Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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Se suspende ESCENA CONTEMPORÁNEA

Estimados amigos/as:

En el comienzo de este año tenemos que comunicaros que la edición de Escena Contemporánea que debería celebrarse este año no se hará debido a que la Consejería de Cultura de la Comunidad de Madrid ha decidido retirar su ayuda. A pesar de la voluntad y el loable esfuerzo de otras instituciones por mantener la ayuda, el festival no podría mantener la exigencia artística de estos años sin los esenciales recursos que la Comunidad de Madrid proporcionaba. Esto supone el fin de un festival que se ha celebrado durante trece años y que, como todos sabéis ocupaba un lugar importante no solo en la vida cultural de nuestra comunidad, sino que tenía trascendencia internacional. Las dificultades de diálogo de los últimos años con los dirigentes culturales de la Comunidad de Madrid y los cambios normativos y recortes que se habían ido produciendo nos hacían temer que esto podía llegar a ocurrir. El tiempo dirá si este es un proyecto más que se lleva la crisis económica o si, como está ocurriendo en muchos otros casos, la crisis es una excusa para deshacerse de proyectos incómodos y que en otro contexto no se hubiesen eliminado debido a su arraigo social y cultural.

Queremos en este triste momento agradecer el entusiasmo con que tantos de vosotros habéis seguido el festival, el esfuerzo de aquellos que con su trabajo lo han hecho posible y, también, el apoyo recibido por muchas instituciones y agentes culturales que han conformado el tejido del festival. Queremos acordarnos también en este momento de quienes dirigían la política cultural de la Comunidad de Madrid cuando el festival se inició y que tanto impulsaron y apoyaron sus primeros pasos. Sin su inestimable ayuda el festival no hubiese sido posible.

Añadimos más abajo una carta de Salva Bolta, último director del festival, que ha visto como su proyecto de dos años se ha visto interrumpido.

En fin, las gentes de teatro somos resistentes y estamos acostumbrados a las crisis así que espero que nos sigamos encontrando en otros proyectos ilusionantes.

Gracias a todos

Asociación Cultural y Teatral Escena Contemporánea

Queridos amigos y amigas:

En la primavera de 2012 os escribí para comunicaros mi incorporación por un período de dos años al frente del festival ESCENA CONTEMPORÁNEA, y hoy os escribo para comunicaros mi finalización en la dirección del mismo.

Las dificultades de financiación por la que pasan los proyectos culturales hasta ahora sostenidos por las administraciones públicas, han puesto en graves dificultades la continuidad de un festival como este, imposibilitando su pervivencia con la estructura con la que fue creado y con la que ha continuado hasta nuestros días.

Fue muy complejo el poder resolver económicamente la pasada edición: las condiciones de gestión administrativa que nos fueron impuestas, consiguieron estrangular y finalmente abocar a su desaparición a la Asociación Cultural Escena Contemporánea.

Quiero dejar constancia que conseguimos que la XIII edición del festival, fuera un éxito en el sentido más amplio de la palabra: un año más manifestasteis vuestro altísimo interés por los trabajos presentados llenando las salas en un 87 % de índice de ocupación. Un año más, artistas y creadores, compartisteis con el público, pensamiento y emoción. Un año más demostrasteis que Madrid es una ciudad viva, con oferta y demanda de creación contemporánea e ideas renovadas, con necesidad de una ventana para visibilizarlas. Un año más, hicimos de nuestros escenarios lugar de debate, encuentro, riesgo y vitalidad creativa. Un año más, los medios de comunicación de la ciudad difundieron nuestras propuestas con interés, voz firme y cariño por el proyecto.

Me despido de vosotros y de este festival, con la alegría de haber conectado con el mismo y con vosotros, público y colaboradores. Gracias a los muchos que nos abristeis los brazos para realizar el empeño que fue la XIII edición, a quienes os pertenece también esa última victoria.

Y me despido también con tristeza, por no haber podido completar en su totalidad el camino previsto y por la muerte de este gran festival del que fui sobre todo, amigo y espectador.

Y os dejo unas preciosas palabras de Fernando Pessoa como mi personal “hasta pronto”, ahora que vuelvo de nuevo al tobogán donde seguro nos encontraremos.

De todo, quedaron tres cosas:
la certeza de que estaba
siempre comenzando,
la certeza de que
había que seguir
y la certeza de que sería
interrumpido antes de terminar.

Hacer de la interrupción un camino nuevo,
hacer de la caída, un paso de danza,
del miedo, una escalera,
del sueño, un puente,
de la búsqueda…un encuentro.

Todavía tenemos tantas cosas por hacer juntos….

Un abrazo grande.

Salva Bolta

Director el Festival Escena Contemporánea

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Autopsia de José Manuel Mora en la Sala Triángulo-Escena Contemporánea

Autopsia es una propuesta que surge de la colaboración de tres líneas artísticas, la necesidad de reflexionar sobre el dolor por parte de Fernando Soto, la escritura sobre la búsqueda actoral de esta idea por parte de José Manuel Mora y la construcción espacial de un universo donde habiten las preguntas y respuestas del proceso y que ha diseñado Mónica Boromello. Da gusto ver como un equipo que trabaja en diferentes proyectos para la escena, se encuentra en este tipo de viaje sin saber cuál será el puerto al que llegue finalmente el barco. Hay momentos en el espectáculo muy bellos y pontentes. Hay textos profundos en boca de un actor comprometido con la escena y hay una propuesta espacial que en si misma es una instalación poética que grita constantemente el dolor sobre el que todos ellos reflexionan y por el que transitan. Tal vez, me sobró el humor, que por momentos, me parecía de otra obra.
Adolfo Simón

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Mirage Compañía de Teatro en el Matadero-Escena Contemporánea

Acudir a ver ¡Quieto todo el mundo! el 24 de febrero justo después de la marea humana que había llenado las calles de muchas ciudades de nuestro país el día anterior, me inquietaba sobre manera. Fuí esperando encontrar un espacio de reflexión profunda sobre lo que había ocurrido aquel fatídico 23-F o una conexión con nuestra realidad. Y claro que la propuesta tiene que ver con pensar sobre unos acontecimientos que hicieron temblar los cimientos de la democracia en este país, como en tantos otros ocurrió. Pero salí con la sensación de haber asistido a una animación sobre el tema, me desconcertó que un grupo de jóvenes actores tuviese un discurso tan ligero sobre algo tan terrible, sin duda, tenemos que reflexionar por qué nos cuesta tanto enfrentarnos a corazón abierto sobre los temas que pueden llegar a pudrir nuestro futuro.
Ignacio Ribes

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Primer ciclo de lecturas escénicas de draft.inn en Escena Contemporánea

En la recta final de Escena Contemporánea, draft.inn presentó un ciclo de tres lecturas dramatizadas sobre dramaturgia alemana contemporánea. Las tres propuestas se presentaron en la sala II del Teatro Español con coloquio posterior en la cafetería anexa. Pude asistir a Miedo y asco en la RFA de Dirk Laucke. Un texto valiente y profundo que reflexiona sobre cómo el hombre puede volver a tropezar con la misma piedra y devolver el horror y la barbarie al presente. La exposición de la obra en la escena estaba realizada con ingenio y sencillez a partir de la propuesta escénica de Jacob Amo e interpretada por un elenco fantásticos de actores.
Adolfo Simón

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El sur de Europa/Días de amor difíciles de La Tristura en Cuarta Pared-Escena Contemporánea

El teatro no morirá nunca…o si, no se…Un deseo constante es…Que se de relevo en el testigo para seguir usando esa caja negra que es la escena como un espacio para el compromiso de una sociedad con su tiempo y seguir elevando la poética teatral, adaptada a nuestra época. Si el teatro que se considera joven y promesa para el futuro tiene que sumergirnos en el desconcierto mientras estamos en el patio de butacas, pues no se si llegarán tiempos mejores o este discurso es el que corresponde a este tiempo incierto que vivimos. Uno puede subir a un escenario y más si le dan la ocasión, a contar lo que quiera y como quiera. Otra cosa es que se convierta en el acontecimiento de la temporada y que todo el mundo de el beneplácito por no llevar la contraria a la masa. Las tres escenas que ha presentado La Tristura en Escena Contemporánea son un diálogo en la niebla de dos jóvenes que estuvieron enamorados tiempo atrás…Un karaoke desafinado en el que si hubiera aparecido Chabela Vargas con su pistola cargada no habría disparado a los globos y una copia ligera de La voz humana de Cocteau; la primera y la tercera hemos de oírla a través de unos auriculares…¿La razón?…Si este es el teatro que corresponde a las nuevas generaciones…¿?.
Adolfo Simón

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Room with a view/Dries Verhoeven de Thy Kingdom Come en Escena Contemporánea

Hay una constante interesante en muchas de las propuestas del XIII Festival Escena Contemporánea: Prepararnos para un futuro fatídico en el que nuestro cerebro no podrá imaginar o solo se excitará viajando a través de las redes sociales. ¿Será el futuro o ya es el presente?. Un tiempo en el que tendrán que dirigir nuestras emociones y sentimientos. La propuesta presentada en el contenedor instalado en la fachada del Teatro Valle Inclán indaga sobre este tipo de estímulos: Un encuentro provocado entre dos desconocidos a los que se les guía en la observación e interés de cada uno por el que está al otro lado del cristal. Estímulos, gustativos, sensoriales y verbales acompañan el trayecto hacia el deseo, para antes de terminar, visitar un recuerdo de mayo del 68: «Debajo de los adoquines está la playa», aquí, debajo de una trampilla había arena del mar en la que se sumergieron nuestros pies desnudos. Todo terminará siendo enlatado, hasta el deseo.
Ignacio Ribes

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El entretenimiento de Sleepwalk Collective en la Sala DT-Escena Contemporánea

¿No te ha ocurrido alguna vez, perseguir a una chica por la calle y cuando la alcanzas, descubrír que es un hombre?… ¿No has llamado en alguna ocasión al teléfono de una mujer y te ha respondido una voz masculina?…¿Has olido el perfume de alguien en su nuca y te ha despertado el instinto asesino?…Hacer un viaje en libertad a la imaginación, a la locura, tiene el riesgo de descubrir los otros que habitan en uno. Es una aventura peligrosa y fascinante al tiempo. El colectivo Sleepwalk nos propone una sesión individual a cada espectador del teatro…a través de unos auriculares y ante el espejismo de una imágen femenina que muta y se evapora delante de nosotros, nos conduce por los laberintos de las pesadillas que se esconden en nuestro insconsciente. Una experiencia sencilla e inquietante al tiempo…Algún día podremos fabricar la imaginación.
Adolfo Simón

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Macadamia nut brittle de Ricci/Forte en Casa Encendida-Escena Contemporánea

Malos tiempos para el amor y la soledad…Los componentes de Ricci/Forte usan la metáfora del helado de macadamia como ese espacio de placer que puede provocar indigestión. Vivimos tiempos emocionales que escapan a nuestro control…La desaparición de seres esenciales en nuestra vida puede empujarnos a espacios de huida sexual. Saltar al precipicio sin red no trae soluciones. Esta compañía italiana se enfrenta a los temas que les duele con lenguajes contemporáneos, a veces pecan del humor fácil, en cambio, en otras…el texto y la imágen se entroncan para darnos un puñetazo en el estómago y hacer que nos removamos en la butaca. Al final hemos sido salpicados por la sangre-pintura de su sacrificio.

Adolfo Simón

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Los componentes de Ricci/Forte nos hablan de la filosofía de su trabajo el día de su presentación en Casa Encendida-Escena Contemporánea

macadamiaBalance de vuestra trayectoria…
Las sumas, los balances, son actitudes ego-referenciales que dejamos pendientes para el momento de retiro en la montaña encantada. Hay demasiadas ocasiones de reflexión que el Hoy nos escupe encima como para sacrificarlos hacia un análisis personal de ruta. El proyecto Ricci/Forte – desarrollado en el 2006 como ensemble – avanza en continua metamorfosis, enfocando, en cada etapa, las modalidades del viaje: la investigación trasversal sobre el cuerpo emotivo contemporáneo junto a una visión que transfigura la realidad minima en la que nuestra existencia está envuelta para exaltar una mirada diferente, que pone la fantasía como un baluarte que hay conquistar, cueste lo que cueste.

¿Cómo surge el proyecto que presentáis en Escena Contemporánea?…¿De qué va la obra?…
Macadamia Nut Brittle surge desde las cenizas de un evento luctuoso privado. En las consideraciones preliminares del proyecto, comenzado con las lecturas de Dennis Cooper sobre los limites que hay que superar para calmar un sufrimiento y amortiguar los reflejos hasta la auto-destrucción a través del sexo, nos encontramos involucrados en primera persona con el tema de la perdida. Qué queda y como sobrevivir cuando alguien que ha formado parte de ti te abandona? Nuestras madres, afectadas por el cáncer se apagaban en una cama de hospital y la investigación ha cogido un camino que intentara obtener respuestas sobre aquello que queda de la esencia de un amor, cuando esto materialmente se extingue. Como se sobrevive a un tsunami de tales proporciones.
Macadamia Nut Brittle, nombre de un celebre helado, se ha convertido en la metáfora de esta aventura que es la Vida, en la que – exactamente como los helados – nos derretimos y nos solidificamos en formas distintas cada vez para gustar a los demás: en cada abandono nos recompactamos y volvemos a encontrar esa sonrisa para resistir. No hay crueldad o al menos, si está presente, existe porque de por si es tremendamente brutal lo que nos rodea: la dificultad de comunicación, los sueños rotos, el amor. Las series tv, los dibujos animados se convierten de esta manera en nuestros amigos, aquellos que nunca te abandonan cuando todo el mundo se aleja de ti. Los personajes de las tele-series se transforman en nuestra balsa salvavida que, junto a una excesiva y casi maniática colección de relaciones sexuales inútiles intentan llenar ese abismo debajo del esternón en que nos hemos transformado.

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¿Cómo fue el proceso dramatúrgico y de montaje de la obra?…
“Cada hombre es un abismo, da vértigo si se mira en su interior.” (Georg Büchner). Ha comenzado por la elección de las personas. Al lado de un elemento estable y solido del proceso, Anna, le hemos acercado tres nuevos performers (Giuseppe, Andrea y Fabio) que desde entonces son fundamentales para cada proyecto. Pero en 2009 se acercaban por primera vez a nuestro mundo, hecho de improvisaciones y caídas en el vacío sin red de seguridad. Justo desde esta desestabilización hemos avanzado vendados hacia un periscopio-sonda del bagaje emocional individual, en búsqueda de una huella para dejar encima del escenario que estuviese lo más cerca posible de la experiencia personal, sin esconderse detrás de las armaduras de los personajes que hasta ese entonces los tres chicos habían encontrado. La fragmentación, las visiones que explotaban durante el periodo de ensayos y que se entrelazaban con los conceptos-guía en un primer momento los han aturdidos pero lentamente se ha ido componiendo un lenguaje sensorial que ha amplificado el sentido de hacer teatro.

¿Conoces la obra de otros creadores contemporáneos en España?…
Excepto a Rodrigo Garcia, Calixto Bieito, Angelica Liddel, Alex Rigola y Lluís Pasqual, cuyos trabajos tuvimos ocasión de conocer en varios festivales internacionales, no hemos tenido la ocasión de sumergirnos en los fermentos de la investigación contemporánea de este País.

¿Qué opinas de la programación de Escena Contemporánea XIII?…
El Festival goza de una estupenda reputación y las elecciones hechas por su actual director artístico Salva Bolta en esta ultima edición declaran una mirada curiosa hacia Europa y una voluntad de mantener contacto con las instancias de un continente que, a pesar de la crisis económica, sigue produciendo excelentes resultados. Con los recortes a la Cultura que están matando al espectáculo en vivo, participar en este festival es, ademas del perfil artístico, el testigo de una resistencia activa. También debemos agradecer por esto al Instituto Italiano de Cultura de Madrid.

¿Qué función crees que ha de tener hoy la creación contemporánea para la sociedad en la que vivimos?…
Germinar dudas, provocar reflexiones con un ritmo de absorción gradual. Sintonizarnos con el tiempo presente probando a rascar el estado soporífero intelectual y ético en los que flotamos desde hace tiempo inmemorial.

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¿Qué te motiva o inspira para realizar proyectos que mostrar en vivo?…
Afloran como burbujas ulcerosas a la superficie, piden atención. Las inspiraciones, las sugerencias, las necesidades de construir una selva de señales para decir en voz alta aquello que demasiado a menudo se susurra en una botella. Nos gusta más bien un teatro sabroso y especiado como la sopa de las brujas que un caldito soso de los teatros de tapicería.

¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro para la escena alternativa?…
Ya han metamorfoseado pesadamente la escena teatral contemporánea. No creemos que la solución o una progresiva vuelta de tortilla a las cosas aparezca en tiempos breves. Está claro que los innumerables recortes a las subvenciones han obligado a muchas estructuras a volver a reorganizar sus propias temporadas en términos mediocres, para no ahogarse. Esto ha llevado también al cierre de espacios y manifestaciones que han castigado a los grupos que, como nosotros, se mantienen sin ninguna ayuda estatal. Es un mal y una regresión nacional, que empuja a los jóvenes a intentar re-dimensionar su propio afán de hacer proyectos en favor de una posible visibilidad, siempre más quimérica, y una mercantilización del pensamiento.

¿Cómo ves la creación contemporánea en el lugar donde trabajas?…
Es fascinante e inaguantable como mirar un eclipse permanente de sol. Aparte de algunos guardianes, el cementerio se llena de lapidas cada día. Demasiados fallos: la vieja investigación de los años pasados ha monopolizado algunas regiones y puesto en trinchera a viejos críticos detrás del polvo de una investigación conceptual anacronistica, que boquea debajo de una cortina de oxigeno absolutamente auto-referencial. Los jóvenes críticos que hacen germinar un blog cada día como las setas después de un aguacero, creen abrirse camino adoptando los vicios de quienes los han precedido, no por ultimo el itálico defecto de los compañeros de meriendas que celebran bacanales para parientes y amigos de botellón. Ese “Bel Paese” que nunca se ha movido de las imágenes de las películas de Germi. Solo que en ese entonces todo era más genuino, sincero, ahora todo está envuelto por un hipócrita velo radical de izquierdas que empequeñece aun más. En este pantano hay algunas informaciones que estimamos y que intentan mostrar su propia visión La fatiga es titánica, y en esto no podemos hacer otra cosa que sentirnos participes ya que la vivimos cada día sobre nuestra piel.

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¿Alguna idea para seguir creando en tiempos de crisis?…
Darnos cabezazos para impedir al caos de desperdigarnos en las tinieblas de la insensatez cómoda de nuestro país. Obstinados y armados, hemos testimoniado nuestra receta para tiempos de crisis montando un trabajo con 16 performers en escena, IMITATIONOFDEATH, que hemos estrenado el pasado noviembre en el RomaEuropa Festival. Cuando todo el mundo te sugiere preparar monólogos de fácil comercialización, ya estás hacia el “faldistorio”. Lucidez y honestidad de intentos + una desvergonzada pureza de mirada son las armas que utilizamos en contra de la horda barbara que empuja detrás de nuestras puertas: desvanecerá en su propia inconsistencia. Darnos cabezazos para impedir que el caos nos desperdigue en las tinieblas de la insensatez cómoda de nuestro país.

¿Proyectos?…

Continuar mirandonos en el espejo, sonriendo por haber conseguido entender, otra vez, adonde no queremos ir.

Más info de la Compañía en:


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Alemanes en el Teatro Español – Escena Contemporánea


Todos caníbales de Nou Ensemble en Pradillo-Escena Contemporánea

¿Quién no ha dicho alguna vez, en un arranque emotivo…»Te comería vivo»?…Claro que de el dicho al hecho hay un trecho…Y sin embargo, hace unos años, en Alemania, dos hombres contactaron por internet y se encontraron para que uno de ellos devorase al otro. Esta noticia real sirve de excusa para que el colectivo Nou Ensemble realice un proyecto experimental en los apartados musical y escénico. Con un resultado bastante potente puesto que hay varios planos desde el que nos hablan de como nos devoramos los unos a los otros. El recorrido dramaturgico es sugerente en atmósferas y planos estéticos. La pieza comienza con un extraño espacio laboratorio donde los instrumentos musicales son las herramientas que seccionan un cuerpo desnudo mientrás van creando musicalidades. El transcurrir de la pieza integrará el trabajo físico de un intérprete mientras otro ejecutante, vocalmente, crea sonidos guturales. La obra terminará en una destrucción poética donde todos los elementos en juego se acumularán frente a la mirada atónita del público.
Adolfo Simón

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Arco 2013

Cada vez que llega febrero hay dos citas imprescindibles: Escena Contemporánea y Arco. Ir a la Feria de Muestras es toda una experiencia, hay que decidir el momento para desplazarse hasta allí y sumergirse en la vorágine de Arco. Este año, tal vez por la crísis, se ha reducido el número de expositores en solo dos pabellones, uno oficial y otro alternativo, dedicados a galerías nacionales e internacionales. Sin duda, es preferible que haya mayor selección de obras expuestas que no esa especie de cajón sin fondo de otros años. En esta edición tampoco ha habido esa pieza cargada de escandalo y provocación que acapara todos los titulares y eclipsa al resto de artistas. Creo que la Feria de este año pasará a la historia como la más acertada de los últimos tiempos. Ha sido un placer vagar por las calles formadas por las galerías, dejandome sorprender por el guiño que alguna obra me hacía, escondida entre las paredes, estableciendo un diálogo con ella. Arco, una cita anual imprescindible.
Adolfo Simón

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ARCO 2013

 


Jesús Nieto de Onírica Mecánica nos habla de Morfología de la ceguera la víspera de su estreno en Cuarta Pared-Escena Contemporánea

JesúsNietoBalance de vuestra trayectoria…
Onírica Mecánica (www.oniricamecanica.com) se creó en 2006, así que solo llevamos 6 años trabajando. Para ser una compañía relativamente joven estamos muy contentos con los resultados. Hemos producido 5 montajes que han girado por festivales de España, Italia, Marruecos, Francia o Brasil.

¿Cómo surge el proyecto que presentáis en Escena Contemporánea?…¿De qué va la obra?…
El proyecto surge de la idea de trabajar sobre los imaginarios que construyen las personas invidentes y de como nuestra realidad se construye a partir de estímulos perceptivos. Morfología de la Ceguera, es una experiencia sensorial para 25 espectadores que se adentran en el imaginario de Alicia. En sus pequeñas felicidades y en sus paisajes oscuros.

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¿Cómo fue el proceso dramatúrgico y de montaje de la obra?…
Este espectáculo no se hubiera llevado a cabo sin el apoyo de ETC (Espacio Teatro Contemporáneo) y Cuarta Pared que acogieron el proceso dramatúrgico de la obra con el apoyo de Borja Ortiz de Gondra. Levantar un proyecto tan arriesgado tan solo para 25 espectadores en el cual trabajan 7 personas es una locura en estos tiempos. Una locura maravillosa en la que hemos investigado sobre como crear imaginarios a través de otros sentidos.

¿Conoces la obra de otros creadores contemporáneos en España?…
Si, además creo que se están creando cosas muy interesantes en estos momentos.

¿Qué opinas de la programación de Escena Contemporánea XIII?…
Nos sentimos muy orgullosos de estar ahí, creemos que es una programación plural, arriesgada y que forma un buen mapa de las propuestas diferentes que se están creando en nuestro país.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy la creación contemporánea para la sociedad en la que vivimos?…
Poner la mirada y el foco en lo que no es fácil ni cómodo de ver. Una llamada de atención sobre lo que nadie mira. Asimismo investigar y generar nuevas formas de creación escénica.

¿Qué te motiva o inspira para realizar proyectos que mostrar en vivo?…
Una necesidad pura que a veces ni yo mismo se donde va. El proceso de trabajo se convierte en el descubrimiento de la realidad que esconde y que demanda salir a la luz.

¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro para la escena alternativa?…
Es obvio que si, pero la pura creación está por encima de cualquier recorte.

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¿Qué obra de teatro, danza o performance has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Los trabajos de compañeros como: Macarena Recuerda Shepherd, Agrupación sr Serrano, Los Hedonistas o Teatro en el aire. Trabajos muy interesantes con búsquedas personales, sociales y formales que valoro positivamente.

¿Cómo ves la creación contemporánea en el lugar donde trabajas?…
En Murcia se nota mucho el momento difícil que estamos viviendo. Sin embargo eso mismo ha impulsado la creación de nuevos espacios alternativos como: El quirófano, Los pájaros ateneo huertano, La nena o la chimenea, en los que todas las disciplinas se mezclan y que en el futuro generarán proyectos interesantes.

¿Alguna idea para seguir creando en tiempos de crisis?…
No permitir que las noticias nos paralicen. La creación no está en crisis ni tiene nada que ver con los sistemas de producción comerciales.

¿Proyectos?…
Nuestro nuevo proyecto se llama Frágil es un co-producción con Ferroluar (www.ferroluar.com) y habla sobre las fragilidades humanas que a veces intentamos esconder. Estas fragilidades son interpretadas por autómatas mecánicos. Puñados de hierros con alma.

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Citizen de Chévere en Casa Encendida-Escena Contemporánea

Hace muchos años, se decía, tras estrenar una obra en Madrid…»Vamos a hacer provincias». Era una manera de referirse a la gira que se realizaba por todas las ciudades y pueblos del país. En todos esos lugares se esperaba como agua de mayo que llegasen las compañías de Madrid para disfrutar del teatro. Ahora casi ocurre al revés…Pocas de las obras que se estrenan en la capital consiguen hacer bolos por otros lugares y en Madrid se esperan, con curiosidad, las propuestas sugerentes que a veces llegan de las distintas autonomías. Tal vez, lo único interesante construído culturalmente en los años que llevamos de Democracia sea esa descentralización, esa posibilidad de que algunos colectivos, inteligentemente, hayan decidido realizar su poética alejados de los focos escénicos de las grandes urbes y que se les haya permitido existir. Una de estas compañías es Chévere, un colectivo que acaba de cumplir veinticinco años peleando por un teatro valiente y actual, hecho en Galicia. Al Festival Escena Contemporánea han traido un tríptico llamado Citizen que consta de tres espectáculos realizados en sucesivos momentos a partir de una figura emblemática para la empresa textil gallega y mundial. Podrían haber optado por hacer un recorrido biográfico y sin embargo, se han planteado hacer un viaje en el tiempo aunque sea inventado?…Y conocer la raíz de las cosas. En su propuesta hay humor y distanciamiento… También hay momentos en penumbra y a contra-escena, seguramente han querido mostrar lo que nunca se ve en la prensa ni en la televisión. Hay un juego metafórico inteligente a partir de una serie de películas que sitúan muy bien el discurso que quieren mostrar. Y hay un paréntesis, poco antes del final, para constatar que los espectadores no están pasivos en sus butacas. Un teatro documento usando todos los lenguajes que disponemos en la actualidad para hacernos conscientes del tiempo que vivimos.
Adolfo Simón

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Grumelot y Teatro en tránsito en la Sala Triángulo-Escena Contemporánea

Pelín, The víctim(intimidación punitiva) es el resultado creativo del encuentro de energías  de dos colectivos madrileños…Grumelot y Teatro en tránsito. Siempre es interesante la mezcla de varias formas de entender la escena, suele surgir un producto interesante. En este caso, hay muchos elementos en juego que mantienen interesado al espectador, siempre seduce ver una misma partida desde los ojos de diferentes jugadores. Hay muchas propuestas en juego que van desarrollándose con interés pero también las hay que redundan y no evolucionan. Tal vez hay demasiadas ideas en juego, demasiados puntos de vista para materializarse en un montaje de hora y media.

Adolfo Simón

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Entrevista a CHÉVERE aprovechando su presencia en Escena Contemporánea

chevereBalance de vuestra trayectoria…
Chévere lleva 25 anos como compañía y solo el hecho de haber llegado hasta aquí manteniendo la independencia creativa y profesional es un balance suficientemente positivo. Hemos hecho siempre lo que hemos querido, hemos hecho de todo, no nos hemos conformado con nada y hemos sobrevivido a nuestros errores y aciertos con dignidad.

¿Cómo surge el proyecto que presentáis en Escena Contemporánea?…¿De qué va la obra?…
Citizen surge en un momento de madurez creativa y estabilidad profesional como una experiencia de produción que debía ligar el funcionamiento de la compañía a una sala estable, la Nasa. Un proyecto de creación en proceso que se presentó al público a lo largo de toda una temporada. Citizen es una historia de ficción basada en un personaje real llamado Amancio Ortega, que ha construído un imperio llamado Inditex, más conocido como Zara. Esta ha sido una buena disculpa para hablar, ironizar y cuestionar los efectos de la globalización en relación con nuestras identidades individuales y colectivas.

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¿Cómo fue el proceso dramatúrgico y de montaje de la obra?…
La obra se ha ido montando por partes, por episodios. Cada uno trataba un tema y se ubicaba en un momento concreto y en cada uno nos proponíamos usar un lenguaje y un tono distintos: el texto, la palabra, la imagen proyectada, el cuerpo, el humor, el melodrama, lo documental, la economía… A lo largo de una temporada se hicieron y estrenaron por separado tres episodios y al final los juntamos en una pieza completa, que es la que se presenta en Madrid.

¿Conoces la obra de otros creadores contemporáneos en España?…
Si, conocemos de primera mano el trabajo de muchos creadores contemporáneos españoles, sobre todo por nuestra actividad como anfitriones en la sala Nasa, por donde han pasado autores y compañías muy representativas de la escena más contemporánea durante casi veinte años, gente como Carlos Marquerie, Sergi Faustino, Sonia Gómez, Angélica Liddell, Rodrigo García, Legaleón-T, Olga Mesa, Colectivo 96, General Electrica, Elena Córdoba, Marcel.lí Antúnez, Konic thtr, Esteve y Ponce, F.T.I., Hnos. Oligor, Iker Gómez, La República, Cambaleo, Playground, Conservas, La Tristura… (escribiendo de memoria)

¿Qué opinas de la programación de Escena Contemporánea XIII?…
Creo que mantiene la pluralidad de propuestas, de lenguajes, miradas y procedencias que se le pide a un festival que trata la escena de creación contemporánea. Ofrece una panorámica interesante y personal de lo que se está haciendo, en la que caben con naturalidad la fría exactitud de La Veronal, el teatro juguetón del Pont Flotant, la mirada poética de La Tristura o la cruda exposición de David Espinosa, por poner sólo algunos ejemplos.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy la creación contemporánea para la sociedad en la que vivimos?…
La de ser una invitación a participar en los debates del presente ampliando la zona de juego más allá de la pura realidad de los hechos.

¿Qué os motiva o inspira para realizar proyectos que mostrar en vivo?…
Para nosotros el teatro es una manera de participar activamente en la sociedad en la que vivimos. Cada proyecto es la posibilidad de iniciar una conversación. A veces son cosas que oyes en un bar o en la calle, que lees en un periódico, en un libro o en un blog y que quieres oír en voz más alta. Otras veces son cosas tuyas que no te puedes callar. Pero siempre está la necesidad de oir a la otra parte, aquello que no solo eres tu ni los tuyos, aquello que es el público.

¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro para la escena alternativa?…
Sí. No de una manera definitiva, porque no estamos hablando de una escena que mueva mucho público en términos cuantitativos, pero si es una forma de debilitar aún más una red con mucha precariedad. Y más allá de los números, este IVA refleja la incomprensión de la clase política hacia la cultura y la injusticia con la que se trata a la creación artística en España.

¿Qué obra de teatro, danza o performance has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
He visto dos trabajos recientes muy interesantes de dos compañías de Galicia como Berrobambán y Voadora, y uno menos interesante de la compañía madrileña Animalario.

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¿Cómo ves la creación contemporánea en el lugar donde trabajas?…
En Santiago de Compostela practicamente ha desaparecido de la cartelera y es sin duda la parte más precarizada de nuestro teatro. En cuanto a programación y creación se ha pasado de una situación envidiable a un panorama desalentador, consecuencia tanto de la debilidad estructural de los agentes creativos como de una política cultural de pura rapiña. Aún nos estamos preguntando como se puede destruir tanto en tan poco tiempo, y como no pudimos defender todo lo que habíamos conseguido.

¿Alguna idea para seguir creando en tiempos de crisis?…
Crear en tiempos de crisis mola más. Todo está más cerca de uno. Por ejemplo, en nuestro caso, la crisis ha convertido en necesaria la posibilidad de hacer teatro en escaparates o en las casas de la gente, nos ha ayudado a que otros vean lo bueno que es el teatro para transformar a las mujeres en hombres por un día, o para tratar los conflictos y abiciones de un grupo de adolescentes.

¿Proyectos?…
El más inmediato es el estreno de una nueva obra, que se titula Eurozone, el próximo 22 de febrero. Será en Teo, un pequeño ayuntamiento cercano a Santiago de Compostela, que ha acogido a Chévere como compañía residente. Allí además seguimos haciendo las Ultranoites, un cabaré político sobre la actualidad, que este año girará por otras ciudades gallegas. Y entre marzo y abril seguiremos desarrollando un proyecto de teatro en escaparates que se podrá ver en Pontevedra.

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Atresbandes-Solfatara en Triángulo-Escena Contemporánea

A favor…Una propuesta juvenil que conecta con el público que está acudiendo a esta edición del Festival.

En contra…Un juego dramatúrgico; la idea de la conciencia que habla y manipula a los personajes en sus relaciones, que se estanca y trivializa al poco de iniciarse la función…

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Vicent Gisbert en Fenster…en Lagrada-Escena Contemporánea

La sombra de un cuerpo puede ser la patina que provoca sobre el lienzo de la escena niveles de luz como franjas de tonos y colores. El cuerpo del performer llega a girar sobre si mismo hasta convertirse en un ser contrario que entra en otra dimensión espacial y conceptual. Fenster es un trabajo que combina la composición corporal, la plasticidad en la escena y el video arte, creando un conjunto escénico en el que la luz pinta y crea volúmenes dramáticos.
Ignacio Sánchezfenster


Partner/you de Chantal Yzermans y Radical Low en DT-Escena Contemporánea

Me gusta ser voyeur…
Me gusta pensar que una bailarina se mueve en mi ordenador solo para mí…
Me gusta estar en un teatro conectado a un chat…
Me gusta ver que un internauta se masturba sin que sepa que yo le miro…
Me gusta seguir la conversación de un visitante del chat y un fantasma…
Me gusta sentir que el escenario vuela a miles de kilómetros…
Me gusta que las nuevas tecnologías se crucen con los cuerpos vivos…
Me gusta sonreir viendo una propuesta porno…
Ignacio Sánchez

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Sofia Dias & Vitor Roriz en Pradillo-Escena Contemporánea

El cuerpo humano es un disco duro lleno de memoria física y sonora. En esta breve pieza titulada Um gesto que nâo passa de uma ameaça…Sofía Dias y Vítor Roriz nos involucran en un viaje deconstruído sobre la deriva que un gesto o un sonido pueden provocar en una relación y el desarrollo de la misma. A medida que avanza el trabajo, la segmentación en dos direcciones que llegan a realizar sobre una partitura de movimientos y ecos, es sencillamente…genial!, por momentos dejamos de ver cuerpos para encontrarnos con máquinas.
Adolfo Simón

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Ternura Suite en Cuarta Pared-Escena Contemporánea

A díario, mientras comemos, vemos en el telediario cuerpos mutilados, cuerpos golpeados, cuerpos humillados…En otro tipo de información vemos como el ser humano huye de la rutina disfrazándose y maltratándose como diversión erótica…y nos parece «normal», seguimos comiendo el plato de espaguetis mientras chorrea el tomate frito por las comisuras de nuestros labios. La realidad es tan ficticia que ya no nos impacta. Pero cuando llega el teatro y nos muestra la realidad a través de la mentira…ahí se abre una grieta en nuestra sensibilidad y protestamos y nos movemos en la silla del patio de butacas. ¿Cómo podemos ser tan hipócritas y reaccionar con la queja para quedar políticamente correctos frente a otro espectador?…Y mientrás tanto, que la mitad del mundo se muera de hambre y la otra mitad empuje al prójimo al abismo, para ocupar el lugar que deje libre el suicidado a su pesar. Un poco de inteligencia y humor por favor…que el teatro solo nos invita a mirar un poco más allá, quedarnos en el efecto no permitirá que atravesemos la puerta que muestra la autentica realidad.
Adolfo Simónternura-1

 

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Lisbeth Gruwez en Casa Encendida-Escena Contemporánea

Cuerpo, discurso y poder. Bailar un mitin
Un rectángulo de luz. Alguien de aspecto andrógino (camisa y pantalón masculinos, zapatos de charol, pulcritud) entra en escena. Una mujer vestida de hombre. Se acerca. Nos mira. Hace un gesto. Nos sigue mirando. No pide nada. No exige nada del público. Una voz masculina suena entrecortada. El número de gestos aumenta progresivamente. Hay agresividad en los movimientos. Parece que la voz la atrapa y la obliga a moverse. ¿De qué hablan los gestos? Recuerdan un mitin. Movimientos contundentes, duros. Alguien quiere convencer de algo. Gestos de dictador la atraviesan a ella, que no quiere convencer de nada. Cambios sencillos en el vestuario: las medias por encima del pantalón, una faja de color carne hasta más arriba de la cintura. Luz verde sucio. Sonidos articulados cada vez más inteligibles. La voz dice una frase en inglés. Los movimientos son más libres y grandes y el ritmo más acelerado. El discurso posee al cuerpo. Se tumba en el suelo. Al ponerse de pie la voz suena lejana, como emitida por los altavoces de un estadio. Ella vibra, una vibración dolorosa, extenuante.
Y finalmente, música. Por primera vez ella sonríe y salta, salta, salta. Libre. El cuerpo libre del dominio del discurso que aplasta y atrapa.
Relato, como puedo, el trabajo de Lisbeth Gruwez/Voetvolk It’s going to get worse and worse and worse, my friend. Un trabajo hipnótico, austero, perfecto, en el que el cuerpo piensa acerca del poder y la palabra.
Para curiosear entra en http://www.voetvolk.be/
Magda Labarga

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Las cuerdas de Los lunes en Escena Contemporánea

La cartelera de nuestra ciudad está confusa y con ella el público y la responsabilidad de esta confusión es de los profesionales del teatro. ¿Qué hace un texto muy sugerente con una puesta en escena resolutiva e ingeniosa y con unos actores estupendos en sus roles y composición de personaje en Escena Contemporánea?…¿Por qué no está en la cartelera normal para un público habitual al teatro y no para el espectador que acude a un festival como este?…¿Ayuda que alguien, al acudir por casualidad a ver Las cuerdas piense que esa propuesta es teatro de últimas tendencias?…Tal vez piense que solo ahí podrá ver un montaje así o que nunca lo podría encontrar en la cartelera comercial…¿Y entonces?…Cada vez habrá menos opciones diferentes en nuestra Gran Vía, si no se lucha porque propuestas como esta se muestren en el marco apropiado…Se seguirá confundiendo el público y seguramente a los profesionales del teatro…Y si es un problema que no haya nadie conocido de la televisión en esta obra…¿No será que estamos dejando que la escena se convierta en una prolongación de la televisión?. Por favor, pongamos orden en la escena, que bastante caos hay en la calle.
Adolfo Simón

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Escena Contemporánea-Del 4 al 10 de febrero

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