de 1070 trabajos, escogiendo aquellos que mejor trascienden fronteras culturales, lingüísticas y disciplinares, con un énfasis especial en la participación y el intercambio para acercar al público a los lenguajes contemporáneos. Best of BE FESTIVAL nace con el afán de trasladar la experiencia del festival y conectar con más gente en otras ciudades. Cada año, tres de los espectáculos favoritos del festival se van de gira por el Reino Unido y España. Después de la buena acogida de las ediciones anteriores, Best of BE FESTIVAL llega a La Abadía hasta mañana, 29 de octubre. Es una suerte para el público de Madrid, tener la ocasión de encontrarse con un ramillete de propuestas elegidas entre todas las presentadas al festival. En este caso es un tríptico muy particular y diverso. Danza, malabares y teatro textual conforma este triángulo de estéticas contemporáneas que nos sitúan en la poética y estética de vanguardia. Las tres obras son sugerentes e interesantes pero la primera, Vacuum de la Cia. Philippe Saire es absolutamente sorprendente en la ejecución atmósferica que se consigue con dos cuerpos desnudos. El Be Festival, de lo mejor que este fin de semana se puede disfrutar en Madrid.
Adolfo Simón
(c) Alex Brenner info@alexbrenner.co.uk
Eva Perón & El homosexual o la dificultad de expresarse de Copi en el Teatro Español
Eva Perón es una farsa trágica, violenta y rápida que da una dimensión nueva a su teatro y provoca el escándalo y la cólera de los grupos de extrema derecha en Argentina durante su creación en París en 1970. Abordar hoy la desmitificación de Eva Perón en Argentina no podrá pasar desapercibido. Desmitificar es de alguna manera desnudar un mito, tocar a Eva Perón es tan imprevisible como desnudar una virgen. Copi revela a Eva como un ser despótico y vulgar, pero al mismo tiempo extra lúcido y con una increíble energía frente a la muerte.
El homosexual o la dificuldad de expresarse, escrita en 1971 y presentada en el Teatro de La Cité International en una puesta en escena de Jorge Lavelli con Copi en el papel de Mme Garbo. El travestismo representa aquí la condensación de un fenómeno social latinoamericano impresionante: de qué manera la copia supera al original, cómo sublima sus cualidades, pero indudablemente también sus defectos.
Copi fue un transgresor, un radical de su época que ahora, con la distancia, podemos comprobar que su obra estaba muy por delante de su tiempo; aún hoy resulta provocador y delirante. Participó en el grupo Pánico en Paris y tal vez bebió de ahí toda la rabia y rebeldía salvaje para mostrar el mundo crudamente, sin adornos. Sus personajes parecen marcianos pero si miramos despacio y al detalle a nuestro alrededor, los encontraremos, solo que, a menudo, no queremos verlos o los volvemos invisibles. Para enfrentarse a su teatro, hace falta una batuta tensa y firme, Marcial Di Fonzo Bo realiza un ejercicio virtuoso sobre un elenco en estado de gracia y muestra el teatro como un lugar de vida al límite y de muerte como forma de salvación.
Adolfo Simón
Después del ensayo de Ingmar Bergman en el Teatro Infanta Isabel
Después del ensayo, la obra más autobiográfica de Ingmar Bergman llega a la escena dirigida por Juan José Afonso e interpretada por Emilio Gutiérrez Caba, Chusa Barbero y Rocío Peláez. Bergman siempre fue muy celoso de su obra dramática, a menudo huía de llevarla a escena, tal vez prefería mostrar sus secretos y miedos en los primeros planos de los personajes, para que no hubiera mentira sobre lo que sentían o pensaban. Es muy tentador llevar a un escenario esas radiografías misteriosas sobre su personalidad, aquí, el espacio y el trabajo de los actores facilitan la fragilidad de los personajes sobre los que quiere el autor hacer un muestrario en el que el teatro y la vida son los conceptos fundamentales de una forma de ver el mundo. Desde la dirección facilita el despliegue de ese catálogo de seres humanos al borde del abismo.
Adolfo Simón
Del infierno al paraíso de NoGravity Dance Company en los Teatros del Canal
Sobre el escenario los bailarines acróbatas se mueven, vuelan en el aire y crean figuras irreales. Inspirado en las maravillas del teatro barroco y sostenido por los actuales recursos tecnológicos, esta performance total es una encrucijada entre magia, ilusión y nouveau cirque. En Del infierno al paraíso, el viaje se desmaterializa poco a poco: las referencias, que nunca son realistas, al principio se reconocen en los episodios y en los diferentes protagonistas del poema, para luego adquirir una transformación menos evidente. Una experiencia fascinante para los ojos del espectador, un viaje acrobático y sensorial de formas increíbles.
Adolfo Simón
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/del-infierno-al-paraiso-no-gravity-dance/
Que Revienten los Artistas 
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