Exposición: 8 cos enganxat de Alex Francés
Un proyecto de Alex Francés comisariado por Aramis López
Alex Francés es un artista que trabaja desde hace dos décadas en la consecución de una obra que habla sobre el sentido y la función de la imagen en relación con el cuerpo mediante diferentes técnicas de representación, desde el dibujo, la escultura o la fotografía hasta el vídeo o la instalación
8 cos enganxat, la exposición que se presenta en La Virreina Centre de la Imatge a partir del próximo 28 de marzo, se compone de obras creadas pensando principalmente en ciegos; obras en las que la mirada no es cautiva del sentido de la vista. Son obras que propician la elaboración de mapas cognitivos, son obras creadas para el intelecto.
A partir de un pequeño dibujo hecho con puntos en 1990, Alex Francés elabora un bordado (El banquete, 2012). Es el principio de una serie en la que comienza a tratar el contorno y las siluetas del cuerpo humano. Continúa confeccionando obras utilizando labores tradicionales (ganchillo) y empieza a fabricar objetos informes en principio, que recuerdan a órganos internos del cuerpo, órganos innombrables hasta ese momento, que ejecutan funciones necesarias pero desconocidas, que son partes de su cuerpo o, mejor, que son las partes que permiten hablar de su cuerpo.
En esta nueva etapa no se trata solo de referenciar su cuerpo, sino de elaborar un cuerpo a base de objetos-imágenes- órganos. No es crear un hombre, no es moldear con arcilla un ser humano; su labor de tejer un cuerpo está más cercana a crear un diccionario, un tesauro de funciones propias del individuo y de sus órganos. En este caso, la labor del artista no se reduce a crear los objetos-imágenes-órganos, sino también a la elaboración de las normas gramaticales que permiten crear las oraciones tomando como palabras las imágenes.
Con esta propuesta artística, Alex Francés trata de ampliar o delimitar la definición de imagen hablando de ella, y hablándolo con personas que construyen sus imágenes de forma muy distinta, hablando y mirando con ciegos.
La Virreina Centre de la Imatge
Virreina LAB
Palau de la Virreina
La Rambla, 99
08002 Barcelona
http://www.bcn.cat/lavirreina
Inauguración: jueves 27 de marzo de 2014, a las 19.30 h
Horario: de martes a domingo y festivos, de 12 a 20 hs.
Exposición: «ALGO HUELE MAL… YO NO QUIERO SER UN ARTISTA CONTEMPORÁNEO»
Del 29 de Marzo al 18 de mayo 2014
Bajo la amarronada y pestilente superficie de esa actualidad sumergida en la corrupción y la desesperación, llena de frivolidad y de vanidad estética, asoma una época narcótica donde casi nadie se molesta en mirar y comprender el proceso de una obra de arte. La frivolidad no es Manzoni y su «Mierda de artista» (que parece ser que ni siquiera era mierda de artista) sino que cruza el mundo en una red de intereses, de amiguísimo y de oportunismo que llenan debates e inauguraciones.
Gillo Dorfles predijo que el crítico acabaría sustituyendo al artista, quizá sólo erró en la nomenclatura, pues la palabra que lo define a él mismo ha sido paulatinamente remplazada por otras como comisario, curator o gestor cultural. Emmanuel Lévinas, más autocrítico, nos dice que no sólo el nombre, sino que también su figura, tal como se entendía en el siglo anterior, ya ha desparecido. Hoy en día, quien construye el discurso y dicta el sentido del arte ya no son los artistas (siempre jóvenes, siempre salvajes, siempre ingenuos, siempre prescindibles), ni, por supuesto, tampoco los críticos (borrados prácticamente de la prensa escrita y del panorama digital) sino estos nuevos «coach» culturales. Tanto en la más aparatosa de las bienales como en la más humilde de las colectivas de centro cívico, siempre hay un comisario dispuesto a hacer el descubrimiento de un artista. Ellos son una especie de agentes secretos que, desde una posición extra-artística (o, a lo sumo, para-artística) articulan los discursos, dictan cuáles son los centros de interés. Son quienes señalan la nueva tendencia y quienes la finiquitarán cuando convenga.
El artista (el artista contemporáneo al que se refiere el título) pasa a ser poco más que una víctima colonizada, un simple actor del drama (en su acepción más hitchcockiana: «Son ganado»). Su obra será presa del fetichismo de la mercancía, será reducida a simple «souvenir», un objeto que revela la ausencia descarnada de cualquier tipo de experiencia. Su trabajo sólo estará en el escaparate el tiempo justo antes de que el zapping que configura la nueva verdad lo olvide por completo. La verdad de estos nuevos demiurgos tiene pretensiones de documental, cuando, en realidad, es de un divismo faraónico, amén de ser una realidad «empapada de una hipermodernidad homogénea, que el ciberespacio se encarga de escampar, como un diluvio, a nivel global» (Fumaroli dixit).
Benxamín Álvarez ha titulado su exposición «Algo huele mal… ¡Yo no quiero ser artista contemporáneo!», y en ella ofrece su visión del papel del artista, mitad comediante y mitad explorador. Para ello ha generado un vocabulario a partir de imágenes y objetos tridimensionales que manipula y exhibe como esculturas independientes. Estos trabajos en cera, madera, parafina, tela y metal adquieren un carácter onírico con una carga crítica e irónica, representan una manera de ver y de proyectar. Reivindica para el arte, un oficio, una forma de contar, de mirar, que siente más que piensa y nos traslada ese «afecto que nos habla con más acierto de la realidad de las cosas». Como dejó dicho el poeta Leopoldo María Panero (sirva esta cita de homenaje), «Todo hombre tiene miedo de la verdad. La verdad es torpe, bestial… Avanza a zarpazos y no por el camino recto como el sexo» Benxamín Álvarez, ahora y aquí, nos presenta su trabajosamente meándrica verdad: Intima y familiar, física e hipnagógica, sutil y salvaje, terrible y bella.
Título: «Algo huele mal… ¡Yo no quiero ser un artista contemporáneo!»
Autor: Benxamín Álvarez
Espacio: La Xina A.R.T., Hort de la bomba 6, 08001 Barcelona
Fechas: del 29 de Marzo al 18 de mayo 2014
Horario: Mañanas de lunes a viernes de 11 a 13 h. Tardes de martes a sábado de 17:30 a 20:30 h. Visitas concertadas los demás días.
Inauguración: sábado 29 de Marzo a las 19:30 h.
Exposición: ‘Reflexiones del Cielo, meditaciones en la Tierra. Caligrafía artística moderna en el Mundo Árabe’
‘Reflexiones del Cielo, meditaciones en la Tierra. Caligrafía artística moderna en el Mundo Árabe’ es una muestra colectiva que recoge, a través de cuadros sobre lienzo, madera, papel y escultura, la obra de 57 artistas contemporáneos árabes que tienen el elemento común de utilizar la caligrafía árabe en su trabajo.
Esta muestra es el resultado de una fructífera colaboración entre la Jordan National Gallery of Fine Arts y el Museo Valencià de la Il.lustracío y la Modernitat- Muvim.
El ministro de Asuntos Exteriores y Cooperación Internacional inaugurará la exposición el 24 de marzo en un acto que contará con la presencia de S.M. la Reina y S.A.R. la princesa Wijdan al Hashimi. En la misma, el catedrático de Historia del Arte de la Universidad de Granada, Rafael López Guzmán, ofrecerá una charla sobre arte mudéjar en Iberoamérica.
Fechas: inauguración, el 24 de marzo.
La entrada a la inauguración es exclusivamente con invitación.
La exposición se puede visitar del 25 de marzo al 14 de mayo de 2014.
Lugar: Sala Frida Kahlo.
Hora: De lunes a viernes de 11.00 a 19.30.
Sábado de 11.00 a 15.00.
Domingos cerrado.
Entrada libre hasta completar aforo.
Exposición: Premios VIDA en Espacio Fundación Telefónica
Fundación Telefónica muestra el lado más vivo de la tecnología con la exposición Premios VIDA 15.0
Los Premios VIDA cumplen 15 años. Este certamen, creado en 1999 por Fundación Telefónica, es una de las iniciativas pioneras dedicadas a las manifestaciones emergentes del arte y la vida artificial. Ahora, en este XV aniversario, Fundación Telefónica quiere acercar el lado más vivo de la tecnología al público general. Para ello, pone el foco en la parte más divulgativa de estos premios y muestra el cruce entre ciencia, arte y tecnología.
Esta nueva propuesta se inicia con la exposición Premios VIDA 15.0, que podrá verse en el Espacio Fundación Telefónica del 12 de marzo hasta el 20 de abril e incluirá los tres primeros premios, el premio del público y los dos premios de Incentivos. Además, se proyectará un documental divulgativo, dirigido por José Luis López Linares, sobre la historia de vida artificial y su vinculación a los Premios VIDA. Un año más, las obras premiadas exploran desde el arte el concepto de vida, ofreciendo múltiples perspectivas que se mueven en la zona híbrida en la que confluyen ciencia, tecnología, sociedad y pensamiento.
Este año se pone en marcha también el programa educativo Experimenta VIDA dedicado a jóvenes y a niños interesados en el cruce de arte y vida artificial y se complementa con charlas y talleres divulgativos que aúnan todas las disciplinas que abarca el certamen. Además, para aproximarnos más a la vinculación entre ciencia y arte, el próximo 27 de marzo, el profesor de psicología de la Universidad de Michigan, Robert Root- Bernstein, y el artífice y exdirector del Cosmocaixa de Barcelona y uno de los divulgadores científicos más destacados de España, Jorge Wagensberg, asistirán al ciclo de conferencias «Arte con ciencia»
En el marco de los Premios VIDA 15.0, otra de las actividades para acercar la tecnología al público es la instalación interactiva formada por una gran pantalla espejo en la planta 2 del Espacio Fundación Telefónica. A través de sensores, el espejo replica los movimientos corporales de la gente y los convierte en vida artificial. ¡Si aún no lo conoces, acércate hasta el 23 de marzo!.
3 exposiciones 3
OLAFUR ELIASSON
Galería Elvira conzález
Más info en: http://www.elviragonzalez.es
EDGARDO ARAGÓN
Tabacalera Espacio Promoción del Arte
Más info en: http://www.mcu.es
DOMINIQUE GONZÁLEZ-FIERSTER
Palacio de Cristal – Reina Sofía
Más info en: http://www.museoreinasofia.es
Yoko Ono. Half-A-Wind Show… Retrospectiva
– Comisarios: Ingrid Pfeiffer, comisario Schirn Kunsthalle Frankfurt; Álvaro Rodríguez Fominaya, comisario Museo Guggenheim Bilbao; Jon Hendricks, comisario Yoko Ono Exhibitions
– Fechas: 14 de marzo-1 de septiembre, 2014
– Una exposición de la Schirn Kunsthalle Frankfurt en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao
– Patrocina: Seguros Bilbao
Con motivo del ochenta aniversario de la artista en el año 2013, el Museo Guggenheim Bilbao acoge, del 14 de marzo al 1 de septiembre de 2014, Yoko Ono. Half-A-Wind Show. Retrospectiva , una retrospectiva única de una de las artistas más influyentes de nuestro tiempo, una leyenda viva que ocupa un lugar destacado en el arte contemporáneo, la música y el cine experimental.
La muestra, que cuenta con el patrocinio de Seguros Bilbao, reúne cerca de doscientas obras a lo largo de la tercera planta del Museo, a través de las cuales el visitante podrá descubrir el poliédrico universo artístico de Yoko Ono a través de más de cinco décadas de creatividad, desde mediados de los años cincuenta hasta la actualidad, incluyendo sus creaciones más recientes así como una nueva versión de la instalación y performance Moviendo montañas (Moving Mountains).
Durante más de sesenta años de producción, Yoko Ono (Tokio, 1933) ha sido reconocida como una de las más destacadas artistas de vanguardia. Pionera en aquellas especialidades artísticas a las que ha consagrado su vida, la artista ha sido considerada una de las precursoras del Arte Conceptual, el cine y la performance, así como una figura clave en el mundo de la música, con la producción de numerosos álbumes.
A lo largo de la tercera planta del Museo el visitante podrá descubrir el variado abanico de medios que ha utilizado a lo largo de su trayectoria: desde las artes plásticas, el dibujo, la poesía, el cine o la música hasta las instalaciones, el vídeo o la performance, entre otros. Sus piezas adoptan formas y soportes heterogéneos para desafiar las ideas convencionales del arte y plantear cuestiones esenciales sobre la existencia humana.
Un fascinante recorrido por los principales temas e ideas que abarcan toda su carrera: como su creencia en el poder de la imaginación, su compromiso político, su sentido del humor y del absurdo o su sensibilidad ante los conflictos mundiales o ante el papel de la mujer en la sociedad. Ideas que parten tanto de su propia biografía como de cuestiones universales, que le han llevado a ocupar un puesto destacado al frente de movimientos como el pacifismo o el feminismo.
Ciertos elementos de la tradición oriental enriquecen las obras de Yoko Ono, cuyo trabajo se basa en ideas, algunas de las cuales se manifiestan en forma de objetos, mientras que otras permanecen en el plano de lo inmaterial. A menudo, es posible reconocer en ellas una dimensión poética, un sutil sentido del humor y una actitud de crítica social, girando en torno a conceptos como la unidad, la confianza o el equilibrio.
El punto de partida para muchos de los trabajos de Yoko Ono son sus Instrucciones, directrices verbales o escritas que la artista dirige al público para la ejecución de acciones utópicas o realizables. De este modo, la autora asigna al espectador un papel activo en el proceso, incitándole a participar y conduciéndole a profundizar en la autorreflexión y el potencial de la mente.
La palabra «Participa» colocado junto a algunas de las obras, es una invitación directa de Yoko Ono a interactuar con su obra. Y lo hará por medio de la pieza Entrada (En Trance, 1998/2013), una de las instalaciones arquitectónicas de Yoko Ono, consistente una puerta giratoria de cristal y una cortina que da la bienvenida al público a la muestra.
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Para más información:
Museo Guggenheim Bilbao
Departamento de Comunicación y Marketing
Tel: +34 944359008
Fax: +34 944359059
media@guggenheim-bilbao.es
“Retratos de papel”, un nuevo y ambicioso proyecto de Chema Conesa
* Ofrece una radiografía de la sociedad española de los últimos 35 años, a través de sus protagonistas
* Aparecen fotografiados grandes personajes de todos los ámbitos, como Almodóvar, Camarón, Barceló, Umbral o Adrià.
Sala Comunidad de Madrid-Alcalá 31 (a partir del 30 de abril)
Más info en: http://www.madrid.org/agenda-cultural
Exposicion de Alicia Framis… Framis in Progress
Del 15.03.2014 as 01.06.2014
MUSAC – Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León
Avda. Reyes Leoneses, 24. León
Más info en: http://www.musac.es/
Feminis-Arte II en CentroCentro Palacio de Cibeles en Madrid
Muestra de videoarte de mujeres artistas desde una perspectiva de género.
Los discursos feministas y los planteamientos de género desarrollados por mujeres artistas constituyen, hoy en día, uno de los mayores aportes teóricos y prácticos al ámbito de las artes visuales, así como uno de sus más importantes revulsivos.
FEMINIS-ARTE II recoge esta pluralidad temática y discursiva, dando continuidad a la edición celebrada el año pasado en estas mismas salas. En esta ocasión, la muestra reúne la obra de 18 videoartistas, procedentes de Bolivia, Brasil, Costa Rica, Cuba, Ecuador, España, México, Suecia, Suiza y Turquía, trabajos vertebrados en seis apartados:
• Poder y violencia de género
• Labora, Labora
• Amore mio
• Feminidades, clichés y parodias
• Identidades genéricas y representaciones: cuestionamientos y revisiones
• Au plain air: dejando lastres, oxigenando cuerpo y mente
Más info en: http://www.centrocentro.org/centro/exposicion_ficha/80
Exposición: Christian Marclay… El reloj (The Clock)
– Fechas: 6 de marzo-18 de mayo, 2014
– Comisario: Álvaro Rodríguez Fominaya
El Museo Guggenheim Bilbao presenta Christian Marclay: El reloj (The Clock), la primera muestra que inaugura, en la sala 103, un programa dedicado al videoarte, a la videoinstalación y a la imagen en movimiento. Este nuevo espacio, denominado Film & Video, expondrá tanto obras de los Museos Guggenheim como de otras colecciones, poniendo el énfasis en la producción en vídeo más reciente.
Más info en: http://www.guggenheim-bilbao.es
Exposición fotográfica sobre “Escenas y miradas de teatro” en Torralba de Calatrava
Exposición fotográfica sobre “Escenas y miradas de teatro” en Torralba de Calatrava.
Más info en: http://www.miciudadreal.es
‘SEMIOLOGÍA, SEMÁNTICA Y MEMORIA EN EL IMAGINARIO URBANO’, LA EXPOSICIÓN DE MIGUEL ÁNGEL REGO
Nave 73 acoge desde el jueves, día 20 de febrero hasta el 27 de marzo, la exposición Semiología, semántica y memoria en el imaginario urbano, del artista madrileño Miguel Ángel Rego.
Una palabra. Semiótica. Si alguien pretende trabajar mediante el lenguaje simbólico puede considerar en inicio que resultará cómodo, incluso, fácil. Miguel Ángel Rego nos demuestra que para saber concretar una serie de valores y variables acertadas, hace falta ser conocedor en profundidad del campo desde el cual se trabaja.
La firmeza y la solidez de su planteamiento creativo nos llevan a creer que su sistema de comunicación es el camino para encontrar una aportación innovadora que aún está por fraguarse a pesar de su enorme seriedad.
Miguel nos brinda la ocasión de celebrar lo que bien podría ser una fiesta, una fiesta con distintos sabores que mediante la crítica visual podría tornarse en una fiesta completamente ácida; sobre todo si no aprendemos de la historia.
Una exposición para la historia.
Exposición: Per/Form… Cómo hacer cosas con [sin] palabras
En CA2M de Móstoles(Madrid)
Se inaugura el 22 de marzo y permanecerá abierta hasta el 21 de septiembre.
Más info en: http://www.ca2m.org
Exposición: Datascape… Nuevos paisajes en la era tecnológica en LABoral
LABoral Centro de Arte y Creación Industrial
Datascape
Nuevos paisajes en la era tecnológica
14 de marzo – 21 de septiembre de 2014
La representación del paisaje ha sido un elemento central de la creación artística a lo largo de los años y en todas las culturas. Un repaso a los últimos siglos permite constatar de qué formas la reproducción de paisajes realistas o la escenificación de otros imaginarios revelan las preocupaciones y especificidades culturales de cada periodo.
En la actualidad habitamos un medio en el que el movimiento cada vez mayor de personas y bienes y los flujos ininterrumpidos de datos que recibimos y emitimos han introducido un nivel de complejidad enorme. Si en otra época sólo se podía vivir en un único espacio-tiempo (el aquí y ahora), la computación en red y móvil ha dotado a cada individuo, de alguna forma, de un cierto don de ubicuidad. Pero además, esas mismas herramientas proporcionan una capa de información constante que afecta a nuestra percepción del entorno en tiempo real.
Esa omnipresencia de la informática se vio favorecida por la invención de la interfaz gráfica: un avance pionero de finales de la década de los setenta que posibilitó el desarrollo de la computación a escala masiva.
Datascape , una revisión de cómo abordan los artistas contemporáneos la complejidad del mundo, toma su nombre de una noción de realidad cada vez más complicada debido a los datos que la rodean. El título, que funde los vocablos Datos (data) y Paisaje (landscape), sugiere que, en estos momentos, los artistas han integrado las diversas fuentes susceptibles de constituir sistemas de representación de múltiples capas, desde lo más clásico a lo más tecnológico. Pero, además, la mayor parte de las obras exploran ese espacio borroso entre aquello que es físico y lo que no lo es, transponiendo y yuxtaponiendo elementos dentro y fuera de la pantalla y, al hacerlo, plantean una reflexión sobre el estado de confusión perceptiva y de cambio que este nuevo continuum espacio-temporal ha generado.
Comisario: Benjamin Weil
Artistas: Burak Arikan, Angela Bulloch, Nerea Calvillo, David Claerbout, Harun Farocki, Joan Fontcuberta, Michael Najjar, Enrique Radigales, Thomas Ruff, Karin Sander, Charles Sandison, Pablo Valbuena
Más info en: http://www.laboralcentrodearte.org
Exposición: Ruperto Chapí y la zarzuela grande «fin de siglo»
Más info en: teatrodelazarzuela.mcu.es
Artistas inquietos
En La Fábrica puedes comprar tanto online como en la tienda física ubicada en pleno Barrio de las letras madrileño (Calle de la Alameda, 9) puedes conseguir una pieza única de Juan Gatti.
Exposición sobre David Bowie y su universo creativo.
En La Térmica de Málaga.
Ouka Lele realiza una instalación fascinante en la sala Goya del Círculo de Bellas Artes de Madrid.
Exposición: Vida acuática en Teatralia
Vida acuática es una exposición que compone un singular e imaginativo mundo
submarino…sin agua. Un mundo inventado por Ferroluar que hace gala de
una gran creatividad con sus instalaciones realizadas únicamente a partir de
materiales reciclados.
Las sorprendentes piezas, fabricadas con motores de limpiaparabrisas, paraguas,
restos de metales, muelles, tornillos, etcétera; forman un ecosistema propio.
Intentan imitar no sólo el movimiento, sino también el carácter y la esencia vital
que desprenden diferentes organismos acuáticos.
La gran diversidad de movimientos y el abanico de formas de las piezas expuestas,
buscan provocar la curiosidad del visitante para que, según avance por la
muestra, se sienta sumergido en las profundidades de esos océanos particulares.
La naturalidad de los movimientos conseguidos por el artista parece algo mágico,
pero a la vez invitan a indagar estas nuevas formas de “vida” y desgranar la
simplicidad de sus mecanismos.
Las piezas se activan mediante sensores de movimiento, lo cual provoca la
interacción del espectador con los habitantes de ese imaginativo mundo y hace
que de una manera fluida, y también lúdica, se produzca la comunicación ser
humano-máquina.
Los mecanismos van desde una simple bomba de aire conectada a una
electroválvula, como en el caso del pez globo, pasando por unas cadenas que
traccionan un banco de peces, hasta una biela que articula el movimiento de una
ballena beluga.
La peculiaridad de las creaciones de Ferroluar hace de esta exposición, no sólo
una oportunidad de disfrute estético, sino también el punto de partida para
abordar temas medioambientales (ecología), de consumo responsable (reciclaje y
reutilización) y tecnológicos
Más info en: http://www.madrid.org/dat_capital/deinteres/impresos_pdf/Teatralia2014V2.pdf
EXPOSICIÓN: ANNA LIZARAN
Del 23 de Enero a 31 de Julio del 2014
Teatre Lliure – Gràcia y Montjuïc
coordinación, guión y textos Guillem-Jordi Graells
comisariado fotográfico Ros Ribas
diseño de espacio y ambientes Pep Duran Esteva
Más info en: http://www.teatrelliure.com/es/programacion/temporada-1314/actividades/exposiciones/en-recuerdo-de-anna-lizaran
La cámara indiscreta: Tesoros cinematográficos de Magnum Photos
Recoge 116 fotografías en blanco y negro y color, realizadas
por 17 fotógrafos de la agencia, en los años 50, 60 y 70
Aparecen Charlie Chaplin, James Dean, Katharine Hepburn,
Dustin Hoffman, Marilyn Monroe y John Malkovich, entre otros
Feb.14.- La Comunidad de Madrid ofrece la posibilidad de disfrutar por
primera vez en España de un conjunto de fotografías de la prestigiosa
agencia Magnum Photos realizadas en rodajes de grandes hitos de la
historia del Cine. Candilejas, Rebelde sin causa, Moby Dick, El Álamo, El
planeta de los simios, La tentación vive arriba, De repente, el último verano,
Lo importante es amar, Muerte de un viajante, El proceso o Zabriskie Point,
son algunos de los títulos que abarcan. El foco de atención de todas ellas
está en lo que sucedía fuera de las cámaras y que el público no podría ver.
La Sala Canal de Isabel II de la Comunidad de Madrid (C/ Santa
Engracia, 125, Madrid) presentará la primera semana de abril la exposición
titulada, La cámara indiscreta. Tesoros cinematográficos de Magnum
Photos. Organizada por el Gobierno regional, la muestra recoge 116
fotografías en blanco y negro y color, realizadas por 17 fotógrafos de la
agencia, en las décadas 50, 60 y 70. Un conjunto de auténticas joyas para
los amantes del séptimo arte y de la fotografía.
Entre los personajes retratados, que sin duda forman parte de lo más
relevante de la historia del cine universal, cabe destacar a: Charlie Chaplin,
Montgomery Clift, James Dean, Clarke Gable, Katharine Hepburn, Charlton
Heston, Dustin Hoffman, Buster Keaton, Klaus Kinski, John Malkovich,
Marilyn Monroe, Gregory Peck, Anthony Perkins, Romy Schneider, Elizabeth
Taylor, John Wayne, Orson Welles o Natalie Wood, entre otros.
El montaje de la exposición, que ha sido organizada en colaboración
con Canopia -agente cultural de Magnum Photos en España-, recuperará el
ambiente que trascurre en los sets de rodaje. Además de las fotografías, el
recorrido incluirá la proyección de algunos minutos de las películas
originales, permitiendo evocar la magia de unos años dorados para el cine.
Agencia Magnum Photos
Los fotógrafos representados en esta exposición son: W. Eugene Smith,
Elliott Erwitt, Dennis Stock, Nicolas Tikhomiroff, Erich Lessing, Burt Glinn,
Jean Gaumy, Bruce Davidson, Inge Morath, Eve Arnold, Cornell Capa, Henri
Cartier-Bresson, Ernst Haas, Erich Hartmann, Peter Marlow, David Hurn y
Gueorgui Pinkhassov.
Todos ellos pertenecen a la prestigiosa agencia Magnum Photos,
fundada en 1947 por los reporteros Robert Capa, Henri Cartier-Bresson,
George Rodger y David Seymor, como la primera cooperativa en el mundo
de la fotografía. Varios fotógrafos asociados con la agencia Magnum
trabajaron desde sus inicios con los cineastas más importantes del
momento.
La amistad de Robert Capa con importantes figuras de la industria del
cine, como Ingrid Bergman, Billy Wilder o John Huston, le permitieron
acceder al cautivador mundo de Hollywood. Esta conexión con el mundo del
cine ha continuado hasta hoy en día y se ha ampliado para incluir a los
directores y estrellas de cine de todo el mundo.
En la actualidad, 82 profesionales conforman la agencia, que tiene
oficinas en Nueva York, Londres, Tokio y París. Desde allí distribuyen sus
imágenes a prensa, editoriales, agencias de publicidad, museos y galerías
de arte. Como resultado del trabajo de varias generaciones de fotógrafos,
Magnum Photos posee un valiosísimo archivo de los acontecimientos más
significativos del siglo XX y XXI.
Más info en: http://www.madrid.org/agenda-cultural
Que Revienten los Artistas 
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