«La fureur de ce que je pense» en el Teatro Español
Ya sabemos que una de las funciones del teatro es remover conciencias, golpear donde duele para que así se suscite una reflexión en el interior del espectador. Los textos de Nelly Arcán, escritora, entre otras de «Puta», que se suicidó en el año 2009, son la base perfecta, por su fuerza, poesía y fondo, para crear un espectáculo que, al menos, y según nuestro nivel de sensibilidad, nos deja inquietos.
La directora Marie Brassard ha sabido retratar esa negrura de Arcán en un montaje potente que toma un perfecto ritmo musical y lo va desarrollando a lo largo de la obra, cual un coro en un teatro griego. Aunque el montaje es contemporáneo, basado en una serie de cubículos en los que habitan mujeres que van desarrollando su personaje, mujeres incomunicadas que tienen algo en común, ese ritmo vital que les persigue y que las une dramatúrgicamente, su esencia es totalmente clásica, es un drama en toda regla que nos escupe palabras duras desde las bocas de estas mujeres que se rompen, explotan y diseminan ese furor interno, todo un huracán de pensamientos.
La propuesta del Teatro Español es un acierto en su programación trayéndonos montajes necesarios, de actualidad y con un discurso coherente que nos hace removernos por dentro para crecer un poco más intelectualmente.
Luis Mª García
«Troyanas» en el Teatro Español
La versión de Alberto Conejero, dirigida por Carmen Portaceli llega por fin a Madrid después de haber pasado por Mérida y el Grec. En ella podemos ver un montaje que trata de acercar al público, de manera cercana, la visión de Eurípides sobre la tragedia de la guerra y sobre unas protagonistas secundarias en los conflictos bélicos: las mujeres, que siempre han estado veladas a los ojos de la sociedad.
Las versiones de los clásicos suelen centrar sus puntos de vista en el fin último que quieren el autor y, en este caso, la directora. Conejero ha limpiado el texto original, quitando el coro, algunos personajes y poniendo el acento en el discurso sobre la mujer y la guerra, haciendo asequible al público un texto en el que cuesta introducirse al que no es iniciado en el hecho teatral y actualizando la tragedia con imágenes de la guerra de Siria. Además ha introducido el fantasma de Políxena, hija muerta de Hécuba e interpretada por Alba Flores, en contrapunto dramatúrgico a la falta de coro. La dirección de Portaceli le secunda, actualizando el discurso de Hécuba con una interpretación de Aitana Sánchez-Gijón contundente pero algo desafectada del dolor que le quiso imprimir Eurípides. Ernesto Alterio interpreta a Taltibio, el funesto mensajero griego que trata de expiar la culpa que pesa sobre su espalda al haber sido y cómplice en la muerte del nieto de Hécuba, estableciendo el orden en el discurso de la obra, uniendo los fragmentos de texto entre las mujeres y contrarestando protagonismo al lado troyano.
En la escenografía de Paco Azorín, minimalista, inspirada en la masacre que tuvo lugar en Hula, Siria, nos encontramos una escena llena de cadáveres envueltos en tela blanca y con una contundente torre caída en forma de «T» sobre la que se proyectan imágenes de guerra actuales, documentando al público y dando así efectividad al discurso directivo, en sus dos vertientes, como directora de la obra y como directora del Teatro Español, que Portaceli quiere afirmar sobre el tema tan de actualidad ahora como en tiempos de Eurípides.
Si quieren ver arder Troya, tienen que acercarse al Teatro Español del 10 de noviembre al 17 de diciembre.
Luis Mª García Grande.
DanzaEñe, muestra de danza contemporánea organizada por Fundación SGAE
El Teatro español acoge la muestra de Danza Contemporánea del 31 de octubre al 2 de noviembre.
La Fundación SGAE, en colaboración con la FECED y el Teatro Español ha organizado la Primera Muestra de Danza Contemporánea Española para Programadores Internacionales DanzaEñe 2017. Esta iniciativa tiene como objetivo la internacionalización de la danza española y propone una serie de espectáculos que tendrán lugar los días 31 de octubre, 1 y 2 de noviembre en el Teatro Español de Madrid.
Un comité artístico seleccionado por la Fundación SGAE se ha encargado de diseñar el programa de compañías participantes entre más de 50 proyectos recibidos. Este jurado ha estado integrado por Carmen Roche, coreógrafa y bailarina, en calidad de presidenta; Eva Yerbabuena, coreógrafa; Francesc Casadesús, director artístico de Grec Festival de Barcelona; Marta Carrasco, coreógrafa y bailarina, y Roberto Torres, en calidad de representante de la FECED.
A lo largo de tres días, doce compañías de danza españolas presentarán, en formato showcase de 45 minutos, sus espectáculos. En concreto: Sara Cano; Lucía Marote; Marcat dance; Provisional Danza; Compañía Carmen Fumero y Miguel Ballabriga; Arrieritos; Compañía Manuela Barrero dlcAos; Organik; Compañía Mariantònia Oliver; Ertza y Kukai Dantza (Marcos Morau y la Veronal).
Inaugurarán la muestra el 31 de octubre, a las 19.00 horas, Provisional Danza, compañía de Carmen Werner que presentará Allí, donde las flores se mueren, y Organik que recupera en su propuesta el Irrintzi, un grito tradicional vasco. En la segunda sesión (21.30 horas), la compañía de Asier Zabaleta, Ertza, lleva al Teatro Español su espectáculo callejero Meeting Point, considerado el mejor del País Vasco en esta categoría en 2017, mientras que la costarricense Lucía Marote se encargará de cerrar la muestra este primer día con la danza de cuerpos desnudos Anatomía del sentimiento.
Al día siguiente, miércoles 1 de noviembre, Cía. Carmen Fumero y Miguel Ballabriga relatarán, acompañados de una banda electrónica, lo que sucedió cuando …Eran casi las dos. Tras ellos, será el turno de la Compañía Mariantònia Oliver que invitará a hacer un trabajo de desapego con su propuesta Las muchas. A las 21.30 horas, será el turno de la Cía. Manuela Barrero dlcAos que interpretará I’ll be your mirror, un trabajo sobre la resistencia y la fortaleza humana. Por último, Kukai Dantza (Marcos Morau y la Veronal) despedirán DanzaEñe hasta el día siguiente con un fragmento de la alabada producción Oskara, gran triunfadora de la última edición de los Premios Max.
El conjunto Taiat Dansa abrirá la última jornada de actuaciones el 2 de noviembre, a las 19.00 horas, con No half measures, una reflexión sobre el movimiento de los bailarines y el significado que adquiere la danza según el lugar donde se representa. A continuación, será el turno de Sara Cano, que interpretará A palo seco, su primer trabajo en solitario y que le ha valido numerosos reconocimientos. Cerrarán la muestra de DanzaEñe la compañía Marcat Dance con su última producción, Codara, y Arrieritos que recorrerá las emociones que despiertan los objetos del pasado con Naftalina.
Discursos escénicos sobre lo masculino y lo femenino en Madrid.
Abordar propuestas escénicas que entren a valorar terrenos pantanosos como pueden ser los ámbitos de lo masculino y lo femenino no es una tarea fácil y puede acabar en las consabidas e infinitas discusiones. Dos propuestas en Madrid que investigan sobre estos temas son las de Sol Picó, que presentó «Dancing with frogs» en el Centro Cultural Conde Duque, dentro del Festival DanzaMOS y «Una habitación propia», dirigida por María Ruiz en el Teatro Español.
Sol Picó pretende escarbar e incluso desmontar el eterno mito de la masculinidad arrancando la piel a siete hombres de manera que muestren lo más profundo de su yo a través de la danza performática. Picó se calza el bigote y baila con sus sapos, esos hombres que necesitan el toque adecuado para demostrarnos que los límites entre lo masculino y lo femenino lo ponemos nosotros mismos, las definiciones sobre nuestro género sobran y son nuestro esperpento particular cuando intentamos demostrar actitudes y prejuicios. El hombre del S. XXI ha evolucionado o, quizás, no. Dejemos espacio para la reflexión después de sumergirnos en este exquisito trabajo, en el que, una vez más, una mujer nos saca las castañas del fuego.
Sin embargo, Maria Ruíz, dirige a Clara Sanchís en «Una habitación propia» para plantearse la situación de lo femenino hace un siglo y hacernos reflexionar sobre el cambio de situación del discurso a través del teatro de una forma completamente diferente. Un monólogo bien escenografiado y dirigido para condensar, y que no parezca un ensayo, la novela de Virginia Woolf. Sanchís,a través de una ficticia conferencia, desgrana poco a poco una selección de los capítulos de esta obra, de los diferentes temas que aborda y revive a Woolf en sus universidades para mujeres, en sus deseos de ser escritora y en su búsqueda de ese lugar propio bajo la teoría de que sólo una buena situación económica podrá hacer que las mujeres encuentren su sitio en la sociedad. Todavía hoy hay mujeres que tienen que comer sopa de carne y natillas mientras miran como los hombres comen codornices y disfrutan de un buen vino. Todavía hoy, el discurso de Virginia tiene coherencia y nos invita reflexionar.
Ahora mezclemos en la batidora cerebral estas dos propuestas y pensemos en un mundo sin prejuicios.
Luis Mª García Grande.
El Teatro Español acoge un Baile literario entre Madrid y París
El Teatro Español acoge el próximo domingo 15 de octubre un Baile Literario dentro de los actos que cada año organiza la ciudad francesa y que para este 2017 han elegido a Madrid. Este ‘Tándem’ es un intercambio cultural que cada año realiza junto con una ciudad extranjera. Un mes de conexión cultural Madrid-París con más de 30 citas programadas en ambas ciudades.
Baile literario es una iniciativa del Théâtre de la Ville de París en colaboración con el Teatro Español. Dos dramaturgos parisinos (Elisabeth Mazev y David Lescot) y dos dramaturgos españoles residentes en Madrid (Lola Blasco y Paco Bezerra) se reúnen la víspera de la presentación con una lista de canciones muy conocidas de ambos países. Entre todos deben escribir una trama de 4 episodios que debe finalizar con el título de una de esas canciones. Al día siguiente, los espectadores están invitados a escuchar esa historia original, única, escrita a ocho manos y como colofón podrán bailar esos temas que forman parte del imaginario común de cada país.
De Madrid a París y de París a Madrid. Este es el recorrido que a lo largo del mes de octubre harán decenas de propuestas culturales a través de Tándem París-Madrid, el programa cultural impulsado por el Ayuntamiento de París que cada año selecciona a una ciudad del mundo realizar un profundo intercambio cultural. Tras su intercambio con la ciudad de Nueva York el pasado 2016. Madrid toma ahora el relevo y durante el mes de octubre se convertirá en el momento de conexión entre los proyectos culturales creados en ambas capitales.
De manera simultánea en las dos ciudades y con dos plazas como epicentro del programa, el Tándem Madrid- París gira en torno a la transformación urbana, y más concretamente al papel que juega el arte, la cultura y la participación ciudadana en esta transformación.
En total más de 30 actividades que abordan una enorme variedad de disciplinas como las artes escénicas, la música o el diseño, pero también la arquitectura, el urbanismo, la fotografía o el cine. Tanto en París, donde las actividades arrancan el día 1 como en Madrid, que lo hacen el día 3, cada una de estas disciplinas se presentará en formatos diferentes desde las exposiciones a los talleres o proyectos de trabajo más experimentales.
El Tándem París-Madrid 2017 está organizado por el Ayuntamiento de París, el Ayuntamiento de Madrid y el Institut Français, en colaboración con la Embajada de Francia y el Institut Français en España y la Embajada de España y el Instituto Cervantes en Francia.
Programación 2017-18 en el Teatro Español
El Teatro Español ha presentado el pasado viernes la nueva temporada con la presencia de Manuela Carmena. Una programación que será la primera temporada completa con Carme Portaceli al frente del espacio escénico municipal. Este nuevo periodo cierra
los anteriores cinco meses de gestión con un balance muy positivo, en el que los índices de ocupación del teatro son más del doble que los registrados en el mismo periodo de la temporada anterior. En concreto, la primera temporada dirigida por Carme Portaceli suma casi 36.000 espectadores que han pasado por taquilla, es decir que han asistido a los montajes sin invitación. En el mismo periodo de la temporada anterior el número de asistentes fue de casi 17.000 personas.
‘El otro’ se convierte en el eje de la nueva temporada del Teatro Español y engloba iniciativas en torno a la identidad, la empatía y la solidaridad.
Las dos salas de El Español acogerán 34 espectáculos, entre los que se encuentran tres producciones propias y otras tantas coproducciones.
La nueva programación apuesta por el teatro internacional más desconocido, continúa con mayor visibilidad para la danza, refuerza las líneas de público infantil y adolescente
Además mantiene ciclos como 3D, el ZIP de nuevos lenguajes escénicos o el torneo de dramaturgia.
Producciones y coproducciones
Uno de los proyectos más ambiciosos de la temporada será conducido por Blanca Portillo y consiste en la versión para el teatro del icónico filme de Luis Buñuel ‘El ángel exterminador’, una de las obras cumbre del cineasta. Producida por el Teatro Español, estará en la Sala Principal del 18 de enero al 25 de febrero de 2018.
Las otras dos producciones propias de esta temporada son piezas que forman parte del denominado proyecto 3D de dramaturgia española. Con este proyecto se invita a levantar tres obras de otros tantos autores y autoras españoles vivos, con tres directores y directoras, iniciativa destinada a ayudar a vertebrar la profesión de Madrid y a potenciar la autoría nacional.
Este año, integrarán este ciclo las piezas ‘Un tercer lugar’, escrita y dirigida por la uruguaya afincada en Madrid Denise Despeyroux (del 16 de noviembre al 17 de diciembre de 2017), que será producida por el Español; ‘El lugar donde rezan las putas o que lo dicho sea’, con texto y dirección de José Sanchis-Sinisterra (del 15 de marzo al 15 de abril de 2018) y producción del Español; y ‘Olvidémonos de ser turistas’, un texto de Josep Maria Miró que dirigirá Gabriela Izcovich, coproducido por el Teatro Español y la Sala Beckett de Barcelona. Las dos primeras piezas tendrán su estreno absoluto en Madrid, mientras que la última lo hará en la Beckett antes de llegar al Español del 10 de mayo al 10 de junio.
Las otras dos coproducciones de la temporada serán: del 10 de noviembre al 17 de diciembre de este año, una potente versión del clásico de Eurípides ‘Troyanas’, que firma Alberto Conejero y dirige Carme Portaceli. El montaje, con un elenco de mujeres encabezado por Aitana Sánchez-Gijón, es una coproducción de Rovima Producciones Teatrales, Festival de Teatro Clásico de Mérida y Teatro Español.
También en la Sala Principal, del 9 de marzo al 8 de abril de 2018, podremos ver el estreno de una coproducción de El Español con el Teatre Lliure y Octubre Producciones: ‘Cronología de las bestias’, una pieza escrita y dirigida por el argentino Lautaro Perotti. En su reparto destaca Carmen Machi, que pisará por primera vez las tablas de El Español en este montaje.
Programación
HOME El Español con las refugiadas
15 y 16 sep
SALA PRINCIPAL
Universos paralelos
20 sep – 15 oct
SALA PRINCIPAL
El lunar de Lady Chatterley
21 sep – 8 oct
SALA MARGARITA XIRGU
Una habitación propia
11 – 29 oct
SALA MARGARITA XIRGU
Eva Perón & El homosexual o la dificultad de expresarse
26 – 28 oct
SALA PRINCIPAL
SEMANA URUGUAYA
1 – 5 nov
• Rabiosa melancolía
• Sólo una actriz de teatro
SALA MARGARITA XIRGU
MUESTRA DE DANZA CONTEMPORÁNEA ESPAÑOLA – 1ª Edicición
31 oct – 2 nov
SALA PRINCIPAL
Troyanas
10 nov – 17 dic
SALA PRINCIPAL
Un tercer lugar (3D)
16 nov – 17 dic
SALA MARGARITA XIRGU
ESPECIAL NAVIDAD – Teatro Familiar
Expèriencies
21 – 27 dic
SALA PRINCIPAL
Mali y Sayo – Teatro Infantil
22 – 28 dic
SALA MARGARITA XIRGU
Samabá Samadé
29 dic – 4 ene
SALA MARGARITA XIRGU
El ángel exterminador
18 ene – 25 feb
SALA PRINCIPAL
The black apple y los párpados sellados
17 – 28 ene
SALA MARGARITA XIRGU
Juguetes rotos
1 feb – 4 mar
SALA MARGARITA XIRGU
Cronología de las bestias
9 mar – 8 abr
SALA PRINCIPAL
El lugar donde rezan las putas o que lo dicho sea (3D)
15 mar – 15 abr
SALA MARGARITA XIRGU
La fureur de ce que je pense
12 – 15 abr
SALA PRINCIPAL
TEATRO PARA ADOLESCENTES
17 – 22 abr
• Odiseo
• Fiesta, fiesta, fiesta
SALA MARGARITA XIRGU
Ahora todo es noche
19 – 29 abr
SALA PRINCIPAL
Encendidas
25 – 29 abr
SALA MARGARITA XIRGU
Donde el bosque se espesa
3 – 13 may
SALA PRINCIPAL
Divinas palabras
17 – 27 may
SALA PRINCIPAL
Ovidémonos de ser turistas (3D)
10 may – 10 jun
SALA MARGARITA XIRGU
Apariencias
30 may – 3 jun
SALA PRINCIPAL
Tres deseos
7 – 10 jun
SALA PRINCIPAL
ZIP – El Español con la creación contemporánea
12 – 17 jun
TODOS LOS ESPACIOS
«Inmaculata» en el Teatro Español
Dentro del homenaje que se está haciendo a Tomaž Pandur por el Teatro Español, hemos podido disfrutar de esta pieza que, una vez más, nos demuestra la visión estética y dramatúrgica que poseía este director y que enamoraba y extasiaba a todos los actores que pudieron disfrutar de su trabajo. Pandur comprendía y controlaba de una manera magistral la puesta en escena contemporánea, así nos lo demostró y así nos ha dejado esta herencia.
Ya conocíamos el texto «Testamento de María» de Com Tóïbín gracias a la propuesta de Agustí Villaronga que nos ofreció el año pasado en el CDN y que estaba protagonizada por Blanca Portillo, pero, aún así, nada tienen que ver una y otra en cuanto a la concepción estética y dramatúrgica que nos ofrece cada director, pero ahí está la magia del teatro, que imagina los textos desde puntos de vista completamente diferentes y ambos tienen total validez y atracción.
Todo un placer para los sentidos ha sido descubrir de nuevo los pensamientos de María, interpretada pasionalmente por Nasasa Matjasec, ante el viacrucis y crucifixión de su hijo gracias a la herencia que ha recivido Livija Pandur.
Luis Mª García
«Yo, al Español», nueva temporada dirigida por Carme Portaceli
Carme Portaceli ha presentado su primera programación al frente de la gestión artística del Teatro Español tras resultar ganadora del concurso público que convocó el Ayuntamiento de Madrid el año pasado. Bajo la consigna “Yo, al Español”, que Portaceli lanza como un deseo de que todo tipo de público se sienta invitado y tentado de acercarse al teatro, la nueva gestora artística, se estrena con una programación que acogerá, entre enero y junio, hasta 15 montajes de muy diversa índole. Entre ellos figuran, además de dos producciones propias y una coproducción, iniciativas y ciclos dirigidos a instalar algunas de las nuevas líneas de trabajo –teatro emergente, nuevos lenguajes escénicos, teatro familiar, revisión contemporánea de autores y autoras de repertorio o trabajo pedagógico con nuevos públicos-.
Durante el mes de enero, cerrando la etapa anterior a este nuevo ciclo de programación, tres montajes inauguran el 2017: en la Sala Margarita Xirgu del Español se puede ver la última propuesta de Kulunka Teatro, Edith Piaf, taxidermia de un gorrión, dirigida por Fernando Soto.
Por su parte, la programación del Teatro Español en Naves del Español en Matadero termina con Eroski Paraíso, comedia documental de la compañía gallega Chévere, Premio Nacional de Teatro en 2014, en cartel del 19 de enero al 5 de febrero; y la Sala Fernando Arrabal albergará uno de los montajes más esperados de este año: El cartógrafo, de Juan Mayorga, interpretado por Blanca Portillo y José Luis García-Pérez, que se exhibirá del 26 de enero al 26 de febrero.
Una revisión a los clásicos, danza contemporánea y voces femeninas para arrancar
La programación propia de Portaceli arranca el 20 de enero con una obra emblemática del Siglo de Oro español, Fuenteovejuna, interpretada por gitanas del poblado chabolista del Vacie que ya tienen experiencia en las tablas de la Sala Principal de este teatro y que, dirigidas de nuevo por Pepa Gamboa, darán una visión muy especial de la obra de Lope de Vega.
Tras ellas, un sentido homenaje al malogrado director esloveno que tantas veces nos hizo disfrutar en este teatro: Tomaž Pandur. Se repondrán, en lengua original con sobretítulos en castellano, Fausto e Inmaculata, dos de los más significativos trabajos del director interpretados por los actores y actrices locales y dirigidos por la que fuera su mano derecha y hermana: Livija Pandur.
A continuación, la Sala Principal se preparará para albergar el nuevo trabajo de la siempre revolucionaria bailaora y coreógrafa Rocío Molina. En Caída del Cielo vuelve a contar con la colaboración artística de Carlos Marquerie y se acompaña por varios de sus músicos habituales para proponer un nuevo hito en su arte inclasificable.
También en febrero, del 9 al 26, la Sala Margarita Xirgu acogerá una producción del Teatre Lliure: Mujer no reeducable, del italiano Stefano Massini, que constituye un monólogo “urgente y necesario” según Lluís Pasqual, quien dirige a la actriz Miriam Iscla en este trabajo que recibió el Premio Butaca 2016 al mejor Montaje de Pequeño Formato.
Aunando las premisas de dar voz a los jóvenes dramaturgos y dramaturgas de promover la paridad en las artes escénicas, el ciclo “Dos piezas, dos” se inaugura con dos voces femeninas a cargo de sendas autoras y directoras con fuerte presencia en la escena nacional: Lola Blasco y Carolina África, que firman y dirigen los montajes La armonía del silencio y Vientos de Levante, respectivamente. Dos dramaturgas, dos obras, dos días cada pieza, en cartel del 22 al 26 de febrero.
Furiosa Escandinavia y Ushuaia, producciones propias del Español
Esta temporada, el Teatro Español pondrá en escena dos producciones propias: la obra ganadora del último Premio Lope de Vega, fallado el pasado mes de diciembre, Furiosa Escandinavia, escrita por Antonio Rojano. Y el estreno de la pieza de Alberto Conejero inédita en los escenarios Ushuaia, galardonada con el Premio Ricardo López Aranda en 2013.
Furiosa Escandinavia se exhibirá en la Sala Margarita Xirgu del 9 de marzo al 16 de abril y contará con la dirección de Víctor Velasco (el binomio Rojano-Velasco estuvieron la temporada pasada en las Naves del Español con Dios K) y un reparto integrado por Sandra Arpa, Irene Ruíz, David Fernández y Francesco Carril.
Por su parte, Ushuaia, que estará en la Sala Principal del 16 de marzo al 16 de abril, contará con la dirección de Julián Fuentes Reta (que ya dirigió en nuestra casa la gran triunfadora de los Max 2015 Cuando deje de llover) y estará protagonizada por José Coronado, Ángela Villar, Olivia Delcán y Daniel Jumillas.
Los dos montajes abordan temas tan universales como la culpa, el peso de la historia, la memoria y el amor.
Nuevos lenguajes y nuevos proyectos en primavera
El 19 de abril arrancará otra de las iniciativas llamadas a consolidarse: el ciclo “ZIP”. Una especie de maratón de teatro radical donde hasta siete compañías “okuparán” todo el edificio del teatro, desplegando sus muy diversos lenguajes en los diferentes espacios. Durante cinco días, el espectador podrá asistir a las propuestas más arriesgadas y verlas en otros espacios de exhibición poco habituales en el Español. Cabosanroque, Ciclo de las peregrinaciones, Kokoro, Anar de carenes al cel, The course of memory, Wohnwagen y Extraños mares arden son los títulos que inauguran este ciclo.
Del 23 de abril al 21 de mayo, la Sala Margarita Xirgu acoge una interesante pieza escrita, dirigida, interpretada y producida por mujeres: Una habitación propia, de Virginia Woolf, con Clara Sanchís como actriz y productora, y dirigida por María Ruiz. Un inteligente ensayo de la escritora inglesa que reflexiona sobre el papel de la mujer adaptado a la escena con ironía, humor y viveza.
En mayo llega otra obra de culto del repertorio universal: La cantante calva, de Ionesco. Una pieza que ofrece múltiples lecturas y que será puesta en escena por el director Luis Luque. En el reparto, Adriana Ozores, Javier Pereira, Helena Lanza, Fernando Tejero, Toni Acosta y Joaquín Climent. El montaje será coproducido por el Teatro Español junto con Pentación.
Y el montaje que cerrará la temporada en la sala pequeña es Iván y los perros, una obra de la británica Hattie Naylor que ha sido traducida en ocho idiomas y puesta en escena a nivel mundial. Su estreno en España estará protagonizado por Nacho Sánchez (recientemente reconocido con el Premio al mejor actor revelación de la Unión de Actores por su papel en La piedra oscura, de Alberto Conejero, dirigido por Pablo Messiez), y contará con la dirección de Víctor Sánchez Rodríguez.
Más danza para cerrar el ciclo y teatro para bebés
En junio, clausurando temporada, la danza volverá a apropiarse de las tablas de la Sala Principal, donde se presentarán los últimos trabajos de dos grandes mujeres de la danza contemporánea: Sol Picó y María Pagés. La primera, con We women plantea una reflexión sobre la mujer del siglo XXI a través de una pieza colaborativa donde se entrecruzan y mezclan diferentes técnicas y culturas. La segunda pieza, titulada Óyeme con los ojos, es un solo de María Pagés acompañada por seis músicos donde hace alarde de su personalísimo estilo.
En medio de estos dos espectáculos, tendrá cabida un regalo para el público familiar: la pieza Bítels, de Albert Vilà y Eva Vilamitjana, un particular homenaje a la música de The Beatles dirigido a los más pequeños, de entre 0 y 3 años.
Actividades paralelas y nuevos descuentos y abonos
Una de las propuestas de Portaceli es trazar temáticas transversales que vertebren cada una de las temporadas. De este modo, en 2017 se abordará el tema del Bien y del Mal como paraguas desde el que reflexionar a través de las diferentes manifestaciones culturales. Habrá, a lo largo del año, conferencias a cargo de diferentes profesionales de diversos campos (medicina, filosofía, feminismo, periodismo…) que reflexionarán en torno a estas temáticas.
Otra de las nuevas actividades será el Torneo de Dramaturgia, un conjunto de combates lúdicos consistentes en lecturas dramatizadas, donde una selección de autoras y autores se irá enfrentando y donde el público irá decidiendo quién queda desclasificado hasta llegar a proclamarse un vencedor o vencedora. Esta temporada también exhibirá el fruto del proyecto participativo con un instituto público como primera iniciativa orientada a trabajar el acercamiento e involucración del público adolescente con el teatro.
Otra de las novedades es el establecimiento de una nueva política de descuentos y abonos, que persigue facilitar un mayor acceso a todos los colectivos al teatro. Así, se verán beneficiados con descuento los mayores de 65, menores de 30, las personas en situación de desempleo, las personas con diversidad funcional, las familias numerosas y las familias monoparentales. Además, estarán disponibles un conjunto de abonos de diferentes características para adquirir entradas a espectáculos a precio reducido.
Nuevos canales de comunicación
El Teatro Español, a través de su web y diferentes canales de RRSS, ha emitido por primera vez, su acto de presentación de temporada en directo vía streaming, con diferentes lives (vídeos en directo) para difundir el ambiente del acto. Tras la presentación, se ha celebrado un encuentro digital donde Carme Portaceli y los artistas participantes han respondido a las preguntas de los internautas en tiempo real. Todo el acto ha sido al mismo tiempo retransmitido por Radio Emisora Escuela M21 del Ayuntamiento de Madrid, que ha realizado un programa especial en directo desde el teatro. El broche final lo ha puesto un arroz con conejo elaborado por Daniel Aixelà que se ha ofrecido a los asistentes para celebrar el comienzo de esta nueva etapa en el Teatro Español.
Luis Mª García
«Eroski Paraíso» en las Naves del Español
Eroski Paraíso es la primera producción de Chévere tras recibir el Premio Nacional de Teatro. Estrenada en marzo de 2016 en Donosti/San Sebastián.
Chévere nos presenta una comedia documental que explora la memoria colectiva, la deriva vital y la transformación de las relaciones dentro de una pequeña comunidad, a partir de historias reales recogidas sobre la sala de fiestas O Paraíso, que funcionó en Muros, un pequeño pueblo de la costa gallega, entre 1972 y 1990, y que al cabo de los años fue convertida en un supermercado Eroski. Un hecho que, cambiando los nombres, se ha repetido en infinidad de lugares de toda España, donde los cines, las salas de fiesta y otros espacios de socialización se han ido transformando en espacios de consumo. Una metáfora viva de la transformación social ocurrida en los últimos 35 años en España.
La pieza sorprende desde su inicio por la naturalidad demostrada en la interpretación, con un comienzo difuso en el que van apareciendo los personajes dentro de un ficticio supermercado, que en realidad es un plató donde se rememorarán los recuerdos de los años 80 que tienen los padres de una directora novel: Alexandra. Los actores juegan constantemente con los apartes de una manera magistral. La reflexión que se produce sobre la búsqueda de la naturalidad a la hora de interpretar, de plasmar la realidad a través de actuaciones irreales, de conseguir que algo parezca verosímil aunque sea algo escrito en un guión, es uno de los puntos fuertes de esta pieza en la que se juega constantemente a la confusión entre lo ficticio y lo real y la mezcla de planos temporales.
Merece la pena visitar este supermercado y rememorar con los personajes tiempos que… seguramente no fueron tan felices como los recordamos ahora, pero que dejaron una huella en cada uno de nosotros.
Luis Mª García Grande.
«Ricardo III» en el Teatro Español
Eduardo Vasco lo tiene muy claro: «El mundo está vuelto del revés, tiene la cabeza donde tiene que tener los pies». Así es. Este montaje en el que se nos muestra la condición humana a través del mismísimo diablo encarnado en Ricardo III gracias a Arturo Querejeta, es una pequeña joya que necesita de un público que la arrope y la admire. Vasco ya tiene experiencia tras cinco montajes de Shakespeare en recrear el mundo de las intrigas, emociones y contradicciones que se nos propone en las obras de El Bardo de Avon.
Un montaje brillante con escenografía sencilla, a base de mostrar y ocultar maletas y baules y de telas nos sumerge en la sanguinolenta mente del duque de Gloucester, que aspira a ser rey de Inglaterra, y lo consigue tras ir dejando a su paso los cadáveres ensangrentados, no solo de sus enemigos, son también de amigos y parientes traicionados. Todo tiene sentido en el montaje, hasta regalar un reino por un caballo dentro de una batalla naval… porque el sinsentido, el mundo del revés es el producto de la maldad producida por la mente humana…y aquí se demuestra que hay mucha.
Y hablando de sinsentidos… ¿Cómo puede ser que el teatro no se llene, no se regale, no se comparta y las calles estén llenas de Ricardos en busca del regalo navideño perfecto?
Luis Mª García Grande
«Historias de Usera» en el Español
Poesía y realidad se unen en un testimonio dejado por la sala Kubik para la posteridad. Podría ser cualquier barrio, pero sucedió y se imaginó por varios autores para que se desarrollase en Usera. Alfredo Sanzol, Miguel del Arco, José Padilla, Denise Despeyroux, Alberto Olmos y Alberto Sánchez-Cabezudo imaginaron una pieza que demuestra que es posible compaginar la realidad de la sociedad y de quienes viven en ella con la fantasía del autor. En un espacio que podría ser cualquier rincón del barrio, se suceden una mezcla de historias bien enlazadas que atrapan al espectador por su poesía y belleza. Una pieza en la que intervienen actores amateurs, del propio barrio junto a grandes profesinales y que reflejan la cara social y comprometida de la que ha sido una de las salas punteras en los últimos años y que el Teatro Español ha apoyado rescatando un viaje de vivencias que, representando a un barrio periférico de Madrid, no dejan de ser universales.
Luis Mª García.
Escena de autor
Hay autores que han desarrollado la faceta de director de escena, en algunas ocasiones porque es la única forma de visualizar sus textos en el escenario y en otras porque no terminan de ver sus obras escenificadas tal como las imaginaron al escribirlas. En estos momentos, en Madrid, coinciden dos propuestas de autor que dirige su texto. Las dos son producciones oficiales, entidades que están fomentando mucho la autoría española. En el Teatro Español, en la sala II del Matadero, José Luis Alonso de Santos dirige su propio texto…En el oscuro corazón del bosque donde juega a fabular sobre la condición humana a través de personajes-gato. Y en el Centro Dramático Nacional, Jesús Campos dirige su obra…Y la casa crecía…una crítica al abuso de poder de aquellos que son capaces de manejar los hilos de algunos seres humanos que se vuelven títeres ante el engaño capitalista.
Adolfo Simón
«Muñeca de Porcelana» en las Naves del Español
Un millonario le acaba de comprar un avión a su joven prometida como regalo de bodas. Su intención es jubilarse y dedicarse enteramente a ella. Durante el último día en la oficina, antes de reunirse con ella, instruye a su joven ayudante para poder atender sus negocios desde la distancia. Justo antes de salir recibe una llamada de última hora que deseará no haber aceptado nunca.
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«Muñeca de Porcelana» es la primera producción que se hace en el mundo después de su estreno absoluto en diciembre en Broadway de la mano de Al Pacino. Allí no ha recibido muy buenas críticas, no por el texto, sino por la interpretación. Aquí no podremos decir lo mismo porque José Sacristán ha sabido afrontar con toda su maestría un texto complicado, en el que no existen muchas réplicas y en el que la memoria juega un papel muy importante a la hora de ponerlo en escena. Pero este señor actor tiene su técnica bien estructurada y desarrollada y acaba dejando a Al Pacino a la altura del betún. Soberbio, con la fuerza y tensión actoral que requiere el personaje, Sacristán destripa el texto de Mamet, se mete en su laberíntica estructura y trepidante ritmo y lo hace suyo aparentando una facilidad supina para sumergirse en la piel de un millonario con la mente podrida. No hay otra palabra más adecuada para definir su interpretación que Maestría.
Javier Godino le ayuda en esta tarea, con una correcta interpretación y dejándose guiar por manos expertas.
Mamet es especialista es destripar la condición humana más corrupta, en crear personajes con poder pero que en el fondo son pusilánimes y pobres de espíritu que se dedican a joder a todo el que se atreve a acercarse a ellos. Esta construcción del personaje se va desarrollando a través de una dramaturgia enrevesada, con múltiples aristas que se van soldando sutilmente y van encajando hasta crear un poliedro perfecto y brillante. Pero para encajar todas las piezas es necesario un gran trabajo de dirección y actoral y una conexión entre ambos o se corre el riesgo de que la soldadura se despegue y la crítica se eche encima. No es éste el caso español, en el que el director Juan Carlos Rubio ha sabido templar el soplete y rematar muy bien esas aristas.
Teatro con mayúsculas. Imprescindible. Obligatorio verla.
Luis Mª García Grande.
«De algún tiempo a esta parte» en el Teatro Español
El jarrón estaba roto y había que reconstruir sus pedazos, su identidad, aunque desconociese su anterior composición. Esto es lo que,hipotéticamente, se podría haber planteado Max Aub al intentar recrear esta pieza que nos habla del período de entreguerras y de la identidad de la persona y, por extensión, del pueblo.
Su protagonista, una mujer destrozada por la situación de pobreza y desarraigo que vive como causa de la Primera Guerra Mundial y de la Civil Española, despojada de su marido e hijo, transita por un escenario oscuro, iluminando los pequeños trozos de oscuridad de su vida a través de su discurso, de su llanto y de su agonía. Cada parte iluminada es un trozo roto, desgajado pero que en su conjunto mostrará y recompondrá una auténtica pieza compacta.
Carmen Conesa está entregada completamente al personaje,arrastrando su alma por un sótano húmedo en el que la tierra muerta le impide brotar de nuevo. La escenografía e iluminación constituyen una pieza importante en este monólogo para generar un dinamismo en su desarrollo y la pieza,que ya es un pequeño diamante en bruto, queda pulida y brillante por la mano de su director, Ignacio García.
Esta apuesta por Aub del Teatro Español,y de su director, constituye una verdadera oportunidad para disfrutar del mejor teatro contemporáneo.
Luis María García Grande.
«Sócrates, juicio y muerte de un ciudadano» en las Naves del Español
Tenía ganas de rememorar de nuevo la vida de Sócrates, además iba entusiasmado porque iba a ver a José María Pou encarnado en su persona, tan venerable, tan consagrado, tan actor. Me encanta ver teatro a modo de tragedia clásica, disfrutar del discurso intelectual, de la oratoria, tal y como lo estudié y mamé en el Bachillerato… y resulta que, de repente se me cuela el siglo XXI de por medio y me encuentro a un Sócrates hablando de móviles y molestias…y, como se dice vulgarmente, se me bajó todo.
Y me pregunto si acaso estas frases tan fuera de lugar, tan displicentes, estaban en el texto original de Mario Gas y Alberto Iglesias o si se han colado por obra y gracia de un actor que no le tiene mucho amor a los pitidos electrónicos ni a las minipantallas brillantes tal y como ha demostrado en varias ocasiones públicamente. Porque si es así, por muy consagrado que estés y por la infinidad de seguidores que te veneren, no se puede saltar a la torera el texto del director, consagrado él también, al revés, habrá que seguirlo al pie de la letra e incluso venerarlo… Y, si fuese al revés, ni siquiera la sapiencia y oratoria de Sócrates sería la excusa para insertar tales disertaciones sobre la vida moderna del espectador de teatro en un texto digno. Sabemos cómo es el público y Sócrates también conocía al suyo…al que le llevó a la condena a través de esa falsa democracia.
Aún así, merece la pena ir, disfrutar del discurso original, de la vida de Sócrates y de la interpretación de los otros actores que intervienen en el montaje, de la escenografía pura y adecuada de Paco Azorín y dar unos cortecitos, editar y pulir ese «texto»-incluso digitalmente con tu móvil- para evitar adoctrinamientos banales ideados por abanderados del purismo, que no deben de darse en el lugar sagrado del teatro, a un público que, comprendiendo a Sócrates, también puede retuitear su sabio discurso y tomar las riendas de un smartphone tal y como Sócrates lo hizo de su vida: con honor, entereza y dignidad.
Espero que estos directores y actores disculpen mi atrevimiento y mi ignorancia supinas, basadas en un discurso pobre, con pocos argumentos, pero claro y humilde al fin y al cabo.
Luis Mª García Grande
«La estupidez» en Matadero Madrid
«La estupidez» es una obra compleja, no apta para espectadores noveles o señores que van dos veces al año al teatro, por muy Teatro Español que sea. Partiendo de este punto de vista, el lector de esta crítica se estará imaginando como espectadores a sesudos catedráticos en Filología Hispánica o similares y puede que se le estén quitando las ganas de asistir a ver este entramado, pero estas no son mis intenciones al hablar sobre el montaje, ya que a veces hay que abrir la cabeza, experimentar, dejarse llevar y meterse en vena tres horas de teatro, pero del bueno, del intenso, del que no te deja respirar para pensar, y caer en la cuenta de que las sensaciones después de haber visto esta obra, afloran, surgen y regurgitan en nuestra cabeza.
Spregelburd ideó una especie de laberinto de veinticuatro registros dramáticos para cinco actores que ubicó en Las Vegas, un lugar donde, dicen, que todo lo que ocurre debe de quedarse allí. Inspirado en el pecado capital de la avaricia desarrolló toda una serie de escenas en donde se desarrolla la estulticia humana en todos sus niveles. Hasta las clases menos pudientes se ven atraídas por el vil metal y pudren su mente y la de los demás moviendo sus vidas alrededor de lo superfluo y de lo ridículo.
Feelgood Teatro demuestra de nuevo su investigación y experiencia, dando un paso más, un paso firme, arriesgado y decidido para crear montajes de calidad y bajo la sapiencia y dirección de Fernando Soto, experimentado ya como director, y conocedor del entramado dramatúrgico que quiere presentar el autor unos actores que aportan toda su experiencia y capacidad para cambiar de registros a un ritmo endemoniado y hacerlo con nota esta es obra que no dejará indiferente a nadie, sepa o no de teatro.
Luis Mª García Grande
«El grito en el cielo» de La Zaranda
Analizar la realidad y comprometerse con la sociedad a través de un teatro reivindicativo y poético y a la vez atraer al público y ser uno de los grupos de teatro punteros en el panorama nacional no es nada fácil, pero La Zaranda sigue sorprendiéndonos en cada montaje y rascando un poco nuestras almas.
En esta ocasión han llegado al Teatro Español para mostrarnos una metáfora poética y expresionista de nuestra vida a través de cuatro viejitos -y lo digo así, sin políticas correctas- que transitan por sus últimas horas en una especie de geriátrico en el que se les imponen unas normas bastante ridículas para mantener su salud y mejorar su escuálida vida. Terapias, rehabilitación, wellness, fitness, yogas, taichís, musicoterapias y otras rutinas y tonterías varias que nos hacen pasar el tiempo pensando en el reposo y bienestar de nuestro cuerpo a través de normas ridículas y apartándonos de soñar y de la libertad de nuestra alma. El pequeño apunte a Lorca, con su poema El Manantial ,en su programa de mano nos lo resume todo en dos versos y nos anuncia lo que veremos.
La pequeña muestra de La caverna de Venus de Tannhäuser , en la que conviven en armonía y felicidad ninfas, faunos y otros seres, apartados de la realidad y viviendo oníricamente pero siendo representada por cuatro ancianos ridículamente ataviados, nos deja una pequeña muestra de las píldoras que fabrica Paco de la Zaranda para administrarnos una dosis de cruda realidad. La escenografía está montada a través de cuatro elementos muy simples pero a la vez muy potentes que nos hacen imaginar todo lo demás: cuatro jaulas enormes que se irán transformando en objetos cotidianos pero que en el fondo siguen con esa estructura enrejada y opresora.
«De aquí no se sale vivo», dice uno de los residentes protagonistas, porque en este montaje esa residencia de ancianos se convierte en una gran sinécdoque de lo que es nuestra vida y de nuestra vida… tampoco salimos vivos.
En definitiva, ir a ver «El grito en el cielo» es intentar liberar un poco más nuestras almas o al menos rascarlas, a ver qué sale.
Luis Mª García.
Resilenza D´Amore de Rossy de Palma en el Teatro Español
Rossy de Palma transita por el escenario del Teatro Español como una sonámbula, como una loba herida que busca que alguien le lama las heridas. Este espectáculo podría llamarse «Páginas arrancadas de un diario de desamor»…pero no, se llama Resilenza D´Amore porque la artista consigue que el arte, a través de su extraña belleza, redima su dolor y desesperanza. A veces lo hace desde el llanto, en otras juega paródicamente o crea sensaciones a través de presencias e imágenes impactantes. Todo el conjunto, construye un collage surrealista y emotivo en el que cada espectador puede reconocerse en alguno de los fragmentos de un espejo que se estrella contra el patio de butacas, cegando al público y propiciando lucidez al animal herido que, al final, besa con fervor las paredes del teatro.
Adolfo Simón
«El mercader de Venecia» en Matadero Madrid
¿Qué es lo importante para disfrutar de un buen Shakespeare? Yo pienso que una buena interpretación por parte de los actores y una atención por parte del espectador para impregnarse de cada palabra encadenada sabiamente en frases sabias. Todo lo demás es accesorio: la escenografía, el vestuario, la iluminación…
Pero si todo esto se mezcla si altas pretensiones por un experto como Eduardo Vasco, si la palabra va unida a una escenografía sencilla pero eficaz de Carolina González, a un vestuario lujoso, bien pensado y que no deslumbra al espectador a pesar de la maestría con la que está hecho por Caprile, pues el resultado es magnífico.
En el Teatro Español, Naves del Matadero podemos disfrutar de esa esencia del teatro gracias también a buenas interpretaciones de todos los que intervienen en «El mercader de Venecia» y sobresaliendo la de Arturo Querejeta.
Acérquense a darle su libra de carne al teatro.
Luis Mª García Grande
A siete pasos del Quijote, teatro en la calle del Teatro Español
Dentro de los actos conmemorativos de el Quijote, el Teatro Español ha llenado las calles del Barrio de las Letras de textos de nuevos autores inspirados en la obra Cervantina. Las alcantarillas se han abierto por encima del asfalto para lanzarse hacia el cielo de Madrid, llenando de imágenes y personajes sin tiempo las callejuelas, recreando de nuevo las ideas que debieron rondar por la cabeza de Cervantes. Entrada libre, todos los días, al atardecer… empieza el itinerario en la fachada del propio Teatro Español.
Adolfo Simón
«Cuando deje de llover» de Andrew Bovell en Matadero Madrid.
Se dice que la vida son dos días… pero en ese pequeño transcurrir pueden suceder muchas cosas, cosas importantes o simplemente anecdóticas aunque para nosotros pueden tener gran trascendencia. Andrew Bovell nos sitúa en dos espacios temporales diferentes para hablar de cuatro generaciones que han transitado por esas pequeñas anécdotas repitiéndose generación tras generación y que imprimen ritmo a nuestras vidas y a su dramaturgia: pintar una casa, comer esa sopa de pescado deliciosa,… todo un pretexto para hablar de temas trascendentales como la culpa, el arrepentimiento, el amor, el tempus fugit, el cambio climático o las creencias personales que modifican nuestra existencia…
«Cuando deje de llover» ha sido montada, muy acertadamente por Julián Fuentes Reta, en cuatro espacios correspondientes a las esquinas de una disposición «en arena» y que hace rotar a las cuatro generaciones que aparecen en la obra, dando el protagonismo justo a cada personaje para crear una obra coral en la que lo que importa son las ideas que expresan cada uno de ellos a través del pretexto de una creencia en una profecía: el nuevo diluvio que acabará con la especie humana.
Bovell crea una obra maestra en la que va componiendo el cuerpo de un vestido con retales temporales, sin conexión aparente hasta que todos aparecen pespunteados y compuestos en un traje perfectamente confeccionado para que el espectador espere paciente o impacientemente a probárselo. Ésto hace que se mantenga la atención constantemente sobre la escena, tratano de hilar cada retazo del patrón hasta que se consigue entrever la factura final. toda una obra de composición digna del mejor de los sastres y dramaturgos.
Luis Mª García Grande.
El burlador de Sevilla de Dario Facal en el Teatro Español
Hace quince o veinte años, se hubiera ido la mitad del público que asistía el otro día a la función, pero hoy, ya no nos provocan los desnudos, ni los gritos ni la violencia más o menos explícita, o nos estamos haciendo mayores o ya nos hemos acostumbrado a lecturas alternativas a lo que debiera ser un clásico que, a saber lo que ha de ser hoy…Hay en la cartelera otros montajes mucho más indigestos por obvios y pretenciosos; a veces, parece que quieren inventar lo que ya está más hecho que el tebeo y si no, que se paren un momento y miren la hemeroteca teatral…Se sorprenderán de lo antiguos que son muchos de los signos que se usan en escena. Este burlador de Dario Facal es una obra de autor, cargada de referencias cinematográficas y alguna teatral de aquellos creadores a los que debe admirar pero no termina de aparecer la personal mirada de este director-autor, probablemente esté en camino de conseguirla. Aquí hay algunos momentos muy sugerentes y atmósferas inquietantes que generan zozobra en los que las vimos pero dos horas de espectáculo en el que parece que todo gira alrededor de una sola premisa, se hace algo largo sin momentos de pellizco que nos dejen anclados en la butaca. Los audiovisuales son muy potentes y los actores se dejan literalmente la piel en a propuesta gélida y distanciada. Hay unos pocos minutos en los que se escucha la voz de los actores sin amplificación y es una maravilla…¿Por qué se llena la escena de micros y se usan hasta para respirar?…¿Eso es la modernidad?.
Adolfo Simón
Los Lunes del Español
Las actividades culturales del Teatro Español comienzan hoy día 5 de octubre con el ciclo de Encuentros organizados por el Teatro Español en colaboración con la Academia de las Artes Escénicas de España.
ENCUENTROS EN EL TEATRO ESPAÑOL
Ciclo de coloquios y conferencias. Organiza Teatro Español y Academia de las Artes Escénicas de España
LA DEFENSA DEL DRAMATURGO EN ESPAÑA
Presenta: Juan Carlos Pérez de la Fuente (Teatro Español)
Intervienen: César Oliva (Universidad de Murcia)/Ignacio del Moral (AAT), Paloma Pedrero (SGAE) y Jose Luis Alonso de Santos (AAEE)
Entrada libre hasta completar aforo.
Fecha Lunes 5 de octubre de 2015
Sala Teatro Español – Espacio Pérez Galdós
Horario 20h.
Estreno de temporada el el Teatro Español
«El Teatro Español tiene que ser la casa de todos». Con estas palabras, en boca de su director, Juan Carlos Pérez de la Fuente, se ha inaugurado la gala de presentación de la nueva temporada 15-16. Una programación que es la primera completamente seleccionada y dirigida por Pérez de la Fuente y que apuesta por una democracia, innovación y apertura de puertas en el teatro.
La gala ha reunido, para que participen y nos muestren lo que van a hacer, a todos y cada uno de los participantes en la programación en una especie de bosque de sillas dispersas por el escenario por el que se paseaba una espléndida Carmen Conesa ejerciendo de maestra de ceremonias y anfitriona consorte. Una buena escenografía viva para representar esa idea de comunidad teatral en la que cabe todo el mundo y todas las tendencias. Actores, directores, dramaturgos y demás familia como Pepón Nieto, Rossy de Palma, Chevi Muraday, José Luis alonso de Santos, Carmen Elías o José Sacristan se han prestado a representar la nueva temporada cargada de caras conocidas y nuevos talentos que se han consolidado en este arte. Además, hemos podido ver una silla vacía con una gorgera solitaria para dar representación a Cervantes, el gran denostado y olvidado del teatro español que será rescatado a lo largo del año con «El cerco de Numancia».
Entre las novedades que ha propuesto el equipo del Teatro Español se cuentan las siguientes:
- La creación de un nuevo espacio de tertulias «Espacio Pérez Galdós»: Este nuevo espacio situado en un patio-distribuidor en el edificio del Español y que será coordinado por el dramaturgo y director Pedro Víllora y que iniciará la tertulia con tres prestigiosos periodistas al frente: Juan Cruz, Antonio Lucas y Laura Revuelta para hablar del sentir de la calle. En este espacio también se va a dar voz a las nuevas tecnologías para compartir la información y por eso se ha invitado a la mayoría de los bloggers dedicados a las artes escénicas a participar en el proyecto mediante el nombre de #LosLocosdelEspañol.
- El nuevo espacio de exposiciones Andrea D’Odorico que se inaugurará en la Sala de los Balcones del Teatro Español para albergar exposiciones relacionadas con la vida teatral con la exposición «Andrea D’Odorico.Los espejos del alma».
- El teatro en la calle tendrá su manifestación con la nueva iniciativa de El Español en el Barrio de las Letras, que será coordinado por el dramaturgo Alberto Conejero para celebrar en el barrio más cervantino de Madrid los cuatro siglos de la publicación de la segunda parte de El Quijote, uniendo algunas de las voces más significativas de la dramaturgia española contemporánea.
- La apertura hacia el teatro latinoamericano con un nuevo ciclo que aunará obras de Uruguay, México y Argentina.
Pero hay mucho más, aparte de las innovaciones, un montón de programación para todos los gustos y con una excelente calidad que pueden consultar en la web del Español y deambulando por los diversos espacios que se reparten por Madrid.
Luis Mª García Grande
Que Revienten los Artistas 
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