Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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“El salto” de Jesús Carmona en Teatros del Canal

Dentro del ciclo Canal Baila, de los Teatros del Canal, hemos podido disfrutar esta semana del resultado que está teniendo en su investigación, gracias  a la residencia en el Centro Coreográfico de esta entidad, el bailarín Jesús Carmona, que ha decidido indagar en su relación  con la masculinidad y las nuevas maneras de abordarla estéticamente y como manera de crecimiento personal. En escena ocho bailarines y tres músicos nos presentan diversos cuadros surgidos de la experimentación en la forma de la danza, en las imágenes que se nos ofrece de lo masculino y cómo se ha ido desarrollando a lo largo del tiempo. El espectáculo parte de un flamenco clásico para evolucionar a una estética contemporánea, influido por la mano del director de escena Ferrán Carvajal y en el que se canaliza una fuerte energía en el baile y en la interpretación. Si bien es cierto que no existe aún, ya que el proceso de investigación sigue su curso, un hilo acabado, aunque sí un buen inicio y cierre de espectáculo, sí que podemos apreciar el esfuerzo que se hace en el camino hacia una nueva creación y ese “salto” en la evolución artística de un bailarín.

Luis Mª García Grande


“Gran Teatro Bankia-Príncipe Pío”: La estación abre sus puertas

En 1993 partió el último tren desde la Estación del Norte. 27 años después el recinto se convierte en el Gran Teatro Bankia Príncipe Pío, un espacio de referencia que pretende ser el nuevo icono de Madrid.

IMG_7713El próximo 1 de marzo reabrirá sus puertas La Estación convertida en gran teatro con el espectáculo “El Sentido del humor”, el show de Santiago Segura, José Mota y Flo que triunfa de gira en su segunda temporada.

Cinco días más tarde se estrenará en primicia “María Callas en concierto”, en el que, como por arte de magia, María Callas vuelve a escena, radiante, con su inolvidable voz, gracias a la técnica del holograma y acompañada de la Orquesta Sinfónica de Bankia, que va a tener su sede en el mismo teatro.teatro1

La estación quiere ser un recinto que se convierta en icono de la cultura y ocio de la capital y que, después de recibir y de ser punto de partida de millones de viajeros desde mediados del siglo XIX, ahora recibirá a cientos de miles de espectadores que podrán disfrutar de una programación artística de primera fila.

ADIF ha cedido la estación por 50 años a la gestora que encabeza Luis Álvarez, productor de teatro e impulsor del proyecto junto a Santiago Segura y José Mota,  que ha asegurado en la presentación del proyecto  que el camino para recuperar la estación no ha sido fácil pero ha merecido la pena.

La estación ha sido remodelada de forma integral, manteniendo gran parte de sus elementos originales, como ascensores y taquillas, y sobre todo, el espíritu de la edificación realizada en 1861, de clara inspiración francesa. El espacio, protegido en su totalidad, está catalogado como edificio singular. IMG_7716

Se han recuperado los elementos decorativos, tales como escudos, balaustradas, cornisas exteriores, dañados por el paso del tiempo y la filtraciones de agua.

La estrella roja que corona la fachada principal era el símbolo de la antigua empresa de transportes: Compañía de los Ferrocarriles del Norte, símbolo que preside otras muchas estaciones.

Pero la estación no solo albergará el Teatro Bankia Príncipe Pío, sino que también se dará cabida a una propuesta de restauración innovadora  y salas de formación en las torres de Levante y Poniente, que cuentan con un impresionante mirador.

En la zona inferior de la estación se encuentra una capilla desacralizada que era utilizada por Alfonso XIII y Francisco Franco y que estaba comunicada con el Palacio Real por túneles subterráneos ya desaparecidos. Esta capilla pasará ahora a acoger un espacio destinado a la música electrónica. También se utilizará un espacio aún por reformar para abrir una sala de eventos.

Las primeras grandes citas

El Gran Teatro Bankia Príncipe Pío arrancará, como hemos indicado, con el espectáculo “Dos tontos y yo”, que será programado todos los domingos de marzo.descarga

Le seguirá “Callas in Concert” del 3 al 21 de marzo.

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Tras estos espectáculos para calentar el funcionamiento del nuevo teatro, le seguirá el estreno oficial de “A Chorus Line”, producido y dirigido por Antonio Banderas a partir del 4 de abril.achorusline

Posteriormente, para terminar la programación de 2020, vuelve a Madrid el musical “We will rock you” a partir del 7 de agosto.

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Luis Mª García Grande.


“Juana” en el Teatro Español

El Teatro Español acoge a “Juana” del 4 al 22 de diciembre en un montaje dirigido y coreografiado por Chevi Muraday y con la dramaturgia de Juan Carlos Rubio. Juana parte de una propuesta escénica que se basa en el papel de la mujer a lo largo de la historia y en la búsqueda de un destino femenino en la tierra a través de la excusa de un nombre: Juana, y de inspiraciones en las mujeres que han poseído el mismo y que lucharon fuertemente por ser ellas mismas imbulléndose en una actriz contemporánea, Aitana Sánchez-Gijón, capaz de contener y representar a través de la palabra y la danza su espíritu libre y luchador.

Sor Juana Inés de la Cruz, Juana “la loca”, La Papisa Juana, Juana de Arco, Juana Doña… fueron mujeres adelantadas a su tiempo, comprometidas, condenadas desde su nacimiento solamente por el hecho de ser mujer. Chevy Muraday no ha intentado mezclarlas en un montaje danza-palabra sino que ha ido un paso más allá haciendo que convivan de forma orgánica el texto, la dramaturgia, el movimiento y la danza y destilen los motivos psíquicos que llevaron a estas mujeres a sacar su fortaleza para ser ellas mismas. Ayudado por Alberto Velasco, Maximiliano Sandford y Carlos Beluga, crea un halo de complementariedad al texto demostrando que ha llegado a un punto de perfección en su trabajo coreográfico que lo distingue del resto.

El resultado es un trabajo estéticamente muy potente, donde  la propuesta escénográfica, a través de sus texturas y movilidad,  también es importante y juega un papel fundamental en el discurso que los autores quieren transmitir. Aitana Sanchez-Gijón se adapta perfectamente al lenguaje coeográfico de Muraday y Losdedae, sumándole la magia y profesionalidad de su interpretación, tan medida, tan comprometida como las mujeres que representa.

Luis Mª García Grande

 


The Chanclettes en los Teatros Luchana con “#DPUTUCOOL”

The Chanclettes llevan 25 años haciéndonos reír con un cabaret cosmopolita, contemporáneo y, como dicen ellos sarcásticamente, de allá, de Barcelona. Ahora llegan con #DPUTUCOOL a aquí, al otro lado. Ellos reconocen que es complicado mantenerse en la cima, creando y riéndose de sí mismos durante tanto tiempo. Cada número provoca, divierte y calienta al personal no sin críticas a la sociedad, política y todo lo que se les cruce en el camino, pero con una peluca y un tacón de por medio se pueden arreglar muchas cosas. Es difícil crear un ambiente distendido y amable desde que el público entra en la sala hasta que salen al putucool para hacerse unas fotos con estas tres mamarrachas. Una invitación a la risoterapia que tanta falta nos hace y que estos días podemos disfrutar este mes de septiembre en Teatros Luchana.

Luis Mª García Grande

 


“Emociones” en el Teatro Flamenco Madrid

El flamenco es un sentimiento del alma que
se baila, se canta y se toca”

Teatro Flamenco Madrid, alojado en el Teatro Alfil, es un espacio diferente que está abierto a reservas para todo tipo de eventos, convenciones o reuniones, con o sin catering.

Todas las tardes se puede disfrutar del espectáculo flamenco “Emociones” en dos sesiones, a las 18:30 y a las 20:15 para descubrir la esencia pura del flamenco a través de artistas como Concha Jareño y Adrián Santana en un ambiente íntimo y acogedor. El espectáculo pone en escena a los dos bailaores acompañados de guitarra y cante y expone los palos típicos del flamenco como alegrías, tangos, bulerías o fandangos. Un espectáculo sencillo, bien trazado y elegante que da muestra de nuestro flamenco más básico e imprescindible para alguien que tiene un primer acercamiento a este tipo de baile o bien para disfrute de entusiastas que ya disfrutan desde hace tiempo con nuestro arte más reconocido.

El Teatro Flamenco Madrid no es sólo un espectáculo de flamenco sino que está llamado a convertirse en un centro cultural y lugar de encuentro de apasionados del flamenco y de todo aquel que quiera adentrarse en un mundo en el que el arte combina todas sus facetas.

Luis García Grande

 

 


40 años en imágenes del Ballet Nacional de España

El Ballet Nacional de España (BNE) cumple 40 años y ha querido celebrarlo con la publicación de un libro excepcional que recoge cuatro décadas de historia a través de la fotografía. Bajo el título de “40 años en imágenes” esta publicación se presenta como una joya editorial con la que leer la intensa y prolífica trayectoria de esta compañía, como un tributo a todos a los que han formado y forman parte de ella.

Antonio Najarro, su director desde hace ya siete años, sigue en su empeño de dar a conocer el legado que está dejando y creando esta institución, de ponerle a la altura que se merece y de llevar esa marca España por todo el mundo con la distinción y calidad que les certifica y avala.

Un valiosísimo archivo fotográfico, forjado desde 1978, año de la fundación del Ballet Nacional de España, testimonio de la historia de esta entidad pero también de la historia de la danza en nuestro país, es columna vertebral de esta publicación que recoge el legado de grandes fotógrafos, protagonistas también de 40 años en imágenes.

Asimismo, se ha querido llegar a todos los amantes de la danza y por ello, este maravilloso archivo fotográfico también se podrá ver en la exposición que desde el 8 al 24 junio estará en Casa de Vacas del Retiro de Madrid.

Un libro y exposición que ha sido inaugurada hoy por Eduardo Fernández Palomares, Subdirector de Música y Danza del INAEM y Antonio Najarro Director del Ballet Nacional de España.

Presentación de “40 años en imágenes del BNE”

Ambos trabajos son una iniciativa del Director del BNE, Antonio Najarro que ha contado con la coordinación y elaboración de la periodista especializada en danza Mercedes L. Caballero y el diseño de Bernardo Rivavelarde, reconocido artista visual.

A lo largo de dos años de trabajo, para la realización del libro, la periodista Mercedes L. Caballero, creadora de Unblogdedanza y especializada en  la información, crítica y difusión de la danza desde hace más de quince años, ha contado con la colaboración de todos sus protagonistas, en primera persona o a través de  quienes conocieron bien a los directores que ya no se encuentran entre nosotros, tanto en la elección de las fotografías que lo componen como en las entrevistas que les ha realizado, testimonio de quienes han forjado la historia de esta entidad.

Bernardo Rivavelarde, diseñador gráfico que ha creado la imagen de este libro, acumula una larga trayectoria en la edición y diseño corporativo de entidades como el Staatsballett Berlín, bajo la dirección artística de Nacho Duato, la imagen gráfica del Teatro de la Zarzuela durante los años 2012 a 2016 o el festival Madrid en Danza. Sus imágenes juegan con nuevas texturas y filtros que realzan las ya conocidas y seleccionadas para componer esta nueva obra. Su misión era dar valor a estas imágenes antiguas y darles un toque actual, atrayente y que ensalce la labor gráfica de todos los fotógrafos que han tenido la suerte de inmortalizar los momentos coreográficos más importantes del BNE.

El libro enmarcado en una edición de lujo recoge 96 fotografías de 32 fotógrafos, que reflejan 76 obras de 40 coreógrafos, 14 voces (directores del BNE y allegados) y emblemáticos bailarines de nuestro país que han pasado por las filas del BNE. En definitiva, un libro único ya que recoge dos años de trabajo de la periodista Mercedes Caballero y que ha contado con la colaboración de todos su protagonistas.

En cuanto a la exposición y en palabras de Antonio Najarro, director del Ballet Nacional de España, “con el se cumple uno de mis sueños como es el de hacer un apasionante recorrido por la historia e intensa andadura de la compañía desde sus orígenes hasta la actualidad. Presentándola con un original formato creado bajo el excepcional prisma creativo del artista Bernardo Rivavelarde, inspirado en fotografías captadas por los objetivos de grandes fotógrafos. Imágenes de emblemáticos escenarios, de camerinos, de ensayos… imágenes que dejan constancia de que la danza española puede y debe convivir en comunión con otras manifestaciones artísticas. A través de estas imágenes se inmortalizan la forma y el alma que tanto define la entidad de nuestros espectáculos que defienden nuestra danza española en todos sus estilos y formas. Desde la escuela bolera y el flamenco, hasta nuestro rico y maravilloso folclore o la danza estilizada, espectáculos únicos en estilo en el mundo. Cada una de las imágenes que van a ver respira dedicación, cariño, respeto, audacia, arte y mucho amor por el Ballet Nacional de España”.

Luis Mª G. Grande


“La capilla de los niños” en Teatro del Barrio

En el loco mundo de los dramaturgos se mezcla la realidad con la ficción, en la cabeza de Javier Sahuquillo la actividad cerebral hace que broten historias a medio camino entre sus propias vivencias y el compromiso social, en este caso inspirado por los crímenes de las niñas de Alcàsser, denunciando hechos reales e imaginando situaciones casi policíacas, que este mes llegan al Teatro del Barrio. Es difícil sobrevivir como autor, siempre pensando en el retiro espiritual y rescatando su escritura gracias a buenos amigos que le proponen nuevas metas. Sus textos, generosos y contundentes son un reto para el actor.Laura Sanchís y Juan de Vera aprovechan estas letras para sacarles el máximo jugo y meterse en mundos e historias a la velocidad del rayo. Un montaje trepidante, como la vida del dramaturgo que quiere buscarse las castañas para comer entre concurso y concurso, y la del actor, que acepta apuestas arriesgadas en su carrera teatral, que, seguro, le producirán muchas satisfacciones.

Luis Mª García

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“El Banquete” en el Teatro de la Comedia de la CNTC

El Banquete se inserta dentro del proyecto 3 jóvenes y clásicos 3 que consiste en unir tres intérpretes de La Joven con tres actores veteranos que se enfrentan a un gran desafío: pasar del escenario a la distancia corta, suprimir la cuarta pared y aprovechar la cercanía con el público para matizar cada personaje, cada conflicto y cada situación, en busca de una transmisión directa, sincera pero precisa y, muchas veces, tan arriesgada como emocionante. Para ello, la sala Tirso de Molina se transforma en un salón donde los intérpretes reciben a los espectadores y los invitan a asistir a un banquete de la mano de grandes personajes del teatro universal y crear una experiencia teatral diferente a través del symposium, que significa literalmente “beber en común”.

Suena una campana y los actores nos invitan a brindar, es la hora del vino, de la charla, del placer y los personajes van apareciendo entre los convidados para estimular nuestra imaginación a través de caracteres clásicos por todos conocidos. Lola Bladrich, la primera anfitriona, acogedora, excelsa nos acoge en esta reunión, Gonzalo de Castro transita entre el público transformándose contínuamente, Jimmy Castro se hace preguntas universales mirando calaveras, Pablo Béjar nos trae la frescura de la lírica joven, Aleix Melé interfiere en nuestra reunión dinamizando el discurso y siendo la excusa del cambio de registro y Manuela Velasco sube a balcones para buscar romeos.

Helena Pimenta y Catherine Marnas dirigen este montaje de variados personajes teatrales clásicos, espejos de nuestra sociedad, presente o pasada. Ellas saben, debido a su experiencia y a su amor al teatro clásico, enlazar Julietas con avaros, Quijotes con Edipos y Segismundos con damas bobas. 

Álvaro Tato firma la dramaturgia de esta borrachera perfecta y sin resaca de personajes que se entremezclan con nosotros y que nos trasladan mediante nuestra imaginación a otras épocas y lugares. Somos la especie fabuladora, según Nancy Huston, nuestra imaginación suple a nuestra fragilidad… tenemos ese don y tenemos que aprovecharlo.

Brindemos para que los personajes, el teatro y estos montajes sigan fluyendo en nuestras vidas.

Luis Mª García Grande


“Las chicas del zapping” de Los Quintana en el Nuevo Teatro Alcalá

Las que tienen que servir saben muy bien el gustito que da sentarse a hacer un poquito de zapping cuando la señora ha salido toda emperifollada a un cóctel. Un poco de aquí y un poco de allá nos hace pasar el ratito delante de la tele viendo las vidas que siempre soñamos ser. Los Quintana, con su sello inconfundible, vuelven a Madrid para hacernos disfrutar cual lacayas suecas de sus numeritos de fonomímica y transgresión. Una excusa frívola para pasar un buen rato de risas en la línea de esta compañía que llena las gradas cada vez que vuelve a Madrid.

Con una escenografía sencilla con reminiscencias de los años 60 y con mucho pelucón, cofia de puntilla y lentejuela por vestuario la dramaturgia grabada y enlatada, en la que lo mismo vemos a Esperanza Gracia que a Amaya de OT, se va desarrollando a un ritmo vertiginoso, como sus cambios de peluca y vestuario, para hacernos pasar una hora y media con la carcajada en la boca.

Aprovechen su descanso de sábado noche para hacer zapping con estas chicas, que luego enseguida viene la señora de la casa y nos pone firmes.

Luis Mª García Grande


“Cabaret du Néant” de Pablo Raijenstein en el Cine Palacio de la Prensa

El Cabaret Du Néant de Pablo Raijenstein llega a Madrid para revolucionar el concepto de magia en escena. Acompañado de un nutrido grupo de artistas del misterio, premiados internacionalmente como Sidonia, Jana Katana o Jaime Figueroa. Un inusual cabaret repleto de humor negro, mentalismo, resurrecciones y artes marciales. El mentalista sui géneris por excelencia, actúa como gran maestro de ceremonias de este espectáculo que recrea la unión mágica de la luz y la oscuridad. Ellos están preparados y dispuestos para guiarnos a lo más desconocido de nosotros mismos y de nuestras creencias.

Raijenstein nos sorprende con este nuevo espectáculo basado en el cabaret en Montmartre, París, fundado en 1892. El “Cabaret du Néant” fue un pionero en el ámbito temático exhibía colecciones y decoración de mortalidad y muerte. El tema oscuro del cabaret incluye trucos mágicos y las ilusiones que se centran en temas mórbidos. Su tema principal es la muerte. Y con este concepto y rodeándose de artistas y actores y gracias a la colaboración de Carlos Be, que firma la dramaturgia y dirección de esta producción, podemos asistir a una de las propuestas más interesantes en estos temas que actualmente existe en España que nos hará pasar una hora y media llena de tensión, mentalismo, humor negro, resurrecciones y artes marciales.

Pocas propuestas de este tipo logran dejarnos ese remusguillo dentro del cuerpo cuando salimos a la calle después de haber jugado con el diablo y sus secuaces.

Luis Mª García Grande


XI CICLO DE ROMPIENDO EL CASCARÓN 2017 Teatro para bebes en el Teatro Fernán Gómez

Sala Jardiel Poncela
Desde el 7 de abril al 27 de mayo de 2018

Rompiendo el cascarón 2018 está dirigido a niños con edades comprendidas entre los 0 y
los 4 años.

Rompiendo el cascarón, regresa a la cita que tiene con los bebés en el escenario de la
Sala Jardiel Poncela. Desde su primera edición en el 2005 el teatro Fernán Gómez. Centro
Cultural de la Villa apostó por la promoción y difusión de propuestas escénicas novedosas,que propiciaron el acercamiento de nuevos públicos a las diferentes manifestaciones artísticas y que se consolidaron como un referente escénico para el público de Madrid. A esta actividad emprendida por el teatro, pionera en España, ya que fue el primer ciclo estable de teatro para bebés en España, se suma otras ya existentes en el ámbito de los festivales o de las programaciones puntuales de escuelas infantiles y teatros.
El teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa creó este ciclo de teatro con la
voluntad de potenciar la sensibilidad y la inteligencia emocional de los bebés. Se trata de
un valioso estímulo que les permite desarrollar su imaginación, ayudándoles a construir su realidad. Además, el ciclo permite acercar a los niños desde sus primeros años de vida al mundo de la cultura y la creación.
Desde su inicio cerca de 70 compañías de teatro para bebés procedentes de Francia,
Italia Alemania, Dinamarca, Brasil y España han conseguido que la música, los títeres, el
teatro o la danza sean protagonistas de un conjunto de espectáculos que intentan
promover las vivencias artísticas y sensoriales de los bebés, dándoles a conocer el mundo a través de juegos escénicos compartidos.

PROGRAMA
Del 7 de abril al 27 de mayo
Baraka
Oceanus
Madrid
7 y 8 de abril
Funciones: 11 y 13 horas
La Compañía Barataria
El viajecito
Sevilla
14 y 15 de abril
Funciones: 11 y 12.30 horas
Nido Dadá. Centro Dramático Rural
Blue
Madrid
21 y 22 de abril
Funciones: 11 y 12.30 horas
Caramuxo Teatro
Redondo
A Coruña
28 y 29 de abril
Funciones: 11 y 12.30 horas
Campaña escolar
26 y 27 de abril – 10 y 11.30 horas
Quasar Teatro
De agua y barro
Santander
5, 6, 12 y 13 de mayo
Funciones: 11 y 12.30 h.
La Petita Malumaluga
Nubes con bebés
Barcelona
19, 20, 26 y 27 de mayo
Funciones: 10.30, 11.30 y 12.30 h


“Último tren a Treblinka” en Cuarta Pared

Se repone esta obra que nos relata la historia de un orfanato de Varsovia y que ya ha conquistado muchas almas. Y es que el ambiente que se respira según se entra en la sala ya es especial debido a la configuración del espacio escénico, nada convencional.

Este gran homenaje a las víctimas del exterminio nazi y a la persona que les acogía en este orfanato, el doctor y pedagogo Janusz Korczak, está cuidado con rigurosa sutileza por la compañía de teatro Vaivén Producciones y los actores, perfectamente integrados, nos sumergen en este mundo nada bonito pero necesario para sentir y exitar nuestras sensaciones y pensamientos. Imprescindible en la cartelera.

Luis Mª García Grande

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Foto: Manuel Díaz de Rada


“El Hortera”, un restaurante con mucho teatro

El hecho teatral se puede extender en muchos ámbitos diferentes. Recrear un ambiente o dar la vuelta a otro que ya existía antes es una manera de atraer al público a espacios que sin este matiz entrarían dentro de los de el montón. Por eso un nuevo restaurante ha abierto las puertas en Madrid de la mano de LETSGO, productora de la saga The Hole, La familia Addams, Medias Puri y Dirty Dancing que lidera Iñaki Fernández

En El Hortera nos sumergimos en un mundo estético singular de la mano de personajes creados específicamente para dinamizar y construir este ambiente, lleno de brillantina,lentejuela y colores flúor, mezclados con la más clásica escayola barroca decorativa de señora de alto copete, puesto que anteriormente este restaurante, conocido como La Capilla de la Bolsa era de señoras bien. Un guante de lentejuelas giratorio enorme, haciendo una peineta  y ejerciendo de bola de espejos discotequera preside la sala principal, indicándonos que su espíritu estético está diciendo “me da igual” a todo pensamiento restrictivo y autoritario. Pero hay más estancias sorprendentes, 5 salas con cinco ambientes diferentes, en este local para complacer todos los gustos desviados de su público. Así nos encontramos un Karaoke Koreano, la sala Picnic o la mesa redonda llamada El Banquete, donde compartir horteradas con otras personas afines y descubrir que no eres el único con espíritu kitsch en el mundo.

Su oferta gastronómica es variada, y está creada por el chef Javier Aranda, con dos estrella Michelin, con un espíritu que induce a la con-fusión y tiene ideas originales para todos los gustos: tapas, copitas, productos de la huerta o del  mundo iberico-castizo pasando por el japo y lo americano a lo Trump, todo cabe en su carta, variada y confusa.

Así que si hoy se han levantado con la vena algo hinchada, relájense en este gastro-teatro-bar.

 

 

 


“Casa de muñecas” en el Teatro Fernán Gómez

Salgo del teatro con el estómago revuelto. Ibsen, versionado acertadamente por Pedro Víllora, lo ha conseguido de nuevo. Parece que nada ha cambiado en los últimos 150 años… ¿ No conocen a Torvald y Nora aún? No, no son la nueva pareja de moda futbolista-modelo, pero se parecen. ¿Es Nora la pionera de las nuevas WAGS? Quizás es una buena ocasión para acercarse al teatro para reflexionar sobre la sociedad y su hipocresía. Tienen en sus manos una buena propuesta de Venezia Teatro, con una escenografía y vestuario potentes y buenos actores que nos van a sumergir perfectamente en la tensión dramática que pretendía el autor.

En la calle esta noche se pasean miles de Noras-WAGS en las típicas cenas de empresa por Navidad. Noras que fantasean con trajes y regalos, Noras que pretenden ser alguien, Noras que buscan su realización profesional y su éxito en la vida, su casita de muñecas, su mansión en La Moraleja, Noras que juegan con la verdad todos los días y sonríen levantando sus copas pensando en nuevas estrategias para convivir con Torvaldos sin pegar portazos.

Luis Mª García Grande

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“Insolventes” en Nave73

El teatro debería rascar un poquito en nuestra conciencia, al menos hacer un rasguño que nos deje marca. Felix Estaire ha concentrado en un texto parte de la mezquindad humana que sale a flote en situaciones límite, situaciones que, brotando del cerebro, van taladrando el cráneo hasta que producen esa erosión necesaria para que se escape el odio generado dentro.

Bajo un hilo argumental sencillo que no es determinante, Insolventes nos va poniendo en tensión poco a poco, entre risas y bromas,  y nos sumerge en la situación de tres personas excluidas por la sociedad debido a su situación económica. Lo importante es lo que no se cuenta, lo que se debe transmitir por el actor gracias a una buena dirección, en esta ocasión de Pablo Martínez Bravo, y esta parte está bien conseguida, aunque a un ritmo algo lento, que quizás pretende buscar la tensión interior del espectador… o, quizás es el cepo para esperar a que pique y caiga en la trampa cual inocente cobaya.

Luis Mª García Grande

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“Troyanas” en el Teatro Español

La versión de Alberto Conejero, dirigida por Carmen Portaceli llega por fin a Madrid después de haber pasado por Mérida y el Grec. En ella podemos ver un montaje que trata de acercar al público, de manera cercana, la visión de Eurípides sobre la tragedia de la guerra y sobre unas protagonistas secundarias en los conflictos bélicos: las mujeres, que siempre han estado veladas a los ojos de la sociedad.

Las versiones de los clásicos suelen centrar sus puntos de vista en el fin último que quieren el autor y, en este caso, la directora. Conejero ha limpiado el texto original, quitando el coro, algunos personajes y poniendo el acento en el discurso sobre la mujer y la guerra, haciendo asequible al público un texto en el que cuesta introducirse al que no es iniciado en el hecho teatral y actualizando la tragedia con imágenes de la guerra de Siria. Además ha introducido el fantasma de Políxena, hija muerta de Hécuba  e interpretada por Alba Flores, en contrapunto dramatúrgico a la falta de coro. La dirección de Portaceli le secunda, actualizando el discurso de Hécuba con una interpretación de Aitana Sánchez-Gijón contundente pero algo desafectada del dolor que le quiso imprimir Eurípides. Ernesto Alterio interpreta a Taltibio, el funesto mensajero griego que trata de expiar la culpa que pesa sobre su espalda al haber sido y cómplice en la muerte del nieto de Hécuba, estableciendo el orden en el discurso de la obra, uniendo los fragmentos de texto entre las mujeres y contrarestando protagonismo al lado troyano.

En la escenografía de Paco Azorín, minimalista, inspirada en la masacre que tuvo lugar en Hula, Siria, nos encontramos una escena llena de cadáveres envueltos en tela blanca y con una contundente torre caída en forma de “T” sobre la que se proyectan imágenes de guerra actuales, documentando al público y dando así efectividad al discurso directivo, en sus dos vertientes, como directora de la obra y como directora del Teatro Español, que Portaceli quiere afirmar sobre el tema tan de actualidad ahora como en tiempos de Eurípides.

Si quieren ver arder Troya, tienen que acercarse al Teatro Español del 10 de noviembre al 17 de diciembre.

Luis Mª García Grande.

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DanzaEñe, muestra de danza contemporánea organizada por Fundación SGAE

El Teatro español acoge la muestra de Danza Contemporánea del 31 de octubre al 2 de noviembre.

La Fundación SGAE, en colaboración con la FECED y el Teatro Español ha organizado la Primera Muestra de Danza Contemporánea Española para Programadores Internacionales DanzaEñe 2017. Esta iniciativa tiene como objetivo la internacionalización de la danza española y propone una serie de espectáculos que tendrán lugar los días 31 de octubre, 1 y 2 de noviembre en el Teatro Español de Madrid.

Un comité artístico seleccionado por la Fundación SGAE se ha encargado de diseñar el programa de compañías participantes entre más de 50 proyectos recibidos. Este jurado ha estado integrado por Carmen Roche, coreógrafa y bailarina, en calidad de presidenta; Eva Yerbabuena, coreógrafa; Francesc Casadesús, director artístico de Grec Festival de Barcelona; Marta Carrasco, coreógrafa y bailarina, y Roberto Torres, en calidad de representante de la FECED.

A lo largo de tres días, doce compañías de danza españolas presentarán, en formato showcase de 45 minutos, sus espectáculos. En concreto: Sara CanoLucía MaroteMarcat danceProvisional DanzaCompañía Carmen Fumero y Miguel BallabrigaArrieritosCompañía Manuela Barrero dlcAosOrganikCompañía Mariantònia OliverErtza y Kukai Dantza (Marcos Morau y la Veronal). 

Inaugurarán la muestra el 31 de octubre, a las 19.00 horas, Provisional Danza, compañía de Carmen Werner que presentará Allí, donde las flores se mueren, y Organik que recupera en su propuesta el Irrintzi, un grito tradicional vasco. En la segunda sesión (21.30 horas), la compañía de Asier Zabaleta, Ertza, lleva al Teatro Español su espectáculo callejero Meeting Point, considerado el mejor del País Vasco en esta categoría en 2017, mientras que la costarricense Lucía Marote se encargará de cerrar la muestra este primer día con la danza de cuerpos desnudos Anatomía del sentimiento.

 

Al día siguiente, miércoles 1 de noviembre, Cía. Carmen Fumero y Miguel Ballabriga relatarán, acompañados de una banda electrónica, lo que sucedió cuando …Eran casi las dos. Tras ellos, será el turno de la Compañía Mariantònia Oliver que invitará a hacer un trabajo de desapego con su propuesta Las muchas. A las 21.30 horas, será el turno de la Cía. Manuela Barrero dlcAos que interpretará I’ll be your mirror, un trabajo sobre la resistencia y la fortaleza humana. Por último, Kukai Dantza (Marcos Morau y la Veronal) despedirán DanzaEñe hasta el día siguiente con un fragmento de la alabada producción Oskara, gran triunfadora de la última edición de los Premios Max.

 

El conjunto Taiat Dansa abrirá la última jornada de actuaciones el 2 de noviembre, a las 19.00 horas, con No half measures, una reflexión sobre el movimiento de los bailarines y el significado que adquiere la danza según el lugar donde se representa. A continuación, será el turno de Sara Cano, que interpretará A palo seco, su primer trabajo en solitario y que le ha valido numerosos reconocimientos. Cerrarán la muestra de DanzaEñe la compañía Marcat Dance con su última producción, CodaraArrieritos que recorrerá las emociones que despiertan los objetos del pasado con Naftalina.

DANZA EÑE


El Teatro Español acoge un Baile literario entre Madrid y París

baile literario madrid parisEl Teatro Español acoge el próximo domingo 15 de octubre un Baile Literario dentro de los actos que cada año organiza la ciudad francesa y que para este 2017 han elegido a Madrid. Este ‘Tándem’ es un intercambio cultural que cada año realiza junto con una ciudad extranjera. Un mes de conexión cultural Madrid-París con más de 30 citas programadas en ambas ciudades.

Baile literario es una iniciativa del Théâtre de la Ville de París en colaboración con el Teatro Español. Dos dramaturgos parisinos (Elisabeth Mazev y David Lescot) y dos dramaturgos españoles residentes en Madrid (Lola Blasco y Paco Bezerra) se reúnen la víspera de la presentación con una lista de canciones muy conocidas de ambos países. Entre todos deben escribir una trama de 4 episodios que debe finalizar con el título de una de esas canciones. Al día siguiente, los espectadores están invitados a escuchar esa historia original, única, escrita a ocho manos y como colofón podrán bailar esos temas que forman parte del imaginario común de cada país.

De Madrid a París y de París a Madrid. Este es el recorrido que a lo largo del mes de octubre harán decenas de propuestas culturales a través de Tándem París-Madrid, el programa cultural impulsado por el Ayuntamiento de París que cada año selecciona a una ciudad del mundo realizar un profundo intercambio cultural. Tras su intercambio con la ciudad de Nueva York el pasado 2016. Madrid toma ahora el relevo y durante el mes de octubre se convertirá en el momento de conexión entre los proyectos culturales creados en ambas capitales.

De manera simultánea en las dos ciudades y con dos plazas como epicentro del programa, el Tándem Madrid- París gira en torno a la transformación urbana, y más concretamente al papel que juega el arte, la cultura y la participación ciudadana en esta transformación.

En total más de 30 actividades que abordan una enorme variedad de disciplinas como las artes escénicas, la música o el diseño, pero también la arquitectura, el urbanismo, la fotografía o el cine. Tanto en París, donde las actividades arrancan el día 1 como en Madrid, que lo hacen el día 3, cada una de estas disciplinas se presentará en formatos diferentes desde las exposiciones a los talleres o proyectos de trabajo más experimentales.

El Tándem París-Madrid 2017 está organizado por el Ayuntamiento de París, el Ayuntamiento de Madrid y el Institut Français, en colaboración con la Embajada de Francia y el Institut Français en España y la Embajada de España y el Instituto Cervantes en Francia.


“La Calderona” en el Corral Cervantes

Dentro de los actos que la Fundación Siglo de Oro ha organizado este año para difundir a nuestros clásicos en “Fiesta Corral Cervantes”, en la Cuesta de Moyano, se encuentra programada esta pequeña joya, La Calderona, dirigida por David Ottone, de Yllana.

La pieza pretende mostrarnos el verso clásico de una manera moderna y accesible a todos los públicos y, para ello, se ha montado a ritmo de Hip hop. Con un Dj que es el trazo de unión de la historia se va contando la peripecia vital de Maria Inés, más conocida como La Calderona, actriz reconocida durante el Siglo de Oro y amante de Felipe IV, con el que tuvo un hijo bastardo. Una historia fascinante que se va montando gracias a la musicalidad del verso sumergido en el Hip hop. Dos técnicas que se complementan y que nos dejan una original visión del teatro clásico y de su composición. Los actores se encuentran en su salsa y, mediante rápidas transformaciones de vestuario, disparatado y original, van soltando su repertorio de canciones como si estuvieran en una pista de baile en la que se interpreta la canción de sus vidas. Una propuesta interesante, que surge del método de trabajo de Yllana en equipo y a golpe de intuición que nos muestra un resultado fresco, entretenido y de calidad.

Luis Mª García Grande

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Mago Sun en el Teatro de la Luz Philips Gran Vía

La magia entendida de forma “espectacular” ha llegado a Madrid de la mano del Mago Sun, Premio Nacional de Magia. En el espectáculo podemos disfrutar de números clásicos que ya hemos visto en muchas ocasiones a través de la televisión, pero que no es lo mismo verlos en directo. Mago Sun se ha inspirado en grandes y mediáticos magos como David Copperfield, Houdini, Harry Blackstone o el nacional Juan Tamariz para mostrarnos todo un repertorio de grandes éxitos.  “Magic Spectacular” está pensado para toda la familia, para que disfruten también los más pequeños. Los números de magia van insertos en unas pequeñas coreografías ejecutadas junto con sus ayudantes femeninas que dinamizan el espectáculo y deja para el final la guinda con un número de escapismo dentro de un tanque de agua.

Aunque Iñaki Ruiz de Galarreta, el mago Sun, es aún bastante joven, el espectáculo tiene ciertos toques “a la antigua” que debería pulir,  innovando en la política de igualdad de género, incluir ayudantes masculinos que no solo sean el mozo de carga, por ejemplo, y tratar de  limpiar el encorsetamiento en su actuación, buscando más naturalidad a la hora de dirigirse al público.

Luis Mª García Grandemago sun


“Briefs” en el Teatro Calderón

Uno de los mejores espectáculos de burlesque ha llegado a la ciudad con motivo de la celebración del World Pride 2017. Un cabaret que mezcla el humor, números acrobáticos, danza, música disco, purpurina y rimmel con un toque erótico-festivo para disfrute y mariconeo de todos. Estos siete chicos australianos podrían haber aprendido las acrobacias en el Cirque du Soleil por la mañana, haber ido a la escuela de drags de Ru Paul por la tarde y haber dado clases de costura para confeccionarse sus calzoncillos por la noche mientras preparaban este espectáculo entre costuras.

Con una escenografía sencilla, una luminotecnia espectacular y colorista y un humor desbordante es hora de empezar a calentar el ambiente y disfrutar mientras se reivindica la visibilidad y los derechos del colectivo LGTB un año más.

Luis Mª García Grande

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“Ricardo III” en el Teatro Español

Eduardo Vasco lo tiene muy claro: “El mundo está vuelto del revés, tiene la cabeza donde tiene que tener los pies”. Así es. Este montaje en el que se nos muestra la condición humana a través del mismísimo diablo encarnado en Ricardo III gracias a Arturo Querejeta, es una pequeña joya que necesita de un público que la arrope y la admire. Vasco ya tiene experiencia tras cinco montajes de Shakespeare en recrear el mundo de las intrigas, emociones y contradicciones que se nos propone en las obras de El Bardo de Avon.

Un montaje brillante con escenografía sencilla, a base de mostrar y ocultar maletas y baules y de telas nos sumerge en la sanguinolenta mente del duque de Gloucester, que aspira a ser rey de Inglaterra, y lo consigue tras ir dejando a su paso los cadáveres ensangrentados, no solo de sus enemigos, son también de amigos y parientes traicionados. Todo tiene sentido en el montaje, hasta regalar un reino por un caballo dentro de una batalla naval… porque el sinsentido, el mundo del revés es el producto de la maldad producida por la mente humana…y aquí se demuestra que hay mucha.

Y hablando de sinsentidos… ¿Cómo puede ser que el teatro no se llene, no se regale, no se comparta y las calles estén llenas de Ricardos en busca del regalo navideño perfecto?

Luis Mª García Grande

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El Circo Price en Navidad

Como el turrón, cada año vuelve el espectáculo navideño del Price, esta vez La Fiesta Escénica y el Teatro Circo Price, coproductores del espectáculo, nos proponen un “Viaje al centro de la Navidad”. La propuesta, para todos los públicos, colorista y animada, reúne trapecistas, acróbatas, payasos y otros seres del mundo circense. Allí podremos ver a Vivien Larible sobre el trapecio Washington, a Didier Pasquette en funambulismo, Noemi Lee en un número de contorsión o el maravilloso péndulo de la muerte con Noe España y Venko, entre otros.

Un montón de artistas internacionales acompañados de la protagonista, una niña que sueña con el circo en medio de un ballet de duendes y elfos y de una orquesta bastante buena, con arreglos sorprendentes de populares villancicos,que pone el punto de alegría y proporciona ese ambiente navideño indispensable para que los más pequeños y bastantes mayores disfruten.

Hay otros números que no son tan vistosos y que podrían ser prescindibles, ya que  nos recuerdan épocas pasadas de un circo con domadores que ya ha desaparecido. Pero todo tratado con humor hace de relleno del espectáculo y se nos presenta a unos gigantes osos polares animatrónicos de peluche que parecen de verdad y que representan un número al estilo de los viejos circos con animales… y una especie de camello pelopantene que se pasea por la pista durante unos instantes, lo cual no se sabe si sale rentable en la producción.

Con todo este conjunto, asistir al Price es una buena oportunidad para ver a estos artistas del equilibrio y la fantasía y adentrarse un poco más en la cultura circense.

Luis Mª García Grande

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“Equus” en la sala Arte y Desmayo

Algunos textos teatrales tienen un lugar y tiempo determinado y Peter Shaffer ha sabido situarnos en diferentes ambientes que no haría falta actualizar. Nos encontramos en 1973, un tiempo en el que la religión y la represión se vivían de otra manera, pero, aún así, el ser humano sigue canalizando sus pulsiones de maneras muy similares a aquellas épocas y por eso esta obra es atemporal. Pueden ser más o menos aceptadas por la sociedad o la ciencia que les rodea, y la pregunta fundamental, como reza el programa, es: ¿Hasta qué punto es lícito seccionar, eliminar o reprimir las partes de la personalidad que repugnan al dios de la normalidad…?

Una interpretación soberbia por parte de Juanma Gómez y el joven Sergio Ramos en el papel de Alan y bastante buena por parte de los otros actores, nos sumergen en esos rincones escondidos de nuestra personalidad sobre los que hace falta reflexionar. A estas alturas, ya no nos escandalizan los desnudos frontales, ahora lo que nos escandaliza es el poder de la mente humana para decidir y manipular sobre esa materia tan subjetiva: la normalidad.

Luis Mª García Grande.