Dignidad de Ignasi Vidal en la sala negra del Teatro del Canal
Un viaje a las entrañas de la política, que traslada a los espectadores a un despacho de cualquier partido político. En él, dos hombres, cerca de alcanzar el poder, tras años de dedicación a la política, ponen al descubierto sus deseos, ambiciones, ilusiones y miedos. Lo que en un primer momento es una distendida reunión improvisada, acaba convirtiéndose en un tenso intercambio de reproches. Ignasi Vidal está escribiendo un teatro accesible y comprometido, tanto en su anterior obra estrenada en Madrid, El plan como en Dignidad, aborda temas candentes que pueden interesar al ciudadano medio. Aquí, la trama es laberíntica y sutil, poco a poco nos va mostrando la cara oculta de aquellos que mueven los hilos de nuestra sociedad. La propuesta de Juan José Afonso es sencilla y se agradece, ha puesto el acento en el trabajo de los actores, el propio autor y Daniel Muriel, de este modo, entramos más a fondo en la psicología de dos personajes aparentemente inofensivos que finalmente muestran lo que verdaderamente les mueve en la vida.
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/dignidad-teatro-ignasi-vidal/
Adolfo Simón
IGNASI VIDAL: El teatro es un bien cultural no solo por su inmenso valor educacional, sino por el extraordinario impulso transformador que supone.
¿Qué es el teatro para ti?…
El único lugar donde tengo la seguridad de que escucho y puedo ser escuchado.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Verás, si te soy sincero siempre he estado dentro de un teatro. Mi padre era empresario de teatro y mi madre actuó en muchísimas Revistas así que mis inicios no están muy claros si se remontan a mi niñez entrando y saliendo de los camerinos del viejo teatro Apolo de Barcelona o cuando decidí estudiar interpretación.
¿Cómo surgió que escribieses y dirigieses teatro?…
Escribir vino primero. Antes que nada soy lector. Tuve la suerte de tener un maestro que me despertó el interés por leer teatro. A todas horas leía teatro, de todo tipo. Me daba igual el estilo, la cuestión es que adoraba estar tirado en el sofá y leer sin parar. Un día, hace ya muchos años intenté escribir algo. No me gustó lo que hice pero sé que en ese error inicial se encendió en mí la pasión por la escritura. Escribir es, ante todo, tener pelotas y yo las tengo. Es exponer una parte muy íntima de ti, ponerla a la vista de todos, pero lo importante, lo realmente jodido, no es lo que piensen los demás de lo que has escrito sino lo que piensa uno mismo de lo que ha escrito. Por todo esto, escribir es pura necesidad.
Dirigir ha sido una consecuencia de la maduración personal dentro del teatro. Seguramente tenía la necesidad de dejar de pensar en mí, de olvidarme de mi culo y para ello no hay cosa mejor que pensar en un todo fuera de ti, de pensar con una consciencia fuera de tu cuerpo, que planea sobre la escena pendiente de cada pequeño detalle. Sí, dirigir me vino por la necesidad de dejar de ser el centro del universo.
¿Cómo surge el texto de El Plan?…
Hace años pasaba por una pequeña crisis existencial en la que andaba necesitado de encontrarme con mis amigos más queridos. A la vez, en un momento de éxtasis económico allá por el año 2007, veía gente a mi alrededor que no encajaba con el modelo del español de clase media de entonces, un triunfador sin miedo al futuro, que podía comprar casas, coches, vacaciones caras a la otra parte del mundo. Sencillamente me preguntaba quiénes eran aquellos que no podían hacer todas estas cosas. Un día vi una revuelta por el cierre de una fábrica de coches que trasladaba la planta a un país del este y junté todo esto con temas de actualidad. Jugué con los elementos, me divertí y sufrí a la vez y el resultado fue El plan.
Háblanos de la propuesta escénica…
La propuesta escénica actual está condicionada por el espacio en el que exhibimos El plan, La pensión de las pulgas. Es un espacio que le va como un guante al texto pues la acción transcurre en el salón de la casa de uno de los personajes. Pocos elementos pero muy característicos de un hogar en crisis. El elemento vital de la función son los actores y la necesidad del texto de ir a un hiperrealismo que hace que su presencia en escena sea mucho más contundente.
¿Hiciste algún tipo de búsqueda o documentación sobre el tema antes de empezar a escribirla?…
No, la idea final, lo que prendió la chispa fue un libro de Eduard Punset que se llama «La mente está en el cerebro». El hecho de que todos en mayor o menor medida suframos algún grado de psicopatía me resultó aterrador. Después me puse a escribir sin parar, sin detenerme, sin mirara a otra parte.
¿Cómo ha sido el proceso de escritura del texto?…
Hace años que escribí El plan. No recuerdo bien cómo fue el proceso salvo que como comentaba una vez empecé a escribir no pude parar hasta el final. Sí recuerdo que al terminar me pasé una temporada preso de la historia que yo mismo había creado.
¿Ha cambiado tu visión del texto a partir de la puesta en escena?…
No exactamente, he descubierto matices que yo mismo no había notado al escribirlo y sobre todo, dirigirlo me ha permitido hacer una especie de revisión, rescribir el texto y eso ha sido maravilloso en el sentido de que me di cuenta de que el teatro, la única razón de ser que tiene, es el de ponerlo en pie sobre las tablas, por mucho que tu obra esté publicada con anterioridad.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos para el teatro?…
Son tan distintos los unos de los otros que… El plan es hasta ahora la mayor satisfacción de mi vida profesional. Creo que en cierto modo me ha salvado artísticamente, puesto que sentía que desde hacía tiempo sólo trabajaba por dinero. Haber dirigido El plan me ha hecho ver que lo mío, a pesar de lo que pensaba, es vocación pura.
¿Cómo ves la creación teatral en estos momentos?…
Como siempre ha sido. Está tan viva como lo estaba antes a pesar del durísimo momento que atravesamos. Yo no paro de ver propuesta alucinantes por doquier.
¿Qué sentido ha de tener el teatro hoy?…
El de hacernos cambiar el rumbo de la vida. El teatro, más allá del entretenernos, que sin duda lo hace, ha de servir para transformar el mundo en el que vivimos. Esto no es nada nuevo, siempre fue así. Sin el teatro no habría habido cambios profundos en el pasado que ayudaran a progresar a la sociedad. De eso deberían ser más conscientes los que mandan y los políticos en general. El teatro es un bien cultural no solo por su inmenso valor educacional, sino por el extraordinario impulso transformador que supone.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
La subida del IVA a las Artes Escénicas tiene como resultado producciones más austeras que en muchos casos resultan insuficientes para alcanzar el nivel mínimo deseable y no por la falta de talento. El gobierno debería entender que teatro siempre habrá, esté el IVA al 21% o al 298%, siempre habrá, pero el gobierno de un país serio, con aspiraciones de estar en la élite de países influyentes, debe entender que la calidad de las propuesta no depende sólo de la capacidad de artística y el talento de los creadores, también depende de las facilidades que se les dé a éstos para plasmar sus ideas. Se ha castigado injustamente al sector por razones ideológicas. Esto es lo más penoso e intolerable del tema.
Alguna sugerencia para crear en tiempos de crisis…
Crear, nada más que eso. No detenerse y crear.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Lo último que he he visto fue «Por un infierno con fronteras» de Denise Despeyroux. Me pareció una de las cosas más geniales que he visto en teatro en mucho tiempo, con dos actrices sublimes, Carmela Lloret y Sara Torres, dirigidas magistralmente por la propia autora del texto, un texto que conforme lo iba escuchando en boca de las actrices me iba pareciendo más y más genial.
¿Proyectos? El 6 de abril estreno en Los Teatros del Canal otro texto mío titulado «Dignidad». Esta vez como actor, junto con Daniel Muriel dirigidos por Juan José Afonso y si todo va bien después del próximo verano estrenaré mi último texto, «Memoria o desierto» en Madrid, en el que dirigiré a un magnífico trío de actrices. Estoy, a la vez, embarcado en un nuevo texto para la nueva producción de la Fundición Sevilla. Como ves, estoy entretenido.
«El hijoputa del sombrero» en el Teatro Príncipe Gran Vía
Juan José Afonso nos trae a la cartelera la obra de Stephen Adly Guirguis, con 6 Nominaciones a los Premios TONY que sigue triunfando en Nueva York. Juan Díaz encabeza el reparto formado por Raquel Meroño, Miguel Hermoso, Bárbara Merlo y Alberto Jo Lee. La música de los entreactos la pone «El Langui», un conocido cantante de Hip Hop.
Afonso ha apostado por traer a la cartelera madrileña una propuesta muy interesante que puede ser una gran desconocida para el público español, que no está acostumbrado a estar al día de los últimos éxitos teatrales americanos, además añade su grano de arena introduciendo la música de «El Langui» en la obra, con la que convive perfectamente e incluso potencia la sensación de realidad, a veces dura realidad,con la que vamos a encontrarnos frente a frente.
Muchas veces la vida nos pone en situaciones difíciles y tenemos que buscar salidas para huir de ellas. Adly analiza las diversas situaciones de dependencia y caída en adicciones, tanto de sustancias como de personas, provocadas por esos palos que nos da la vida y la sociedad a través de cinco personajes. La puesta en escena es absolutamente contemporánea y resuelta con una escenografía versátil y dinámica que, junto con la música, nos traslada a una especie de serie televisiva en la que no hay cortes entre escena y escena y que no nos aburramos con huecos vacíos.
Los actores aportan también esa frescura que se necesita para abordar una obra con temas actuales, sin caer en engolamientos teatrales pero tampoco en excesiva naturalidad a la hora de interpretar, es decir, actores bien dirigidos y muy preparados que son la guinda para este texto. Cabe destacar la actuación de Juan Díaz en el papel de JACKIE, y de Raquel Meroño, que se afianza como actriz con esta obra. Pero la verdad es que todos los actores dan el DO de pecho y son base fundamental para tener al público interesado durante la hora y media que dura la obra, que, al estar bien construída, tanto en personajes como en escenarios, nos produce una completa inmersión dentro de los problemas y críticas que se plantean en la misma.
En definitiva, una buena propuesta para acercarse al teatro, disfrutar de una propuesta actual y apta para todos los públicos. Pero… ¿Quién es el hijoputa del sombrero?
Luis Mª García Grande.
Elisa Sanz nos habla sobre su trayectoria y proyectos.
¿Cómo fueron tus inicios en el diseño de vestuario?…
Mis inicios fueron en una pequeña compañía de teatro que creamos en el Instituto en Burgos. Me encargaba de la escenografía y Vestuario ya que nadie más lo hacía. Luego comencé el experimental de escenografía en la Resad, posteriormente en un master en Londres y finalmente la licenciatura ya reglada en la Resad. En la Escuela de Arte dramático realizaba vestuario para muchos de los talleres que se realizaban. Al mismo tiempo que terminaba mis estudios hacía vestuario y escenografía para compañías pequeñas y también trabajaba de sastra y ayudante de escenógrafos y figurinistas importantes, y así, poco a poco fui trabajando en proyectos más importantes.
¿Lo has compatibilizado con otros trabajos?…
Al principio, mientras estudiaba, trabajaba en todo lo que aparecía, camarera, dependienta en la bisutería de mi tía durante navidades… Posteriormente ayudantías y giras como sastra, utilera, conductora de compañía, coordinadora y dirección técnica…Y ahora lo compatibilizo con la dirección de un mercado alternativo en Burgos y como ama de casa y madre, que también es un gran trabajo que necesita mucha dedicación y entrega.
¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…¿Qué proyectos destacarías?…
Mi trayectoria creo que es la creada por mucho esfuerzo, trabajo y dedicación. El balance es muy positivo ya que, a veces, aunque te esfuerces y trabajes no siempre consigues tus metas. Yo creo que las he conseguido y, aún ahora, vivo de mi trabajo como escenógrafa y figurinista, lo que es mucho decir.
De los proyectos en los que he participado, de todos y cada uno de ellos destaco algo. Unos por ser pequeños y con dificultades que superar, otros por ser grandes y difíciles de crear. Unos por ser con compañías con las que he crecido, otros por ser con equipos nuevos con los que empezar de nuevo. Todos y cada uno de los proyectos son importantes en mi trayectoria y de todos destacaría algo.
¿Cómo surgen las ideas?…¿Cuánto margen te dejan para crear durante los procesos?…
Las ideas suelen surgirme trabajando en ellas, pero siempre queda algo que aparece de repente en un sueño o en una imagen que por casualidad llega a mis manos y hace que todo cobre sentido.
Todos los procesos son diferentes. En unos la creación es totalmente libre, en otros comienzas ya con una dirección determinada, en algunos tienes que luchar por que tus creaciones venzan y convenzan, en muchos tu trabajo hace que la puesta en escena sea una creación conjunta en la que mis bocetos junto con las demás aportaciones del equipo artístico formen una creación escénica única.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?… 2013 – 14
EN TEATRO
• “Como Gustéis” de W.Shakespeare. Versión y Dirección: Marco Carniti. CDN. Teatro Valle Inclán. 10 de mayo 2014.
• “Locos por el té” de Danielle Navarro –Haudecoeur & Patrick Haudecoeur, Dirección: Quino Falero. Estrenado en Teatro Cofidis Alcazar Madrid, 16 Enero 2014. Diseño de Escenografía y Vestuario
• “El arte de la Entrevista” de Juan Mayorga, Dirección: Juan José Afonso. Estrenada en Teatro Palacio Valdés de Avilés. Diseño de Escenografía y Vestuario.
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• Nómadas” Teatro Paraiso. Dirección Charlote Fallón. Estreno en Vitoria. 16 Febrero 2014. Diseño de Vestuario.
• “Taitantos” de Olga Iglesias Durán, Dirección: Cote Soler. Julio 13. Teatro Lara de Madrid.
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• “Emilia” de Claudio Tolcachir. Estrenada en Teatro Palacio Valdés de Avilés. Diseño de Escenografía y vestuario.
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• “Nada tras la puerta” de Juan Cavestany, José Manuel Mora, Borja Ortiz de Gondra, Yolanda Pallín y Laila Ripoll. Dirección: Mikel Gómez de Segura. Diseño de escenografía y Vestuario. Estrenada en Septiembre en la sala Francisco Nieva del Teatro Valle Inclán de Madrid.
• “El hijoputa del sombrero” de Stephen Adly Guirgis, Dirección: Juan José Afonso. Estrenado en Teatro Príncipe Gran Vía de Madrid. Diseño de escenografía y Vestuario.
• “Recortes” de Juan Cavestany, Dirigida por Mariano Barroso. Estrenada en el Teatro Cuarta Pared de Madrid. Diseño de Escenografía y Vestuario.
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• “Las chicas del Calendario” Autor: Tim Firth / Adaptación: Marc Rosich/ Dirección: Antonio Calvo. Estrenado en los teatros del Canal. Abril 2013. Diseño de Vestuario.
EN DANZA
• “Con la música en otra parte” Compañía Rafaela Carrasco.
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• “Constelaciones” Coreografía: Enrique Cabrera. Aracaladanza. Estrenado en el Teatro de la Abadía, Madrid.
¿Te ha tentado alguna vez desarrollar otras facetas más allá del diseño de vestuario?…
Si claro. De hecho las desarrollo. Tengo una marca de ropa transformada Vintage y complementos que diseño yo misma que se llama FuaFua. Dirijo un mercado alternativo que se llama Hangarmarket en Burgos. También realizo otros proyectos en mi ciudad como Pasarelas de ropa Vintage – reciclada, Exposiciones, etc…
¿Cómo surgió el proyecto de Cómo gustéis?…Háblanos del proceso…
Surge de una llamada del CDN. Me reuní con Marco Carniti que estaba buscando a un figurinista y después de reunirse con varios profesionales creo, finalmente me escogió ya que también podía ayudarle con la escenografía. El proceso ha sido rápido e intenso. El proyecto ya se había estrenado en el Globe y en Italia, por lo que aparentemente estaba todo hecho. Pero el resultado es totalmente diferente a lo presentado antes y la mayor dificultad ha sido esto mismo: No copiar lo que ya se había hecho pero trabajando con una misma dirección a la anterior y un concepto ya creado. Ha sido un proceso muy poco habitual y por ello su dificultad, pero creo que, aún no teniendo un trabajo primero con una mesa en blanco, he podido finalmente crear mi mundo a partir de directrices muy estrictas y predeterminadas. Lo que te decía antes, he tenido que luchar para que mis creaciones vencieran y convencieran cediendo a algunas ideas que ya estaban muy fijadas.
Otra gran dificultad ha sido la envergadura del proyecto y el poco tiempo con el que se contaba para ello. Diecisiete actores con dos o tres cambios, tres horas de función… Un presupuesto y tiempo ajustado que ha obligado a crear el vestuario con piezas de stock y vestuario diseñado nuevo y hacer que todo esté en la misma línea y no se note…En fin, ha sido un proceso complicado pero esta complicación ha creado un equipo artístico muy unido y trabajando 100% para la puesta en escena con una gran profesionalidad y complicidad.
¿Cómo ha sido el trabajo con el director?…
Marco es un hombre que tiene muchos años de profesión en la lírica y en los escenarios. Un director que entiende la dramaturgia visual como prioridad y la música como camino de emoción. Tiene muy claras las imágenes que busca y se detiene en todos los detalles de la puesta en escena. Cada elemento de utilería, vestuario, escenografía o iluminación los sigue y los decide.
Nuestra relación ha sido fantástica ya que parecía que nos conocíamos de toda la vida. Y como a alguien al que quieres tienes momentos en el que lo amas y momentos en el que lo querrías matar. Como una bonita relación. Pero con toda la exigencia que ha existido en el montaje siempre hemos terminado con una sonrisa. He aprendido mucho con Marco y es un creador muy muy generoso. Me ha ofrecido su obra y la ha compartido con gran talento estético.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Ya estoy con “Largo viaje del día hacia la noche” con la dirección de Juan José Afonso y un elenco extraordinario: Mario Gas, Viky Peña, Juan Díaz, Alberto Iglesias y Mamen Camacho. Otros proyectos de los que aún no puedo hablar y la nueva producción de Mónica Runde para 10&10 danza y de Aracaladanza.
¿Cómo están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Pues que te voy a contar que no sepamos. Bajada de cachés, personal mínimo, presupuestos bajísimos…Un desastre. Pero esperemos que finalmente estos políticos se den cuenta del enorme error que están cometiendo y el gran daño que están causando a la cultura en España.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
El que más me ha interesado ( y no he estado involucrada) en los últimos meses, es la propuesta de José Antonio Portillo “Archivo de gestos emocionales”. Lo vi en Enero en una capilla en Burgos. Más que un montaje es una propuesta artística. Me emocionó más que ninguna puesta en escena tradicional y me interesa tanto el proceso como la trayectoria de este artista.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Sugerencia? No. Necesidad. Es necesario seguir creando. Son necesarias nuevas propuestas, son necesarias nuevas lecturas y es necesario hacer oír las voces del hombre contemporáneo.Es necesario seguir llamando a la emoción y emocionar para despertar corazones y así, humanizar este mundo que están intentando hundir con la destrucción de la empatía.
«El arte de la entrevista» en el Centro Dramático Nacional
La entrevista puede ser un arma de doble filo, al igual que la cámara que lo graba todo y entra a ser un personaje más en la obra teatral. Un personaje que se va a encargar de desestabilizar a todos los demás personajes solamente con su presencia callada. Esta cámara va a ser capaz de encontrar «la brecha» con la que todo buen entrevistador sueña: ese momento donde el entrevistado se rompre y se sincera ante el otro gracias a la pregunta que taladra su inconsciente. Juan Mayorga, con innumerables premios a sus espaldas, ha sabido renovar el lenguaje dramatúrgico y seguir buscando nuevos lenguajes teatrales en el panorama contemporáneo español y, aunque no es el mejor texto que podía haber exhibido en el María Guerrero, el director Juan José Afonso ha intentado mejorarlo centrándose en las relaciones entre los personajes.
Para construir todo este entramado se ha rodeado de excelentes actores: Alicia Hermida sigue siendo esa mujer que interpreta dulcemente y que convence en todos los papeles que hace, no sabemos si es porque los elige con sumo cuidado o porque los hace suyos con gran maestría. Elena Rivera me ha recordado a una joven Amparo Larrañaga interpretando y físicamente también. Por fin he logrado no ver en Luisa Martín a ese personaje que salía en esa serie de Emilio Aragón cuyo nombre no recuerdo ya…pero que ha dejado serias secuelas en mi modo de ver la interpretación de ciertos actores. Y por último Ramón Esquinas, que interpreta un papel pequeño pero al que se adapta perfectamente. De la cámara no sabemos ni su marca ni su identidad… cosa que no vendría mal si le hemos dado la importancia de un personaje.
Como he apuntado, no es lo mejor que se puede ver de Mayorga, pero ahí está.
Luis Mª García Grande.
Kremel y Gurruchaga, «Los reyes de la risa».
Adaptar una obra de Neil Simon a la española y hacer que parezca tuya es una labor bastante ardua después de habérsela visto hacer a Danni de Vito y Woody Allen, Walter Mathau, etc. en Broadway y en diferentes películas con el nombre de The Sunshine Boys, la última de 1996.
La inspiración de esta mezcla le vino el verano pasado durante su estancia en «The Cavern» para actuar con la Orquesta Mondragón en un homenaje a los Beatles y una pequeña visita a Londres donde pudo ver a Danny de Vito haciendo esta comedia.
Parece ser que aquí se ha españolizado todo y se ha creado una adaptación de personajes que han tenido un pasado de cómicos famosos a lo Pajares y Esteso por Miguel Hermoso Arnao. Esto le da a la obra un toque rancio, a lo españolada en ciertos momentos, como cuando sale la enfermera rubia mazizorra, pero también un toque familiar y todo esto lo ha logrado dirigir Juan José Afonso y darle un toque de congruencia y saber hacer. 
La interpretación de Kremel y Gurruchaga se adapta a los personajes pero siempre con ese toque distinguible que tiene cada uno de los actores y que tanto conocemos de haberles visto actuar no solo en teatro, sino también en televisión. Y esto es lo que me atrae, ver a Gurruchaga haciendo suyo el papel y ver a Kremel con esa cara que pone de no haber roto un plato así que supongo que mucha gente va atraída también por eso, para reírse con ellos como lo han hecho siempre. Kremel ya había hecho esta comedia bajo el nombre de La extraña pareja. Gurruchaga además pone la «banda sonora» a la comedia con una canción de los Beatles titulada When I’m Sixty-Four.
La escenografía está bien acabada y sorprende por su decoración que mezcla varios elementos que dan cercanía y hacen que el espectador piense que podría estar en la casa del mismísimo Gurruchaga.
Lo único que se le puede pedir a esta producción es que cambie algo su marketing ya que la imagen de la publicidad no se corresponde muy bien con lo que se va a ver.
Luis Mª García.
Elisa Sanz nos habla de sus recientes y próximos trabajos…
Elisa Sanz nos habla de sus recientes y próximos trabajos…
¿Qué balance haces de tus trabajos en el último año?…
El balance es estupendo. Estrené «El manual de la buena esposa», un espectáculo que se mantiene en cartel con gran éxito, «Una luna para el bastardo» me ofreció la posibilidad de trabajar con John Strasberg y estrenar en el matadero, teniendo la ocasión de trabajar con unos actores increíbles. Con Aracaladanza remontamos «Nada Nada» y continuamos con la gira con «Nubes» y con 10 & 10 Danza tuve el inmenso honor de trabajar con cinco grandes de la danza contemporánea en «Identities», una producción muy especial en el que trabajé muy duro y en la que aprendí e investigué muchísimo. En este mes de septiembre se estrenará «Si supiera cantar me salvaría. El crítico», un texto precioso de Juan Mayorga con dirección de Juan José Afonso para el que he diseñado la escenografía en la que conviven en escena Juanjo Puigcorbé y Pere Ponce. Para terminar el año estrenaré «Constelaciones» de Aracaladanza, proyecto en el que actualmente estamos en plena creación. Y para completar me dieron un Max por el vestuario de «La avería». Ahora que me doy cuenta que el balance ha sido cojonudo.
¿Hay alguno de los trabajos en el que hayas podido experimentar en el proceso o tienes que buscar habitualmente el resultado que piden?
Intento experimentar en todos. La creación para mí no es otra cosa que probar y descubrir nuevas lecturas. Habitualmente lo hago más en danza por el tipo de lenguaje. En «Identities» experimenté desde el minuto uno hasta la hora antes de estrenar. Ahora con Aracaladanza es lo único que hacemos. Esto es maravilloso. Pero en teatro también intento descubrir y encontrar nuevas formas en el proceso de creación del vestuario o de la escenografía. Nunca voy a lo que piden sin pasar por un proceso más personal, aunque luego sea el resultado que aparentemente te piden. Si no experimentáramos sería aburridísimo. Siempre hay un nuevo material que probar, un traje con el que jugar, una perspectiva diferente o una tela con la que descubrir nuevas formas.
¿Hay alguna diferencia a la hora del diseño si se trata de un espectáculo de danza o de danza para niños?
Para mí no hay ninguna diferencia. Yo trabajo en danza y en espectáculos de danza para niños. La única diferencia es que los niños son un público bastante más exigente y esto te pide trabajos más estudiados. Nos empeñamos en diferenciar públicos y eso a mí no me gusta. La diferencia es el contenido del espectáculo. Para niños las propuestas, habitualmente son más lúdicas, esto hace desarrollar diseños con más juego que los que habitualmente vemos en danza para adultos. Pero me exijo lo mismo en un tipo de espectáculo u otro.
Hablamos del proyecto Fuafua showroom
Este proyecto es algo que tenía pendiente. Y en Burgos, ciudad en la que vivo a caballo de Madrid, es más fácil. Se trata de un espacio taller en el que seguir investigando tanto para espectáculos como para diseño de moda o lo que se me ocurra. Un pequeño pisito solo para crear. Intentar realizar los trajes en mi espacio para convivir con ellos. Siempre diseño y es un taller el que se ocupa de la realización y esto te separa del proceso. También será un espacio en el que pueda realizar otro tipo de creaciones. Ahora estoy con una colección de trajes vintage y complementos. Una futura tienda online, presentación de colecciones de otros creadores. En fin, al mal tiempo buena cara.
¿Este proyecto es una prolongación del que estabas realizando en Burgos?
Bueno, viene impulsado por mi proyecto de HangarMarket. Creé un mercado alternativo y de nuevos creadores en la sala hangar de Burgos. Coordino y selecciono los cuarenta y cinco puestos que cada primer domingo de mes forman este mercado. Llevamos cinco y el éxito es total. Comencé poniendo un puesto de ropa de segunda mano y corsets…Ahora ya tengo la marca Fuafua y muchos proyectos con el mercado.
¿Estas ahora en proceso con el próximo espectáculo de Aracaladanza?…hablamos de él…
Pues está siendo fantástico. Es lo que te comentaba al principio… Experimentación…juego y creación. ¿Qué más se puede pedir?. Nos hemos metido de lleno en el mundo de Miró para este espectáculo y estamos descubriendo cosas increíbles. Ya estamos con las primeras pruebas de vestuario y creo que va a estar a la altura de los proyectos anteriores de Aracaladanza , si no mejor.
¿Que otros proyectos tienes en preparación para los próximos meses?
Los próximos y principales proyectos son Fuafua y mi colaboración con el grupo contemporáneo de Burgos para su próximo espectáculo de danza. De los demás no se puede hablar que dicen que trae mala suerte.
¿Qué prefieres diseñar vestuario o espacio escénico?…
Me gusta hacer las dos cosas en el mismo proyecto. Lo siento más mío. Si tengo que elegir, en teatro… el espacio y en danza…el vestuario.
¿Como se ve Madrid desde Burgos?
Bueno, paso de uno a dos días de la semana en Madrid. A veces más si estoy en pleno proyecto. Pero ahora para mi Madrid es solo trabajo. Burgos es calidad de vida. En Madrid parece que está todo hecho o no tienes tiempo para hacer nada. En Burgos hay mucho por hacer y te da tiempo a realizar millones de cosas en un solo día, todo es más fácil. Y con una niña de un año y medio muchísimo más sencillo y económico.
¿Crees que afectara mucho en las artes escénicas los recortes que se están dando en cultura en nuestro país?
Pues claro que va a afectar. Pero tengo la esperanza de que todos demos la vuelta a la tortilla y ante las dificultades ganemos la batalla con talento.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?
Hay que seguir creando. Investigar, inventar nuevas formas e intentar rodearnos de gente con talento. No hay que dejarnos llevar por el pesimismo. En época de crisis la cultura y el arte se hacen fuertes.
Que Revienten los Artistas 
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