22MASDANZA elige a sus ganadores
Un año más MASDANZA sigue ofreciéndonos una calidad insuperable en su certamen de solos y coreografías. Han destacado los países asiáticos por su capacidad para transformar las sensaciones en danza, por su puesta en escena y, como no, por su técnica. Pero también nos llevamos sorpresas gratas al comprobar que Chey Jurado en España ha conseguido aunar el breakdance y la danza contemporánea en una línea muy personal que le ha llevado a definir su propio lenguaje expresivo y su línea característica que hará seña inequívoca de su identidad. Chey es una apuesta clara hacia el éxito y está en la lanzadera que le consagrará como uno de los mejores bailarines.
La organización y cuidado que tiene MASDANZA a la hora de seleccionar a sus participantes y de ofrecerles un marco único en Canarias para demostrar sus aptitudes es excelente. Una celebración, un rito que se repite cada año y que debe ser apoyado y difundido para que ganemos todos los que amamos la danza.
Debido a la calidad de las obras presentadas a concurso, el jurado y el público asistente, han tenido que pensar y elegir a quién iban los premios. No obstante, y, aunque no hayan ganado, quedan en el tintero y en nuestra memoria otros participantes que, seguro, tendrán un grato recuerdo de su participación en este certamen.
Resumimos aquí los premios y ganadores:
PREMIO DEL JURADO A LA MEJOR COREOGRAFÍA.
JURY PRIZE FOR THE BEST CHOREOGRAPHY.
«BAN» (COREA DEL SUR / SOUTH KOREA)
PREMIO DEL JURADO AL MEJOR SOLO.
JURY PRIZE FOR THE BEST SOLO.
«SHYNESS» (COREA DEL SUR / SOUTH KOREA)
PREMIO DEL PÚBLICO A LA MEJOR COREOGRAFÍA.
AUDIENCE AWARD FOR THE BEST CHOREOGRAPHY.
«BIRDY» (TAIWÁN / TAIWAN)
PREMIO ACORÁN / THE ACORÁN AWARD
PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR SOLO
«INVERTED TREE» (JAPÓN / JAPAN)
MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO EN EL CERTÁMEN COREOGRÁFICO.
SPECIAL MENTION OF THE JURY IN THE CHOREOGRAPHY CONTEST.
«THE STATION» (HUNGRÍA / HUNGARY)
MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO EN EL CERTAMEN DE SOLOS.
SPECIAL MENTION OF THE JURY IN THE SOLO CONTEST.
«DUENDE» (REINO UNIDO / UNITED KINGDOM)
PREMIO AL MEJOR INTÉRPRETE
BEST PERFORMER AWARD
CHEY JURADO «AGUA» (ESPAÑA / SPAIN)
Otros participantes:
Fotografías: Jesús Robisco.
Luis Mª García Grande
Dentro de la tierra de Paco Bezerra en el CDN
Indalecio convive con el miedo y la desesperación de haber nacido en el sitio equivocado; un lugar cubierto bajo kilómetros de plástico en donde los prejuicios y la superstición conviven con numerosas plagas de insectos gigantes. La desaparición de Farida, la chica de la que se encuentra enamorado, y un misterioso invernadero en el que está terminantemente prohibido entrar, son el detonante para que Indalecio se decida a emprender un peligroso y decisivo viaje de la mano de su hermano Ángel; un hombre que, a causa de una extraña enfermedad en la piel, se ve obligado a ir enfundado en un traje protector de color blanco que le hace parecer un astronauta que estuviese dando sus primeros pasos sobre la Luna. Dentro de la tierra es un cuento fantástico lleno de evocaciones, construido sobre una serie de metáforas para hablarnos de nuestro tiempo de intolerancia y desprecio por el otro. La puesta en escena multiplica el nivel metafórico para sumergirnos en un universo extraño donde nada es lo que parece. Un viaje catártico sobre nuestro tiempo y sobre el no futuro que nos espera.
Adolfo Simón
La librería de Isabel Coixet
«La librería” es la última película de la directora Isabel Coixet. En ella se narra la historia de como una viuda de la Segunda Guerra mundial se traslada a un pequeño pueblecito y decide allí, montar una librería. Es una historia sencilla y fácil de llevar, pero no por ello carece de fondo, pues es precisamente su sencillez lo que hace que la realidad sea más directa. La insaciable mezquindad de una sociedad resistente al cambio y la lucha que hace el arte, la literatura en este caso, contra esta misma y que a su vez se convierte en un puente para unir personas. Parece que dicho así esto resuena a demasiadas cosas, a cosa que ya han pasado, y que desgraciadamente seguirán pasando. Se trata de una historia espejo dónde, de alguna forma u otra, todos nos podemos llegar a sentir identificados.
Patricia Jorge
Federico y Lola-El desencuentro de Jon Sarasti en el Teatro Lara
Por primera vez en su vida Federico García Lorca gana dinero con su trabajo. En Buenos Aires la gente le conoce por la calle, la prensa le persigue, las admiradoras se cuelan en su hotel y las colas para ver La Zapatera Prodigiosa son enormes. Lola Membrives ha sido la amiga, la empresaria y la actriz que ha hecho posible este éxito. Lola está deseando leer el final de Yerma y organizar la nueva producción, pero Federico demora la entrega del texto. Será un drama comprometido, el poeta no quiere una compañía de teatro comercial para estrenar su Yerma. Hay varios elementos sugerentes en esta propuesta, por un lado, la posibilidad de descubrir aspectos de un tiempo que nos parece remoto pero en el que se gestó la memoria teatral de la que seguimos bebiendo hoy. Otro aspecto curioso es la posibilidad de especular con cómo fueron esos momentos íntimos en los que un autor se podría debatir en sus procesos de creación y las dudas que se generan ante a quién ofrecer una obra. Estos elementos son tratados de forma sencilla y comprometida, los dos actores generan una energía cargada de verdad y poesía que nos obliga a pensar también en qué teatro se hace hoy en día y para qué. Un obra interesante para todo el que se plantea cuál es su lugar en el mundo.
Adolfo Simón
Casta, Peste y Eternidad en los Teatros Luchana
Hasta el 24 de Noviembre pueden vivir una apología del amor con la Compañía Actos Intimos en los Teatros Luchana.
¿Puede nuestro alma transitar por el tiempo? Un viaje introspectivo. Un viaje que nunca fue, nunca es y nunca será, ya que para el Alma no hay tiempo. Y al final somos eso, una dualidad entre alma y cuerpo, en donde este último tiene prisa por correr. Atrevernos a mirarnos en nuestro propio espejo, y ver el reflejo de quién realmente somos. ¿Y es que mi alma puede cambiar? ¿Puedo cambiar el como soy?. Santi Senso, Fede Pouso y Beatriz dan vida a estos actos íntimos, en la que cada semana invitan a vivir esta experiencia a diferentes personas, en esta ocasión Camino Miñana. Un teatro experimental en donde se abre una puerta para descubrir quiénes fuimos para aceptar quiénes somos. Un tren que dará vueltas en círculo por el pasado, presente… y quizás futuro.
Amérika Liyun
Un tranvía llamado deseo en el Teatro Tribueñe
El teatro Tribueñe acoge su primer festival internacional de teatro y danza. Este festival cuenta con compañías de Francia, Italia, Argentina, España y Estados Unidos. De este último, la Compañía The Madrid Players, presentó el fin de semana una versión de Un Tranvía Llamado Deseo, de Tennessee Williams. The Madrid Players es una compañía de teatro en inglés fundada en 1965. El objetivo con sus propuestas es la de promocionar y fomentar la cultura inglesa en ámbitos españoles a través de la actividad teatral. Una propuesta dirigida a todos los públicos y sobre todo a la comunidad angloparlante de Madrid, colegios, universidades…Una forma de desarrollar el teatro como vía de comunicación. Una nueva visión de este tranvía llamado deseo, en donde se muestra las complicadas relaciones entre los personajes principales y los pintorescos habitantes del barrio.
Amérika Liyun
El ascensor en el Teatro Pavón Kamikaze
El ascensor es un thriller-romántico-musical, ganador del concurso Talent Madrid 2016, que nace con la intención de trasladar el estilo íntimo pero intenso del Off Broadway a la cartelera madrileña.
Cuando el matrimonio de Emma y John comienza a resquebrajarse tras una fuerte discusión, aparece en la vida de ella Mark, un joven que se dirige a la oficina de Emma para una entrevista de trabajo. La casualidad quiere que los dos coincidan dentro del ascensor de la empresa y se queden encerrados. Obligados a intimar y a conocerse en el reducido espacio del ascensor, Emma y Mark ríen, discuten y se ayudan, pero, sobre todo, descubren que quizá sus vidas no están tan alejadas como creen. Aparentemente existe un nexo común que ellos desconocían…
En una cartelera invadida de musicales de gran formato que tan solo entretienen el ojo del espectador, El ascensor propone otro tipo de experiencia, un juego de acertijos sobre lo que une y desune a los personajes. Y todo ello en una propuesta sencilla, íntima, sin adornos superfluos. Así, convierten una historia de intriga a través de canciones que provocan mayor intensidad en las emociones que se trasladan al patio de butacas.
Adolfo Simón
Antes de la metralla de Matarile Teatro en Naves Matadero
Antes de la metralla de Matarile Teatro no es una experiencia escénica convencional, es un compendio de reflexiones que han realizado el equipo base de la Compañía y que se completa con la presencia y aportación de integrantes puntuales que se acercan a la compañía durante unas sesiones-taller. El resultado es un macro cabaret filosófico que denuncia las atrocidades del hombre blanco en su afán por hacer del ser humano, un ser genial, pero, como en todo experimento, a veces no resulta como se soñó y el hombre blanco genera una especie de mutantes que tratan de sobrevivir a un mundo sin futuro. Un collage complejo de poéticas diversas que reivindica la necesidad de ser y no estar.
Adolfo Simón
Terrenal…Pequeño misterio ácrata de Mauricio Kartun en el Festival de Otoño a Primavera
Con más de cuatro décadas de carrera a sus espaldas, el argentino Mauricio Kartun (San Martín, 1946) está considerado como uno de los grandes maestros de dramaturgos de su país, además de un referente del teatro latinoamericano. Desde su debut en 1973 con Civilización… ¿o barbarie?, este autor y director se ha labrado una carrera marcada por el compromiso con la actualidad política de su nación, así como una escritura enraizada en la mitología clásica. Ambas cualidades se reflejan en Terrenal, una relectura del mito bíblico de Caín y Abel que, en manos de Kartun, se transforma en un conflicto de origen patronal más que de odio fraternal… y con marcado acento criollo. En su libreto, Caín representa a un pujante productor celoso de sus bienes y Abel, a un trabajador feliz de su libertad. Ambos relatan refranes y dichos típicamente argentinos a la espera de que aparezca su abuelo, un ser burlón que se transforma a lo largo de la obra. Hay una magistral peripecia en la escritura de este texto, Kartun opta por narrar la realidad desde una distancia dramática, sumergiendo las situaciones de pulso por el poder entre quien lo ostenta y el que lo anhela, a través de un juego verbal que propicia el disparate y la locura en la que nuestra sociedad contemporánea está inmersa en esa huida hacia ninguna parte, esa lucha por una meta que no tiene sentido ni ubicación moral. Establecer esta poética combativa en un teatro desvencijado y con personajes esperpénticos le da todavía más sentido profundo al discurso. Y, además, hay tres interlocutores geniales en escena que realizan un despliegue interpretativo de gran calado.
Adolfo Simón
Sensible en los Teatros del Canal
¿Es el amor sensible? ¿Lo somos nosotros cuando nos obsesionamos con alguien? Dos excepcionales intérpretes, Kiti Mánver y Chevi Muraday, dirigidos por Juan Carlos Rubio, exploran los estrechos límites que separan el amor del dolor, la felicidad de la angustia, sumergiéndonos en el abanico de emociones magistralmente trazadas por Constance de Salm en su aclamada novela. Una mujer madura y acomodada pasa por todas las etapas del calvario al descubrir a la salida de la ópera la traición de su joven amante, que sube al coche con otra mujer. Despechada se sumerge en una espiral de desenfreno intentando recuperar la atención de su enamorado. Juan Carlos Rubio da un salto en su trayectoria para enfrentarse a un material ajeno y sale airoso al adaptar la novela a la escena, dejando lo esencial para que la columna narrativa tenga garra dramática. Y se ha rodeado de un equipo excelente encabezado por una Kiti Manver en un momento cumbre de su carrera para encarnar a esa mujer que ha perdido el norte por amor. Lo que tal vez podría haber sido un monólogo intenso, se convierte en un diálogo curioso al incorporar a Chevi Muraday que da el contrapunto a la situación, mostrando no solo otro nivel escénico si no, también, lo que piensan los personajes y que no siempre dicen.
Adolfo Simón
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/sensible-constance-de-salm-teatro/
“Nocturnonº3” en Teatro Pradillo
Me aferro a la idea de que ir al teatro lleva la gran responsabilidad de esta dispuesto a salir transformado. Hoy día con la gran cantidad de propuesta que nos ofrece la cartelera podemos saciar casi cualquier paladar, aunque a veces el viaje vas más allá. hay veces que sin esperarlo una sale del teatro con la necesidad de habitar aquello que ha visto, de sucumbir a su estímulo, de que el baile que vivieron los ojos lo hagan ahora los pies. “Nocturnonº3” es de esas cosas que no te esperas, es esa mirada penetrante, excitadora y desconocida de una estación de trenes, es la necesidad de revolverse en el asiento con el impulso de un corazón dispuesto, es ritmo, es cuerpo y música, es la perfecta conjunción de el espacio vacío que deja una nota en suspensión. Tratamos muchas veces de expresar lo que los ojos ven y no lo que el alma siente, por eso hay cosas que se escapan a la literatura barata. Ojalá siempre tengamos la suerte de seguir emocionándonos y enriqueciéndonos de esta forma, en pequeñito y en la intimidad de una noche que cobra la magia de un sueño.
Patricia Jorge
Hits de Tricicle en Madrid
Otra vez me vuelvo a encontrar con Tricicle, ahora vienen con “Hits”…Otra vez vuelvo a pasar un rato divertido y sosegado junto a ellos. Ya son cuarenta años que les conozco y están en mí vida; desde aquel número que le catapultó a la fama con la canción de Julio Iglesias que todos tenemos en nuestra memoria colectiva y que forma parte de aquella transición política que vivimos a finales de los setenta. Ahora quieren rendir un homenaje a su público y de paso repasar su gran carrera teatral. Sketches de todos sus espectáculos como: Maicomic, Slastic, Terrific, Exit, Sit, configuran este maravilloso mosaico teatral de estos grandes maestros del humor de nuestro país.
Recomiendo a las nuevas generaciones que conozcan a este grupo que lleva ya trabajando juntos cuarenta años y que vean como el humor inteligente nunca se pasa de moda.
Luis Castilla
La desnudez de Daniel Abreu en los Teatros del Canal
Los extremos son los puntos imaginarios de una misma cosa. Nacer sería el primer punto y morir el segundo, entre medias está la vida que sucede a lo largo del tiempo necesario para que ambos puntos puedan existir en su totalidad. Esta idea puede ser trasladada a cualquier concepto expuesto a la sensibilidad de una mente abierta. El hombre y la mujer, los años faraónicos y las discotecas del barrio de chueca, el silencio y la música, lo blanco y lo negro… Se trata de un viaje por los puntos cardinales de la historia, Daniel Abreu nos presenta una propuesta cargada de contrastes, de cambios vertiginosos y de auténticos saltos en el tiempo. Con su lenguaje tan propio y personal, nos invita a recorrer la autentica desnudez de las cosas bellas. El cuerpo es testigo de la tensión, del impulso; es la materia que recorre el espacio, componiendo entre ambos un universo, que hace del resto de cosas meros asteroides girando en órbita. El riesgo de la propuesta hace de ella una paleta exquisita de imágenes que se le clavan a una en la retina, teniendo que parpadear un par de veces, siendo así víctima de ese micro-segundo de ceguera que cambia por completo la nueva imagen del mundo.
Patricia Jorge
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/daniel-abreu/
Una habitación propia en la Sala Margarita Xirgu del Teatro Español
Una escritora da una conferencia ante unas jóvenes estudiantes, sobre el tema de «las mujeres y la literatura», en 1928. Sus palabras, irónicas y afiladas, son el relato vivo de un descubrimiento: para dedicarse a la literatura, una mujer necesita dinero y una habitación propia. Sólo hace nueve años que se le ha concedido el voto a la mujer. La dinámica de esta falsa conferencia es una experiencia imaginaria, vívida y humorística, que desemboca como un río inexorable en algunas de las ideas más inteligentes y de apariencia más sencilla sobre el darse cuenta de las mujeres de su lugar en el mundo, en el momento mismo en que está sucediendo la mayor revolución social de todos los tiempos: la igualdad de hombres y mujeres ante la ley. Clara Sanchís encarna al personaje de forma exquisita, consiguiendo que un personaje de otra época nos hablé de hoy, consiguiendo que reflexionemos sobre la dificultad de ser respetados más allá de nuestro sexo y la dirección de María Ruíz pone el acento oportuno en todo lo que se dice en la sencilla puesta en escena.
Luis García Grande
Smoking Room en el Pavon Teatro Kamikaze
Adaptación teatral de la película Smoking Room, de Julio Walovitz y Roger Gual. Un montaje con personalidad propia que mantiene el espíritu que convirtió a la cinta en una de las películas de autor más celebradas del cine español de los últimos años. Hay algo muy sugerente en la puesta en escena y es el juego de planos cinematográficos que se crean con los rítmos rápidos en las transiciones gracias a un juego sencillo de movimiento de paneles; un sutil giro hace que la acción se sitúe en un lugar u otro, pudiendo saltar de una sauna a un despacho en un abrir y cerrar de ojos. Estos saltos espaciales y temporales también se realizan entre los personajes, dibujando de ese modo, una telaraña en la que van quedando atrapados todos por la complicidad que les une a través de un placer prohibido que han de disfrutar en secreto, haciendo aflorar de este modo, lo peor de cada uno de los personajes que se vuelven transparentes a los ojos del público. Un montaje actual que nos hace reflexionar sobre las debilidades de una sociedad que se cree evolucionada.
Adolfo Simón
Gravity&Other Myths con A Simple Space en el Teatro Circo Price
Gravity&Other Myths es una aclamada y premiada compañía de acróbatas australianos. Formada en 2009 en Adelaide, al sur de Australia, crea y dirige su propio trabajo, poniendo el énfasis en una aproximación lo más honesta posible a la creación. Más allá del circo tradicional o los modelos teatrales, la compañía busca una fusión simple y efectiva entre teatro físico y acrobático. Siete acróbatas -sutiles, frenéticos, directos- desafían sus límites físicos sin reservas. No hay trampa ni cartón: muy cerca de nosotros, en un escenario desnudo, sentimos su calor, percibimos el sudor y escuchamos cada pequeña respiración. Guiado por la percusión, inmerso en el más puro presente, A Simple Space despierta en el espectador una respuesta más visceral que cerebral. Y es que estos acróbatas se arriesgan con la posibilidad real del error, de la debilidad, sin más equipamiento que su fuerza bruta y su agilidad felina. Nada que esconder, solo permitir que las narrativas personales de cada uno brillen desde dentro. Esta honestidad es la esencia de A Simple Space. En algún momento de la historia, el hombre se puso en vertical y luchó con el equilibrio de su cuerpo en el espacio, muy pronto se olvidó de sus orígenes y su cuerpo perdió elasticidad y postura. Con esta propuesta, los acróbatas, de manera sencilla y de la mano del humor, recuperan ese momento perdido en el eslabón del tiempo para recuperar las mil posibilidades de saltar, trepar y dibujar líneas en el aire.
Adolfo Simón
Solitudes de Kulunka Teatro en el Centro de Arte Fernán Gómez
La compañia Kulunka Teatro presenta “Solitudes”, su segundo montaje después de “André y Dorine”. Una historia que, a través del humor, ahonda en la soledad y la incomunicación de los miembros de una familia. El mismo equipo creativo ha puesto en pie un nuevo trabajo de teatro de máscaras que, sin una sola palabra, resulta todo lo contrario a inexpresivo. Una obra imprescindible en la cartelera de Madrid. Un trabajo para público sensible que no busque el entretenimiento simple si no una historia que le emocione y le haga pensar. Poco a poco, la Compañía Kulunka está consiguiendo un espacio propio en la poética del teatro de lenguaje expresivo corporal y máscaras y lo están consiguiendo a base de tenacidad y profesionalidad. Sin duda, una obra que no va a decepcionar a nadie que acuda a verla.
Adolfo Simón
“17 maneras simpáticas de acabar con el capitalismo” en Cuarta Pared
“17 maneras simpáticas de acabar con el capitalismo” es una propuesta de vuelta y media. Se trata de una historia de historias desmedidas y llevadas al extremo máximo y causando consecuencias inimaginables. Hablamos de capitalismo, de su consecuencia y de su rebelión. Esta fábula accede a los puntos más básicos cuando ponemos sobre la mesa la conciencia política, con la diferencia de que aquello que sucede rompe con el realismo del día a día. Con esta propuesta gamberra uno disfruta desde la butaca de la inaceptable situación política que corren en estos tiempo, una situación tan ridícula que esta obra se queda en un mero chiste.
El teatro lucha y crea un espacio reflexivo. En este caso la Cia Casa Real no deja títere con cabeza.
Patricia Jorge
«El guardaespaldas-El Musical» en el Teatro Coliseum Gran Vía de Madrid
“El Guardaespaldas” el musical es una propuesta de Stage con una historia basada en la famosa película protagonizada por Kevin Costner y Whitney Houston. En este caso podemos disfrutar no solo de unas grandes voces, sino de una propuesta escénica a la altura de los musicales más novedosos de estos años. La música y el baile invade el magnífico escenario que se transforma para que la experiencia no carezca de nada. La energía se desborda a cada tema que va sonando, el publico lo recibe y lo devuelve a modo de aplauso. Sin duda un musical que evoca una época y una historia bajo el titulo de: “Todo un clásico”.
Patricia Jorge
«Desconexión» (pausa) en Dt Espacio Escénico.
Pausa: breve interrupción de un movimiento, proceso o acción que se estaba desplegando.
¿Vivimos en una sociedad sumamente rápida? ¿Es desmedida esta velocidad? ¿Necesitamos pausa? Estas son algunas de las cuestiones que plantea Gonzalo Simón en su pieza «Desconexión» (pausa), en la DT Espacio Escénico. Una pieza contemporánea donde se le da un valor importante a la pausa, a tomarse un respiro y volver a arrancar con más fuerza. Y yo me pregunto ¿Porque dejamos un largo trecho entre el bullicio de una sociedad que nos consume y la tranquilidad de la mar en calma? ¿dónde ubicamos nuestra pausa?
La desconexión habita en todo el espacio, sorprendiendo en ocasiones con una ruptura brutal de esta misma.
Amérika Liyun
Ultramarinos de Paco Zarzoso en Lagrada de Madrid
Ultramarinos anda a caballo entre la realidad y la ficción, ya que en el año 1954, una ballena disecada, en el interior de un camión, recorrió buena parte de la geografía del país, para ser exhibida en en el interior de una carpa. La cotidianidad en un anodino pueblo de montaña nos mostrará a unos personajes en una situación provisional y transitoria como metáfora de la vida lejos del mar, de nuestros orígenes, metáfora también de la búsqueda de la felicidad, todo eso a través de la preparación para mostrar un espectáculo de feria.
Cuando era niño, en mi pueblo había unas tiendas llamadas «Ultramarinos», allí se encontraba de todo lo que hacía falta para vivir, eran lugares mágicos que albergaban en sus estanterías cosas sin tiempo. Esta obra de Paco Zarzoso me ha hecho recuperar aquel aroma, aquellos lugares y desde ahí, he viajado con sus palabras para disfrutar de la magia del misterio y de la escena como un lugar para evocar y soñar un mundo mejor.
Adolfo Simón
El cantor de México en el Teatro de la Zarzuela
La opereta Le chanteur de Mexico fue compuesta por Francis Lopez para el célebre y celebrado artista vasco Luis Mariano, y se estrenó, con un éxito arrollador, el 15 de diciembre de 1951 en el Théâtre du Châtelet de París. Para la ocasión fueron programadas numerosas funciones del espectáculo de Lopez, que, aunque francés de cuna, era de origen hispanoamericano con ancestros también vascos. El músico fue especialmente pródigo en la composición de operetas que saltarían a la fama en la voz del tenor español. La propuesta que presenta, el Teatro de la Zarzuela, muestra un escenario fantástico, al más puro estilo kitsch, donde se recrea un mundo tropical, sofisticado, en tecnicolor como corresponde a ese tipo de cine que persigue el gran espectáculo y que es precisamente el universo en el que se suceden todas las tramas de la historia. Una puesta en escena que enlaza exotismo con teatralidad, creando un efecto visual fascinante a la vez que nos narran la ambición desmedida de personajes que aspiran a triunfar a toda costa.
Adolfo Simón
La familia Adams en el Teatro Calderón de Madrid
El espectáculo, que traslada a las tablas del teatro los personajes creados por el ilustrador Charles Addams, está dirigido por Esteve Ferrer y producido por LetsGo Company (Dirty Dancing, The Hole, The Hole 2 y The Hole Zero) con los efectos especiales que ya les caracteriza. La comedia, basada en el libreto de Brickmann y Elice, cuenta con música de Andrew Lippa y comenzó su recorrido por los escenarios en el Ford Center for the Performing Arts Oriental Theatre de Chicago en 2009 y continuó sus representaciones en el Lunt-Fontanne Theatre de Broadway en 2010, consiguiendo un gran éxito entre el público. A España llega con un reparto de primer orden que consigue la complicidad con un público ansioso de sufrir riendo.
Adolfo Simón
Discursos escénicos sobre lo masculino y lo femenino en Madrid.
Abordar propuestas escénicas que entren a valorar terrenos pantanosos como pueden ser los ámbitos de lo masculino y lo femenino no es una tarea fácil y puede acabar en las consabidas e infinitas discusiones. Dos propuestas en Madrid que investigan sobre estos temas son las de Sol Picó, que presentó «Dancing with frogs» en el Centro Cultural Conde Duque, dentro del Festival DanzaMOS y «Una habitación propia», dirigida por María Ruiz en el Teatro Español.
Sol Picó pretende escarbar e incluso desmontar el eterno mito de la masculinidad arrancando la piel a siete hombres de manera que muestren lo más profundo de su yo a través de la danza performática. Picó se calza el bigote y baila con sus sapos, esos hombres que necesitan el toque adecuado para demostrarnos que los límites entre lo masculino y lo femenino lo ponemos nosotros mismos, las definiciones sobre nuestro género sobran y son nuestro esperpento particular cuando intentamos demostrar actitudes y prejuicios. El hombre del S. XXI ha evolucionado o, quizás, no. Dejemos espacio para la reflexión después de sumergirnos en este exquisito trabajo, en el que, una vez más, una mujer nos saca las castañas del fuego.
Sin embargo, Maria Ruíz, dirige a Clara Sanchís en «Una habitación propia» para plantearse la situación de lo femenino hace un siglo y hacernos reflexionar sobre el cambio de situación del discurso a través del teatro de una forma completamente diferente. Un monólogo bien escenografiado y dirigido para condensar, y que no parezca un ensayo, la novela de Virginia Woolf. Sanchís,a través de una ficticia conferencia, desgrana poco a poco una selección de los capítulos de esta obra, de los diferentes temas que aborda y revive a Woolf en sus universidades para mujeres, en sus deseos de ser escritora y en su búsqueda de ese lugar propio bajo la teoría de que sólo una buena situación económica podrá hacer que las mujeres encuentren su sitio en la sociedad. Todavía hoy hay mujeres que tienen que comer sopa de carne y natillas mientras miran como los hombres comen codornices y disfrutan de un buen vino. Todavía hoy, el discurso de Virginia tiene coherencia y nos invita reflexionar.
Ahora mezclemos en la batidora cerebral estas dos propuestas y pensemos en un mundo sin prejuicios.
Luis Mª García Grande.
Que Revienten los Artistas 
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