Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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Rodrigo García en el Lugar sin límites

Salí y me perdí por las calles de Lavapiés, tenía una sensación de pérdida de orientación extraña, como si hubiese aterrizado en otro planeta, como si viniese de otro lugar, atravesando el tiempo…¿Dónde había estado?…En esos paisajes agrestes y profundos que construye Rodrigo García en la escena. No ha podido arrancar mejor el ciclo de El Lugar sin límites que ha organizado Teatro Pradillo junto al CDN que con un tríptico alrededor de la figura de este creador. Arrojad mis cenizas sobre Mickey ha sido la primera piedra de este edificio en construcción, un territorio en el que entró la grúa de la censura para agrietar sus paredes al no permitir que se realizase una escena con animales. ¿Animales?…Animales torpes los que se quisieron abalanzar sobre la piel de la obra…Y…Animales monstruosos los que desfilaron por la escena diciendo palabras de fuego y realizando acciones de hielo. Sus performers son mediums modernos que realizan rituales contemporáneos conectados con los ritos más ancestrales…Allí estaban, para mostrarnos la miseria del presente y el futuro, ante los ojos atónitos de una familia ejemplar que se escondía tras los cristales de su coche último modelo. Rodrigo García escribe cada vez con palabras más afiladas, son dardos que lanza contra la pantalla del teatro y contra nuestro cerebro. Y propone situaciones y escenas llenas de violencia callada, de caricias agrias para mostrarnos que detrás de la máscara del confort y la modernidad está el mundo vacio y alineado.
Vago por las calles, atravesando semáforos en rojo y termino en la puerta de Pradillo para asistir al segundo plato de este menú ingesto, para quedarme suspendido en el silencio que se crea en la sala cuando el performer fuma mirando como el animal-víctima agoniza golpeando un micro suspendido en el aire, en la performance poética: Accidens. Un golpe seco corta la vida y el olor de la muerte, mientras es cocinado llena la sala…El tiempo suspendido, el silencio denso…la mirada perdida del performer mientras fuma, los pasos firmes hacia el público…el ruido al saborear la copa de vino o al morder la carne quemada nos remite al bestialismo más salvaje que habita en algún rincón de nuestra cabeza, en esos que fuimos hace no mucho en el corazón de las tinieblas…Al horror del hombre como verdugo de los demás…Al terror que genera la muerte atrapando la vida entre sus fauces…
La noche se llena de fantasmas y monstruos y acudo a la mañana siguiente al vermú que se hizo con Rodrigo en el Reina Sofía, donde dejó sus impresiones suspendidas en nuestros oídos, cuando le doy un abrazo al despedirme de él y antes de seguir repitiendo sus palabras en mí cabeza…recuerdo al Rodrigo que conocí hace treinta años camino de Cabueñes, y su mirada es la misma, la mirada de un niño atrapado en un animal herido…
Dijo…
sobre El cuerpo… La incomodidad… Materia y movimiento…no soy profesional del cuerpo.
sobre La palabra… Formación clásica… Lector de Beckett… ¿Como liberar el acontecimiento escénico de la palabra?… He realizado experimentos formales para encontrar el lugar de la literatura… He buscado que los actores no representen la palabra… Finalmente escribo en una pantalla para tener un acto íntimo con los espectadores…
sobre La música… Con la música ocurre lo mismo que con la literatura… Hemos buscado mucho… Al principio pinchábamos música… Después indagamos con el ruidismo… Y al final entiendo que el lugar de la música puede ser performatica… Recorrer un abanico de lo clásico a lo popular… Lo mal hecho da humanidad al trabajo…
sobre La violencia… Ya sabemos que es cuando te pasa en la vida… El teatro es un espacio protegido… Donde se transmite amor… Otra cosa es un ambiente de tensión y angustia…eso si me gusta… La violencia está en la calle…
sobre La Censura… No quiero caer aquí en contar anécdotas… Pero en Varsovia no pude hacer Golgota… Sentimos miedo por la reacción de la gente sobre un texto que no conocía… El público tenía que entrar a escondidas al teatro…
Sobre Irse de España… Podemos celebrar este Festival que empieza está interesando… Es un asunto de voluntad… El proyecto que finalmente estoy dirigiendo en Francia tiene un programa nada convencional… Porque la Ministra apostó por el riesgo… Porque consideró que es urgente… Porque es urgente… Estoy todo el tiempo tratando de explicar cuál es el sentido de lo que allí programo… Mucha gente teme a ese Centro Dramático… Y he de explicarles que es para ellos…
Sobre…¿Hay posibilidades?… Es complicado por los ajustes presupuestarios… He cambiado el nombre para que conecten con el teatro… “Humano, demasiado humano”… Allí no he encontrado gente interesada en la investigación… Resulta paradójico cuando allí se puede vivir del teatro… Aquí hay una gran irresponsabilidad al no apoyar a las nuevas generaciones… Espero que cambie de una puta vez…
Sobre El Exilio… No considero que viva en Francia… Ya me exilie una vez de Argentina a España… Mi casa está en Gijón… Me gusta el castellano y aquí tengo a mis amigos… No sé qué va a pasar, no me gusta planificar… Necesito vivir y que me pasen cosas…
Sobre La Paciencia… ¿Disponibilidad?… ¿Puede el publico… Al final de Golgota, dejar de lado su teléfono móvil para escuchar un concierto de música maravillosa?… No hay que caer en el tiempo de consumo de una obra… Lo pensamos para el placer…
Sobre Sus referencias literarias.. Muller, Berhart… Beckett… Robert Pinxon… Y los poetas… Las poetas sobre todo.
Sobre Los Retos… Lo más importante será la nueva pieza que voy a hacer con los actores en Montpelier y muy poco presupuesto…Tengo la sensación de algo con cuerpos y ruido generado por los performers… Igual no habrá palabra…No sé que voy a hacer y me gusta mucho esa sensación… Como si no hubiera hecho nada antes… Se llamara 4 porque van a ser cuatro actores, no hay presupuesto para mas…
Sobre El Teatro… Un espacio de libertad. Aunque pocos artistas se toman esa libertad para crear.
Sobre Los Procesos de creación… Escribo por las mañanas y ensayo por la tarde… Siempre que puedo alargo mi tiempo en la escritura… Si puedo elegir… Elijo estar con las palabras y los libros. Un acto de recogimiento y soledad…
Sobre La Representación… Para mí, los performers son lo más importante en el teatro… Trabajo con compañeros de viaje que pensamos parecido y tenemos una visión particular de las cosas… Les propongo algo y ellos lo llevan más lejos de lo que imagine en un principio…
Sobre El Futuro… Rapto del Serrallo de Mozart… Ópera en Alemania…junio 2016… Otro proyecto en la ópera de Montpellier… Rafael Sendo va a componer la música para un texto que voy a escribir por encargo…
Adolfo Simónrodrigo0

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Daisy de Rodrigo García en el Festival de Otoño a Primavera

Tras su revolucionaria Muerte y reencarnación en un cowboy (2010), el siempre interesante y controvertido Rodrigo García visita de nuevo en 2015 el Festival de Otoño a Primavera con su última creación, Daisy que se puede ver este fin de semana en la Sala Verde de los Teatros del Canal. Con un lenguaje depurado, la escritura de Rodrigo García exalta nuestros miedos y nuestras inercias riéndose de lo que enfada y molesta, con una poesía llena de rabia, tierna y desnuda. A través de sus textos y de su aguda escritura muestra su desconcierto ante lo absurdo del quehacer cotidiano y se afana en derrumbar los muros de las estupideces de una sociedad que considera monstruosa. Su lenguaje escénico mezcla sensaciones que hacen evolucionar con una gracia devastadora sus fieles intérpretes: Juan Loriente y Gonzalo Cunill. En Daisy hay rituales de la masonería de la cucaracha, hay danzas con perros, caracoles, tortugas y cucarachas vivas, hay bailes con centollos y un cuarteto de cuerdas que interpreta a Beethoven, pero hay también mucho más de lo que, a primera vista, se puede apreciar en escena, todo el poso que el texto logra dejar en la mente y en los sentidos de cada espectador. De nuevo, Rodrigo García establece un pulso con el discurso expresivo y la recepción del público. No improvisa nada, todo lo que parece casual o arbitrario está elegido con precisión milimetrada. Las imágenes potentes y delirantes que nos propone propician que entremos en un estado casi hipnótico, obligándonos a desterrar nuestros prejuicios para sumergirnos en un estado de profunda percepción. La multiplicidad de lenguajes, ya que la palabra es un bisturí con el que abre nuestro cerebro, bombardean nuestros sentidos para hacernos sentir una cucaracha más en ese recipiente sonoro o esa tortuga que mueve el agua sin desplazar una gota del líquido que la rodea…Y así, sentirnos fantasmas en un paraíso inútil.
Adolfo SimónDaisiy-de-Rodrigo-García-min


Carlos Sarrió nos habla de la experiencia de 30 años de Cambaleo

carlossarrió¿Cómo surgió Cambaleo?… ¿Cuáles son las premisas para seleccionar los proyectos de la Compañía?…
Cambaleo nace en 1982, de la unión de siete personas que comenzaron la andadura como compañía y con intención de hacer un teatro contemporáneo, personal y que recogiera el legado de las vanguardias del siglo XX. A lo largo de todos estos años ha habido cambios y evoluciones sustanciales (empezamos haciendo teatro de calle), ahora básicamente seguimos haciendo un teatro de creación propia y en el que cada proyecto suponga un reto en algún sentido, estamos muy atentos a lo que sucede y nuestros montajes suelen ser una respuesta o una pregunta ante lo que está sucediendo.

¿Qué balance hacéis de estos años de existencia de la Compañía?…
No nos hemos parado a valorar este asunto. Para nosotros desde el principio el teatro ha sido una manera de vivir, de posicionarnos ante y en el mundo. Se podría decir que hacemos teatro para aprender a hacer teatro y también para aprender a vivir. En estos 30 años hemos hecho de todo y hemos tratado de mantener un camino que no sabemos dónde va, pero del que sí sabemos y no olvidamos de donde viene. Podríamos decir que cada nuevo espectáculo es un paso siguiente con respecto a lo que se planteaba en el anterior. De toda esta experiencia ha sobrevenido una profesión, una sala que gestionamos. Siempre hemos partido de la base de que un miembro de Cambaleo no sólo es un actor, también ha de ser director, pedagogo, dramaturgo, gestor… todos los aspectos del teatro han de tener una marca ética y estética.

¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de las diferentes producciones realizadas?
Bueno… en 30 años pasan muchas cosas, muchas personas que han estado y ahora no están, colaboraciones. Empezar haciendo teatro de calle nos llevó a desarrollar propuestas en las que la imagen era la base de la dramaturgia, poco a poco al empezar a hacer teatro “en el interior” fue apareciendo el texto y con esto el trabajo de escritura. Podemos decir que ahora es una mezcla de ambos (imagen y texto) aunque poco a poco el texto ha ido cobrando más importancia. En cualquier caso los textos con los que trabajamos son más bien ensayos, textos sin contexto, poemas, desarrollo de ideas (incluso cuando hemos trabajado diálogos), digamos que en el texto no está la puesta en escena, si lees alguno de los textos difícilmente puedes deducir cómo era el espectáculo. Hemos trabajado mucho sobre un tipo de imagen que sugiere contenido, ahora lo que pasa es que la imagen lleva también texto.

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¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?…
Para poder desarrollar un lenguaje propio es imprescindible contar con un equipo estable, puede variar con el tiempo por diversas circunstancias, se evoluciona, se cambia, pero las cosas las hacen personas y es muy interesante que un equipo de creación pueda desarrollar sus ideas a largo de varios espectáculos.

¿Os ayuda tener un espacio estable de trabajo para realizar los procesos de creación?… ¿Se trabaja así con menos presión?…
Hay muchos tipos de presión, pero desde luego tener un espacio te permite tener una relación muy particular con el tiempo, si me preguntas cuanto tardamos en hacer un espectáculo no te lo sabría decir, te puedo decir el tiempo que tardamos en el proceso final, pero el hecho de tener un espacio te permite, probar cosas dos años antes de lanzarte a la producción. Pero está la presión de mantener el espacio, gestionar una sala, hacer la programación… todo eso es un reto y no es baladí, pero vaya una cosa por la otra.

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¿Cómo es el trabajo con el equipo artístico durante los procesos?… ¿Hay una línea ética y estética en la Compañía?…
Depende mucho del espectáculo, pero se trabaja todo a la vez, aunque materiales como la escritura, proyecciones de video, selección de músicas, ideas básicas de iluminación siempre tienen un trabajo previo. Trabajamos en un tipo de teatro que sirva para la reflexión y aunque no es fácil plantear algo novedoso a las personas que vienen a vernos, lo intentamos. Sabemos que la realidad sólo se puede cambiar desde la realidad, pero en las ficciones que planteamos tratamos de dar puntos de vista nuevos o críticos con esta. Hay mucho de testimonio en los espectáculos, experiencias propias, tratamos un lenguaje actoral lo más cercano posible a nosotros mismos y aunque ser uno mismo encima de un escenario no sé si es posible, lo intentamos

¿Se pueden realizar propuestas combativas y alternativas en estos tiempos de crisis?…
Eso se puede hacer siempre y si quieres comunicarte con las personas que compartes este momento de la historia no queda más remedio, otro asunto es qué significa “combativo”, por ejemplo, nuestros espectáculo han sido siempre muy políticos aunque no siempre de la misma manera, antes de que estallara la crisis económica éramos más explícitos en la crítica social que ahora. Pienso que la defensa en escena de un lenguaje poético, ahora, es combativo, sobre todo viendo como nos empujan violentamente hacia un pensamiento único que consiste en que el papel que tienes en el mundo es producir, consumir, procrear, votar cada cuatro años y estar calladito.

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¿Tenéis espectáculos en repertorio?… ¿En gira?…
Lo de tener gira ahora, es complicado, tenemos un espectáculo para niñ@s “La Rayuela” con texto de Suzanne Lebeau y un espectáculo para adultos que es un solo de Antonio Sarrió y texto mío “Pequeño gesto”

¿Hay un planteamiento distinto si hacéis un montaje para adultos o para niños?…
Las exigencias artísticas son las mismas, pero con el teatro para la infancia somos muy meticulosos, pensamos que ahí hay una gran responsabilidad, los niños son personas como nosotros pero que tienen otras circunstancias y tratamos de llegarles con sinceridad, alejándonos de ser didácticos, sin prepotencia. En este sentido llevamos años trabajando textos de la autora canadiense Suzanne Lebeau, su compromiso con la infancia es admirable.

¿Qué proyectos tenéis entre manos?…
Ahora mismo estamos en un momento de espera… yo estoy escribiendo un nuevo texto, pero vamos a ir poco a poco.

¿Creéis que los recortes y el aumento del I.V.A. van a afectar a los proyectos de teatro?…
Creo que esta estafa financiera que estamos sufriendo, va a acabar con la Cultura tal y como la conocemos, unos años más aplicándose esta ideología financiera, basada en el empobrecimiento de la mayoría y en el recorte de libertades, nos retrotraerá a situaciones de los años 70, aunque todavía no soy capaz de prever que papel jugará el teatro en esta situación.

¿Qué montaje que hayáis visto últimamente, os ha interesado? ¿Por qué?…
Me gustó Gólgota picnic de Rodrigo García, me hizo mucha ilusión ver en el María Guerrero un espectáculo de Rodrigo. También Miniaturas de Teatro Ensalle, me gusta mucho como va creciendo esta compañía con cada nuevo espectáculo. Hay más pero lo dejaré para otro momento…

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Los componentes de Ricci/Forte nos hablan de la filosofía de su trabajo el día de su presentación en Casa Encendida-Escena Contemporánea

macadamiaBalance de vuestra trayectoria…
Las sumas, los balances, son actitudes ego-referenciales que dejamos pendientes para el momento de retiro en la montaña encantada. Hay demasiadas ocasiones de reflexión que el Hoy nos escupe encima como para sacrificarlos hacia un análisis personal de ruta. El proyecto Ricci/Forte – desarrollado en el 2006 como ensemble – avanza en continua metamorfosis, enfocando, en cada etapa, las modalidades del viaje: la investigación trasversal sobre el cuerpo emotivo contemporáneo junto a una visión que transfigura la realidad minima en la que nuestra existencia está envuelta para exaltar una mirada diferente, que pone la fantasía como un baluarte que hay conquistar, cueste lo que cueste.

¿Cómo surge el proyecto que presentáis en Escena Contemporánea?…¿De qué va la obra?…
Macadamia Nut Brittle surge desde las cenizas de un evento luctuoso privado. En las consideraciones preliminares del proyecto, comenzado con las lecturas de Dennis Cooper sobre los limites que hay que superar para calmar un sufrimiento y amortiguar los reflejos hasta la auto-destrucción a través del sexo, nos encontramos involucrados en primera persona con el tema de la perdida. Qué queda y como sobrevivir cuando alguien que ha formado parte de ti te abandona? Nuestras madres, afectadas por el cáncer se apagaban en una cama de hospital y la investigación ha cogido un camino que intentara obtener respuestas sobre aquello que queda de la esencia de un amor, cuando esto materialmente se extingue. Como se sobrevive a un tsunami de tales proporciones.
Macadamia Nut Brittle, nombre de un celebre helado, se ha convertido en la metáfora de esta aventura que es la Vida, en la que – exactamente como los helados – nos derretimos y nos solidificamos en formas distintas cada vez para gustar a los demás: en cada abandono nos recompactamos y volvemos a encontrar esa sonrisa para resistir. No hay crueldad o al menos, si está presente, existe porque de por si es tremendamente brutal lo que nos rodea: la dificultad de comunicación, los sueños rotos, el amor. Las series tv, los dibujos animados se convierten de esta manera en nuestros amigos, aquellos que nunca te abandonan cuando todo el mundo se aleja de ti. Los personajes de las tele-series se transforman en nuestra balsa salvavida que, junto a una excesiva y casi maniática colección de relaciones sexuales inútiles intentan llenar ese abismo debajo del esternón en que nos hemos transformado.

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¿Cómo fue el proceso dramatúrgico y de montaje de la obra?…
“Cada hombre es un abismo, da vértigo si se mira en su interior.” (Georg Büchner). Ha comenzado por la elección de las personas. Al lado de un elemento estable y solido del proceso, Anna, le hemos acercado tres nuevos performers (Giuseppe, Andrea y Fabio) que desde entonces son fundamentales para cada proyecto. Pero en 2009 se acercaban por primera vez a nuestro mundo, hecho de improvisaciones y caídas en el vacío sin red de seguridad. Justo desde esta desestabilización hemos avanzado vendados hacia un periscopio-sonda del bagaje emocional individual, en búsqueda de una huella para dejar encima del escenario que estuviese lo más cerca posible de la experiencia personal, sin esconderse detrás de las armaduras de los personajes que hasta ese entonces los tres chicos habían encontrado. La fragmentación, las visiones que explotaban durante el periodo de ensayos y que se entrelazaban con los conceptos-guía en un primer momento los han aturdidos pero lentamente se ha ido componiendo un lenguaje sensorial que ha amplificado el sentido de hacer teatro.

¿Conoces la obra de otros creadores contemporáneos en España?…
Excepto a Rodrigo Garcia, Calixto Bieito, Angelica Liddel, Alex Rigola y Lluís Pasqual, cuyos trabajos tuvimos ocasión de conocer en varios festivales internacionales, no hemos tenido la ocasión de sumergirnos en los fermentos de la investigación contemporánea de este País.

¿Qué opinas de la programación de Escena Contemporánea XIII?…
El Festival goza de una estupenda reputación y las elecciones hechas por su actual director artístico Salva Bolta en esta ultima edición declaran una mirada curiosa hacia Europa y una voluntad de mantener contacto con las instancias de un continente que, a pesar de la crisis económica, sigue produciendo excelentes resultados. Con los recortes a la Cultura que están matando al espectáculo en vivo, participar en este festival es, ademas del perfil artístico, el testigo de una resistencia activa. También debemos agradecer por esto al Instituto Italiano de Cultura de Madrid.

¿Qué función crees que ha de tener hoy la creación contemporánea para la sociedad en la que vivimos?…
Germinar dudas, provocar reflexiones con un ritmo de absorción gradual. Sintonizarnos con el tiempo presente probando a rascar el estado soporífero intelectual y ético en los que flotamos desde hace tiempo inmemorial.

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¿Qué te motiva o inspira para realizar proyectos que mostrar en vivo?…
Afloran como burbujas ulcerosas a la superficie, piden atención. Las inspiraciones, las sugerencias, las necesidades de construir una selva de señales para decir en voz alta aquello que demasiado a menudo se susurra en una botella. Nos gusta más bien un teatro sabroso y especiado como la sopa de las brujas que un caldito soso de los teatros de tapicería.

¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro para la escena alternativa?…
Ya han metamorfoseado pesadamente la escena teatral contemporánea. No creemos que la solución o una progresiva vuelta de tortilla a las cosas aparezca en tiempos breves. Está claro que los innumerables recortes a las subvenciones han obligado a muchas estructuras a volver a reorganizar sus propias temporadas en términos mediocres, para no ahogarse. Esto ha llevado también al cierre de espacios y manifestaciones que han castigado a los grupos que, como nosotros, se mantienen sin ninguna ayuda estatal. Es un mal y una regresión nacional, que empuja a los jóvenes a intentar re-dimensionar su propio afán de hacer proyectos en favor de una posible visibilidad, siempre más quimérica, y una mercantilización del pensamiento.

¿Cómo ves la creación contemporánea en el lugar donde trabajas?…
Es fascinante e inaguantable como mirar un eclipse permanente de sol. Aparte de algunos guardianes, el cementerio se llena de lapidas cada día. Demasiados fallos: la vieja investigación de los años pasados ha monopolizado algunas regiones y puesto en trinchera a viejos críticos detrás del polvo de una investigación conceptual anacronistica, que boquea debajo de una cortina de oxigeno absolutamente auto-referencial. Los jóvenes críticos que hacen germinar un blog cada día como las setas después de un aguacero, creen abrirse camino adoptando los vicios de quienes los han precedido, no por ultimo el itálico defecto de los compañeros de meriendas que celebran bacanales para parientes y amigos de botellón. Ese “Bel Paese” que nunca se ha movido de las imágenes de las películas de Germi. Solo que en ese entonces todo era más genuino, sincero, ahora todo está envuelto por un hipócrita velo radical de izquierdas que empequeñece aun más. En este pantano hay algunas informaciones que estimamos y que intentan mostrar su propia visión La fatiga es titánica, y en esto no podemos hacer otra cosa que sentirnos participes ya que la vivimos cada día sobre nuestra piel.

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¿Alguna idea para seguir creando en tiempos de crisis?…
Darnos cabezazos para impedir al caos de desperdigarnos en las tinieblas de la insensatez cómoda de nuestro país. Obstinados y armados, hemos testimoniado nuestra receta para tiempos de crisis montando un trabajo con 16 performers en escena, IMITATIONOFDEATH, que hemos estrenado el pasado noviembre en el RomaEuropa Festival. Cuando todo el mundo te sugiere preparar monólogos de fácil comercialización, ya estás hacia el “faldistorio”. Lucidez y honestidad de intentos + una desvergonzada pureza de mirada son las armas que utilizamos en contra de la horda barbara que empuja detrás de nuestras puertas: desvanecerá en su propia inconsistencia. Darnos cabezazos para impedir que el caos nos desperdigue en las tinieblas de la insensatez cómoda de nuestro país.

¿Proyectos?…

Continuar mirandonos en el espejo, sonriendo por haber conseguido entender, otra vez, adonde no queremos ir.

Más info de la Compañía en:


Entrevista a CHÉVERE aprovechando su presencia en Escena Contemporánea

chevereBalance de vuestra trayectoria…
Chévere lleva 25 anos como compañía y solo el hecho de haber llegado hasta aquí manteniendo la independencia creativa y profesional es un balance suficientemente positivo. Hemos hecho siempre lo que hemos querido, hemos hecho de todo, no nos hemos conformado con nada y hemos sobrevivido a nuestros errores y aciertos con dignidad.

¿Cómo surge el proyecto que presentáis en Escena Contemporánea?…¿De qué va la obra?…
Citizen surge en un momento de madurez creativa y estabilidad profesional como una experiencia de produción que debía ligar el funcionamiento de la compañía a una sala estable, la Nasa. Un proyecto de creación en proceso que se presentó al público a lo largo de toda una temporada. Citizen es una historia de ficción basada en un personaje real llamado Amancio Ortega, que ha construído un imperio llamado Inditex, más conocido como Zara. Esta ha sido una buena disculpa para hablar, ironizar y cuestionar los efectos de la globalización en relación con nuestras identidades individuales y colectivas.

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¿Cómo fue el proceso dramatúrgico y de montaje de la obra?…
La obra se ha ido montando por partes, por episodios. Cada uno trataba un tema y se ubicaba en un momento concreto y en cada uno nos proponíamos usar un lenguaje y un tono distintos: el texto, la palabra, la imagen proyectada, el cuerpo, el humor, el melodrama, lo documental, la economía… A lo largo de una temporada se hicieron y estrenaron por separado tres episodios y al final los juntamos en una pieza completa, que es la que se presenta en Madrid.

¿Conoces la obra de otros creadores contemporáneos en España?…
Si, conocemos de primera mano el trabajo de muchos creadores contemporáneos españoles, sobre todo por nuestra actividad como anfitriones en la sala Nasa, por donde han pasado autores y compañías muy representativas de la escena más contemporánea durante casi veinte años, gente como Carlos Marquerie, Sergi Faustino, Sonia Gómez, Angélica Liddell, Rodrigo García, Legaleón-T, Olga Mesa, Colectivo 96, General Electrica, Elena Córdoba, Marcel.lí Antúnez, Konic thtr, Esteve y Ponce, F.T.I., Hnos. Oligor, Iker Gómez, La República, Cambaleo, Playground, Conservas, La Tristura… (escribiendo de memoria)

¿Qué opinas de la programación de Escena Contemporánea XIII?…
Creo que mantiene la pluralidad de propuestas, de lenguajes, miradas y procedencias que se le pide a un festival que trata la escena de creación contemporánea. Ofrece una panorámica interesante y personal de lo que se está haciendo, en la que caben con naturalidad la fría exactitud de La Veronal, el teatro juguetón del Pont Flotant, la mirada poética de La Tristura o la cruda exposición de David Espinosa, por poner sólo algunos ejemplos.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy la creación contemporánea para la sociedad en la que vivimos?…
La de ser una invitación a participar en los debates del presente ampliando la zona de juego más allá de la pura realidad de los hechos.

¿Qué os motiva o inspira para realizar proyectos que mostrar en vivo?…
Para nosotros el teatro es una manera de participar activamente en la sociedad en la que vivimos. Cada proyecto es la posibilidad de iniciar una conversación. A veces son cosas que oyes en un bar o en la calle, que lees en un periódico, en un libro o en un blog y que quieres oír en voz más alta. Otras veces son cosas tuyas que no te puedes callar. Pero siempre está la necesidad de oir a la otra parte, aquello que no solo eres tu ni los tuyos, aquello que es el público.

¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro para la escena alternativa?…
Sí. No de una manera definitiva, porque no estamos hablando de una escena que mueva mucho público en términos cuantitativos, pero si es una forma de debilitar aún más una red con mucha precariedad. Y más allá de los números, este IVA refleja la incomprensión de la clase política hacia la cultura y la injusticia con la que se trata a la creación artística en España.

¿Qué obra de teatro, danza o performance has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
He visto dos trabajos recientes muy interesantes de dos compañías de Galicia como Berrobambán y Voadora, y uno menos interesante de la compañía madrileña Animalario.

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¿Cómo ves la creación contemporánea en el lugar donde trabajas?…
En Santiago de Compostela practicamente ha desaparecido de la cartelera y es sin duda la parte más precarizada de nuestro teatro. En cuanto a programación y creación se ha pasado de una situación envidiable a un panorama desalentador, consecuencia tanto de la debilidad estructural de los agentes creativos como de una política cultural de pura rapiña. Aún nos estamos preguntando como se puede destruir tanto en tan poco tiempo, y como no pudimos defender todo lo que habíamos conseguido.

¿Alguna idea para seguir creando en tiempos de crisis?…
Crear en tiempos de crisis mola más. Todo está más cerca de uno. Por ejemplo, en nuestro caso, la crisis ha convertido en necesaria la posibilidad de hacer teatro en escaparates o en las casas de la gente, nos ha ayudado a que otros vean lo bueno que es el teatro para transformar a las mujeres en hombres por un día, o para tratar los conflictos y abiciones de un grupo de adolescentes.

¿Proyectos?…
El más inmediato es el estreno de una nueva obra, que se titula Eurozone, el próximo 22 de febrero. Será en Teo, un pequeño ayuntamiento cercano a Santiago de Compostela, que ha acogido a Chévere como compañía residente. Allí además seguimos haciendo las Ultranoites, un cabaré político sobre la actualidad, que este año girará por otras ciudades gallegas. Y entre marzo y abril seguiremos desarrollando un proyecto de teatro en escaparates que se podrá ver en Pontevedra.

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Pedro Villora reflexiona en esta entrevista sobre sus facetas de autor y profesor.

¿Cómo surgió el proyecto del texto tuyo que va a ser estrenado en Italia?, háblame de él…

Durante mi estancia como becario de la Real Academia de España en Roma conocí a varios dramaturgos y directores italianos. Entre otros, vi algún espectáculo de Massimo de Michele, un antiguo colaborador de Giorgio Strehler que había dirigido obras de Genet y Pasolini, precisamente dos de mis referentes. También había dirigido un texto de Rodrigo García. Me preguntó por mis obras, le hablé de varias, y se interesó por “Bésame macho”. Encargó su traducción y meses después, cuando ya había regresado a España, me escribió para decirme que quería montarla. Todo ha sido sorprendentemente sencillo y fácil. Para mí es extraño porque esta obra jamás ha sido estrenada en España y, sin embargo, ha generado artículos y conferencias en Estados Unidos y Alemania, ha representado a España en el Festival de Dramaturgia Europa Contemporánea de Chile, se está componiendo en Francia una ópera usándola como libreto y ahora mismo se está traduciendo al griego para hacerse allí. Y aquí, en cambio, apenas nadie la conoce.

¿Cómo fue tu experiencia en la estancia que hiciste en ROMA?…

La Academia de España en Roma es una institución llena de posibilidades que, por desgracia, lleva demasiados años siendo dirigida por diplomáticos y políticos, y no por artistas con capacidad de gestión. Necesita una auténtica renovación tanto para que pueda volver a integrarse en la vida cultural romana como para que los becarios tengan interlocutores que comprendan los procesos creativos. Pese a ello, la experiencia ha sido maravillosa porque he tenido la oportunidad de conocer bien la que desde hace años es mi ciudad favorita. Me siento mucho más a gusto en entornos antiguos que allí donde se privilegia la actualidad, la modernidad y lo último.

¿Cómo es el teatro en ese país?…

Tan bueno y tan malo como en cualquier otro país de nuestro entorno. He visto teatro clásico sobrecargado de importancia y teatro contemporáneo de fácil provocación, pero también obras hermosísimas. Además he visitado varias escuelas y facultades y he comprobado la gran calidad de los estudios técnicos y de diseño escenográfico. Creo que en ese terreno Italia es un referente.

¿Qué conocimiento tienen ellos de nuestros autores, compañías, directores?…

Casi tan escaso como a la inversa. Si nosotros aún hablamos de Strehler, Ronconi o Pier Luigi Pizzi, ellos han avanzado un poco para llegar a Lluis Pasqual, Calixto Bieito y Álex Rigola. Como compañía, la más conocida es La Fura dels Baus gracias a los montajes de ópera. En cuanto a autores, el páramo tras Lorca y Arrabal apenas da lugar para algún texto de Belbel, Mayorga o Rodrigo García. Eso dentro del ámbito teatral y crítico más especializado. En el entorno académico y universitario es distinto, porque hispanistas y traductores se alían para publicar de vez en cuando antologías de teatro contemporáneo e incluir a gente como López Mozo o Alberto Miralles en los estudios de posgrado.

Vuelves a la RESAD como profesor…¿Qué ha cambiado en tu visión de la pedagogía en este tiempo de pausa que has tenido en las clases?…

Creo que entender la formación como simple desarrollo de las inclinaciones vocacionales da lugar a un conocimiento muy parcial de las potencialidades del individuo. Me gusta la formación global con una gran base teórica que permita no solo hacer lo que se entiende, sino entender lo que se hace. Y se puede cambiar “entender” por “gustar” o “apreciar”. Me parece importante ahondar en lo que aparentemente no le va a uno: lo cómico si se es trágico, lo dramático si se tiende a lo posdramático…

¿Cómo ves el plan de formación de la RESAD a nivel dramaturgico?…

Dramaturgia y Dirección de Escena no son dos carreras distintas, sino la misma con dos recorridos diferentes. El nuevo plan de estudios, originado por el Plan Bolonia, incluye formación en escritura para los directores y en dirección para los dramaturgos. Me parece imprescindible porque, continuando con la pregunta anterior, no creo en las especializaciones en teatro. Todos debemos ser capaces de hacer de todo, aunque luego tengamos nuestras preferencias. En ese sentido, también me parece adecuado que se potencien en los primeros años las técnicas de escritura dramática aunque haya alumnos que tengan mayor interés por lo posdramático. Los ejercicios son fundamentales para conocer los orígenes y ser conscientes de qué renovación se produce con otro tipo de técnicas posteriores.

¿Estás escribiendo algún texto en este momento?¿De qué va?…

Ahora mismo estoy disponible para estudiar encargos. Me gusta trabajar en colaboración con directores o dramaturgos. Pero prefiero no hablar de proyectos no terminados porque igual los dejo en el cajón para siempre.

¿Hay algún proyecto de puesta en escena sobre algún texto tuyo en nuestra ciudad?…

No. Desde que estrené “El juglar del Cid” en el Teatro Alfil no se ha vuelto a hacer nada mío en Madrid. Por eso he decidido producir y dirigir yo mismo mi próximo espectáculo.

¿Qué te pareció la creación del FRINGE MADRID?…

Sólo he visto el trabajo de Marco Calvani, a quien había conocido en Roma, así que no puedo opinar porque no sé cómo se ha organizado el festival ni qué logros artísticos ha obtenido. Por principio, cualquier ayuda a la promoción del teatro alternativo o independiente me interesa.

¿Qué montaje de teatro has visto ultimamente?¿Qué te pareció?…

Dejé de hacer crítica teatral porque no me apetecía escribir sobre cosas que no me gustaban, así que prefiero comentar solo trabajos que me agradan. Me ha encantado “Orquesta de señoritas”, como casi todo lo que hace Juan Carlos Pérez de la Fuente. Solo tuve ocasión de trabajar con él haciéndole la versión de “La vida es sueño”, pero repetiría sin dudarlo porque comparto en buena medida su sentido de la ceremonia.

¿Crees que va a cambiar el panorama teatral tras los recortes y la subida de I.V.A.?…

El panorama teatral debe cambiar siempre tras cualquier circunstancia, y todavía mejor si es él el que logra cambiar las circunstancias. El excesivo dispendio en algunos teatros públicos había llevado a cierto aburguesamiento, con una pretendida modernidad muy domesticada. En ese sentido no me parece mal que se intente trabajar con menos. Ahora bien, el I.V.A. es una cuestión distinta a los recortes, porque el encarecimiento de los costes de producción acarrea una subida al consumidor que seguramente rechazará: nos costará más hacer trabajos para cada vez menos gente, con lo que la oferta tenderá a desaparecer. Dudo mucho que el teatro tenga capacidad para sobrevivir si esta situación se mantiene en el tiempo. Pero confío en que no se mantenga.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…

Como he dicho antes, es precisamente ahora cuando voy a producir un espectáculo por primera vez. Prefiero que la crisis me pille trabajando que no en casa doliéndome de lo difícil que es hacer nada.