Carlos Sarrió nos habla de la experiencia de 30 años de Cambaleo
¿Cómo surgió Cambaleo?… ¿Cuáles son las premisas para seleccionar los proyectos de la Compañía?…
Cambaleo nace en 1982, de la unión de siete personas que comenzaron la andadura como compañía y con intención de hacer un teatro contemporáneo, personal y que recogiera el legado de las vanguardias del siglo XX. A lo largo de todos estos años ha habido cambios y evoluciones sustanciales (empezamos haciendo teatro de calle), ahora básicamente seguimos haciendo un teatro de creación propia y en el que cada proyecto suponga un reto en algún sentido, estamos muy atentos a lo que sucede y nuestros montajes suelen ser una respuesta o una pregunta ante lo que está sucediendo.
¿Qué balance hacéis de estos años de existencia de la Compañía?…
No nos hemos parado a valorar este asunto. Para nosotros desde el principio el teatro ha sido una manera de vivir, de posicionarnos ante y en el mundo. Se podría decir que hacemos teatro para aprender a hacer teatro y también para aprender a vivir. En estos 30 años hemos hecho de todo y hemos tratado de mantener un camino que no sabemos dónde va, pero del que sí sabemos y no olvidamos de donde viene. Podríamos decir que cada nuevo espectáculo es un paso siguiente con respecto a lo que se planteaba en el anterior. De toda esta experiencia ha sobrevenido una profesión, una sala que gestionamos. Siempre hemos partido de la base de que un miembro de Cambaleo no sólo es un actor, también ha de ser director, pedagogo, dramaturgo, gestor… todos los aspectos del teatro han de tener una marca ética y estética.
¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de las diferentes producciones realizadas?
Bueno… en 30 años pasan muchas cosas, muchas personas que han estado y ahora no están, colaboraciones. Empezar haciendo teatro de calle nos llevó a desarrollar propuestas en las que la imagen era la base de la dramaturgia, poco a poco al empezar a hacer teatro “en el interior” fue apareciendo el texto y con esto el trabajo de escritura. Podemos decir que ahora es una mezcla de ambos (imagen y texto) aunque poco a poco el texto ha ido cobrando más importancia. En cualquier caso los textos con los que trabajamos son más bien ensayos, textos sin contexto, poemas, desarrollo de ideas (incluso cuando hemos trabajado diálogos), digamos que en el texto no está la puesta en escena, si lees alguno de los textos difícilmente puedes deducir cómo era el espectáculo. Hemos trabajado mucho sobre un tipo de imagen que sugiere contenido, ahora lo que pasa es que la imagen lleva también texto.
¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?…
Para poder desarrollar un lenguaje propio es imprescindible contar con un equipo estable, puede variar con el tiempo por diversas circunstancias, se evoluciona, se cambia, pero las cosas las hacen personas y es muy interesante que un equipo de creación pueda desarrollar sus ideas a largo de varios espectáculos.
¿Os ayuda tener un espacio estable de trabajo para realizar los procesos de creación?… ¿Se trabaja así con menos presión?…
Hay muchos tipos de presión, pero desde luego tener un espacio te permite tener una relación muy particular con el tiempo, si me preguntas cuanto tardamos en hacer un espectáculo no te lo sabría decir, te puedo decir el tiempo que tardamos en el proceso final, pero el hecho de tener un espacio te permite, probar cosas dos años antes de lanzarte a la producción. Pero está la presión de mantener el espacio, gestionar una sala, hacer la programación… todo eso es un reto y no es baladí, pero vaya una cosa por la otra.
¿Cómo es el trabajo con el equipo artístico durante los procesos?… ¿Hay una línea ética y estética en la Compañía?…
Depende mucho del espectáculo, pero se trabaja todo a la vez, aunque materiales como la escritura, proyecciones de video, selección de músicas, ideas básicas de iluminación siempre tienen un trabajo previo. Trabajamos en un tipo de teatro que sirva para la reflexión y aunque no es fácil plantear algo novedoso a las personas que vienen a vernos, lo intentamos. Sabemos que la realidad sólo se puede cambiar desde la realidad, pero en las ficciones que planteamos tratamos de dar puntos de vista nuevos o críticos con esta. Hay mucho de testimonio en los espectáculos, experiencias propias, tratamos un lenguaje actoral lo más cercano posible a nosotros mismos y aunque ser uno mismo encima de un escenario no sé si es posible, lo intentamos
¿Se pueden realizar propuestas combativas y alternativas en estos tiempos de crisis?…
Eso se puede hacer siempre y si quieres comunicarte con las personas que compartes este momento de la historia no queda más remedio, otro asunto es qué significa “combativo”, por ejemplo, nuestros espectáculo han sido siempre muy políticos aunque no siempre de la misma manera, antes de que estallara la crisis económica éramos más explícitos en la crítica social que ahora. Pienso que la defensa en escena de un lenguaje poético, ahora, es combativo, sobre todo viendo como nos empujan violentamente hacia un pensamiento único que consiste en que el papel que tienes en el mundo es producir, consumir, procrear, votar cada cuatro años y estar calladito.
¿Tenéis espectáculos en repertorio?… ¿En gira?…
Lo de tener gira ahora, es complicado, tenemos un espectáculo para niñ@s “La Rayuela” con texto de Suzanne Lebeau y un espectáculo para adultos que es un solo de Antonio Sarrió y texto mío “Pequeño gesto”
¿Hay un planteamiento distinto si hacéis un montaje para adultos o para niños?…
Las exigencias artísticas son las mismas, pero con el teatro para la infancia somos muy meticulosos, pensamos que ahí hay una gran responsabilidad, los niños son personas como nosotros pero que tienen otras circunstancias y tratamos de llegarles con sinceridad, alejándonos de ser didácticos, sin prepotencia. En este sentido llevamos años trabajando textos de la autora canadiense Suzanne Lebeau, su compromiso con la infancia es admirable.
¿Qué proyectos tenéis entre manos?…
Ahora mismo estamos en un momento de espera… yo estoy escribiendo un nuevo texto, pero vamos a ir poco a poco.
¿Creéis que los recortes y el aumento del I.V.A. van a afectar a los proyectos de teatro?…
Creo que esta estafa financiera que estamos sufriendo, va a acabar con la Cultura tal y como la conocemos, unos años más aplicándose esta ideología financiera, basada en el empobrecimiento de la mayoría y en el recorte de libertades, nos retrotraerá a situaciones de los años 70, aunque todavía no soy capaz de prever que papel jugará el teatro en esta situación.
¿Qué montaje que hayáis visto últimamente, os ha interesado? ¿Por qué?…
Me gustó Gólgota picnic de Rodrigo García, me hizo mucha ilusión ver en el María Guerrero un espectáculo de Rodrigo. También Miniaturas de Teatro Ensalle, me gusta mucho como va creciendo esta compañía con cada nuevo espectáculo. Hay más pero lo dejaré para otro momento…
Entrevista a CHÉVERE aprovechando su presencia en Escena Contemporánea
Balance de vuestra trayectoria…
Chévere lleva 25 anos como compañía y solo el hecho de haber llegado hasta aquí manteniendo la independencia creativa y profesional es un balance suficientemente positivo. Hemos hecho siempre lo que hemos querido, hemos hecho de todo, no nos hemos conformado con nada y hemos sobrevivido a nuestros errores y aciertos con dignidad.
¿Cómo surge el proyecto que presentáis en Escena Contemporánea?…¿De qué va la obra?…
Citizen surge en un momento de madurez creativa y estabilidad profesional como una experiencia de produción que debía ligar el funcionamiento de la compañía a una sala estable, la Nasa. Un proyecto de creación en proceso que se presentó al público a lo largo de toda una temporada. Citizen es una historia de ficción basada en un personaje real llamado Amancio Ortega, que ha construído un imperio llamado Inditex, más conocido como Zara. Esta ha sido una buena disculpa para hablar, ironizar y cuestionar los efectos de la globalización en relación con nuestras identidades individuales y colectivas.
¿Cómo fue el proceso dramatúrgico y de montaje de la obra?…
La obra se ha ido montando por partes, por episodios. Cada uno trataba un tema y se ubicaba en un momento concreto y en cada uno nos proponíamos usar un lenguaje y un tono distintos: el texto, la palabra, la imagen proyectada, el cuerpo, el humor, el melodrama, lo documental, la economía… A lo largo de una temporada se hicieron y estrenaron por separado tres episodios y al final los juntamos en una pieza completa, que es la que se presenta en Madrid.
¿Conoces la obra de otros creadores contemporáneos en España?…
Si, conocemos de primera mano el trabajo de muchos creadores contemporáneos españoles, sobre todo por nuestra actividad como anfitriones en la sala Nasa, por donde han pasado autores y compañías muy representativas de la escena más contemporánea durante casi veinte años, gente como Carlos Marquerie, Sergi Faustino, Sonia Gómez, Angélica Liddell, Rodrigo García, Legaleón-T, Olga Mesa, Colectivo 96, General Electrica, Elena Córdoba, Marcel.lí Antúnez, Konic thtr, Esteve y Ponce, F.T.I., Hnos. Oligor, Iker Gómez, La República, Cambaleo, Playground, Conservas, La Tristura… (escribiendo de memoria)
¿Qué opinas de la programación de Escena Contemporánea XIII?…
Creo que mantiene la pluralidad de propuestas, de lenguajes, miradas y procedencias que se le pide a un festival que trata la escena de creación contemporánea. Ofrece una panorámica interesante y personal de lo que se está haciendo, en la que caben con naturalidad la fría exactitud de La Veronal, el teatro juguetón del Pont Flotant, la mirada poética de La Tristura o la cruda exposición de David Espinosa, por poner sólo algunos ejemplos.
¿Qué función crees que ha de tener hoy la creación contemporánea para la sociedad en la que vivimos?…
La de ser una invitación a participar en los debates del presente ampliando la zona de juego más allá de la pura realidad de los hechos.
¿Qué os motiva o inspira para realizar proyectos que mostrar en vivo?…
Para nosotros el teatro es una manera de participar activamente en la sociedad en la que vivimos. Cada proyecto es la posibilidad de iniciar una conversación. A veces son cosas que oyes en un bar o en la calle, que lees en un periódico, en un libro o en un blog y que quieres oír en voz más alta. Otras veces son cosas tuyas que no te puedes callar. Pero siempre está la necesidad de oir a la otra parte, aquello que no solo eres tu ni los tuyos, aquello que es el público.
¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro para la escena alternativa?…
Sí. No de una manera definitiva, porque no estamos hablando de una escena que mueva mucho público en términos cuantitativos, pero si es una forma de debilitar aún más una red con mucha precariedad. Y más allá de los números, este IVA refleja la incomprensión de la clase política hacia la cultura y la injusticia con la que se trata a la creación artística en España.
¿Qué obra de teatro, danza o performance has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
He visto dos trabajos recientes muy interesantes de dos compañías de Galicia como Berrobambán y Voadora, y uno menos interesante de la compañía madrileña Animalario.
¿Cómo ves la creación contemporánea en el lugar donde trabajas?…
En Santiago de Compostela practicamente ha desaparecido de la cartelera y es sin duda la parte más precarizada de nuestro teatro. En cuanto a programación y creación se ha pasado de una situación envidiable a un panorama desalentador, consecuencia tanto de la debilidad estructural de los agentes creativos como de una política cultural de pura rapiña. Aún nos estamos preguntando como se puede destruir tanto en tan poco tiempo, y como no pudimos defender todo lo que habíamos conseguido.
¿Alguna idea para seguir creando en tiempos de crisis?…
Crear en tiempos de crisis mola más. Todo está más cerca de uno. Por ejemplo, en nuestro caso, la crisis ha convertido en necesaria la posibilidad de hacer teatro en escaparates o en las casas de la gente, nos ha ayudado a que otros vean lo bueno que es el teatro para transformar a las mujeres en hombres por un día, o para tratar los conflictos y abiciones de un grupo de adolescentes.
¿Proyectos?…
El más inmediato es el estreno de una nueva obra, que se titula Eurozone, el próximo 22 de febrero. Será en Teo, un pequeño ayuntamiento cercano a Santiago de Compostela, que ha acogido a Chévere como compañía residente. Allí además seguimos haciendo las Ultranoites, un cabaré político sobre la actualidad, que este año girará por otras ciudades gallegas. Y entre marzo y abril seguiremos desarrollando un proyecto de teatro en escaparates que se podrá ver en Pontevedra.
Emilio Goyanes reflexiona sobre la trayectoria de Laví e bel en vísperas del estreno de La barraca del zurdo en Cuarta Pared
¿Cómo surgió Laví e bel?…¿Cuáles son las premisas para seleccionar los proyectos de la Compañía?…
Hace 20 años estaba trabajando en la Expo Sevilla 1992 en la Cabalgata de Comediants, después de diez intensos años en Cambaleo de Madrid. Al acabar la Expo tenía claro que quería montar mi propia compañía y decidí hacerlo en Granada. Madrid y Sevilla me venían grandes. Nunca me he arrepentido de esta decisión.
A lo largo de estos últimos 20 años hemos hecho 22 espectáculos más o menos la mitad para niños y jóvenes y el resto para adultos, muchos de ellos de cabaret. Los criterios para hacer un espectáculo han partido la mayor parte de las veces del deseo de comunicar, es decir del capricho. Eso ha tenido dos consecuencias: la primera: a veces hemos acertado y otras hemos pinchado. La segunda: hemos creado un lenguaje propio, sin concesiones, a nuestro modo y eso nos permite hoy tener un equipo que cree realmente en lo que hace.
¿Qué balance haces de estos diez años de existencia de la Compañía?…
La vida de una compañía no es fácil. Hace… escribiendo la historia de esos 20 años, me di cuenta de la enorme cantidad de historias, personas, lenguajes, espectáculos, viajes… que habíamos hecho: Cuba, Colombia, Méjico, Francia, Portugal y todo el país de cabo a rabo. Es realmente una historia épica llena de encuentros y desencuentros, de dolor y alegría, de fracasos que te hunden y de alegrías que hacen venirte arriba. Vivimos en un país donde no es nada fácil, para una compañía como la nuestra, que basa su trabajo en su propia creatividad, sobrevivir. El balance es un enorme cansancio y unas ganas inexplicables de seguir adelante, cada vez con más fuerza.
¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de las diferentes producciones realizadas?
Tengo la sensación de que hemos ido aprendiendo unos de otros como trabajar cada vez con más fluidez y alegría. El lenguaje se ha ido consolidando en un lento proceso. Los actores que hoy están en la compañía, llevan en algunos casos 10 años y cada vez nos ponemos en cuestión menos cosas sobre lo que buscamos y hacia dónde vamos. El camino de la compañía se está decantando en los últimos tiempos hacia el cabaret, con la música en directo en primera línea. Con el tiempo nos hemos hecho más radicales, nos importa menos salirnos del molde, no pensamos ya en ello. Hacemos lo que nos canta, pensando principalmente en el placer del público. Quizás ese sea uno de los elementos más importantes en la evolución de la compañía: la presencia del público.
¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?… ¿Participan del proceso de creación?…
Para nosotros es vital tener unos colaboradores habituales: escenógrafo, vestuarista, iluminador, forman parte de la familia de Laviebel. Me conocen perfectamente, saben lo que busco solo con mirarme. Cada espectáculo tiene un sabor muy especial, muy distinto a los anteriores y ellos saben adaptarse y revolucionarse igual que actores, músicos, técnicos. La verdad es que ahora es un placer abordar un proyecto y meterse en la sala de ensayo. Una pena que la situación nos esté llevando a todos a este estado de agotamiento.
Todo el equipo participa en la creación. ¿Se puede hacer de otra manera?. Yo dejo espacios vacíos suficientes como para que cada uno pueda ocuparlos desde su propia manera de ver. Mi trabajo es que todos caminemos por la misma vía. Ya sabemos todos que esto no es fácil, que implica mucha tolerancia y escucha y renuncia. Ese es el juego.
¿Os ayuda tener un espacio estable de trabajo para realizar los procesos de creación?…¿Se trabaja con menos presión y mayor apoyo en una ciudad como Granada?…
Tenemos una sala de ensayo bastante agradable en un complejo industrial de principios del XX, en una antigua azucarera donde hay muchos otros artistas. Granada es una ciudad de un tamaño medio con un número de artistas por metro cuadrado bastante grande, la vida es más barata, el ritmo es distinto a una ciudad como Madrid. Por tanto la presión atmosférica, digamos, es menor. En cuanto al apoyo, tenemos tan poco apoyo aquí como en el resto del país. Ya sabíamos que a las instituciones les importamos poco, pero en los últimos años, con la crisis hemos visto que no les importamos lo más mínimo. Todo lo que hemos conseguido y lo que estamos elaborando ahora mismo, es a pesar de las instituciones.
¿Cómo es el trabajo con el equipo artístico durante el proceso?…¿Hay una línea ética y estética en la Compañía?…
Somos eclécticos y gamberros. Como decía nos llevamos muy bien, nos respetamos y queremos como artistas y seres humanos. A partir de ahí todo es posible. Yo marco las líneas, invento los proyectos, escribo las ideas de partida. Luego todo fluye en un ambiente muy suelto. Todos pueden opinar porque saben que yo tomo las últimas decisiones. Escucho, valoro y decido y eso alivia mucho la presión. No se puede hablar de creación colectiva, sino de una creación en colectivo sobre la que el director tiene un control absoluto. Soy un líder firme y blando a la vez.
Eso marca la línea ética, se podría decir. La estética la marcan las necesidades que traen las ideas, pero la gente dice que está muy claro cuando ven uno de nuestros espectáculos, que es reconocible. Yo aún no sé dónde está el misterio.
¿Se pueden realizar propuestas combativas y alternativas en estos tiempos de crisis?…
Nuestro trabajo, las ideas para los espectáculos siempre han partido de una lectura de la realidad, hemos hecho lo que hemos hecho por que nos sentíamos inmersos en la sociedad. Ahora mismo la agresión que estamos sufriendo como ciudadanos y gente de la cultura es tan fuerte que dan ganas de tirarse a la calle. Esta situación se cuela en nuestros espectáculos de diferentes maneras. LA BARRACA DEL ZURDO es un canto a la resistencia en el oficio, en la alegría, una manera de ponernos en valor, de levantar la cabeza y decir: nuestro oficio es más viejo que el sistema bancario, que la propia política. Será por algo, será porque somos necesarios.
Por otro lado CABARET POPESCU es un canto a la alegría, busca el placer del espectador, busca recomponerlo, levantar su ánimo, en este momento en que el desánimo parece ser una de las principales armas del sistema.
Claro que se puede y se debe hacer un nuevo teatro político, un teatro político poliédrico y sano, artístico y abierto a los tiempos.
Como la mayor parte de los ciudadanos estamos indignados, muy indignados. Dan ganas de… de todo.
¿Ayudan los premios para poder trabajar con mayor libertad?
Los premios animan, uno se siente reconocido en muchos casos por la propia profesión, que valora quizás este largo trabajo, la constancia en un estilo y una forma de hacer y eso está muy bien, pero la libertad es una sensación, un ejercicio constante de reafirmación. Cada día tenemos que decirnos: ¿Y ahora por donde tiro?, ¿cuál es el camino para seguir vivos?, para sobrevivir y seguir vivos. ¿Dónde está el límite de la corrección?… A veces lo conseguimos y otras nos dejamos llevar por el desánimo, luego nos miramos y decimos: Adelante.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
En este momento estamos muy centrados en Granada. Del 6 de junio al 18 de octubre estaremos haciendo varios espectáculos con cena. Cabaret años 30, Cabaret Popescu 2013 y la Barraca del Zurdo, más un concierto para bailar con copas. Todos con el público sentado en mesas y sillas y con una cena espectacular delante. Por otro lado estamos planeando con un esquema parecido varios ciclos cortos en febrero, marzo y abril. En definitiva, estamos generando nuestro propio trabajo y encuentro con el público al margen de la gira.
Por otro lado estamos abriendo una línea de Eventos. Tenemos recursos de sobra para entrar en este ámbito con fuerza y en ello estamos.
Más a largo plazo vamos a montar un cabaret estable, un local elegante y bien armado. Este es el gran sueño. Me temo que quien quiera vernos va a tener que venir a Granada.
¿Crees que los recortes y el aumento del I.V.A. van a afectar a los proyectos de teatro?…
Ya están afectando de una manera brutal. Al teatro, la danza, la música, el circo, el cine. Es un atraco a mano armada a la cultura. No es ya que no les importemos, es que no les gustamos, eso es evidente. El 21 % en las entradas afecta de una manera impresionante a cualquier proyecto que se base en la taquilla y los recortes en los ayuntamientos, comunidades, etc, los impagos descarnados, no están dejando otra opción. Para hacerse una idea, el Estado se queda una quinta parte de nuestro trabajo, obliga a subir los precios y deja los márgenes por los suelos. Déjame que lo diga con claridad: los políticos son unos cerdos incultos y torpes, insensibles y egoístas. ¿Para cuándo la famosa ley de mecenazgo que nos permita colaborar con las empresas privadas?. Una de dos o no se enteran o lo tienen muy claro. Portugal tiene un IVA si no me equivoco del 13% para la cultura. Me paso el día enfrentando este problema y es indignante como nos chupan la sangre.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Tengo 2 hijas pequeñas y muchos proyectos como habrás visto que atender y que ahora más que nunca me llevan demasiado tiempo, pero de vez en cuando saco un rato para ir al Teatro Alhambra que sigue teniendo una programación magnífica. Con todo sigo acordándome de un espectáculo que vi hace 20 años: Black Rayder de Wilson, con música de Tom Waits. De mayor quiero hacer algo así.
Que Revienten los Artistas 
Debe estar conectado para enviar un comentario.