La autora de las meninas de Ernesto Caballero en el CDN
En un futuro no muy lejano la crisis financiera que sacude Europa obliga al Estado español a desprenderse de su patrimonio artístico. Ante la posibilidad de la venta de Las meninas, una afamada monja copista recibe el encargo de realizar una réplica exacta del original velazqueño. Este es el punto de partida de la obra, una hipótesis que tal vez no esté tan lejos de nuestros días. Gracias a esta premisa y al talento de Carmen Machi, transitamos por la fragilidad del arte, la facilidad para hacer concesiones al pensamiento único, en definitiva, para vender el alma al diablo don dinero. Con una puesta en escena sencilla donde los tres actores dibujan un tiempo sin respeto por el arte y la tradición, descubriremos que la bondad no está siempre en los aparentes corderos porque debajo de está piel está el lobo.
Adolfo Simón
Jan Fabre, el visionario insomne
He tenido que dejar pasar un tiempo después de la experiencia de Monte Olympus, como se deja pasar el tiempo tras un día de desenfreno sexual y emocional, cuando se alargan las horas para seguir con el aroma de la piel de otro cuerpo en las fosas nasales. O cuando has estado velando a un familiar muerto, sabiendo que esa noche será la última que podrás mirar su rostro antes de que se convierta en polvo…Esas noches dejan la cabeza ebria y el cuerpo maltrecho, como si hubieras tenido un accidente y la conmoción estuviese a medio camino entre el placer y el dolor.
Ahora entiendo, tras haber vivido la experiencia de las 24 horas de Monte Olympus, lo que vive cada noche de insomnio Jan fabre y lo que pretende que el público sintamos frente a ese torrente de imágenes y sensaciones inagotables que es este periplo. No es un viaje ascendente hacia la cima de la montaña, es un descenso y caída por un acantilado hacia los infiernos y paraisos más temidos, aquellos donde todo está escrito de sangre y purpura. Pocas veces ocurre que días antes ya esté el cuerpo y la mente en estado alterado, como esperando que llegue la celebración, el mismo día experimenté una preparación sensible para el rito…¿Sería así para los griegos?.
Cuando se entró en la sala, dos seres blancos esperaban en la escena, como recibiendo nuestra energía. No había nada más que ocho mesas blancas también, cuatro a cada lado y una pantalla gigante al fondo, blanca…Era un espacio a medio camino entre un tanatorio o la sala de bodas de un pueblo antes de la fiesta…¿Qué banquete nos van a ofrecer?… Todo el mundo se mira en el patio de butacas…Hay una mezcla de inquietud y excitación…
Y empieza el viaje…La escena se llena de seres mágicos que entran en extásis bailando frenéticamente…Ya no hay vuelta a atrás, el cuerpo no responderá a la mente aunque las horas de madrugada hagan desfallecer…Los ojos duelen pero es imposible dejar de mirar la escena, nada de lo que ocurre allí deja indiferente y hay que esperar a lo que pueda llegar, no perder detalle…
No me voy a acordar de las cosas que no me interesaron, de las redundancias, de las repeticiones…de cada momento en el que estuvimos contra los límites físicos, emocionales o sensoriales. Voy a recordar la belleza salvaje que de repente inundaba la escena, la suspensión del tiempo y el dolor en imágenes poderosas abortadas de una pesadilla, de la locura sin límites en los constrastes que se componen como si un cincel arañase la escena…
Ahora, pasadas las horas…recorto los momentos que me dejaron sin pulso, los monto en mi memoria como si de un videoclip único se tratáse y lo guardo en algún rincón de mi cerebro. No volveré sobre ello, lo dejaré reposar en mi imaginario para que alimente mi locura y el placer por el misterio, lo desconocido, lo imposible…
Jan Fabre ha de exorcizar los fantasmas que le asaltan en las noches de insomnio, ha de liberar su cabeza de los monstruos que le visitan…que bueno si el horror se puede tornar belleza y animar al mundo a soñar despierto, en vigilia…en sueño.
Hay sueños que se componen de pesadilla y ternura, esa es la clave, aceptar que la tragedia y lo grotesco pueden convivir, es una forma de ser más libre en la vida, en este mundo cargado de horror y muerte.
El viaje llega a su fin y termina con la misma energía y generosidad de un equipo de interpretes sobrenaturales, hacen que lo sencillo sea mágico y que lo difícil se convierta en oxigeno. Ellos son los artifices de este monumento creativo…Me niego a poner etiquetas a este trabajo, ni como genero ni como valoración. Los que estuvimos allí las 24 horas, cuidados por el teatro del Canal y su personal, sabemos lo que se experimentó y es algo muy difícil de traducir en palabras.
Ya está, ahora hay que volver a la realidad, a ese día a día donde lo feo nos sale al paso y la transgresión la amordazamos en la pelvis.
Adolfo Simón
Diotima de María Zambrano en La puerta estrecha
Siempre que acudo a La puerta estrecha, al cruzar su umbral, tengo la sensación de que viajo en el tiempo y el espacio, es como si pudiera llegar, a través de sus muros, al corazón de Buenos Aires, a un barrio que ama el teatro, el rito eterno. Afuera queda el asfalto y el ruido de Madrid, el frío invierno obliga a la gente a correr a sus casas, hay poco tiempo para detenerse ante la poesía. Hoy he podido viajar también desde la sala peculiar de este teatro a otro momento de nuestra historia, aquel en la que María Zambrano seguía tejiendo palabras con las que construir pensamiento y humanidad. Y, además, no solo había palabra sobre la escena, había poesía en cuerpo y alma. Probablemente, en estos momentos, una de las mejores propuestas escénicas, llena de atmósferas y belleza transgresora este en esta sala: Diotima de María Zambrano es una de las piezas que nos permite fulminar los tópicos de lo que ha de ser teatro de ideas. Aquí hay rito sagrado y emoción en cada pasaje, en cada rincón, en cada objeto y sonido…No es una obra convencional, por suerte, es una experiencia sensorial, de emoción inteligente. Vayan y canten una nana cuando se acueste la luna en la cuna.
Adolfo Simón
María Parrato en Cuarta Pared
Estamos en un año de muchas celebraciones teatrales. Otra profesional de la creación escénica, María Parrato, también cumple dos décadas dedicada a la investigación del teatro para público familiar. Durante tres semanas se podrán ver tres propuestas diferentes: Palabras de caramelo, No te asuste mí nombre y Ping, el pájaro que no sabía volar. La primera pieza ya se ha podido disfrutar este fin de semana y la acogida por parte del público ha sido unánime, la sala a rebosar se emocionó con esta historia poética llena de discurso sensible hacia los seres con discapacidad y los lugares olvidados por el mundo…Un niño sordo en el Sahara es el punto de partida para un viaje para que reflexione un mundo autista sobre las desigualdades.
Adolfo Simón
Dt x 2
El Curro Dt está celebrando sus veinte años de trayectoria y para ello han tenido la sugerente idea de recuperar varios espectáculos creados durante estas dos décadas y mostrarlos en diferentes salas de la ciudad de Madrid. Sin duda es una oportunidad para que sus piezas las vean espectadores que suelen moverse por espacios concretos y, sobre todo, para tener la ocasión de ver obras que en su momento tal vez no tuvieron la repercusión mediática necesaria. «Frida, pies para que os quiero…» es una de las propuestas más ambiciosas realizada durante estos años por el colectivo. No solo es un homenaje a la gran pintora mejicana; mostrando múltiples facetas de ella como persona y artista, también es la recuperación de un tiempo en el que todo el mundo vivía la esperanza por crear un nuevo horizonte para la sociedad. La tortura por la enfermedad y la lucha por la vida son el hilo conductor de la obra en la que un grupo de actores bailarines componen imágenes poderosas y nos sumergen en el universo de un tiempo a través de los pinceles de una de las genios del siglo XX. En nave 73 todavía se puede disfrutar este mes de la pieza que muestra, a través de la danza, las pinceladas de un tiempo en lucha. Y este fin de semana, en su sede habitual, se ha programado «Spam», una breve pieza de Inma Janeiro creada en residencia artística en Dt.
Adolfo Simón
La tumba de María Zambrano (pieza poética en un sueño) de Nieves Rodríguez Rodríguez en el CDN
En el epitafio de la tumba de María Zambrano se pueden leer las siguientes palabras: «Levántate, amiga mía, y ven».
Un niño hambriento, en una noche de verano, se refugia en el cementerio y las pronuncia invocando a Zambrano, quien, con ayuda de María Niña, le dará de comer. Pero fuera hay muchas personas pasando hambre. Entonces María Zambrano intentará desesperadamente encontrar la última palabra, aquella que seguía buscando en 1988 cuando se convirtió en la primera mujer en recibir el Premio Cervantes: la palabra perdida, la palabra única, secreto del amor divino-humano. Una palabra que nos alimente ante la incertidumbre social y política en que vivimos: Paz. Es muy complicado recuperar la memoria de personajes ilustres en la escena, se suele caer en lo biográfico, en lo literario, en lo informativo…Por suerte, en esta propuesta se ha optado por la poesía y la elípsis. Tanto en el texto como en la pieza escénica y el trabajo actoral, hay la necesidad de buscar un cruce de caminos entre la belleza de un tiempo perdido, con los sueños de un futuro improbable y el deseo por que la palabra que sea emblema eterno se nombre cada día…Paz. Una obra que no solo recupera la memoria si no que propone soñar un mundo mejor.
Adolfo Simón
Obra de Dios en el Teatro Bellas Artes
Volver a Madrid tras el empacho de celebraciones navideñas se hace mejor si es con una sonrisa gracias a que Obra de Dios realiza una travesura para salirnos de esa intensidad con la que a veces miramos los edictos religiosos. Mejor empezar el año desmitificando de algún modo los grandes mandatos, a ver si, de esta forma, con un poco de humor e ironía, podemos asumir el día a día de otro modo. Ahora, tras Madrid, queda una larga gira para el montaje.
Adolfo Simón
Esto no es La Casa de Bernarda Alba en los Teatros del Canal
Esto no es La Casa de Bernarda Alba pero podría haber sido, hay una frase de Lorca en el programa de mano que dice…»Si tuviera dinero, me gustaría hacer varias versiones de la misma obra: una, muy antigüa; otra, muy moderna; una, fastuosa; otra, muy sofisticada…» Si Lorca viese esta versión de su gran obra realista, creo que se divertiría porque hay mucho juego con el material dramático. Partiendo de una premisa, a través de la cual, nos sitúan en un contexto contemporáneo, entramos en el universo de las sinergias de lenguajes y la conceptualidad estética. ¿Cómo sería hoy Bernarda y su entorno si tuviéramos que buscar su reflejo en nuestra sociedad actual?…¿Son mujeres las que plantean el pensamiento retrogrado y machista o Lorca mostraba sus historias a través de los seres con los que podía contruír la ficción entonces?. Hoy se puede considerar arte cualquier cosa, la piel de una mujer colgada en una pared o animales disecados como fastasmas mentales…Y así, Bernarda puede ser un gran maestro de ceremonias que articula a sus marionetas travestidas, para hacer que los masculino se tropiece con lo femenino, en una sociedad actual donde el hombre es un pelele que golpea duro a toda mujer que no le pone las zapatillas al llegar a casa.
Eusebio Poncela, en la piel de Bernarda, encabeza un reparto en el que son hombres los encargados de encarnar los principales roles femeninos: Igor Yebra como Josefa; Óscar de la Fuente como Poncia, Jaime Lorente como Adela, David Luque como Angustias, Guillermo Weickert como Criada, Arturo Parrilla como Magdalena y Diego Garrido como Martirio. La actriz Julia de Castro interpreta a Amelia.
Así se acercan la directora Carlota Ferrer (codirectora del Corral de Comedias y Premio Ojo Crítico de Teatro 2005) y el dramaturgo José Manuel Mora (Premio SGAE, Premio Max de Teatro, Premio Marqués de Bradomín) a esta versión del clásico de Federico García Lorca.
Adolfo Simón
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/carlota-ferrer/
Vania en la sala Negra de los Teatros del Canal
Vania (escenas de la vida) tiene como tema central la vida, que se puede observar a través de la visión de los personajes y de sus respectivas miserias. A Vania/Luis lo ha guiado el deber y solo ha vivido para los demás postergando sus propios anhelos. Vive con su sobrina Sonia/Irene, que está enamorada del doctor Astrov/Gonzalo. La cotidianidad de estos se ve perturbada con el regreso del profesor, ex cuñado de Vania/Luis y padre de Sonia /Irene, y su actual esposa, Elena/Ariadna, una mujer considerablemente más joven y de gran belleza. Proyecto para cuatro actores centrado en la búsqueda de una verdad escénica dramatúrgica y actoral para llegar a la esencia de Chéjov mediante el juego. Una propuesta íntima donde intérpretes y espectadores compartirán espacio y melancolía. Sin duda ha sido uno de los acontecimientos teatrales de la temporada. En esta propuesta, Àlex Rigola prescinde de todo artificio escénico para centrarse en la biografía de los actores, exhibiendo sin máscara sus miedos y deseos. Es importante nombrar a los cuatro actores: Ariadna Gil, Irene Escolar, Luis Bermejo, Gonzalo Cunill que exponen en primera persona su piel e imaginario para que los personajes de creo Chejov, les atraviesen el alma.
Adolfo Simón
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/alex-rigola-heartbreak-hotel/#tabs1-reparto
Las tribulaciones de Virginia de los Hermanos Oligor en el Festival Pendiente de un hilo en Pradillo
Las tribulaciones de Virginia es un espectáculo con muñecos, autómatas animados por poleas y pedales, juguetes mecánicos y máquinas inspiradas en experimentos de causa-efecto, con esta propuesta tan singular se ha inaugurado el Festival «Pendiente de un hilo» que han organizado desde La Tartana Teatro para proponer múltiples actividades durante las Navidades en la Sala Pradillo. Las tribulaciones de Virginia llevan muchos años dando vueltas por el mundo, de festival en festival, emocionando y cautivando a todo tipo de público. Es una obra atípica, ni su proceso ni el transcurrir de la pieza son convencionales. El público asiste a una experiencia íntima y mágica, entre narraciones y ensoñación, pasa una hora y pico como una exhalación. Han prorrogádo y mañana jueves hay dos funciones más, no lo duden, acudan a la Pradillo y disfruten de este viaje inaúdito. Y consulten la web del Festival, hay muchas sorpresas para los próximos días.
Adolfo Simón
CU4TRO CORAZONES con FRENO y MARCHA ATRÁS en el TEATRO MARAVILLAS
Dos parejas de enamorados y un cartero. Una herencia imposible, una isla desierta y la fórmula de la eterna juventud. ¿Felicidad también eterna? ¿Amor inmortal? Puede que sí, puede que no o quizá todo lo contrario. Porque todo es posible en “Cuatro corazones con freno y marcha atrás”, una de las comedias más populares y divertidas del maestro Enrique Jardiel Poncela. “Cuatro corazones con freno y marcha atrás” es el nuevo espectáculo de Gabriel Olivares junto a la Compañía TeatroLab Madrid. Como en propuestas anteriores, el trabajo resultante es el fruto de un proceso rico de ensayos. Ya hubo ocasión de disfrutar de esta obra el verano pasado en el Teatro Galileo, ahora, se adapta al escenario del Teatro Maravillas y encaja perfectamente. Jardiel Poncela ya es un clásico con el que se puede jugar de muchas formas, se puede escenificar atendiendo a las sugerencias del autor y también se le puede revisar y dar aire actual. El equipo ha optado por esta última opción y tanto en la escenografía, el vestuario y las referencias de época setentera, dan una vuelta a la obra que la vuelve ágil y divertida. Hay momentos delirantes, casi surrealistas…en ocasiones se convierte en un musical disparatado. Todo funciona como si Jardiel la hubiera escrito para darle ese tratamiento escénico. El equipo de actores es compacto, funciona como un reloj, pero hay dos pilares sobre los que se sostiene la obra, Guillermo Sanjuan que hace un personaje disparatado y despistado con grandes toques de comicidad y Chusa Barbero que construye una mujer enloquecida con grandes toques de sensualidad no exenta de momentos divertidos que provocaban gran diversión en el público.
Adolfo Simón
«A pecho descubierto»-Homenaje a Gloria Fuertes en el Umbral de la Primavera
Gloria Fuertes hubiera cumplido este año su centenario…Se han realizado muchos homenajes en su memoria, necesarios. Gracias a ellos hemos descubierto las mil facetas de esta genial poeta y mujer de combate vital. Como cierre de estas conmemoraciones, en el recoleto Umbral de la Primavera, disfrutamos el domingo pasado de «A pecho descubierto», versión adulta de su universo, realizado por Cía. La Cantera Exploración Teatrales. Gracias Gloria por haber existido y por habernos dejado una herencia tan maravillosa y gracias a todos los que han jugado a visitar su mundo para que la conociéramos mejor. Gloria por siempre!.
Adolfo Simón
Gibraltareña en el Teatro Bellas Artes
Gibraltareña es la historia de una mujer que, sin proponérselo ni darse apenas cuenta, comienza a ejercer la prostitución , un oficio que desarrolla con mucha dignidad y poniendo el alma en ello. Ella piensa que cada servicio no es solo un acto de sexo, sino de amor, ese amor que perdió pero que no desiste en buscar como sus clientes. Un monólogo a través del cuál, la actriz se sumerge en su memoria como quién recorre su viaje vital. Elisa Matilla despliega en escena toda su versatilidad para dar vida y corazón al personaje.
Adolfo Simón
ENCARNACIÓN de Fernanda Orazi en el Umbral de la Primavera
Encarnación es el mundo de cuatro seres en busca de aquella luz, de aquél foco que todo lo ilumina. Esta búsqueda es el objetivo para la gran mayoría de los mortales, intentar encontrar una salida al desconcierto, a la desidia diaria…a un mundo sin sentido ni orientación. La puesta en escena es muy sencilla, basada en el trabajo actoral que encarnan unos seres de laboratorio que atienden a voces del más allá…que indican el camino a seguir hacia la luz. Un cabaret holístico y desenfadado para pensar si vamos hacia la luz o hacia la oscuridad en este mundo de ideologías huecas.
Adolfo Simón
Juegos para toda la familia en la Sala de la Princesa del CDN
Luis Buñuel en Viridiana sentó a unos sin techo a la mesa de la gran mansión que habían ocupado, una mesa que recordaba con gran acierto esa gran cena que todos hemos contemplado en múltiples ocasiones como paradigma de conciliación, aunque tuviese un traidor entre ellos. Ya, de manera inteligente, nos hablaba de la naturaleza humana, tan proclive a dejarse seducir por la belleza del mal. Era perturbador ver como todos podemos estar un día sentados allí con harapos y otro, con traje de seda…Y que lo que hay bajo las vestiduras, más allá de idiomas, fronteras y naturaleza, es muy parecido. En Juegos para toda la familia hay un texto y una puesta en escena transparentes, no da pie a equívocos, nos muestra las cosas como no las queremos ver, nos hace mirar lo que hay bajo la piel sensible de cada persona que es, una piedra que, con facilidad se hunde en el lodo si no se le da ocasión de sobrevivir al horror. Hay algo muy sugerente en esta pieza y es que no todos los cabos quedan cerrados y claros, hay espacios que no sabemos si forman parte de los roles del juego o son los personajes que mueven los hilos…¿Todos los que hacen el ritual al principio son «iguales» frente al juego o se parte con división de caracteres?¿Es la criada un personaje estanco que facilita la mecánica o es el rol que le ha tocado en esa partida? y, sobre todo…¿Dónde está el límite entre el teatro y la vida?. Juegos para toda la familia nos muestra lo que ocurre tras las paredes de los grandes palacios, esos donde el abuso y la especulación es el leit motiv diario, pero, sobre todo, nos hace reflexionar sobre esa «parte humana» que todos creemos tener y conservar intacta ante cualquier tentación…aunque la supervivencia a veces justifica cualquier atrocidad. Una obra que no puede dejar indiferente a nadie que la vea y que se irá tras la nuca de los espectadores durante días. Sigo pensando que, en la sala de la Princesa, es donde muchas veces veo el mejor teatro y de mayor riesgo del CDN.
Adolfo Simón
«Casa de muñecas» en el Teatro Fernán Gómez
Salgo del teatro con el estómago revuelto. Ibsen, versionado acertadamente por Pedro Víllora, lo ha conseguido de nuevo. Parece que nada ha cambiado en los últimos 150 años… ¿ No conocen a Torvald y Nora aún? No, no son la nueva pareja de moda futbolista-modelo, pero se parecen. ¿Es Nora la pionera de las nuevas WAGS? Quizás es una buena ocasión para acercarse al teatro para reflexionar sobre la sociedad y su hipocresía. Tienen en sus manos una buena propuesta de Venezia Teatro, con una escenografía y vestuario potentes y buenos actores que nos van a sumergir perfectamente en la tensión dramática que pretendía el autor.
En la calle esta noche se pasean miles de Noras-WAGS en las típicas cenas de empresa por Navidad. Noras que fantasean con trajes y regalos, Noras que pretenden ser alguien, Noras que buscan su realización profesional y su éxito en la vida, su casita de muñecas, su mansión en La Moraleja, Noras que juegan con la verdad todos los días y sonríen levantando sus copas pensando en nuevas estrategias para convivir con Torvaldos sin pegar portazos.
Luis Mª García Grande
«Insolventes» en Nave73
El teatro debería rascar un poquito en nuestra conciencia, al menos hacer un rasguño que nos deje marca. Felix Estaire ha concentrado en un texto parte de la mezquindad humana que sale a flote en situaciones límite, situaciones que, brotando del cerebro, van taladrando el cráneo hasta que producen esa erosión necesaria para que se escape el odio generado dentro.
Bajo un hilo argumental sencillo que no es determinante, Insolventes nos va poniendo en tensión poco a poco, entre risas y bromas, y nos sumerge en la situación de tres personas excluidas por la sociedad debido a su situación económica. Lo importante es lo que no se cuenta, lo que se debe transmitir por el actor gracias a una buena dirección, en esta ocasión de Pablo Martínez Bravo, y esta parte está bien conseguida, aunque a un ritmo algo lento, que quizás pretende buscar la tensión interior del espectador… o, quizás es el cepo para esperar a que pique y caiga en la trampa cual inocente cobaya.
Luis Mª García Grande
A LA GLORIA DE LAVAPIÉS en NAVE 73
En este espectáculo se habla de la Gloria Fuertes que se bebió la vida a borbotones; de la que luchó por buscar la paz a través de sus letras; de la que se fumó los días a cartones; de la que amó a ciencia cierta y sin fronteras; de la que cantó hasta romperse. De esa mujer de barrio que se cargó la vida a la espalda y no paró de llenar cuadernos con ella hasta que no quedó ya nada más que contar. En este cabaret trasnochado de madrugadas locas para escapar de un tiempo gris y represivo se habla de espacios de libertad y diversión por parte de una generación que se tomaron la vida a tragos, con una sonrisa. Un bello homenaje a la gran poeta del siglo pasado que este año ha sido la protagonista de la cultura por haber cumplido cien años como quien cuple cien mundos y vidas.
Adolfo Simón
“Tipical Ispanis-La decalogía de la copla”. El Curro DT en Mira, dentro del programa MiraDanza II del Centro Dramático Rural
Coplas a Mira, coplas a la vida, coplas a los lunares, la copla eterna.
Este sábado pudimos disfrutar de este espectáculo llevado a cabo por la Compañía El Curro DT en la plaza del pueblo de Mira (Cuenca)
Un guiño lleno de humor, imaginación, ingenio, actitud y sobre todo otra mirada de la música folclórica de España.
La plaza se tiñe de lunares. El público asistente disfruta rememorando las canciones de antaño mientras nuestros ojos ven a un carismático grupo de bailarines sintiendo en el alma la música. Un chute de copla por las venas y el eco permanente de los “Olé”.
Bonita manera de seguir bailando las calles. Deben de sentirse Bien Pagá, después de cumplir 20 años danzando por un boulevard llamado mundo. Seguramente hubo más de alguna María de la O que se sintió identificada con todo aquello. Y muchas Violeteras que pían sin parar. Y sin embargo, queremos seguir sintiendo a El Curro DT porque nos daría mucha Pena, penita pena, que todo acabase. Sigan bailando y sigan teniendo la misma fe por La Virgen del Palo.
Gracias por hacernos partícipes de este gran momento.
Dave Aidan
La pastilla de la felicidad en Essencia de Cuarta Pared
La Pastilla de la Felicidad es una de las cuatro propuestas del Festival Essencia en Cuarta Pared, que este año versa sobre la felicidad. Esta propuesta en concreto se enfoca como teatro de texto, y se crea desde cuatro pilares: la imagen y las redes sociales, la industria farmacéutica, el futuro distópico, y trabajar desde lo teatral. Siempre planteando nuevas preguntas, pero sin pretender responderlas.
En un futuro, la felicidad será algo entre lo universal y lo obligatorio, gracias a la existencia de una pastilla de la felicidad, promocionada por un gurú que da consejos sobre felicidad en las redes sociales ¿Qué pasa entonces si una persona decide dejar de tomarla?
La obra nos lleva a través de un viaje que nos habla de la exigencia de la felicidad, de la medicación forzosa y los problemas en el ámbito de la salud mental, de la injerencia de las farmacéuticas en la vida diaria, del coaching, de la soledad, del tercer mundo y los refugiados… Todo ello saltando entre lo paródico y lo doloroso, entre personajes memorables y momentos crueles. De Freddy Mercury a Siria, del presentador showman a ser atados a una cama de hospital. ¿Qué es la felicidad? ¿Cuál es la felicidad real? ¿Puede consumirse? Ni contigo ni sin ti.
Guille Pavón Gray
Sueño de Andrés Lima en el Teatro Alhambra
Diciembre ha comenzado en el Teatro Alhambra de Granada con una propuesta escénica compartida entre el Teatro de la Ciudad y La Abadía de José Luis Gómez. Andrés Lima ha ideado una mezcla de escritura realista y metafórica, en torno a la muerte y las circunstancias que rodean a la decadencia mental y física del individuo. He escrito mezcla, pero quizá sería más propio hablar de acumulación de materiales creativos, pues la integración entre los distintos planos de escritura no es ni mucho menos armónica o se encuentra encajada del todo. En la parte realista, asistimos a la decadencia y muerte de un hombre, inspirado según se lee en la propia publicidad del montaje en el padre del propio Andrés Lima. La narración de algunas de las últimas circunstancias de esta especie de conquistador irredento que se apaga (un individuo lastrado por el alcoholismo) deja paso en el montaje a una atmósfera onírica, rotundamente carnal, en la que asistimos a pequeñas coreografías de sencilla sensualidad con las que además disfrutamos de una palabra de Shakespeare que aparece y desaparece en escena de manera inopinada. La mente a punto de extinguirse que interpreta con seguridad y tino Chema Adeva sueña en verso, acudiendo sobre todo al repertorio más conocido de El Rey Lear y El sueño de una noche de verano. Nathalie Poza destaca en un elenco bien elegido y dispuesto, por la calidad y fuerza con la que dota a su doble (¿triple?) personaje en escena.
Rafael Ruíz Pleguezuelos
“The trouble of walking straight” en Teatro Pradillo
“The trouble of walking straight” es una propuesta única y efímera. Cada día es distinta, una construcción que se realiza con el conjunto de los asistentes que se presenten ese día. En este caso se centra en caminar, todo el mundo camina y todo el mundo lo hace de manera diferente. Con la lectura de unos texto, que se nos presenta en forma de sobre y con una frase como llave, nos sumamos a la propuesta leyendo su contenido como si por un momento fuera nuestro. Un manifiesto ante el resto de espectadores, para después pasar a ser parte de ese mundo que camina y avanza. Lo que allí se crean son numerosas historias que giran entorno a este concepto, una idea que puede pasar desapercibida sin ser consciente del peligro que puede albergar. Finalmente cerramos esta creación con la aportación de alguna de nuestras historias. Historias de pasos que hemos ido dando a lo largo de nuestras vidas. Haciendo caminos por el mundo y por la vida.
Patricia Jorge
10% de Tristeza en ESSENCIA 2017 de Cuarta Pared
Una de las cuatro obras gestadas en el festival Essencia 2017 de Cuarta Pared. Dirigida por Rakel Camacho y con la colaboración de la artista plástica Mireia Vila. Se gesta en forma de laboratorio, con la palabra felicidad como única guía (palabra que pronto será prohibida del vocabulario de los actores). Y de esa experimentación pronto salen los temas autobiográficos y personales. Durante la elaboración se busca huir de los lugares comunes, hurgar y profundizar, buscar desde la poesía y la metáfora, evitar las etiquetas y permitir el caos.
El proceso indaga en el lenguaje performativo, en el trabajo horizontal y el actor como creador. Ello implica que los actores sean valientes a la hora de proponer, y que la directora sea valiente a la hora de aceptar y recoger ese material.
El resultado es una pieza collage con escenas que se mueven en lo íntimo, en lo surrealista, en lo espectacular, en la interacción con el público, en la emotividad, en la euforia, en los sueños pendientes, en la conexión. En seguir descubriendo, porque una búsqueda de ese tamaño no puede concebir un final.
Guille Pavón Gray
Damas clásicas en Madrid
Y no tan clásicas…La Compañía Nacional de Teatro Clásico ha tenido la interesante idea de hacer coincidir, al tiempo, en sus dos salas, a las damas clásicas más conocidas del repertorio del teatro del siglo de Oro: La dama duende y La Dama boba. En La dama duende de Calderón de la Barca, Helena Pimenta provoca un juego de espejismos para el público, consiguiendo que acompañemos a los personajes en su mágico viaje del misterio al amor. En La dama boba de Lope de Vega, Alfredo Sanzol despoja el texto, la escena y los personajes de cualquier adorno clásico para convertir la obra en un juego actual donde el público se ve reflejado en comportamientos y actitudes, en otro viaje, de nuevo, hacia el amor.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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