UNIR ESPACIO en Madrid se abre como espacio escénico donde estuvo El sol de York
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Helena Lanza: Los personajes me ayudan a entender el mundo, las conductas humanas y a conocerme
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Cuando estaba en el instituto hice un taller de teatro con Javier de Dios López y me apasionó. Fue la primera persona que me inculcó el amor por esto. Pero al acabar el instituto, hice caso al consejo familiar: «Sácate una carrera de provecho» y pensé que era mejor aparcar el Arte Dramático. Comencé Derecho y Filología Hispánica pero estaba en el grupo de teatro de la Universidad y era lo que más me llenaba. Un verano me fui de gira por pueblos de España con este grupo. Después de dos años en la universidad decidí estudiar teatro profesionalmente. Comencé en el Laboratorio William Layton y más tarde me licencié en la RESAD en el 2013. Recuerdo también con muchísimo cariño los años que he estado trabajando de acomodadora en el Corral de Comedias de Alcalá de Henares. Ver tanto teatro fue realmente enriquecedor.
¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Estuve tocando el piano durante siete años. Estudié hasta Tercero de Grado Medio en el Conservatorio Profesional de Alcalá de Henares.
¿Qué es el teatro para ti?…
Es mi manera de vivir. Me paso la mayor parte del tiempo en un escenario o en una sala de ensayos. Podríamos decir que el teatro es mi vida.
¿Por qué haces teatro?…
Porque me gusta convertirme en otras personas. Me encanta regalar cosas de mí a mi personaje y que él a su vez me regale muchísimas más. Es un intercambio mágico. Los personajes me ayudan a entender el mundo, las conductas humanas y a conocerme. Poder compartir esto es una sensación única.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
De momento siento que el balance está siendo positivo. Voy cumpliendo sueños como: estudiar Arte Dramático, trabajar y conocer a diferentes profesionales de las Artes Escénicas que un día desde mi butaca me tocaron el alma con sus obras, trabajar en un Teatro Nacional y que todos los días los asientos estén ocupados…
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
No entiendo que el teatro deba tener una función en concreto para la sociedad de hoy. El teatro es comunicación, divertimento… Cada espectador recibe la obra como la sienta, sin someterse a ninguna norma en concreto. La música, la danza, el teatro, la pintura… ya tienen una función en sí mismos.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
LOS CUATRO DE DÜSSELDORF, escrita y dirigida por José Padilla. Es una comedia que nació en «El sol de York». José Padilla creó el texto a partir de improvisaciones.
LA CASA DE BERNARDA ALBA dirigida por Alberto Alonso con la compañía «Desde el suelo Producciones» .Esta obra nos ha permitido investigar sobre el universo lorquiano en diferentes laboratorios como «La Incubadora del Corral de Comedias de Alcalá de Henares», en festivales como el «Gigantefest» (en el mágico espacio de «La sociedad cervantina») o en el Certamen de Jóvenes Creadores de Madrid donde ganamos el II premio.
LOS DESVARÍOS DEL VERANEO dirigida por José Gómez con la compañía Venezia Teatro. Esta compañía tiene ahora mismo tres espectáculos en cartel. Es una comedia de Goldoni que estrenamos en el Festival Fringe del Matadero y desde entonces hemos rodado por diferentes teatros de Madrid.
EL VALOR DE LAS MUJERES dirigida por Carlota Gaviño e Íñigo Rodríguez-Claro con la compañía Trampolín Teatro. Es una comedia apasionante de Lope de Vega en la que estamos seis mujeres en escena y tres hombres. Algo poco común en el teatro clásico.
EL SALTO DE LÉUCADE de Alicia Casado y dirigida por Pedro Entrena. Hemos actuado fuera de Madrid y estamos deseando traerla.
FUEGO FATUO escrita y dirigida por Pedro Entrena.Es una tragedia que quedó finalista en el Certamen de Jóvenes Creadores de Madrid,
POESÍA EN EL CORRAL:TRES POETAS JÓVENES,TRES APUESTAS DE FUTURO. Fue una performance que dirigí junto a Alberto Alonso y con la participación de tres grandes poetas: Bárbara Butragueño,Sara R. Gallardo y Federico Ocaña. Todo un descubrimiento.
¿Cómo surgió tu participación en el montaje de La Ola?…Háblanos de este trabajo…
Hace varios meses el Centro Dramático Nacional (CDN) convocó pruebas para el montaje «La ola» .Pasando pruebas y pruebas…¡Conseguí trabajar en esta producción!. «La ola» está basada en hechos reales. Fue un experimento que el profesor Ron Jones realizó con sus alumnos de California en el 1967. Les sumerge en un trabajo de campo para explicarles como caer en un régimen fascista. Los alumnos se meten de lleno y acaban entrando en la dictadura que se forma en la clase, llegando tan lejos que el experimento se terminó antes del tiempo estipulado. De esta manera los alumnos sintieron en sus propias carnes como un pueblo puede caer en una dictadura(en este caso en concreto, el Fascismo Nazi) pero se sintieron utilizados por el profesor.
¿Visteis la película sobre la que está basada?…¿Qué te pareció?…
Ví la película hace tiempo pero no ha sido nuestro referente de investigación.La película está basada en la novela pero no es fiel a los hechos reales.
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Trabajo a partir del texto. Poco a poco voy dejándome llevar. Me gusta jugar, pasármelo muy bien y disfrutar del trabajo de mis compañeros. Mi método es el trabajo diario en casa y sobre todo en los ensayos. Con el trabajo de texto va surgiendo poco a poco mi creación de personaje donde le añado la corporalidad, el imaginario….
¿Os documentasteis sobre el tema en el proceso de creación?…
Por supuesto. El director, Marc Montserrat Drukker, nos ha inculcado la pasión por el tema desde antes del proceso de ensayos. Ha sido un proceso muy intenso y enriquecedor. Hemos leído libros como «Los niños de Hitler» de Guido Knopp y nos hemos documentado en la época(California en 1967). Marc nos ha proporcionado muchísimo material. Ha sido muy positivo investigar tanto para saber bien qué historia queremos contar.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Está afectando de una manera muy negativa:cerrando teatros, actores trabajando en condiciones laborales indignas, reducción de público en los teatros por la subida del precio de la entrada, reducción de giras teatrales… Un país que no cuida su cultura,y en concreto, su teatro, es un país gobernado por personas que quieren una sociedad muerta, una sociedad que no piense por sí misma. La cultura es un bien preciado y necesario que debemos cuidar. No debe ser un lujo. Confío en el cambio, en la lucha de los artistas. El teatro es indestructible y esto va a cambiar.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
«La piedra oscura» de Alberto Conejero y dirigida por Pablo Messiez. Porque yo ví esa obra y pensé: «Esto es teatro». Reunía todas las cualidades necesarias para que una obra de teatro te llegue: un texto brillante, una historia necesaria para contar, dos actores extraordinarios dirigidos desde el corazón(Eran dos seres humanos en escena. Nada de «grandes personajes»), un espacio sencillo donde elaborar la historia…Acabó la obra y yo no podía parar de llorar y de preguntarme: «¿Por qué?, ¿por qué?, ¿por qué?». Espero poder volver a verla cuando la prorroguen.
¿Proyectos?…
Ahora mismo estoy terminando «La ola» en el Teatro Valle-Inclán y ensayando «La comedia de los errores» de William Shakespeare con dirección de Lidio Sánchez Caro y producida por Ciclo Mexico A Escena. Estaremos en mayo en el Teatro Lagrada. También estoy trabajando con la cía Bazar Eslavo Teatro en el montaje «La herida del tiempo» donde estaremos en unos días en el Teatro Quevedo. Además, tengo bolos de los montajes que he hablado anteriormente y algún proyecto en camino que pronto verá la luz.
Juan Vinuesa: El teatro hoy en día vive un auge artístico debido a la escasez de recursos pero un ahogo por parte de las instituciones públicas.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro? ¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Comencé a trabajar en segundo de la escuela de Arte Dramático en una empresa que realizó varios montajes sobre la igualdad y la prevención de violencia de género. La unión del tema y del público al que iba dirigido (niños para prevenir o adultos que habían sufrido algún problema) hizo que fuese una experiencia muy intensa. Allí, principalmente actuaba, pero también me encargaba de escribir y de dirigir alguna pieza. Creo que, aunque no quieras dedicarte a ello, escribir o dirigir te ayuda a tener otra dimensión o perspectiva sobre el oficio de actor. Y no es necesario un gran teatro o una enorme infraestructura para investigar otras facetas del teatro, sólo las ganas y la curiosidad.
¿Qué es el teatro para ti? ¿Por qué haces teatro?…
Hago teatro porque es el arte con el que más disfruto y la vocación que siento más cercana. Me interesa contar una historia en equipo y que ese hecho tenga como resultado compartir una experiencia junto al público. Creo que es una de las artes más potentes para poner un espejo ante la sociedad y cuestionar qué estamos haciendo como ciudadanos. Y hago teatro para dar valor a la palabra y olvidarnos de lo contaminados que están los conceptos hoy en día… para que, si haces “La gaviota” y la madre llama el hijo “inútil” realmente sepas qué valor tiene esa palabra. Amo el teatro y ocupa mi vida, pero sí que es cierto que me encuentro a compañeros que dicen que, si no hicieran teatro, no podrían hacer otra cosa y no es mi caso. Como dice Ignacio del Moral, en boca de su personaje “P” (al definir como poeta al redactor del prospecto de un medicamento): “la diferencia está en hacer las cosas rutinariamente o en buscar tu realización personal… en todos los géneros puede haber arte”.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Lo que puedo decir es que estoy muy contento de cómo me han ido las cosas y de la gente que me he encontrado, que estoy empezando y que espero sentirme así siempre. Recuerdo cuando hace años (pocos) me preguntaron en un gimnasio, al rellenar una ficha, que a qué me dedicaba… me costó decir “actor”, y contesté “hago cosas en el teatro”. Ya estaba trabajando profesionalmente pero sentía que la palabra me quedaba grande. Sencillamente, estoy contento de sentirme una pieza del entramado profesional del arte escénico, algo en lo que me ha llevado mucho tiempo convencerme.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
El teatro tiene una función mucho más social y edificante de lo que creemos. Y no lo digo en general: acercarte al teatro como espectador o profesional te permite, sin duda, estar más dispuesto antes valores como la solidaridad o la tolerancia. Sin embargo, tengo la sensación de que no se aprovecha porque, en este país, sólo forma parte del ocio y no de la cultura. Creo que el principal motivo es la educación que posee España, donde el teatro es opcional y accesorio en las escuelas e institutos… pero no el único: los profesionales podemos hacer algo más ya que, en discurso, decimos que hacemos teatro para modificar a la gente y luego preferimos llegar antes al director de moda que al panadero de la esquina.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Este año he tenido la suerte de estrenar tres montajes con los que estoy muy contento: ‘Improvisa, tío!!’, de Improclan, en el Teatro Alfil; ‘Los cuatro de Düsseldorf’, de Jose Padilla, en El sol de York y ‘Carne viva’, de Denise Despeyorux, en ‘La pensión de las pulgas’. ‘Improvisa, tío!!’ es un espectáculo de improvisación en el que el público es protagonista y tiene poder sobre lo que ocurre en escena; ‘Los cuatro de Düsseldorf’ es una ácida comedia que surgió fruto de la residencia artística que unió a Padilla y a esa sala, ejemplo de dignidad, que fue ‘El sol de York’… y ‘Carne viva’, un loco experimento: tres historias que ocurren de forma simultánea en las habitaciones de ‘La pensión de pulgas’.
¿Cómo surgió tu participación en la obra Carne Viva? Háblanos de este trabajo…
Surgió gracias a Denise Despeyroux. Ella me había visto trabajar y un buen día, estando yo en Sevilla, me llamó y me dijo que quería contar conmigo para una historia que se iba a desarrollar en ‘La pensión de las pulgas’ y que iba a usar los tres espacios de manera simultánea. Me invitó a una idea, a un riesgo, y me convenció. La idea era tan interesante como difícil pero todos pusimos de nuestra parte y estoy muy contento con el resultado, con cómo nos hemos entendido y con todo lo que nos hemos reído. Ya no creo en que todos los procesos deban de ser maravillosos, creo en la idea de que nos aceptemos con nuestras diferencias porque, así, es como se forman los equipos más sinceros.
¿Cómo creas tus personajes? ¿Tienes un método?…
Me gusta que el primer paso sea dejar libre la intuición. Leer, releer, pensar sobre el personaje y dejarlo vivir en tu mente mientras haces otras cosas. El texto, su análisis y su vuelta a él como base de todo. Después la forma, el “cómo”, lo marca el director y ahí me gusta estar absolutamente dúctil y permeable. Creo que uno de los grandes problemas del actor es tomar su visión del personaje como única y no dejarse dirigir.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Destrozándolo. El teatro hoy en día vive un auge artístico debido a la escasez de recursos pero un ahogo por parte de las instituciones públicas. ¿Cómo pueden decir que el aumento del IVA es para recaudar más y, tras comprobar que la recaudación neta disminuyó un 33% en los cuatro primeros meses (y sigue así) no replanteárselo? Y no es sólo el IVA; es que su subida ha traído “soluciones” que espero que mejoren y no se convierten en problema: el SURGE o el programa PLATEA son dos iniciativas sobre cuyo planteamiento habría que reflexionar. Espero que, a la hora de tomar este tipo de decisiones, en el equipo haya expertos en artes escénicas y no sólo políticos.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
De lo último que he visto destacaría ‘Sótano’ de Benet y Jornet, dirigido por Israel Elejalde y con Juan Codina y Víctor Clavijo como protagonistas. Me pareció una función turbadora y con todas las piezas en estado de gracia.
¿Proyectos?…
Continúo con ‘Carne viva’ en ‘La pensión de las pulgas’ y con ‘Improvisa, tío!!’ en el Teatro Alfil, ambas actualmente en cartelera. Y estoy muy ilusionado con lo próximo: en unos meses comienzo a ensayar una versión libre sobre ‘La isla púrpura’ de Mijalil Bulgakov escrita y dirigida por Jose Padilla con un lujo de compañeros de reparto: Israel Elejalde, José Luis Torrijo, Montse Díez, Delia Vime y Lucía Barrado junto a un equipo creativo que no lo es menos. Daremos más detalles pronto.
Daniel Albaladejo: El teatro forma parte del tejido social y cultural de un país
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?
Mis inicios en el teatro fueron más casuales que vocacionales. Frecuentaba ambientes culturales en el lugar de donde soy, Murcia, me ofrecieron un papelito en una representación de “Lisístrata” en el Festival de Teatro, Música y Danza de San Javier en verano del 90 y tras la experiencia abandoné la carrera de Biología, que era lo que estudiaba y me matriculé en la Esad de Murcia. Me atrapó el “veneno” del Teatro.
¿Por qué haces teatro?
Para volar. Por necesidad de libertad. Para no estar atado. Para soñar y hacer soñar. Para morir y resucitar.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en la interpretación?
Echando la vista atrás y evaluando mi trayectoria, de momento, estoy muy satisfecho, tanto por la cantidad como por la calidad de los trabajos realizados. Esto es una larga carrera de fondo y de aprendizaje tanto personal como profesional.
¿Qué sentido ha de tener el teatro para la sociedad en la que vivimos?
El teatro forma parte del tejido social y cultural de un país. Es una seña de identidad de lo que somos como ciudadanos y como seres humanos. Es un arte donde descubrimos nuestros aciertos y nuestras miserias. Nos hace reflexionar sobre lo que queremos como sociedad, hacia donde vamos y de donde venimos. Es ocio, es cultura y es la identidad de un pueblo.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?
Surge de querer contar un historia. De profundizar en ella y sacar la lectura más comprometida que podamos. Eduardo Vasco y su compañía Noviembre nos ofrece la posibilidad de formar parte de un grupo comprometido con una idea de compañía a la antigua usanza, crear un repertorio donde cada miembro aporta lo mejor a los personajes, independientemente del papel que desempeñe. Esta idea de compañía es la que me anima a participar en los proyectos que surgen y nos propone Eduardo.
¿Cómo surgió tu participación en Otelo?. Háblanos de este proyecto y tu trabajo en él.
Una vez terminado el proyecto anterior ,“Noche de Reyes”, Eduardo me contó la posibilidad de montar “Otelo”. Disponía del elenco apropiado y capacitado para hacerlo, y no lo dudé mucho. Era una oportunidad única de representar a uno de los grandes personajes del teatro y además con una versión magnífica de Yolanda Pallín. No se podía pedir más.
El trabajo se dividió en dos partes. Una primera durante el verano, donde investigamos sobre el texto, los personajes, sus relaciones y donde bocetamos una primera idea de espectáculo y otra segunda, en otoño, donde se le dio forma a todo ese boceto y se erigió la estructura de espectáculo que se puede ver actualmente. En esta parte se integraron los elementos de vestuario, Lorenzo Caprile, escenografía, Carolina González e iluminación, Miguel Ángel Camacho.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?
En este último año he tenido la suerte de participar en “Ay, Carmela” con dirección de José Bornás y con Elisa Matilla como compañera de reparto y en “La Lengua en Pedazos” con dirección de Juan Mayorga y con Clara Sanchis, con la que actualmente seguimos de gira.
¿Qué proyectos tienes entre manos?
Pues de momento continuo con “Otelo” y “La Lengua en Pedazos” y próximamente iniciaremos los preparativos para ensayar en Diciembre “El Mercader de Venecia” con dirección de Eduardo Vasco en Noviembre Teatro.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Evidentemente se está haciendo muy cuesta arriba poder desarrollar proyectos teatrales en estas condiciones. En ese concepto de compañía que te comentaba anteriormente es muy difícil asumir ciertos costes ya que hablamos de repartos extensos, diez u once actores, más técnicos en gira y unidad de producción. Pero aún así es una idea que tenemos y la llevaremos hasta las últimas consecuencias. Creemos en esta forma de hacer teatro. Sería necesario una reflexión por parte del Gobierno en cuanto a una rectificación del IVA cultural. El 21% de cero es cero. Y podría pasar.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?.
Me sorprendió y me encanto “Los 4 de Düsseldorf” de José Padilla y dirigido por él mismo en la tristemente cerrada (hablando de los estragos del IVA cultural) sala “El Sol de York”. Un espectáculo diferente, fresco, brillantemente interpretado y dirigido y con un mensaje clarificador el “sincerismo”. Que pasaría si todos decimos lo que pensamos de verdad. Me encantó.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?.
Paciencia hermano que de todo se sale. Seguir apostando por espectáculos que queremos contar y enamorar al público con ello. Sin público, esto del Teatro, no sería nada.
Bruno Ciordia nos habla de sus proyectos para la escena
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?… Empecé a hacer teatro en el grupo amateur de mi pueblo, La Trapera, a los 13 años y actué con ellos hasta los 18, edad en la que decidí venir a Madrid a estudiar interpretación en la RESAD. Después he vuelto a trabajar con el mismo grupo en varias ocasiones pero esta vez como director.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en el teatro?…Uno siempre es inconformista y se fija más en lo que le queda por hacer, que es mucho. Pero si miro hacia atrás y veo todo lo que he hecho desde que empecé, no puedo sino estar agradecido a…no se…la vida, porque he podido trabajar con regularidad y poder vivir de esto hasta ahora. Es verdad que últimamente cuesta bastante más.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?… ¿Qué te anima a participar en ellos?…
Eso depende de si los proyectos los genero yo o me embarco en proyectos que me proponen otros. En cualquier caso, el germen para empezar cualquier proyecto es siempre el texto. Encontrar algo que te enganche, que te movilice a contar esa historia. Creo que un buen texto siempre es el mejor compañero de viaje.
¿Cómo surgió Tape?…En el caso de Tape, surgió de la llamada de Yolanda Vega, productora y actriz. Tenemos un amigo común que hizo de celestina y nos lanzamos sin conocernos muy bien a la piscina movidos por el trepidante texto de Stephen Belber, y la verdad es que estoy muy contento de cómo está yendo todo hasta ahora.
Háblanos de la puesta en escena… He intentado que sea lo más sencilla y directa posible. Sin artificios. La historia cuenta una relación de amistad de larga duración deteriorada por un hecho puntual y por cómo los personajes vivieron y recuerdan aquel acontecimiento con el paso del tiempo. Hemos intentado sumergirnos en los hechos y en todo el dolor que eso provocó en los personajes y lo hemos sacado a jugar a la escena. La mayor dificultad en este caso ha sido contar esa amistad de más de 10 años por actores que se conocieron en la primera lectura pero creo que tanto Fran Calvo y Jano Sanvicente como Yolanda hacen un trabajo espectacular.
¿En qué proyectos has participado en el último año?…Pues comencé este 2014 en el CDN a las ordenes de Ernesto Caballero en su versión de las Comedias Bárbaras, Montenegro, montaje que retomaremos en septiembre para salir de gira por España, y acabo de estar en El sol de York con el monólogo Un buen día de Dennis Lumborg dirigido por Mariano de Paco y producido por mí, y que espero que pronto pueda volver a verse en Madrid.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…Pues ahora, cuando terminemos Tape en La pensión de la Pulgas volveremos a ensayar para ponerla a punto de nuevo en disposición a la italiana, ya que entramos en el Teatro Lara los jueves de mayo y junio a partir del 22 de mayo. También estoy comenzando a buscar los apoyos para poner en pie un espectáculo sobre la figura de Lorca y sus años como director de La Barraca durante segunda república. Una versión propia que pretendo dirigir. Un texto que habla con distancia histórica de todos los problemas que estamos encontrando actualmente los artistas para hacer nuestro trabajo.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento de el I.V.A. a los proyectos de teatro?…Está siendo una verdadera sangría. El margen que ahora se lleva el I.V.A. es el único beneficio que tenían antes las compañías para seguir produciendo. Si eso lo eliminas y lo pagas en impuestos se agota el negocio. ¡Objetivo conseguido! Esto es una cruzada que ha emprendido el gobierno contra todo aquello que considera innecesario. Y la cultura parece que lo es.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?… ¿Por qué?…
En construcción dirigida por Tristán Ulloa, por ejemplo, que ha estado en abril en la sala Mirador, me pareció una historia muy sencilla, contada con extrema sensibilidad y llena de aciertos. Realmente me tocó. También he visto hace poco La cortesía de España de Lope de Vega, donde la joven Compañía Nacional de Teatro Clásico da una lecciones de maestría y virtuosismo bajo la dirección de Josep María Mestres. Verso bien dicho, montaje sencillo y un buen trabajo de elenco que nos demuestra que tenemos unos jóvenes preparadísimos.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Los tiempos de crisis han llegado para quedarse si no lo remediamos. Por tanto, hay que seguir creando y haciendo teatro por la pura necesidad de hacerlo, y sobre todo, hacerlo con el corazón. Como decía Lorca “Hay que dejar el ramo de azucenas y meterse en el fango para ayudar a los que buscan las azucenas».
Fran Calvo nos habla de sus múltiples proyectos para la escena
¿Cómo surge la propuesta que presentáis en Surge Madrid?… Estábamos buscando un teatro para estrenar «Constelaciones» en Madrid y en cuanto se lo comentamos a Fernando Sánchez-Cabezudo nos abrió las puertas de Kubik Fabrik, sala que participa dentro del festival y presentamos la obra al festival a través de ellos.
Háblanos de la obra…De tu personaje…Del montaje… «Constelaciones» es un texto maravilloso. Su autor es Nick Payne, un joven dramaturgo inglés que estrenó en la sala pequeña el Royal Court (Londres) en 2012. La reacción de público y crítica fue excelente y la obra fue transferida a un gran teatro del West End.
Es una historia de amor entre una profesora de física cuántica de Universidad (Inma Cuevas) y un apicultor urbano. A partir de ahí el autor teje un entramado de universos paralelos y vemos las infinitas posibilidades que se pueden dar en esta relación. Es una dramaturgia ágil y con una estructura muy particular.
El personaje que interpreto es Roland, el apicultor urbanita. Es un jóven empresario que ha dejado el campo por la ciudad, y trabaja fabricando polen y miel.
El montaje está dirigido por Fernando Soto. Es una propuesta muy limpia, despojada de artificio y basada sobretodo en el trabajo de los actores, con el espacio escénico practicamente vacío. La luz juega también un papel muy importante en este espectáculo. Creo que Fernando nos ha facilitado mucho el trabajo con una propuesta liberadora pero exigente, que capta perfectamente la esencia del texto, y con un trabajo de movimiento escénico (a las órdenes de Antonio Gil) que ayuda a construir y apuntalar la obra, que tiene más de 50 transiciones. Es todo un viaje emocional.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?… Cada proyecto tiene un origen distinto. En algunos casos te llaman y te proponen algo concreto y cerrado, y en otros debe nacer de uno mismo. Considero que es nuestra responsabilidad como actores mantenernos activos y no parar en la búsqueda de nuevas historias y nuevas formas de contar las cosas.
Particularmente, lo que me anima a embarcarme en un nuevo proyecto (teatral) es un buen texto y el equipo de trabajo que lo forme. Hay por supuesto otras variables que afectan pero, sin duda, para mi esos son pilares fundamentales.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?… En Estados Unidos, en el año 2002, con un montaje de «Los cuentos de los Hermanos Grimm».
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en teatro?… La verdad es que nunca me paro a hacer balance. Intento siempre mirar hacia delante. Estoy en una etapa muy feliz de mi vida, personal y profesionalmente, y estoy muy ilusionado con todo lo recorrido en estos dos últimos años, pese a las circunstancias de nuestro sector y pese al enorme esfuerzo y desgaste que esto supone a veces.
«Constelaciones» es uno de los mayores retos en los que he podido trabajar en mi trayectoria profesional, y estoy disfrutándolo intensamente, pero creo que para llegar a este punto y con los matices y trabajo que requiere la obra ha sido de vital importancia pasar por un recorrido profesional y una experiencia vital de muchos años viajando, conociendo distintas culturas y observando lo que tenía alrededor.
¿Cómo creas los personajes?¿Tienes un método?… Bueno, hay una mezcla de componentes. Para mi todo parte de un buen análisis del texto. Una vez tengo claro ese esqueleto textual, combino un trabajo de observación y documentación, para luego materializarlo en ensayos con propuestas concretas a nivel formal y con un trabajo de imágenes. Un profesor mío siempre nos decía que «oír es ver lo que se dice, hablar es extraer imágenes visuales». Esas imágenes mentales crean un estado de ánimo que nos harán sentir.
Me gusta hacer también siempre un trabajo previo sobre el ritmo interno y la energía del personaje antes de darles vida y antes de confrontarlo con el resto. Y a partir de ahí, todo debería ser juego y exploración. Es muy rico llegar con ese trabajo previo a los ensayos y sorprenderte, y jugar y equivocarse, y «afinar al personaje» en el proceso.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?… Muchos, la verdad. Teatralmente ha sido un año de mucho trabajo y ahora que lo pienso, creo que necesito unas vacaciones jajaja
He trabajado con Gabriel Olivares en un vodevil francés que se llama «La caja», de Clèment Michel y con el que hice 2 temporadas en el Teatro Lara el año pasado; también la pasada temporada estuve en una adaptación del clásico de Strindberg «La señorita Julia», bajo versión y dirección de Miguel Angel Cárcano; «El feo», una comedia ácida del alemán Marius von Mayenburg, que se presentó en Matadero Madrid dentro del festival Fringe 2013, dirigida por Paco Montes y que retomaremos este mismo verano; un nuevo proyecto de Teatro En Serie que se llama «La casa de huéspedes», escrita por Luis López de Arriba, y que son obras de teatro por capítulos en espacios no convencionales; y las 2 obras que tengo actualmente en cartel: «Tape», que llega a la sala grande del Teatro Lara el 22 de mayo, y «Constelaciones», con la que tenemos de momento cerradas 6 únicas fechas entre mayo/junio en la Sala Kubik Fabrik, también en Madrid.
Como director he montado el año pasado «Secundario», un monólogo que protagoniza Antonio Velasco y que acaba de volver a la cartelera madrileña, a El umbral de Primavera, todos los viernes de Mayo. Un emotivo homenaje a los cómicos y al teatro.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
No me da mucho la cabeza para pensar en nuevos proyectos ahora. Me ha llegado algún texto que tengo pendiente leerme pero hasta otoño no me planteo nuevos proyectos. Creo que es bueno oxigenarse, dedicarme plenamente a todos los montajes en los que tengo la suerte de estar trabajando ahora y dejar que lleguen nuevos aires.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?… Terriblemente. A consecuencia de los recortes y de un IVA desproporcionado, cada vez existe más precariedad y el tejido profesional es difícilmente sostenible. Confío que las conversaciones que se llevan manteniendo desde hace tiempo para regular el tema del IVA cultural sean satisfactorias y que lo veamos pronto. No obstante, el daño está hecho y tristemente se ha perdido gran parte de un trabajo de muchos años y de muchas personas, no solo en las grandes ciudades, sino a nivel de giras y producción teatral en focos alejados de Madrid y Barcelona.
¿Qué te parece la iniciativa de Surge Madrid?… Toda iniciativa que promocione el teatro me parece positiva. Con este festival en particular, y con el despliegue masivo de estrenos que anuncia me siento más escéptico. Me pregunto si realmente creará público para el teatro alternativo madrileño, es decir, si conectará con el público que habitualmente o el resto del año no es asiduo de las salas alternativas, o si solo hará que el público habitual se tenga que multiplicar para ver más obras en un mes. Para mí ahí radica el éxito de un festival con estas características. Que trascienda al público que de otra forma no iría a (o no conoce) las salas alternativas.
¿Cómo ves la situación teatral en estos momentos en nuestra ciudad?…¿En nuestro país?… Muy fértil e ilusionante a nivel creativo pero preocupante en términos de sostenibilidad y apoyo Institucional.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?… Me vienen a la cabeza «Un buen día», de Dennis Lumborg, un monólogo protagonizado por Bruno Ciordia que estuvo en El Sol de York y que me pareció un soberbio trabajo de construcción de personaje, de capas y de pincelada fina para un texto demoledor; la versión de «El caballero de Olmedo» que ha dirigido Lluís Pasqual, que tuve ocasión de verla en el Pavón hace un par de meses, por su minimalisto elegante, la musicalidad y la frescura en la propuesta; y por último «Entre Actos», una historia de amor de dos mujeres que está en La casa de la portera, y que me pareció la definición perfecta de sutilidad y sensibilidad en el trabajo, con el público a un palmo de distancia. Muy recomendables las tres.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Mucho amor, paciencia, esfuerzo, sacrificio y deseo de seguir haciéndolo, le pese a quien le pese.
La piel del agua en el Sol de York
«TODAS ELLAS SE REUNIAN EN EL HAMMAN PARA TEJER LOS DELGADOS HILOS DE LA COMPLICIDAD».
Más que representación teatral, «La piel del agua» es una complicidad total con las espectadoras, piel a piel.
Cuerpos desnudos que se dejan hacer y conducir por la idea poética de definir que somos agua y venimos del agua.
Desde el parto hasta las lágrimas de dolor. Ciclo redondo. Nacemos con dolor, vivimos con dolor pero siempre nos queda el agua como fuente de vida, como recurso de vida.
Todos los liquidos que llevamos dentro, que transmitimos de forma diferente en las distintas etapas de la vida, y en las complejas emociones.
Es tambien un elogio a la mujer como dadora de vida… madres, trabajadoras…
La interacción que se produce entre las asistentes no es forzada, todo lo contrario, te dejas llevar por la dulzura y cariño con la que las actrices te envuelven. Una confianza poco usual. Caricias, baños, olores, sabores, música pautadas por unos textos dichos en diferentes idiomas que van dando forma al ritual y haciendo partícipe al público femenino de todo este mundo sensorial.
No se alude a una provocación sexual sino más bien a una apertura a los sentidos y calma interior.
Quizá en algunos momentos donde el ritual torna de lo poético a lo cotidiano se rompe la magia establecida, aunque de formal sutíl y cercana las actrices lo vuelven a retomar.
«La piel del agua» es una propuesta libre y gratificante cargada de generosidad.
Las interprétes son Laura de Casas, Rocio Herrera, Mercedes Salvadores, Maria Otero y Lidia Rodriguez, esta última también tuvo la idea y la ha dirigido. La música es de Mauri Corretjé.
Teresa Vallejo
Mentiras y verdades en la escena madrileña
Si hay un mandamiento que no permite mentir, será por algo. Mentimos muchas veces para ocultar la verdad, porque si dijésemos siempre la verdad, sería terrible y no podríamos convivir con los demás…
En la cartelera de Madrid hay dos propuestas que juegan en ambos bandos…en una la mentira es el eje del espectáculo y en la otra, decir la verdad a toda costa es lo que mueve la acción.
Sushi_mentiras_y_cintas_del_pelo_ de Luis García-Ferreras en Labruc, nos muestra el laberínto enloquecido de estrategias que la protagonista ha de hacer para conseguir que su pareja no asista a la primera cena con los padres de ella. Habría sido tan sencillo como decirle que tenía miedo a que al hacer pública su historia de amor, los demás la desmontasen. Pero como no somos capaces de aceptar nuestras inseguridades, convertimos momentos de placer en situaciones terroríficas. La comedia es la mejor manera para afrontar estas situaciones y en Sushi…hay muchos gags delirantes que acompañan al público en horas golfas de programación y de los que son artifices los dos actores de esta pieza… Mónica García-Ferreras y Joan Pico.
Los cuatro de Düsseldorf de José Padilla en El Sol de York, es el resultado obtenido gracias a las residencias artísticas que promueve este espacio escénico. Y aquí, el eje de la trama es, precisamente…¿Qué pasaría si siempre decimos la verdad?…Pues que esta opción se convierte en un arma potente con la que cambiar las manos de quién mueve los hilos del poder. Solo la verdad no puede existir, para que ella entre en juego ha de situarse encajada entre un par de mentiras creíbles. El ingenio de los que están manejados por los poderosos, provoca ideas disparatadas con las que conseguir que quien manda se convierta en un pelele y quien ha estado oprimido consiga desligarse de esta lacra. Rítmo escénico y juego teatral en un espacio sencillo para mostrar este loco juego del ratón que persigue al gato. Y para ello, cuatro actores entregados a la ficción: Mon Ceballos, Helena Lanza, Delia Vima y Juan Vinuesa.
Adolfo Simón
Isabel Dimas nos habla de su trayectoria como actriz y cantante.
¿Qué es el teatro para ti?…
Al principio fue un divertimento, algo que hacía inconscientemente. Siempre me gustaba disfrazarme, hacer reír a la gente, hacerles la vida un poquito mejor. Cualquier excusa era buena para hacerlo. Por tanto, para mí, empezó como un juego y sigue siéndolo. No en vano, en francés se dice “jouer”, en inglés “to play” aunque en castellano se traduzca como “interpretar” o “representar”. Hasta que yo misma dejé de divertirme, dejé de sonreír por circunstancias familiares que me llevaron bastante al límite. Entonces el teatro se convirtió en mi tabla de salvación, me ayudó a redescubrirme como persona y como artista. Para mí tiene un efecto terapéutico, es un bálsamo, una isla confortable y hermosa entre tanta injusticia y barbarie. En el teatro siempre me siento más segura, es un refugio y por suerte mi trabajo.
¿Por qué haces teatro?…
Para sentirme bien conmigo misma, porque conecto con toda mi parte creativa, me hace sentir que formo parte de algo bueno y maravilloso, de un equipo humano implicado en lo mismo. El teatro te remueve, te hace pensar, investigar, te fuerza a estudiar y a aprender siempre algo a través del personaje y la historia que quieres contar y en definitiva a conocerte más a ti mismo y al ser humano. Además puedo pasar de un personaje a otro y hacer locuras en un escenario sin que te traten de loca! Me gusta ser una creadora de emociones.
¿Qué balance haces de tu trayectoria como actriz?…
He tenido mucha suerte. Desde que terminé la escuela he enganchado proyecto tras proyecto. He estado mucho tiempo preparándome, haciendo mil cosas en mi profesión, pasando por muchos baches pero también con grandes aciertos. Mis vivencias personales y profesionales me han permitido adquirir un nivel muy maduro a la hora de afrontar mi trabajo y he tenido la suerte de vivir de ello hasta ahora. Así que ahora quiero que se me presenten más y nuevos retos. Estoy deseándolo!
¿Cómo surge el proyecto de Sonrisas?…Háblanos de tu trabajo en él…
Este proyecto se inició con otros compañeros con la productora Cachivache, S.L. hace tiempo. El concepto era completamente distinto. Iba a ser un espectáculo basado en los números de títeres de Francisco García del Águila, coreografías de claqué con música en directo y proyección de películas mudas, pudiendo hacerse tanto en sala como en calle. El equipo anterior dejó un excelente trabajo que nosotros recogimos y ampliamos. Poco después se unieron Javier Botella y Juan Sánchez. Me encanta este espectáculo porque hago de todo, cabaret, locutora de radio, clown, manipuladora de títeres pero sobre todo exploto más mi faceta como cantante y en varios idiomas!! Inglés, francés (mi segunda lengua) y alemán!
¿Cómo fue el proceso de creación?…
Ha sido un proceso de creación muy colectivo. Tanto en la producción como en la creación de números. Aunando fuerzas, riéndonos e improvisando mucho también. Partiendo de lo que ya había, le dimos más importancia a la parte musical que compone este espectáculo y decidimos incluir muy diversos temas, desde estándares de jazz, pasando por García Lorca, Bertolt Brecht, Edith Piaff… Además creamos números nuevos y una dramaturgia que nos ayudase a contar una propuesta tan variada.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear tus personajes?…
En este trabajo, Paco García del Aguila me ha enseñado mucho sobre la manipulación de títeres. Tener en mi cabeza la España de los 50, los locutores, su forma de transmitir, de hablar, los grandísimos actores que hemos tenido en este país. Por otro lado mi parte francesa, la elegancia de sus intérpretes femeninas… tengo muchos registros de voces, que es lo que me ha aportado trabajar en bastantes producciones infantiles, así que el trabajo vocal ha sido muy importante en esta función. Poder pasar de un registro a otro, la inmediatez… hay muchos referentes a los grandes cómicos españoles.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz en teatro?…
Positivo, siempre positivo. En cada trabajo aprendo algo que me surge de cada personaje y eso es oro para mí. He tocado tragedia y comedia así que estoy muy agradecida porque me gustan los dos géneros. Y ahora este medio cabaret-recital musical!¬¬¬¬ Trabajar en lo que me gusta es un regalo, y además si te da la oportunidad de viajar, como lo vamos a hacer con “Sonrisas” en abril a Costa Rica y quizá a Brasil, entonces ya es toda una suerte!
¿Cómo preparas los personajes?…¿Cuál es tu método?…
Cada personaje lo encaro de forma distinta. Depende del texto y de cómo el director quiera abordar el trabajo. A veces desde lo físico, desde el detalle, otras te vas adentrando en el personaje en cada ensayo, a partir de sus acciones, de sus reacciones. Utilizo mi imaginación. Y si hay director, me pongo de acuerdo con él haciéndome mil preguntas. Creo que siempre hay mil posibilidades para todos los personajes pero me suelo fiar del primer impulso e intuición que tengo en la primera lectura.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
El teatro siempre ha reflejado lo que pasa en la sociedad, tiene que tener una función social, creativa y artística. A través de los grandes autores o de los textos más contemporáneos el teatro siempre es un fiel reproductor de cómo se comporta un ser humano en mil situaciones. Cuando un espectador acude al teatro tiene que salir renovado, con ganas de cambiar y queriendo ser mejor persona. Como ves siempre veo el lado sanador de este oficio.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes en las ayudas al teatro?…
Es una barbaridad el ataque a la cultura en este país. Juan Diego dijo que nos estaban gaseando ideológicamente. Creo que es muy dañino para todo el mundo que se pongan barreras al crecimiento de un sector que además de actuar como catalizador de todo lo que ocurre en la sociedad, da miles de puestos de trabajo. No creo en un teatro subvencionado pero sí en aportar ayudas a un sector que se asfixia y que tiene que ser accesible para todo el mundo. Una sociedad que no protege y favorece la cultura para mí está perdiendo su identidad.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
No tirar la toalla, asociarse, formar cooperativas, aunar fuerzas, seguir luchando y trabajando. Exigir no sólo nuestros derechos sino los de todo el mundo, sanidad, educación… Los actores siempre nos hemos movilizado en grandes cuestiones y hemos dado la cara. En esta ocasión debemos sacar fuerzas de donde sea para que no acaben con nosotros. Debemos de resultarles muy “incómodos” cuando nos maltratan tanto…
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
He visto unas cuantas. “Retrato de un joven capitalista” de Alberto San Juan, divertido y muy aleccionador. “A medianoche” con Iñaki Font y Lisi Linder, estupendos los dos! También en la sala El Sol de York. Las propuestas de La Casa de la Portera me parecen fantásticas. Hay tanto por ver y tan interesante… “Camille” de Turlitava Teatro, María Pastor en “Duet for One” que me han dicho que está en estado de gracia sobre las escena. Ojalá pudiese ir a ver a todo el mundo pero por agenda a veces me pierdo cosas.
¿Proyectos?…
Unos cuantos en teatro que espero se cumplan. Me gustaría formar mi propia productora y embarcarme en proyectos más personales que tengo aparcados, pero de momento el proyecto fundamental es seguir luchando por esta profesión y que conozcan mi trabajo.
Sonrisas en El Sol de York
Dos actores repasan sus vidas artísticas rememorando la gran variedad de números que han interpretado: desde humoristas hasta presentadores de concursos radiofónicos pasando por el cabaret. En el recorrido les acompañarán otros artistas que sorprenderán al público por su variedad y peculiaridad: Las sorprendentes Hermanas Vargas, los pequeños artistas Manolito y María del Carmen, Agustito, la joven promesa del baile, Nefertatiri, la inquietante, por su edad, cabaretera, la simpar Felicia, cantante de jazz y traductora en sus ratos libres…y otros personajes que como ellos son manipulados por su creador Francisco García del Aguila, al ritmo de la música en directo a cargo de Juan Sánchez Molina (piano) y Javier Botella (contrabajo) y en el centro de todo esto la maravillosa interpretación de Isabel H. Dimas, que canta, actúa, manipula títeres y llena de encanto y sensibilidad la escena durante todo el espectáculo. Hay un error cuando se piensa que los títeres es un género ínfimo o para niños; en la historia de la escena hubo grandes creaciones a través del lenguaje de manipulación de objetos y muñecos. En Sonrisas, hay memoria de la escena, llena de nostalgia y picardía, hay un puzle de juegos teatrales sugerente y bien orquestado y sobre todo hay buen oficio teatral que tanto se echa de menos en nuestros escenarios…Ah! y es para todos los públicos…y además, no se nos desdibuja la sonrisa durante toda la obra. Solo queda una función, no os la perdáis.
Adolfo Simón
“Ildebrando Biribó, el último Cyrano” en El Sol de York
El Sol de York, ha presentado estos días una obra mágica, “Ildebrando Biribó, el último Cyrano” de Emmanuel Vacca, donde recrea en formato de monólogo actoral, la vida del apuntador que falleció en su concha después de la primera representación, allá por diciembre de 1897, de Cyrano de Bergerac. La Compañía de teatro El Gato Negro, de larga y exitosa trayectoria, ha puesto en manos de Iñaki Recarte la dirección de este texto y lo ha confiado para su representación a un extraordinario actor Alberto Castrillo-Ferrer. Una puesta en escena sencilla y hermosa, un boureau repleto de cajones de los que nace la magia en estado puro y un hilo de arena que nace del reloj del tiempo y que dura lo que dura la representación y marca la vida de Ildebrando. Alberto Castrillo-Ferrer, caracterizado de duendecillo/fantasma nos relata su historia desde la ternura más profunda y desde el amor más puro por el teatro, el mundo del actor y la misión primordial de entretener al público, con el que interactúa de una forma tan natural y simple que parece lo normal, y no lo es señores, es muy difícil seguir la memoria y hacer participar al público que se vuelve niño y crédulo ante tal despliegue de talento. Nos hace reir y nos emociona y nos lleva a las nubes y nos enseña a volar, nos da amor que, en los días que corren, es recibir el mejor regalo que se puede obtener, y nos enamora del apuntador, profesión para la que Ildebrando ha nacido por pura vocación. Un aplauso largo y fuerte nos deja con un buen sabor de boca que hace que la felicidad nos dure al menos tres días y eso no tiene precio.
Ángel Savín
Primer Festival de Payasos «Flipa Madriz»
En El Sol de York.
Más info en: http://www.elsoldeyork.com
Alberto Castrillo-Ferrer nos habla de la trayectoria de su compañía de teatro y del espectáculo Ildebrando Biribó
¿Cómo surgió Ildebrando Biribó?…
La primera vez que vi Ildebrando Biribó yo estaba estudiando en la escuela de mimodrama de Marcel Marceau, me fascinó. En ese momento (año 1997) no pensé en absoluto en que yo iba a hacer su versión en español. Cuando unos años más tarde coincidí en la RESAD con Iñaki Rikarte le propuse que me lo dirigiese, hicimos una versión bastante osada y diferente a la de Emmanuel, pero él vino, la vio y me dio lo derechos. Desde entonces han pasado más de diez añitos.
¿Cómo fue el proceso de creación?…
Lo recuerdo maravilloso. Y creo que en verdad lo fue. Ensayamos en un local del Paseo Extremadura, durante todo un verano. Ensayábamos, hacíamos la escenografía, venían compañeros a ver la evolución, a poner tornillos en el mueble, a pintar… fue un acto de amor por el teatro. Aportamos cada uno un dinerillo para comprar madera, pintura, comer… hubo mucha generosidad, ten en cuenta que éramos todavía estudiantes. Cuando creímos tenerlo listo para mostrar no sabíamos dónde, menos mal que la RESAD nos dejó su maravillosa sala García Lorca y entonces vimos toda la potencia de nuestro Ildebrando.
¿Cómo surgen las ideas para cada espectáculo que pone en pie la Compañía?…
Toda idea, creo, surge de un estímulo. Músicas, lecturas, películas o vivencias que crees que merecen la pena seguir contándolas o transmitiéndolas. El Cabaré de Caricia y Puntapié (con el que ganamos el Max al mejor espectáculo de teatro musical en 2010) surgió de un CD de canciones que teníamos por casa y que me encantaba oír. Ildebrando surgió de verlo sobre escena, Un Tal Pedro (versión de Peer Gynt) surgió de que estábamos estudiando a Ibsen en esos momentos, a veces las cosas surgen del número y tipo de actores que hay y creas algo para ellos. No hay que olvidar que el Teatro es Actor.
¿Qué balance haces sobre estos años 10 años de Ildebrando?…¿Cómo ha evolucionado la obra?…
El día del estreno vino Iñaki Rikarte a ensayar un poquito conmigo y creo que en nuestra mirada se leía lo ingenuos que éramos hace diez años. Nosotros hemos evolucionado, pero el espectáculo no tanto. Y para eso tiene que velar el director, para que no se salga de ciertos cauces con los que fue creado. Evidentemente ha ganado en seguridad, en concreción, en capacidad de comunicar… probablemente haya perdido en otras cosas que no sé, porque si las supiera intentaría recuperarlas. Lo queremos todo, ya sabes.
¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de las diferentes producciones realizadas?…
Ha sido una Montaña Rusa. Con caídas al vacío espectaculares, subidas lentas y costosas, algún bonito paseo por las alturas, vuelta a caer… ha habido pérdidas personales importantes por el camino y también recuperaciones, errores, traiciones, premios, ovaciones, borracheras, momentos mágicos, presiones, risas, viajes, deudas, deudas, deudas… aplausos (por terminar con algo positivo).
¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?…
No sólo importante, es que no puede ser de otra manera. Un buen técnico que te acompañe en los proyectos es el 50% de que eso vaya adelante. Si además, como es el caso con mi jefe técnico, Alejandro Gallo, se implica personal y artísticamente entonces se convierte en un ángel, no obstante tengo varios “ángeles” que me arropan, mi diseñador Manuel Vicente, figurinista Marie-Laure Bènard, escenógrafo-attrezzista Manuel Pellicer… y por otro lado actores como Rafael Blanca o realizadores como Germán Roda que siempre sabes que puedes contar con ellos. Ha habido gente muy implicada: Alberto Huici, David Ardid, Carmen Barrantes, Jorge Usón… en temporadas o proyectos concretos de la compañía, luego cada artista sigue su propia estrella. Es difícil mantener una compañía como las de antes, que eran familias, pero me gusta tanto la idea… quizá en un futuro podamos arropar a un elenco estable. ¿Quién sabe?.
¿Cómo participan en los procesos de creación?…
La verdad es que como cada uno es tan profesional en su parcela, hay una confianza en que todos lo harán/haremos bien. Lo importante es comunicar bien la idea central al principio, luego cada uno la desarrolla y aporta. Todos somos diferentes, pero el objetivo es común y sólo suma.
¿Qué proyectos tenéis entre manos?…
La verdad es que hay varios, unos textos que estamos ensayando precisamente en El Sol de York y que, aunque no te puedo contar mucho, creo que verán la luz en febrero. Yo estoy buscando un nuevo solo en escena para completar la trilogía junto a “Ser o no ser” e “Ildebrando Biribó”, hay un bonito proyecto de Commedia dell´Arte para este verano por mi tierra (Aragón)… muchos sueños.
¿Cómo está afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a vuestra Compañía?
Pues como a todos, nos están enterrando en vida. Pero todo pasa. La incapacidad, la maldad y la ignorancia son signos de quienes nos gobiernan.
Pero hay que vivir el día a día, “creer que un cielo en un infierno cabe”.
¿Qué montaje que hayáis visto últimamente os ha interesado?¿Por qué?…
El último, último, ha sido “El Crédito” y efectivamente me ha interesado mucho. Soy un incondicional de Carlos Hipólito, creo que está en otra galaxia actoral, pero aparte de eso creo que es un ejemplo de teatralidad, de oficio desde la escritura. El anterior fue “Lúcido”, de mi admirado Rafael Spregelburd, una obra muy divertida y cruda a la vez: teatral, muy bien interpretada (también allí tengo una debilidad actoral: Itziar Miranda) y, sobre todo, osada. Creo que hay que mirar hacia los argentinos, saben mucho de este “negocio”.
José Padilla nos habla del proceso de Haga clic aquí…
¿Cómo surge tu propuesta para Escritos en la escena?
Hace casi tres años me topé con una noticia que me llamó poderosamente la atención. Se trataba de la caza de brujas a la que unos muchachos se vieron sometidos después de que un abogado colgase el vídeo de una paliza que grabó desde su balcón con el objeto de que los internautas identificasen a los agresores. La respuesta fue inmediata, el acoso a los supuestos culpables fue bestial. Finalmente resultaron ser inocentes, pero el mal ya estaba hecho. Creo que las aristas dramáticas y la ausencia de conclusiones sencillas convierten esta historia en una obra de teatro pidiendo ser escrita. Ciñéndome a esto presenté mi propuesta al CDN y felizmente fue aceptada.
¿Por qué te intereso el tema que tratas en Haz clic aquí?
Por lo que te mencionaba antes: no hay respuestas fáciles en un tema así. Por supuesto, podemos optar por aleccionar, pero creo que eso no conviene a nadie, ni, por supuesto, al público ni tampoco a los que creamos historias. Es mejor proponer un foro de debate y creo que Haz clic aquí responde a este parámetro.
¿Cómo ha sido el proceso de creación del texto?
La palabra que me viene a la cabeza es enriquecedor. Se ha ido conformando en el trabajo a diario con los actores, un elenco fantástico con el que he tenido la suerte de contar. Las situaciones dramáticas que en el texto se dan las hemos encontrado en la sala de ensayos y eso, para un dramaturgo, es muy placentero. De alguna manera las situaciones te sorprenden de la misma manera que más tarde harán con el espectador. Me gusta mucho trabajar así.
¿Cómo ha sido el proceso de creación con los actores y el resto del equipo?
Mediante juegos e improvisaciones fuimos tejiendo una red dramática. Poco a poco los personajes iban adoptando su caracterología y en la interacción con los demás las situaciones iban apareciendo. Mi labor era la de dar forma dramática a todo el material y seleccionar que era susceptible de ser contado en el escenario, pulir y sobre esto rescribir. Pero lo cierto es que todo lo que se creó, lo desechado incluso, de alguna manera aporta al resultado. Con el equipo técnico del CDN, el de producción y desde luego con Aitana Galán, coordinadora de Escritos en la escena, el entendimiento ha sido inmejorable, todos han sumado para que Haz clic aquí se hiciera el mejor texto posible, y las visiones de todos han ayudado considerablemente a mi labor. No les puedo estar más agradecido.
¿En qué punto del proceso has mostrado el texto y la propuesta escénica?
He de decir que el proceso de escritura no acaba hasta que termina el periodo de exhibición ante el público. Esto es un rasgo fundamental de Escritos en la escena y me parece un acierto. El público ha entrado al mes y medio de haber empezado a trabajar, pero insisto, hasta el día 15 de diciembre no termina la labor de escritura.
¿Qué fase de trabajo faltaría a partir de ahora?
Fijar, limpiar… Y dar esplendor. El lema de la RAE entra como un guante en esta fase del proceso.
¿Cómo está siendo la respuesta del público?
Inmejorable. Sabíamos que estábamos haciendo un trabajo honesto, y siendo consecuentes con ello, probablemente la respuesta no iba a ser mala. Pero ha superado todas nuestras expectativas, la respuesta está siendo muy muy cálida. Esto nos anima a trabajar más y mejor.
¿Qué opinas sobre el Ciclo: Escritos en la escena?
Una iniciativa espléndida que espero tenga una vida larguísima. No son muchos los espacios que se brindan a autores emergentes. Que sea el CDN el que dota de medios a las propuestas de autores de nuevo corte es algo magnífico.
¿Cómo ves el teatro no convencional en la ciudad de Madrid?
Boyante. Propuestas interesantísimas en muchas salas. Tengo la enorme suerte de participar de esta corriente.
¿Crees que están surgiendo nuevas promociones de autores y directores?
No lo creo, lo sé. Esas son las mejores noticias posibles. Se nos están cortando las alas desde según qué grupos de poder, pero nos vuelven a crecer rápido. A la vista está. Esta situación cambiará, y cuando el entorno mejore tendremos a una de las mejores generaciones de todos los tiempos entrenados y con propuestas sólidas sobre el escenario. Insisto: buenas noticias.
¿Proyectos?
Inmediatamente entro a ensayar en El Sol de York, un texto que estrenaremos rozando marzo y que, al igual que Haz clic aquí, firmo y dirijo. Un proyecto que me ilusiona muchísimo.
Los gestores de Nave 73 nos hablan de su proyecto
¿Cómo surgió el proyecto de NAVE 73? ¿Cuáles son las premisas para seleccionar los proyectos programados en este espacio?…
Nave 73 nace de la rebelión y el grito en alto de tres jóvenes hartos de que se les impida encontrar su sitio en el sistema actual. Un actor, una periodista y un comunicador audiovisual nos hemos unido en este ilusionante proyecto para poder dar cabida a nuestras inquietudes y necesidades profesionales en uno de los ámbitos que más nos gusta: el de la cultura.
A la hora de seleccionar proyectos nos guiamos principalmente por un criterio de calidad. Intentamos tener siempre nuestras puertas abiertas, no las cerramos ante la innovación o la diversidad, lo que otros pueden ver con recelo, a nosotros nos entusiasma. Buscamos obras que nos emocionen y provoquen, por supuesto, siempre teniendo presente al público y las características del espacio. Además, como espacio multidisciplinar que somos, estamos abiertos a cualquier disciplina artística, desde el teatro y la danza, hasta la música, las artes plásticas, la literatura…
¿Qué equipo conforma este proyecto a nivel producción y gestión?…
El equipo de Nave 73 lo conformamos tres personas: Álvaro Moreno (actor) encargado de la gestión de la Sala y de la programación, Alberto Salas (comunicador audiovisual) responsable de la imagen, el diseño gráfico y la comunicación de Nave 73 y Rocío Navarro (periodista) encargada de las áreas de prensa y comunicación. Y entre los tres hacemos un poco todas las demás funciones que conlleva un espacio como éste.
¿Habrá talleres y actividades paralelas en el espacio?…
Sí. Desde que abrimos el pasado mes de abril, ya hemos realizado varios talleres y programas de formación. Nuestra idea es llegar a conformar una línea de formación propia, combinada con varias propuestas externas que ya tienen cabida en Nave 73, como el Curso Anual de Formación para Jóvenes Actores de Grumelot o los laboratorios de Sucursales Emocionales. Esperamos poder iniciar varias propuestas en enero, tanto para profesionales como para aficionados, y lo que sí podemos ir adelantando, es un taller intensivo con Antonio Gil y un Curso de interpretación ante la cámara con Jimmy Shaw que organizamos junto a Grumelot.
¿Hay colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico? ¿Participan del proceso de gestión y creación?…
Por ahora, el equipo artístico lo conformamos sólo los tres que nos lanzamos a la piscina con el proyecto. Para la parte técnica de escena contamos con un técnico contratado, que se encarga de coordinar los montajes de las compañías. El resto del trabajo de la Nave lo realizamos nosotros, aunque es importante decir que hay mucha gente detrás, que no participan directamente en el proceso de gestión y creación, pero siempre están ahí aconsejándonos, hablando de nosotros a todo el mundo, trayendo proyectos preciosos que no habrían llegado de ninguna otra manera y, sobre todo, aguantándonos en los malos ratos.
¿Van a producirse espectáculos o solo se va a programar?…
En principio, nuestra idea es funcionar como punto de exhibición para producciones externas, ya que consideramos que fuera hay muchísimo, pero que muchísimo talento y llegar a la calidad de las obras que nos envían sería un difícil reto que por ahora no tenemos la intención de asumir. En un futuro, quién sabe…
¿Hay una línea ética y estética prevista para la programación o habrá diferentes tipos de teatro programado?…
Como ya indicábamos en una de las primeras preguntas, en Nave 73 tienen cabida todo tipo de disciplinas artísticas y así queremos reflejarlo también en nuestra programación teatral. Así, por ejemplo, intentaremos tener siempre una semana al mes dedicada a la danza y, al menos, un espectáculo infantil para los fines de semana. Y en cuanto al teatro en general, no nos cerramos a nada siempre y cuando, repetimos, nos parezca una obra de calidad. Intentar cerrarnos ahora a una línea estética no tiene mucho sentido. No sólo es nuestro gusto, o lo que funcione para el público, sino que el espacio se va, poco a poco, definiendo a sí mismo. Éticamente tenemos claro que la búsqueda artística y creativa, y la necesidad de transmitir un mensaje, por parte de las compañías, es nuestra base.
¿Se pueden realizar propuestas combativas y alternativas en estos tiempos de crisis?…
No sólo se puede, lo mejor es que se están haciendo. Nosotros hemos nacido al cobijo de salas como El Sol de York, Kubik Fabrik o muchas otras que ya estaban reivindicando la calidad de lo ‘alternativo’ en Madrid. Es precisamente en momentos de crisis como el actual cuando más debemos unirnos y apoyarnos entre nosotros y creemos que es lo que se está haciendo y de ahí que estén surgiendo tantas y tan buenas propuestas teatrales en el ‘off’ madrileño. De alguna manera, los momentos de crisis incentivan la creatividad y el espíritu reivindicativo y eso se nota también en la calidad y la potencia de los proyectos teatrales que se programan actualmente en las salas alternativas. Por supuesto, si nos alejamos un poco de la oferta escénica, vemos también varios ejemplos de este nuevo eje cultural alternativo que está surgiendo en los últimos años, no hay más que pasear por el centro de Madrid para ver puestos en mercados reconvertidos en librerías, editoriales o estudios de creación, cafeterías con cine incorporado o pequeñas salas de exhibición audiovisual, espacios de creación colectiva y por supuesto, no podemos olvidar toda la red de medios culturales online que están acercando la cultura a muchísima gente.
En las grandes ciudades de la escena, el “off” es el trampolín mediante el cual se lanzan los futuros grandes directores, donde se crean los nuevos lenguajes escénicos. Madrid debe dejar de mirar a los demás, como una ciudad pequeña y temerosa, y decidirse a asumir el lugar que ocupa, entre las mejores ciudades del panorama mundial, aunque las políticas culturales del momento no ayuden precisamente a ello.
¿Qué fórmulas pondréis en marcha para crear el público de NAVE 73?…
Nosotros buscamos fidelizar a un público de todas las edades gracias a una oferta cultural de calidad, heterogénea y asequible para todos los bolsillos. Para esto último contamos con múltiples ofertas y descuentos para parados, estudiantes, pensionistas, etc., que se pueden consultar en nuestra web (www.nave73.es). Asimismo, también buscamos convertirnos en un punto de encuentro para la gente del barrio. Un lugar de reunión y disfrute para ellos en el que no sólo puedan venir a ver una buena obra de teatro, por supuesto, con descuento por ser vecino de la zona, sino que también puedan apuntarse a uno de nuestros cursos, tomarse un café o una caña en nuestra cafetería o proponernos sus ideas y sugerencias para nuestro espacio.
Como exclusiva, comentaros que estamos preparando diversos bonos para que todo el mundo pueda venir a Nave 73 siempre que quiera.
¿Qué proyectos tenéis previstos?..
Ahora acabamos de conceder a dos fantásticos proyectos nuestras Becas de Creación de Artes Escénicas. Nuestra idea con esta beca es la de facilitar el encuentro y la colaboración entre distintas disciplinas y personas del ámbito escénico para enriquecer un proceso de creación del que salga una obra final de calidad, en el que todas las partes nos llevemos nuestra parte de aprendizaje.
Luego, más a medio plazo, tenemos previsto poner en marcha las dos ‘patas’ que le faltan a nuestro proyecto: nuestra línea de formación propia, como ya comentábamos antes, y la creación y puesta en marcha, mediante la unión de varios profesionales bajo un colectivo que funcione de agencia de comunicación centrada principalmente en el sector cultural.
También queremos continuar las iniciativas que comenzamos este año, como El Festival Internacional de Teatro Clásico, el Encuentro Internacional de Teatro Joven que realizamos en Agosto y por último, pero puede que el más importante, seguir hablando con otros espacios y salas para ir mejorando y dar mayor visibilidad al circuito off de Madrid.
¿Cómo están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a las salas de teatro?…
Están afectando sobre todo en el resultado económico final. Es decir, todos, las compañías, los actores, los programadores, etc., lo tenemos crudo a la hora de ver una ganancia económica en todo esto. Nosotros, por ejemplo, hemos abierto sin recibir ninguna subvención ni ningún tipo de ayuda pública. Y las compañías y los actores ven mermado aún más, su ya de por sí limitado capital, por culpa de la subida del IVA. Porque, aunque el ministro Montoro diga que lo único que se ha subido es el precio final de la entrada al espectáculo, él sabe tan bien como todos nosotros que eso no es verdad y que, desde el Gobierno, se le está haciendo un flaco favor a todo el sector de la cultura española con las medidas económicas adoptadas en los últimos tiempos y, como no, con las declaraciones realizadas por varios de sus representantes en las últimas fechas.
¿Qué montaje que hayáis visto últimamente, fuera de vuestra sala os ha interesado?¿Por qué?…
Desgraciadamente, desde que hemos abierto, no hemos podido asistir al teatro como nos gustaría. Lo último que hemos visto, hace un par de semanas ha sido “La Tigresa y otras historias”, de Darío Fo, en El Sol de York. Una función muy interesante, sobre todo debido al increíble trabajo de su actor protagonista. Hace unos meses pudimos escaparnos al Fringe para ver alguna función. Entre ellas, “Calígula”, nos pareció estupenda, en la versión de Mathilde Rambourg, y “Lo único que necesita una gran actriz, es una gran obra y las ganas de triunfar”, de Vaca35, que fue absolutamente brutal.
Nos gustaría salir mucho más, pero hasta que la situación y el funcionamiento de la sala no se estabilice, va a ser muy difícil. Viendo la programación del resto de salas, muchos días nos morimos de ganas de salir corriendo y acercarnos a El Sol de York, a Kubik, o a la Sala Tú (que aún no conocemos) o a otras tantas, pero… desgraciadamente, por ahora nos tenemos que quedar con las ganas.
Cuerdas en el Sol de York
Fefa Noia dirige Cuerdas de Bárbara Colio en esta preciosa sala que es El Sol de York con una acertadísima escenografía de Silvia de Marta y vestuario de Alejandro Andújar y Ana López con los que se definen muy bien los caracteres de los personajes. De este modo seguimos a tres hermanos en un viaje de recuerdos, anhelos y reproches; huérfanos en busca de un padre artista que los abandonó. El amor siempre está presente a pesar de las diferencias, a lo insalvable de las relaciones familiares y palabras que no se dicen, conduciéndonos a la búsqueda de un equilibrio que cuesta alcanzar; lo que parece no es, lo que se da por hecho no es cierto…un drama salpicado de muchas risas…confieso haber reído y haber sentido aparecer las lágrimas en mis ojos. Tres actores estupendos, un gran David Luque cuya presencia y contención transmite emociones a raudales, Alejandro Saá que juega al descaro y a hacerse notar por ser el hermano invisible y una sorpresa muy agradable ver por primera vez a Óscar de la Fuente que derrocha espontaneidad y naturalidad, emocionándonos en silencio en la escena final que no desvelo para que la vean, vale la pena. Una función grande en una sala de las llamadas alternativas.
Ángel Savín
Fefa Noia nos habla sobre el proyecto «Cuerdas»
¿Cómo surge el proyecto de Cuerdas?…
El proyecto surgió a partir de la propuesta que me hizo el el Centro Dramático Nacional de dirigir en Octubre de 2011 una lectura dramatizada de “Cuerdas” dentro del ciclo “Una Mirada al mundo”. Recuerdo que me enviaron varios textos para que yo diese mis preferencias y, después de leer todas las obras, valorando también los actores con los que quería contar, opté por “Cuerdas”. Pero en una priemra lectura no puedo decir que me llamase en exceso la atención. Fue en una segunda, y en una tercera lectura en la playa cuando fui sintiendo que era un texto prometedor. Y ya en el primer ensayo de la lectura la promesa se cumplió. A esta lectura, además, venían los autores de las obras, así que aprovechamos para quedar con Bárbara, nuestra autora por así decirlo, y le cambiamos un menú en la calle Argumosa por su promesa de dejarnos montar “Cuerdas”.
¿Hubo ocasión, durante el proceso, para que los actores aportasen ideas en la dramaturgia y la puesta en escena?…
Yo creo que no es que hubiese o no ocasión de que los actores aportasen ideas, sino que el deber de los actores en cualquier proceso es aportar ideas para llegar a acuerdos con el director. Claro que aportaron ideas sobre sus personajes, lo cual va a alimentar inevitablemente la dramaturgia y la puesta en escena.
¿Hay algún referente técnico o estético del que has partido para esta puesta en escena?… Háblanos de ello…
El concepto “referente técnico” no llego a entenderlo. Sí puedo mencionar referentes de forma y contenido. Desde la película “Man on wire” que forma parte de la génesis misma del texto, según palabras de su autora, hasta las películas de Jacques Tati, especialmente “Les vacances de M. Hulot” o una historia tan contrapuesta como “Midnight Cowboy” de Schlesinger. Pero es que este contraste tan acentuado está también en el texto, que afronta las tortuosas relaciones familiares, a veces verdaderamente trágicas, con la ligereza de la facilidad, que no de la frivolidad.
¿Cómo ha sido el proceso de creación? ¿Qué has querido contar desde la dirección?…
Este proceso ha sido una fiesta. No se me ocurre una palabra más adecuada. Cada ensayo encerraba un descubrimiento, una nueva información, un vericueto más respecto a un personaje, una situación concreta o una palabra. Y cada descubrimiento se celebraba. Esto no es algo que haya vivido sólo yo. Estoy segura de que si le preguntas a los actores te dirán lo mismo. Este proceso fue un puzzle en el que encajaban todas las piezas.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como directora?…
No creo que eso me corresponda a mí. Por ahora, dada mi edad, mi mirada está más dirigida hacia delante, haciendo balance de todo lo que me queda por hacer como directora.
¿Qué espectáculo has visto últimamente? ¿Qué te pareció?…
Precisamente en estos días no he podido ver mucho teatro porque estaba ensayando y montando “Cuerdas” en El sol de York, donde estaremos con funciones hasta el 3 de Noviembre. Sí pude ir a “La pequeña habitación al final de la escalera” de Carole Fréchette, dirigida por Mauricio García Lozano. Y me gusto mucho ver el trabajo porque Mauricio, como Bárbara Colio, es un nombre propio del teatro mexicano contemporáneo.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes a la escena?…
Es cierto que no podemos achacar a la subida del I.V.A. y a los recortes en cultura todos los casos de descenso de número de espectadores, pero sí la gran mayoría. Creo que, si bien es cierto que en España no es fácil fidelizar a un público para el teatro, el proceso estaba arrancando ya en los últimos años, y la actual política presupuestaria lo ha detenido bruscamente. Por eso es tan imprescindible que se baje ya. Y por eso es también tan imprescindible que nosotros como creadores nos comprometamos con nuestros espectadores y les facilitemos todo lo que podamos su asistencia la teatro, y que nuestros espectadores se comprometan con nosotros y nos faciliten todo lo que puedan que sigamos trabajando. Porque no estamos hablando ya de tener que prescindir de determinado coste de producción para poder sacar adelante nuestro trabajo, no estamos hablando ya de tener que empobrecer nuestro trabajo para poder estrenar, que ya es bien triste cuando tiene que hacerse. Ahora estamos hablando de abrir o no abrir la sala de teatro. No quiero pecar de trágica, pero verdaderamente creo que esto es ya una cuestión de vida o muerte. Y que si nosotros y el público no nos activamos especialmente, nos encontraremos pronto con un cadáver en los brazos. Y, como ya sabemos todos, a un enfermo en coma se le puede reanimar, pero resucitar a un muerto es considerablemente más difícil, si no un milagro. Finalmente no estamos hablando de una pérdida unilateral, sino colectiva. Si pierde el teatro, perdemos todos, y de esto de es de lo que hemos de ser muy conscientes, creadores y espectadores.
¿Proyectos?…
Muchísimos. No me gusta adelantarlos, lo siento, pero estoy encantada porque tengo muchos y están gestándose activaemnte ya unos cuantos.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Borrar el latiguillo “en tiempos de crisis”. Nosotros tenemos que seguir creando, yo al menos no quiero otra opción. Por eso escojo evitar que me paralice el miedo a la crisis, por eso trato de abstraerme de esta época para poder realtivizar las dificultades que atravesamos. Eso no quiere decir que las olvide, que deje de combatirlas ni que deje de pedir a los que nos gobiernan que las combatan por nosotros en los ámbitos que les correspondan, y qe lo hagan cuanto antes porque el tiempo apremia. Eso no quiere decir que me contente. Quiere decir que no me resigno a perder derechos básicos, entre los que se encuantra el teatro, en nombre de la crisis, que no me resigno.
Música de balas en El Sol de York
El teatro es un arma cargada de futuro y sus balas siempre serán la poesía y la ética. Por eso, nunca van a conseguir que los cómicos callen cuando tengan algo que denunciar, aunque les metan en un callejón sin salida, aunque peligre su vida; el arte siempre ha sobrevivido al horror. La sala El Sol de York sigue apostando por propuestas comprometidas, de teatro que busca tocar el corazón y la cabeza del público. Durante unas semanas, se ha representado allí Música de balas, un espectáculo sencillo, de pequeño formato pero grande en coraje al denunciar, con fuerza, mirando a los ojos de los espectadores, el tema terrible del narcotráfico en México. Los jóvenes son los constructores del futuro y han de apostar por hacer que el mundo que habitarán dentro de unos años, sea más cívico que el que vivimos ahora, para ello han de mostrar la dura realidad que vivimos, consecuencia de un tiempo implacable donde quienes nos representan no son todo lo honestos que debieran y crean monstruos que terminan devorando a los más débiles. Este espectáculo debería ser de obligada visión por todo aquel que desee un mundo donde la libertad sea su bandera.
Adolfo Simón
La Cama en El Sol de York
Debajo de las sábanas están los mares del sur…
Debajo de las sábanas están acurrucadas las primeras caricias…
Debajo de las sábanas está mi gato arañándome el tobillo…
Debajo de las sábanas están las siestas de mi infancia…
Debajo de las sábanas está el codo de mi primo empujando mi espalda…
Debajo de las sábanas mi abuela me susurra un cuento…
Debajo de las sábanas te di mi primer beso…
He nacido y muerto debajo de las sábanas…en La cama.
Solo quedan unas funciones de La Cama en el Sol de York y no debes perderte la oportunidad de sumergirte es esta propuesta de teatro sensorial, después, volverás al ruido de las calles pero en tus labios habrá un sonrisa enorme. Y atentos…que en breve llega una nueva obra de Teatro en el Aire que nos hará disfrutar en una cena sorprendente.
Adolfo Simón
La tigresa y otras historias de Dario Fo en el Sol de York
Hace más de dos décadas se presentó esta propuesta en los escenarios madrileños, todavía tengo imágenes en mi memoria de Manel Barceló sobre las tablas del Teatro Galileo. También el propio Dario Fo ha contado estas historias en alguna de sus incursiones como actor en la escena. El contenido de estas narraciones es espléndido, cautiva desde el primer hasta el último momento. La historia con la que arranca el espectáculo es La tigresa, una bella metáfora de lo que nos diferencia de los animales; en la historia salen ganando ellos, no podía ser de otro modo. Las dos narraciones que continúan tras una breve pausa tienen también su magia…Desmitificar la idea de Dios y mostrar la debilidad de los hombres. Todo actor que ame la escena debería enfrentarse a este espectáculo, solo cuando se está maduro para subirse a un escenario, se puede realizar el tour corporal y emocional que se precisa…Julián Ortega pone corazón, emoción y cuerpo para darle matices y contundencia a este trabajo.
Adolfo Simón
Júbilo Terminal en el Sol de York
Hay obras que parece que se hacen para homenajear a una profesión o sus artífices, no es este el caso, aunque lo parece. La pieza comienza con un pequeño audiovisual donde aparecen fotos y nombres de alguno de los artistas claves del teatro en el siglo XX. A los jóvenes no les sonarán muchos de los nombres; es lo cruel de la profesión del teatro, que es efímera en todos los sentidos. Pero para los que pudimos ver sus obras en algún momento, quedaron para siempre en nuestra memoria. En escena está todo el tiempo José Pedro Carrión, actor que forma parte de esa tradición teatral que ha dado grandes títulos al teatro. Su presencia y su voz son inconfundibles…En esta ocasión juega a ser un intérprete que se despierta entre cajas tras la función…No es más que una excusa para que podamos disfrutar viendo como encarna a los fantasmas de obras de otro tiempo mientras se debate con una joven, Valery Tellechea, que tiene todos los sueños por cumplir y no piensa tirar la toalla a pesar de que vivimos malos tiempos. Si, se habla de teatro en esta obra pero también de la vida, de los deseos, de la necesidad de pelear hasta el último momento y compartir la lucha. Y eso le afecta a toda la sociedad hoy en día.
Adolfo Simón
Juan Vinuesa en verano…
¿Qué balance artístico haces de este año?…
Muy bueno y motivante. He tenido la suerte de poder trabajar en diferentes espacios escénicos como actor, coautor y codirector, al lado de artistas a los que admiro. Más allá del progreso personal, lo que me queda es la sensación de que el engranaje, la rabia y las ideas de quienes formamos parte del oficio teatral están en marcha. Se ha revelado como común una fuerza que creo que está abriendo nuevos caminos y eso es muy valioso: la autocreación y la autogestión van a ser más importantes que nunca.
¿Cómo estás pasando el verano?…
Tranquilo, rodeado de gente a la que necesitaba ver y entre lugares cercanos: Granada, Málaga, Almería… Y, aunque son malas fechas para ello, acabo de empezar (llevo cuatro días) un plan de dieta y de ejercicio estricto que me había propuesto hace tiempo. Yo engordo raro, descompensado, y se me estaba poniendo una cara que, o me sorteaban en una tómbola, o no me iba a querer ni mi familia.
¿Has visto algún espectáculo interesante?…
Destacaría dos que creo que todo el mundo debería ver. Por un lado «Lear», de Pepa Gamboa, versión de «El rey Lear» que se adentra en las luces y sombras que subyacen en el universo familiar y en la que sus actores y actrices desestabilizan magistralmente y sin miramientos la emoción del espectador… Sin duda, un elenco en estado de gracia. Por otro, el disparatado «Cabaret Popescu» de Lavi e Bel, espectáculo de más de tres horas que, unido a la cena que lo acompaña, provoca que debamos hablar más de una genuina experiencia que de función teatral. Esta compañía granadina tiene el don de cambiar el ánimo.
¿Qué libro estás leyendo?…
«Todo lo que era sólido» de Antonio Muñoz Molina. Un estupendo ensayo para entender qué nos ha pasado y hacia dónde nos dirigimos.
¿Proyectos para el otoño?…
En breve comienzo un complejo proyecto de residencia artística en El Sol de York. Lo haré de la mano de Jose Padilla, autor a quien la crítica y público ya ha colocado como una realidad del sistema teatral español, pero yo creo que aún no ha dicho ni la mitad de lo que le late dentro. El proyecto se compone de varias fases y culmina con el estreno del montaje el 14 de febrero y su consecutiva programación en temporada. Además, seguiré con el periodismo teatral. Creo muy importante el contaminarse de diferentes experiencias para crear tu propia perspectiva, y el periodismo escénico me ayuda a ello gracias al número de funciones a las que tengo que acudir y, además, a la generosidad y al saber de los entrevistados. Es enriquecedor entrevistar una mañana a un Premio Nacional de Teatro que te cuenta cómo era este arte hace 40 años y cómo ha sido su adecuación a estos tiempos. Pero lo maravilloso es que esa misma tarde, charlas con otro joven actor que acaba de salir de una escuela y, aunque carece de oficio, le sobran ganas para comerse el mundo y buscar la mano de ese Premio Nacional de Teatro. Como dijo Donoso Cortés: «Hay que unirse no para estar juntos, sino para hacer algo juntos».
DER ZEIT IHRE KUNST… por Pablo Huetos
DER ZEIT IHRE KUNST…
por Pablo Huetos (compañía Teatro defondo)
Verano y crisis: dos condicionantes que hacen que el teatro florezca en Madrid de formas muy variadas. Un paseo por el panorama teatral madrileño en esta situación nos permite ver la cantidad de sinergias que se están movilizando para luchar contra la parálisis que parece querer imponer un Gobierno insensible y estrecho de miras.
Me encanta el lema de la Secesión vienesa: “Der zeit ihre kunst, der kunst ihre freiheit” (“A cada tiempo su arte, a cada arte su libertad”). Parece que la cultura y el arte lo han revisado recientemente, están despertando de un letargo producido por la comodidad de años anteriores y se están poniendo manos a la obra (valga la expresión) para generar públicos, interesar a todos los sectores de la sociedad y dar un servicio social a todo aquel que se siente perdido, ahogado o enrabietado por el crujido de nuestros huesos aplastados por la enorme rueda del sistema, parafraseando a Herman Hesse (aunque ponerse demasiado germanófilo no parece lo más adecuado en estas horas).
La efervescencia de las artes escénicas en Madrid es, según algunos amigos argentinos, lejanamente comparable con el Buenos Aires del Corralito. El fenómeno, sin embargo, es extraordinario: se multiplican los lugares de muy diverso formato donde mostrar distintas expresiones escénicas. En los últimos meses, por ejemplo, se ha abierto La Neomudéjar de Atocha, un espacio maravilloso (antiguos almacenes de RENFE) dedicado a la videocreación, el arte y la performance que trata de paliar un inmenso vacío; se ha abierto también Nave 73 en Embajadores, donde he tenido la fortuna de trabajar con Escriba su nombre aquí frente a un público deseoso de recibir historias sobre lo que le está pasando ahora mismo; también en Embajadores acaba de abrir La Belloch; se reafirma en el panorama la Kubik Fabrik, una sala en pleno barrio de Usera levantada con muchísimo esfuerzo y disgustos y contra la aplastante burocracia que, parece, sí va a conseguir acabar con otro precioso sueño, el de Garaje Lumiere; prosperan los lugares de investigación, formación y ensayo; los microteatros (dentro de poco se abren nuevas salas en la plaza de Luna), teatros “S” (la Sala Tú, Nudo Teatro, Estudio 2…), cafeterías que ofrecen espectáculos, teatro en lugares inhabituales (como la experiencia hecha en el Hotel Intercontinental por los compañeros de Metatarso), teatros “M”, como El Sol de York que se está haciendo un estupendo hueco en el barrio de Chamberí con programación tan interesante como Muda, de Pablo Messiez, Cuando fuimos dos, de Cría Cuervos… todo ello para complementar la oferta, bien distinta, que ofrecen los teatros talla “L” y “XL”. Todo esto está enriqueciendo y dotando de densidad al tejido teatral madrileño, algo muy necesario tras los recortes y los abusos impositivos.
Ahora mismo la sensación es que hay programación para todos los tipos de público. Ahí van algunos ejemplos:
El estreno de Maribel y la extraña familia, con dirección de Gerardo Vera, en el Teatro Infanta Isabel nos remite a los teatros de mayor capacidad. El espectáculo es una buena forma de conocer o revisitar a Mihura y tiene un reparto encabezado por una estupenda Lucía Quintana. Es un espectáculo sin pretensiones ni mensajes, una comedia entretenida para pasar una tarde de verano. Seguro que va a hacer una gira muy extensa. En ella pueden encontrar satisfacción, especialmente, aquellos espectadores que buscan un teatro conocido y sin sorpresas.
En un sentido parecido (que no igual) se estrenó en el patio del Teatro Galileo La esmeralda de Kapurtala, que continuará allí durante todo el verano como parte de la programación de Veranos de la Villa. En este caso el espectáculo tiene una propuesta basada en la comedia, la interacción con el público y el cabaret, que funciona muy bien en un ambiente distendido en el que la gente cena mientras ve el espectáculo. Es una buena ocasión, además, para conocer a parte del equipo de Teatro de Malta que ganó el Premio MAX a Mejor Espectáculo Infantil en la última edición hasta la fecha, con Alegría (palabra de Gloria Fuertes).
También en un contexto puramente veraniego se celebra el Festival Fringe en Matadero Madrid (y en algunas salas asociadas como Lagrada o La Cervantina). Se trata de una propuesta que prima los lenguajes escénicos contemporáneos. Allí hemos visto Las amistades peligrosas, de Metatarso Producciones, un espectáculo arriesgado y redondo que espero que dé mucho de qué hablar porque está hecho con calidad, imaginación, trabajo, talento, frescura… Es ésta una propuesta de teatro a la italiana, pero también se pueden ver propuestas en espacios inhabituales (a veces inverosímiles) como el tejado, un callejón… a esto se une una actividad de mesas redondas y conciertos gratuitos que atraen a mucho público (como en el caso de María Betania) o a no tanto (en el caso de propuestas más “ambient”), pero que siempre han conseguido que haya mucha circulación de gente en la zona de Arganzuela. Por lo que nos comenta alguno de los participantes en el Fringe 13 la asistencia de público teatral también ha sido irregular: en general las compañías madrileñas han sido capaces de movilizar a mucha gente, pero varias compañías “foráneas” han visto que la promoción para dar visibilidad a sus propuestas no ha sido la más adecuada. Recordemos, en cualquier caso, que se trata de un Festival con una media de actuaciones de 8 por día, aproximadamente.
En salas de aforo mediano, como Cuarta Pared, hemos visto La fiebre, dirigida por Carlos Aladro. Es otro caso de teatro que la gente necesita ver hoy en día. Igual que en el caso de Escriba su nombre aquí, en Nave 73, o de Allí, en la Sala Nudo, el público está deseando ver en escena un reflejo, sea realista o más poético, de la tormenta de ideas, sensaciones y sentimientos que nuestras almas están experimentando en los últimos años.
Este análisis, evidentemente, se queda cortísimo, pero permite sacar una conclusión: que el teatro en Madrid, lejos de agonizar, está más vivo que nunca. Las condiciones laborales y salariales no son siempre las más adecuadas, los ingresos de taquilla han bajado en los grandes espacios y el 21% de IVA hace que las cuentas no cuadren ni comiendo arroz para desayuno, comida y cena, pero hay un gran sector de la profesión que necesita expresarse y dar voz a sus conciudadanos y que está generando nuevos ámbitos y posibilidades para que el teatro sea viable y accesible. Y hay mucha gente que se está acercando al teatro para encontrar un sentido de comunidad, un sentido de energía colectiva que, quizá, sea una de las mejores herramientas que tengamos para enfrentarnos a la bomba de succión del neoliberalismo.
Que Revienten los Artistas 
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