Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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Carolina Román: El teatro es el espacio más real y verdadero que conozco.

roman0¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Yo empece a estudiar en el centro cultural Ricardo Rojas en Buenos Aires. Alli fundamos una pequeña compañía de teatro con la que recorrimos circuitos underground, nos estrenamos en el mítico “Ave Porco”. Todos escribíamos, dirgiamos, actuábamos, vestíamos y colocábamos focos y lo que hiciera falta. En este lugar coincidíamos todos, me refiero a cualquiera que tuviese algo que contar , seas quien seas.Ya no hay Ave Porcos, ni Dorados, ni Nave Jungla, ni Morocos.Esta fue una época dorada y excitantemente creativa.

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¿Qué es el teatro para ti?¿Por qué haces teatro?…
Es una manera de vivir, de contar historias desde una necesidad, un espacio vital en donde aportar nuestro granito de arena en esta realidad, y digo aportar, porque aquí le ponemos voz a muchas personas que necesitan ser escuchadas. Es el espacio más real y verdadero que conozco. Hago teatro para vivir acorde conmigo misma.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
En el último año estuve de gira con dos montajes míos. En Construcción bajo la dirección de Tristán Ulloa, del que soy autora y actriz junto a Nelson Dante y que tantas alegrías nos dio desde el premio a mejor obra en el Festival Internacional de Huesca, mas las dos nominaciones a los Premios Max de dramaturgia novel y dirección. Llevamos ya casi 4 años entre estreno y giras.Cada vez que la representamos se torna mas actual, es una obra que esperó su tiempo para que sea interesante, al principio nadie la consideraba, porque tratar un tema social como la crisis económica, la inmigración no les parecía atractivo.Si bien es una historia de amor, está contextualizada en Madrid y toda la realidad socioeconómica del momento como telón de fondo. El otro montaje del que también soy autora y actriz es Adentro, dirigida también por Tristán Ulloa.Nuestro éxito en el Maria Guerrero el año pasados propició su gira esta temporada.La suerte de haber tenido la sala llena a diario y unas críticas maravillosas ,hicieron que este año nos vuelvan a reprogramar en la Sala Princesa.Una oportunidad de oro estar otra vez en el Centro Dramático Nacional.Tambien es el segundo año en cartel Luciérnagas, de la que en sus inicios fui autora y directora.Actualmente están de gira con una adaptación de mi texto a cargo de otra directora.En otro campo estuve a cargo de la dirección de actores en la película “Tini el gran cambio de Violeta” próxima a estrenar esta semana,con la que tuve la suerte de trabajar en los míticos estudios Cinecittà. Tener tu propia oficina en la Fabbrica dei Sogni es un sueño cumplido.Acabo de estrenar Río Seguro en el Teatro del Barrio como autora y directora de este montaje, en el que cuento con los actores Jorge Monje, Aixa Villagran y Kike Guaza. Es mi última apuesta, y en este salto al vacío espero encontrar una red, es un momento muy complicado y poner en pie una obra es un acto de amor y de fe.Y por ultimo, esta semana acaba un ciclo llamado “microfusion” en el Microteatro Por Dinero, en el que tuve el gusto de participar en la dirección de un texto “Quiero ser como George Clooney” con los hilarantes Juan Martín Gravina y Roberto lezana.Es una fórmula neoyorquina, en donde un texto va a concurso y luego se elige la directora, a la vez los actores elegidos deben estar en una plataforma y la condición es no haber trabajado con ellos, me parece una muy buena oportunidad para todos y para salir del circuito endogámico.

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¿Cómo surgió tu proyecto actual?…¿Cómo el proceso de creación de tu trabajo?…
Yo escribo desde la vomitona, siempre tengo historias que contar.El compromiso que siento es el de contar la misma realidad que todos vemos, pero desde mi propio lente.En eso soy escrupulosa, no me gustan los trabajos sin afinar.El texto es la guía y después viene lo mas interesante, la investigación, prueba y error, y así hasta lograr contar aquello que queríamos y de la manera que necesita ser contado,así es como trabajo.Oyendo la necesidad del montaje, dejando participar a cada uno en su rol.

"Adentro" de Carolina Román Dirección: Tristán Ulloa Reparto: Nelson Dante, Araceli Dvoskin, Noelia Noto, Carolina Román Alexandra Alonso-Santocildes (Escenografía), Eduardo A. Chacón (Iluminación), Clara Bilbao (Vestuario), Nelson Dante (Espacio Sonoro), Perucha (Caracterización) Diego Sabanés (Ayudante de dirección), Isidro Ferrer (Diseño cartel), marcosGpunto (Fotos), Paz Producciones (Vídeo)

¿Proyectos?…
Con mi compañía de teatro Adentro, ya estamos urdiendo el siguiente montaje.Tambien este año buscare novio para mi primer largometraje como directora y autora.Me acompañan en este sueño Ana Torrent, Ana Fernandez, Ana Wagener, Tristán Ulloa, Joaquin Climent y Roberto Enriquez entre otros actores.No puedo estar mejor acompañada.No es fácil sacar adelante un proyecto así, y aunque es una fórmula muy austera, todo lleva su tiempo, pero estoy segura de que lo lograremos.roman8

 


Autores en el Centro: Francisco Nieva, Carolina Román y Antonio Rojano

Una iniciativa importante que está realizando el Centro Dramático Nacional es la edición del texto y documentación concerniente a alguno de los estrenos realizados en su sede. Los últimos en aparecer y que pueden ser adquiridos a través de la página web o en el hall de los teatros María Guerrero y Valle Inclán son el espléndido texto Salvator Rosa o el Artista de Francisco Nieva, Adentro de Carolina Román y La ciudad oscura de Antonio Rojano. Teatro contemporáneo y atemporal, piezas que demuestran el buen estado en que está la escritura dramática en nuestro país. Seguiremos informando de otros textos publicados.
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ADENTRO

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Salvator Rosa o el artista de Francisco Nieva en el CDN

No me cansaré de decirlo nunca, si este país fuese un poco menos necio, tendría un teatro dedicado a estrenar y reestrenar las obras de Francisco Nieva. Tenemos la suerte de que todavía esté vivo y siga creando pero no parece que le importe mucho a esta sociedad cateta de este nuevo milenio, preocupado por la vida privada de seres anodinos, vista a través de la televisión. Francisco Nieva es un hombre de teatro total y así concibe cada una de sus obras, sus personajes, los lugares donde los sitúa, las relaciones que teje entre ellos, su perfil dramático y el verbo que borda en los labios para ser dicho por actores y actrices de raza como son todo el reparto de esta función. Hay textos teatrales que los pueden interpretar actores de mayor o menor experiencia escénica pero las obras de Nieva solo pueden ser encarnadas por seres tocados por la barita mágica de Talia. Esta obra mira al pasado para denunciar nuestro presente, así es el autor, parece que hace teatro histórico y escribe el teatro más contemporáneo que se puede ver en nuestros escenarios. Hace un tiempo, un inepto que controlaba bastante los tejemanejes del teatro alternativo, me dijo…”No puedo estrenar a Nieva en mi sala porque no es contemporáneo ni alternativo”. Ese señor ya no está en el teatro por suerte y Nieva sigue subiendo sus delirios y locuras a las tablas. Solo queda una semana de funciones, no se la pierdan, es una fiesta para los sentidos y Guillermo Heras ha dirigido la función con mano invisible, para que el autor se instale por derecho propio en el cuerpo de los geniales actores y en el escenario del María Guerrero. No pude celebrar de mejor modo el Día Internacional del Teatro que acudiendo a ver Salvator Rosa.
Adolfo Simón

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MÓNICA RUNDE-10 & 10: Las instituciones en vez de ayudar a la danza contemporánea la están endeudando y lo peor es que parece que no les importa.

runde¿Cómo llegas a la danza contemporánea?…
Bailando la Bella Durmiente… me dí cuenta que eso era lo que NO quería hacer. Asi que un poco por la necesidad de contar cosas con un lenguaje propio, o al menos que yo sintiera que era más mío que el ballet clásico.

¿Cómo fue surgiendo tu personal lenguaje en el escenario?…
Poco a poco, escuchando mi cuerpo y dejándome llevar por el y por lo que quería contar. En el fondo y la forma el lenguaje de un coreógrafo contemporáneo está muy unido a la particular escritura de su cuerpo y como este se mueve.

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¿Cómo surge 10 & 10?…
Éramos un grupo de buenos bailarines trabajando juntos en una compañía en la que no nos era posible desarrollar nuestras inquietudes como creadores y donde estábamos cada uno de nosotros demasiado encasillados en determinados papeles como intérpretes. Necesitábamos crear e interpretar otras cosas. Eso unido a que Pedro Berdäyes decidiera presentarse al Certamen Coreografico de Madrid y ganáramos el primer premio nos dio el impulso para crear nuestra propia compañía. También que en Madrid en aquella época se respiraba creatividad en las artes escénicas en general y desde las instituciones se fomentaba e impulsaba en particular a la danza contemporánea. Apareció el Festival Madrid en Danza, la Sala Olimpia y su Danza en Diciembre, el Certamen Coreográfico por donde pasaron casi todos los coreógrafos del país… era el cultivo perfecto para que naciéramos.

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¿Qué balance haces de los veinticinco años de 10 & 10?…¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de este tiempo?…
Es muy dificil hacer balance positivo desde una compañía de danza contemporánea española sin hacer comparativas con otros países europeos o americanos (¿y si hubiéramos fundado 10 & 10 en Alemania, o Francia, o Méjico, o Brasil…?) y no caer en la queja, pero siempre intento ser positiva.

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Cronológicamente:
Tuvimos la suerte de triunfar con el primer programa, de formar parte de esa nueva danza de España a la que se apoyaba tanto desde las instituciones de España y en nuestro caso Madrid (*) como desde los festivales internacionales europeos. Apoyos casi desde el inicio a nivel institucional (INAEM y CAM), como particular (Lola de Ávila nos cedió parte de su estudio para ensayar a diario durante años hasta que cerró la escuela María de Ávila en Madrid). Los noventa fueron años de muchísima exhibición en Europa y de abrir camino en España. En el 2000 llegó el Premio Nacional que nos ayudó a seguir adelante gracias a la aportación económica que traía bajo el brazo. Entonces ya teníamos nuestro propio local de ensayo lo que nos dio una gran libertad para concebir escenografías más espectaculares (teníamos donde almacenarlas y al tiempo poder ensayar con ellas), tener un elenco estable y por lo tanto la posibilidad de ”rodar” con muchos programas a la vez.
Pero las ayudas cambiaron con la entrada en la CEE y el tipo de estructura que las compañías teníamos planteado pasó a ser dificil de mantener. La suerte de cruzarse en nuestro camino nuestra otra gran mecenas, Cristina Rota, que nos ofreció residencia en el Centro de Nuevos Creadores – Sala Mirador. La mudanza significó seguir teniendo un lugar donde ensayar a diario, un local donde estrenar y por fin hacer temporada – en lugar de los dos o tres días de cuando te programan en un festival-pero también trajo el deshacernos de una gran cantidad de escenografía (económicamente no nos podíamos permitir pagar un almacén y tampoco nos interesaba sino podíamos utilizarla en el diario). Rota apostó muy fuerte por la danza contemporánea, hicimos temporadas de un mes, creamos festivales y un lugar donde compartir espacio con el teatro, pero a mediados de los 2000 han vuelto a cambiar, bueno en este caso a menguar y algunas desaparecer, las ayudas a la danza y tanto 10 & 10 como la Mirador tenemos que buscar la manera de flotar dentro de este caos. Eso nos ha alejado a nuestro pesar, obviamente las Salas llenan más con temporadas teatrales que con la danza. El público de danza a bajado un 50%, es un hecho.

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25 años de creación, de abrir caminos, de crear lazos con otros creadores aquí y allá, a un tiempo, sentir que estas empezando de nuevo cada año y que cuando entras en ciertas instituciones y círculos te siguen mirando con cierta condescendencia y me encantaría que me miraran como una creadora con 25 años de carrera o una intérprete con 35 y la mirada fuera más respetuosa, creo que me lo he ganado.
Anyway, la danza sigue sin tener su sitio en este país.

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¿Es importante tener colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?… ¿En qué medida participan del proceso de creación?…
Para mi el proceso creativo es lo mejor de una producción, gestar lo que será y las reuniones con el equipo artístico.
El equipo creativo es fundamental y participan al 100% en el proceso de creación. Una idea genial de escenografía o vestuario o luz o música o…puede definir el camino a seguir, incluso el detonante de la coreografía. A mi me gusta trabajar con el equipo antes de encerrarme en la sala de ensayo con los bailarines porque se que me van a regalar un montón de ideas que luego desarrollaré en el estudio.
Me gustan mucho esas reuniones de trabajo de exponer ideas y ver como te las rebotan mejoradas, ampliadas, dadas la vuelta… y esas cenas de después – en las que sigues hablando de la creación – no tienen precio.
También es verdad que en el proceso con los bailarines se siguen gestando cambios, en los que tanto ellos como el equipo artístico participan.

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Impartes cursos habitualmente…¿Cómo enfocas el trabajo en ellos…?¿Cuáles son los objetivos?…
Imparto cursos a colectivos muy distintos eso hace que el enfoque sea distinto en unos u otros. No es lo mismo impartir una clase o un taller a actores, a bailarines o a futuros pedagogos (el caso de los cursos que imparto en el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila). Llevo más de 35 años impartiendo clases y con los años he aprendido la importancia de traspasar la experiencia, a veces es más importante eso que enseñar la técnica precisa de un movimiento o teoría de la composición.
Antes preparaba las clases al milímetro, ahora primero tanteo el grupo intuyo sus necesidades y desde ahí desarrollo el curso. Hace años que no preparo un curso y me dejo llevar por las necesidades del grupo.

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¿Qué utilidad han tenido los premios en tu carrera?…
En este país los premios tienen poca utilidad, te dan una gran alegría cuando los recibes y suelen sacarte de atolladeros económicos, como fue el caso del Nacional de Danza que consiguió que no cerráramos la compañía y pudiéramos pagar las deudas que teníamos en ese momento. Al ser casi todos ellos anuales es como ser algo protagonista ese año, al siguiente ya pasó y la banda y la corona pasan a otra cabeza y otro hombro. Me gustaría que esos premios fueran un reconocimiento de verdad a qué has hecho y un respeto a tu obra.
En general creo que en este país te reconocen en un momento dado tu perseverancia, pero esos mismos que te entregan el premio es más que probable que no hayan visto más que uno o dos (con suerte) de tus trabajos. Por supuesto hay excepciones.

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¿Cómo ves el panorama de la danza contemporánea en nuestro país?¿Qué colectivos te interesan?…
No es el mejor momento, pero tampoco es el peor como le gusta decir a algunos.
Ayer leí en el anuario de la SGAE que las funciones de danza han caído un 50 por ciento, junto con la recaudación y el número de espectadores. Eso si que es preocupante porque toda la labor de conseguir unos espacios de exhibición y un público que hemos hecho las compañías a lo largo de los años ha desaparecido en un plís plás.
Si está peor la implicación de las instituciones, tienen menos presupuesto, pero sobre todo menos interés. Somos en cierto modo el I+D+I de nuestro sector y ahora la prioridad en todos los campos es lo que es económicamente efectivo al instante.
Si no interesa la investigación en ciencia o medicina como va a interesar en artes escénicas.
Nunca hemos tenido los apoyos que otras compañías europeas tienen en sus países ni el mismo respeto como creadores y ahora…menos.
Como te he dicho, siempre han interesado los colectivos que por algo reciben ese adjetivo, colectivos…

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¿Qué temas o propuestas te seducen a la hora de poner en pie un proyecto?…
Ahora mismo aquellas en las que vaya a disfrutar como creadora o como intérprete. Como creadora he necesitado hablar del ser humano, de la persona como indivíduo y ser social. Eso me llevó a hablar de temas como las drogas (su abuso, adicción y la repercusión en las personas del entorno); el amor homosexual y la no aceptación por la sociedad; el maltrato a la mujer dónde me centre en el maltrato psicológico que no deja huellas en el físico pero destroza la psique de un ser humano; la emigración y el exilio y ese desgarro que crea no pertenecer a ningún país y perderlo todo en el camino… he sido una coreógrafa con un compromiso con el ser humano ”humillado”, compromiso del que me siento muy orgullosa y continuaré creando en ese sentido, aunque no sea “moderno” y no guste al programador de turno. Es mi naturaleza y me puede. Antes de una manera más narrativa, ahora desde las imágenes y la abstracción, pero me doy cuenta que la temática sigue siendo la misma. ¡Que cosas!
He redescubierto el placer de ser dirigida y creo que ese es mi proyecto inmediato. Asi que si alguien necesita una intérprete en la cincuentena…estoy a su disposición.

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¿Hay un proceso o plan de trabajo que sigues habitualmente cuando empiezas un nuevo trabajo?…Háblanos de ello…
Basicamente empiezo con mesas de trabajo con el equipo artístico, búsqueda de financiación para ver que se puede hacer de toda esa propuesta creativa, encierro en el estudio con los intérpretes y estreno. Por desgracia en este país vender danza contemporánea sin que esté estrenada y puedan ver un DVD del trabajo es prácticamente imposible, así que las compañías de danza contemporánea no tenemos la posibilidad del teatro de girar inmediatamente después del estreno. Esa parte del proceso me encantaría vivirla.

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Háblanos del proyecto que estrenáis en Madrid en Danza…
EPISODIOS – (Temporada 25).
25 años de compañía y mis 35 años de intérprete encima de los escenarios.
Deseo celebrar estos 25 años de compañía y 35 años de intérprete disfrutando de la creación de otros.
Normalmente las compañías celebran reponiendo pedacitos de obras, o convocando a los intérpretes que han pasado por ella… ¿Y desmarcarse y convocar a creadores para que celebren contigo dos cosas a la vez?
Tengo el lujo de contar para estas celebraciones con creadores que admiro, respeto y si pudiera les pondría la alfombra roja cada día que vienen a trabajar conmigo en un estudio: Pedro Berdäyes mi marido artístico durante 16 años, pareja de baile durante 20 y co-creador de 10 & 10; Carmen Werner compañera en la historia dancistica contemporánea de Madrid y a la que admiro por su capacidad compositiva y su forma de narrar el cotidiano; Luis Luque, director con inquietudes dancísticas con el que he compartido obras a los mandos de otros directores y con el que quería compartir proceso creativo; Daniel Abreu del que admiro su imaginario estético, onírico y del que he aprendido una nueva manera de moverme a mis 52; Claudia Faci, amiga, compañera en Ballets, coreografías y giras y una de las mejores dramaturgas de esta ciudad y sobre todo que me conoce desde el inicio de los tiempos; Elisa Sanz colaboradora y amiga desde… alguien con ese imaginario, esos aportes, esa vitalidad, ese pequeño gran genio creativo; y Juan Gómez Cornejo, quizás el mejor iluminador de este país…
De todos ellos soy fan y que ahora estén aquí conmigo es un lujo de esos que ocurren -o propiciamos – una vez en la vida.

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¿Cómo está afectando los recortes y el aumento del I.V.A. en vuestra compañía?…
Creo que te he contestado antes en la cronología del balance de los últimos 25 años. Pues mal, muy mal, el arte no es lo mismo que un ordenador y no podemos tener los mismos impuestos que Apple o IBM ya que no tenemos los mismos beneficios. Y te digo ordenadores porque estoy delante de uno…

¿Cómo surge la idea de apoyar a Compañías jóvenes?…
En este país antes que creador y para poder girar, pedir ayudas o simplemente alquilar un estudio para ensayar tienes que ser EMPRESA. Es decir, que para poder ser coreógrafo lo primero es gastar un montón de dinero, que no tienes… ¿que memos que prestar tu infraestructura para que otra persona se pueda beneficiar?.

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¿Se pueden plantear propuestas arriesgadas hoy?…
Si no pretendes vivir de esto si.
Si quieres vivir de esto mejor monta un clásico español.

¿Qué le dirías a un joven que empiece hoy en la danza?…
Que emigre y aprenda igual que lo hicimos muchos hace 35 años cuando la situación en este país era la que era. Yo, con 30 años menos, ni me lo pensaría.
Entonces no había compañías ni programación, ¿ahora?…

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¿Qué le pedirías a las Instituciones Culturales para la danza?…
Que piensen que están haciendo y si sirve para algo.
Que colaboren con el sector que lleva dando señales años.
Que no metan en el mismo saco la danza contemporánea, el flamenco, el ballet clásico… sino meten en el mismo saco la dramaturgia contemporánea y los clásicos porque la danza no tiene también ante sus ojos esa diversidad y diferencias.
Que la danza, como el teatro (Teatro Valle Inclán, María Guerrero, Fernán Gomez,etc….), la música (Auditorio Nacional,etc) y lírica (Teatro Real, de la Zarzuela, etc) también necesita un espacio de creación y exhibición propios, un teatro de la Danza que ayudaría a crear público y a los creadores a tener un espacio escénico en condiciones para presentar sus trabajos.
Que piensen lo que significa una ayuda a gira por el extranjero o ayuda a la producción a una compañía – montones de billetes de avión, salarios de ensayos, seguridad social… – y no nos paguen esas ayudas hasta que la gira y la producción se han terminado… Están dando una ayudas que a corto plazo en vez de ayudar están endeudando a un montón de creadores, estamos representando a la cultura y una supuesta marca España en el mundo en condiciones penosas porque no tenemos medios – a tiempo – y están fomentando que las compañías desaparezcan bajo las deudas.
Las instituciones en vez de ayudar a la danza contemporánea la están endeudando y lo peor es que parece que no les importa.

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¿Qué referentes en la danza internacional tienes?…
Susanne Linke y Pina Bausch son los más fuertes. Debe ser la genética, me gusta el trabajo alemán mucho más que otros. Últimamente mis referentes son más videográficos y pictóricos que dancisticos.

> (*) Quisiera dar las gracias a las personas que desde las instituciones nos apoyaron e impulsaron en nuestros inicios. En el Ministerio de Cultura el entonces asesor de danza Roger Salas y Guillermo Heras director del C.N.N.T.E. – Sala Olimpia (Centro Nacional de Nuevas Tendencias Escénicas); del Ayuntamiento de Madrid: Eduardo López que entonces trabajaba en el Centro Cultural de la Villa (Teatro Fernando Fernán Gómez ahora, más o menos…) y de la Comunidad de Madrid la que era asesora de danza Laura Kumin. Gracias a todos ellos por impulsar la danza y darle los medios para desarrollarse y tomar presencia en el desierto que entonces era Madrid respecto a la danza contemporánea.

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Vicente Colomar: “El teatro es siempre un gesto político y una forma de conocimiento palpitante, poético, trascendente”

colomar¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Cuando era pequeño mi pasión era el ballet. Mis hermanas bailaban y a mi me apasionaba pero en los años 80 en una pequeña ciudad de provincias como Oviedo bailar para un chico no era fácil en ningún sentido. Así qué cuando me hice adolescente busque algo parecido y entré en el grupo de teatro del instituto. De ahí a las escuela de teatro de Gijon ITAE y dos años después a la RESAD de Madrid.

En la RESAD te educan para que cuando termines la escuela te sientes en tu casa a esperar que te llamen de un nacional para hacer cuatro frasecitas ( cosa que rara vez pasa) no te dan herramientas para defenderte en la profesión ni te enseñan nada útil. No piensan que el actor sea un creador. Por eso los primeros años estuve un poco paralizado a expensas de los proyectos que me llamaban. Y, como me llamaban con cierta regularidad, me acomode a esa situación y me dedique a gastarme el dinero por las discotecas. Con el paso del tiempo me di cuenta de que mis necesidades eran otras y empezó a dirigir escribir, producir, enseñar, investigar, estudiar….

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¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Una ensalada muy mal aliñada. Por qué quiero adelgazar

¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
No hago balances por qué me mareo.

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
El teatro puede ser útil para muchas cosas: educar, integrar, reivindicar, ganar dinero.. Pero esa no es su auténtica función. Creo que el teatro, como todas las artes, debe proponer disidencias estéticas que nos ayuden a percibir la realidad de una forma diferente y construir así un mundo nuevo. El teatro es siempre un gesto político y una forma de conocimiento palpitante, poético, trascendente.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Llevo dos años trabajando en esta pieza que presento en Kubik Fabrik. También durante el año pasado trabaje como actor en “Algunas especies en vías de extinción” producida por el Centro Dramático Nacional y dirigida por Aitana Galán para el María Guerrero. Colaboré con el Grupo de Teatro Yeses integrado por internas del centro penitenciario Alcalá Meco. Formé parte del cursos de estudios avanzados Teatralidades Expandidas Redes de Afecto dirigido por José Antonio Sánchez en el Centro de Arte Reina Sofía. Y trabaje como cuentacuentos infantil con mi propio espectáculo. También alguna aparición televisiva y esas cosas. Diversificarse o morir.

¿Cómo surgió la propuesta que presentas en KUBIK?…Háblanos de ella…
Esta pieza viene de un proyecto de investigación más amplio con el que he estado en residencia en Matadero Madrid y en L’Estruch en Sabadell entre otros sitios. Es un trabajo sobre lo común y lo colectivo, y propone un cambio ontológico en la idea del individuo .Este es un proyecto largo y complejo en el que intervienen varios performers. Llegado un determinado momento sentí la necesidad de presentar mi trabajo ante los espectadores, ganar visibilidad y hacer algunos bolillos. Así que con los descartes de este proceso de investigación y otros materiales forcé un poco el proceso y saque esta pieza en la que actúo solo aunque he tenido la inestimable ayuda de Raúl Marcos, Ricardo Santana y Jesús Tejido en la parte técnica (no se trabajar sólo).
El trabajo final es una reflexión sobre la construcción de la identidad a través de los códigos sentimentales (sobre el capitalismo sentimental).

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¿Cuál es tu método de trabajo?¿Cómo creas tus personajes-propuestas?…
Para mí la metodología es algo flexible, poroso, amoldable. Por eso en cada trabajo desarrollo dispositivos específicos para cada línea de investigación.
Dentro del proyecto La Casa en el Árbol he trabajado hasta ahora con el video y los lenguajes audiovisuales siempre desde un perspectiva teatral. Me interesa todo lo que ocurre en el fuera de campo. Digamos que trabajo con la disolución del cine en la práctica escénica.

¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Lo del IVA es terrible pero no creo que sea un problema específico del teatro. Si seguimos protestando por el IVA corremos el riesgo de que lo bajen y seguir igual de mal. Pelear por el IVA es aceptar (aunque sea de manera implícita) las políticas de industria cultural que han destrozado la profesión, es aceptar esa posición. El señor Pedro Sánchez ya ha dicho que nos lo va a bajar si gobierna. ¿Alguien se cree que este señor va a solucionar la problemática del teatro o del arte en este país? .
Nuestra lucha es mucho más profunda, más terrible, más desgarradora. No se puede nadar y guardar la ropa.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
La Opera Orfeo y Euridice de Gluk dirigida por Romeo Castellucci. Una absoluta obra maestra. Lo mejor es que alguien colgó en facebook el link y la vi completamente gratis. Te lo puedes creer?? Es absolutamente maravilloso. Tener acceso a ese material que ha modificado mi perspectiva sobre el teatro de una forma tan sencilla y gratis!. Estas son las maravillas de los tiempos moderno, para mi es algo como el descubrimiento del fuego. Cultura libre! Algo que nos quieren quitar. A eso me refiero cuando digo que nuestra lucha es mucho más profunda, más compleja.

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¿Proyectos?…
Ahora mismo estoy dirigiendo el proyecto de teatro comunitario del Corral de Alcalá dependiente de la Abadía que presento los días 9, 10, 11, 12 de octubre “Viejos soldados hidalgos y pobres”. El día 16 de octubre estreno en Cuarta Pared “Las Neurosis Sexuales de Nuestros Padres” de Lukas Bärfuss en la que trabajo como actor y con la que estaremos tres semanas. A principios de 2015 en colaboración con Armadillo realizare el trabajo escénico “Un Alma Buena” inspirado en el “El Alma Buena de Sesuan” de Beltor Brecht producido por Oxfam Intermon. En Noviembre estaré con mis cuentos en Kubik Fabrik. Creo que volveré a colaborar con el grupo Yeses. Me han ofrecido ser el director artístico de toda la animación del parque Tivoli. Y, si nada se tuerce, este año empiezo a escribir mi tesis doctoral que me hace muchísima ilusión. Aaaa y espero hacer algunos bolos con La Invasión de los Ladrones de Cuerpos que presento ahora en Kubik Fabrik. Como comentaba antes diversificarse o morir.


Confedrama Oraciones de María (Guerrero), conferencia dramatizada, escrita y dirigida por Ernesto Caballero.

Confedrama es un género híbrido entre la disertación académica y la escenificación teatral. En este caso, el objeto de exposición es la evolución de la oralidad en el teatro en los últimos cien años. Dos actrices (Ester Bellver y Elena González) recorrerán la escena española del siglo XX encarnadas en algunas de sus más destacadas antecesoras (María Guerrero, Margarita Xirgu, Elvira Noriega, etc…) que debatirán en tono humorístico los cambios del habla tanto en la calle como en los escenarios durante este último siglo al tiempo que interpretan textos significativos de diferentes dramaturgos.

9 de junio de 2014
Biblioteca Nacional. (Salón de actos)
Entrega de entradas desde las 18:00 horas hasta completar aforo.
Horario: 19:00 horas.

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Estampas del teatro en los cuarenta de Blanca Baltés en el CDN

Esta pieza sencilla de teatro-homenaje a una época no tan lejana, representada en el mismo lugar donde estuvo la cafetería del María Guerrero en la que los cómicos se encontraban tras las representaciones de ese tiempo y no muy lejos del Café Gijón donde también se tejían muchos proyectos…Es una mirada necesaria a un tiempo no tan alejado del presente y que no parece tan diferente a lo que estamos viviendo hoy en la escena nacional. Es verdad que, entonces, los artistas tenían que luchar contra viento y marea para conseguir dignificar su trabajo pero hoy, más de medio siglo después, solo ha cambiado una cosa, que el enemigo no está claro y además, tiene licencia democrática, pero en lo concreto, en el día a día, en el juego por hacer un pulso para que el teatro se amordace y no muestre los dientes que siempre le ha permitido ser el verdadero púlpito vivo de la sociedad, en eso, vivimos tiempos parecidos. Está bien mirar la historia, conocer otros momentos de este país a nivel cultural, para no despistarnos, para estar alertas, porque no todo lo que reluce es oro. Y de paso, oír nombres de nuestra historia teatral que, curiosamente, solo los más mayores o los que amamos profundamente este arte, recordamos. Miremos las estampas de los cuarenta y descubramos en detalles de la sencilla puesta en escena que el pasado puede ser hoy.
Adolfo Simón

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Nieve de Medina: El arte es fundamental para el ser humano

nieve-0¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?… Yo venía de la danza de haber sido bailarina y sin darme cuenta empecé con un grupo de amigos a hacer performance en bares de Madrid allá por los años 80. De ahí pasé inmediatamente al laboratorio Teatral de William Layton y todo comenzó ahí. Al terminar la escuela ayudada por un compañero montamos un monólogo de Mario Fratti que se llamaba “La Hungara” y desde entonces.

¿Realizaste otras facetas además de la actuación?… Si. Di clases de gimnasia de mantenimiento en Centros Culturales, he hecho zancos, malabares, me he metido en el muñeco mascota del Parque de Atracciones, he hecho pasacalles, he dado clases de teatro y por supuesto al empezar estuve casi diez años de camarera trabajando los fines de semana. Lo peor que he hecho, se robó la luz de mi cara y mucha de mi voz, fue un infierno, ni me drogaba, ni bebía, ni fumaba y odio la música a todo volumen.

¿Qué es el teatro para ti?…Es arte. Aunque a veces uno no llega a hacer arte.. en sí lo es. Una manifestación artística un lujo poder incluirse ahí dentro mientras estemos vivos.

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¿Por qué haces teatro?… Creo que es lo más apropiado que puedo hacer en este sistema que nos hemos inventado para vivir con mis emociones, mis pasiones, mi gusto estético y mi forma de ver la existencia, es el único refugio donde poder estar en plenitud. Quizá podría hacer otras cosas, sí es cierto pero no quiero porque mis condiciones son favorables para esto y no debo tirarlas.

¿Qué balance harías sobre trayectoria?… Puf no me atrevo todavía; soy mayor pero no tanto. Javier Angulo director del por entonces Fotogramas cuando todo el follón que supuso Los Lunes al Sol en mi carrera, dijo de mi, que yo era una flor rara. Puede que tenga razón. Me gusta mi trabajo y hay cosas que aún no teniendo para comer no las he cogido no porque no fuesen dignas, simplemente no quería estar ahí, no quería eso en ese momento, creo que estos pasos han condicionado mi carrera mucho, sobre todo en cine que no perdona. Además de una manera muy personal de hacer y de un físico no muy comercial y singular. Pero estoy tranquila conmigo y con mi trabajo, es muy importante ser fiel a uno mismo y más si te dedicas a esto. Hay demasiado ruido, demasiado alboroto en esta profesión, uno no debe perder su meta, su norte. Hay que permanecer firme. Uno tiene el deber de amarse, si no nada funcionará.

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?… La de siempre, ser un espejo, para todos, un lugar al que asomarse cualquiera de nosotros para descubrir que la realidad no es como creemos; que puede ser otra. El teatro debe ser un lugar de arte. Un lugar donde preguntarse cosas, un lugar por supuesto para soñar, para escuchar el sonido y el aire de la poesía. Un arma política un lugar de catarsis… de cambios… de crisis.

¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Este año empecé en Enero terminando unos bolos de Atlas de Geografía Humana función sobre una novela de Almudena Grandes de la que me quedaban varios funciones por provincia. Inmediatamente empecé los ensayos de La Punta del Iceberg, función que estoy representando en La Abadía de Madrid hasta el 30 de Marzo. Por otro lado en cine se estrena este año, el 27 de Marzo, la segunda parte de una película que hice hace 10 años (1 Franco 14 pesetas) que se titula 2Francos 40 pesetas dirigida por Carlos Iglesias y rodada en Agosto de 2012. Por mi cuenta he rodado un documental sobre un personaje anónimo de la movida madrileña, una persona que se malogró y no llegó a realizar lo que quería, espero estrenarlo en breve en Madrid. Estoy en busca de sala para proyectarlo.

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Háblanos de estos trabajos…
Puf… De Atlas de Geografía Humana tengo poco que contar, fue un montaje duro para mí, hacía un personaje de comedia muy divertido y muy loco, me lo pasaba bien, pero estuvimos dos temporadas en el María Guerrero y en la primera, durante las representaciones murió mi padre y en la segunda murió mi hermana del alma todo eso y más cosas que no vienen a cuento hace que me aleje con amor pero sin pausa de aquel montaje.
De La Punta del Iceberg podría hablar horas, es el proyecto que me tiene atrapada en este momento, me hace muy feliz, es la primera vez que una casa como La Abadía confía tanto en esta “flor rara”. Ha sido una bendición, es un lujo, mis compañeros son adorables, estoy en el estado ese de los primeros seis meses de relación con alguien, es decir en la fase del enamoramiento y la pasión. Estar a las órdenes de Sergi Belbel ha sido algo delicioso. Todos los días empiezo con ese miedo que impone la responsabilidad de llevar todo el peso de una función pero en cuanto me veo a mí misma en la penúltima escena lo único que quiero es detener el tiempo, que no se acabe, que no acabe nunca. Me invento (porque yo escribo también) escenas continuamente en mi cabeza para continuar la función para poder prolongarla… Necesito una segunda parte de La Punta del Iceberg… Es hasta ahora el proyecto de teatro que más me ha reconfortado y que más he amado.
De la película de Carlos… Se me escapa; la rodé hace dos años es una segunda parte… Esto no me había pasado nunca, me ha parecido muy divertido… Esta vez en comedia, al cien por cien, con guiños (respetando a los genios) a Berlanga y Azcona… y es estupendo estar en ese tipo de pelis porque yo que vengo de una carrera en la que se me ha identificado mucho con el drama, es muy bueno descolocar al espectador con mi trabajo. Estoy contenta de mi trabajo en “2Francos 40 Pesetas” se estrena el 28 de Marzo, id a verla, vais a pasar un buen rato, es una película honesta, consigue lo que se pretende… Que el espectador pase un rato muy muy agradable. Eso hoy en día me parece un logro importante.
Y de mí documental(“Por si te vas te quedas”) sólo tengo que guardar silencio, es mi primera apuesta fuerte, está dedicado a mi hermano pequeño que es esquizofrénico y al que amo más de lo que yo creía. Ha sido un viaje duro y apasionante a la vez, un reconocimiento a su persona a su talento malogrado. Rodarlo y estar con él, fue una lección para mí en todos los sentidos. Ahora sólo me queda estrenar y ver qué puede pasar. Pero sobre todo no perder el objetivo: que le sirva a él para algo. Reforzar su autoestima y su amor propio. No lo he hecho para nada más.

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¿Cómo surgió tu participación en La punta del iceberg?..
Yo conocía a Ronald Bower (Coordinador Artístico de La Abadia); le había ofrecido un texto para la Abadía hacíe años, pero no pudo ser, también había trabajado con María Ruiz hace veinte años cuando Ronald trabajaba con ella, además Ronald me había ido a ver al Teatro Lara cuando yo monté un texto mío hace tres años: “Ni con el pétalo de una rosa” y finalmente un día vino al María Guerrero a ver Atlas de Geografía Humana y se quedó a saludarme, me felicitó por el trabajo y me dijo que había perdido mi teléfono, se lo di, no se quedó ni a tomar un café… al verle marchar me pareció un poco raro. Dos días más tarde me llamó y me propuso; en palabras suyas, “ser la protagonista del nuevo montaje de La Abadía”… Me dejó clavada en el suelo, yo estaba paseando a mi perra por el parque, creo recordar que le dije: “cuando cuelgues recuerda que esta mañana has hecho feliz a una mujer”.

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Háblanos de tu personaje…
Soy Sofía Cuevas, una Ejecutiva de una Multinacional con sede en Londres que viene a Madrid a investigar por qué ha habido tres casos de suicidio en cinco meses… Para averiguarlo se va a ir entrevistando con diferentes personajes de esta empresa y de la conversación con ellos no sólo irá atando cabos para solucionar el enigma como si de un puzle o un thriler se tratase, si no que ella se irá transformando, redescubriendo. Es un viaje apasionante una autentica montaña rusa de emociones, pasiones, frustraciones, deseos, anhelos… puf… increíble. Ella es fuerte y frágil es seductora pero fría y calculadora a la vez, muy inteligente, muy preparada, con un toque masculino, pero es elegante y algo sofisticada… además de que es un personaje que necesita urgentemente una caricia… YA!, una pizca de amor antes que su soledad la devore totalmente.

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¿Cómo creas los personajes?… No tenéis espacio suficiente para esta pregunta… Ja, ja, ja, ja… No, de veras es complicado contestar. Hay personajes que los lees y sabes que no tienes nada más que hacer que estudiarte el texto, estar en situación, elegir muy bien un vestuario que te ayude a que el espectador lo vea… y ser. Sobre todo jugar a ser… como un niño pequeño cuando coge un palo de escoba, se lo mente entre las piernas y grita ¡¡Soy el jefe Indio Jerónimo!!. Otras veces resulta que se te escapa y tienes que andar no sólo documentándote si no haciendo preguntas importantes al texto o a los personajes para que te lleven a dónde está la clave del drama personal, del personaje o de su extremada ligereza, del conflicto… O trabajar de forma corporal porque la mente no ayuda en algunos casos. También a veces uno necesita algo que le ayude a situarse en un contexto o época que desconoce… Es una pregunta que se puede extender mucho.

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¿Tienes algún método?… Todo el mundo tiene un método hasta aquel que dice… yo no hago nada… Salgo y lo digo. Bien pues ese es su método… porque salir y decirlo no es moco de pavo. El mío es un método que cambia con las necesidades de cada proyecto. Pero tengo un abc que siempre me funciona. Primero leerme el texto (no todo el mundo empieza así), no es una obviedad; hay gente que empieza jugando y a partir de improvisaciones de las situaciones y de los conflictos encuentra la manera de llegar al texto. Lo segundo ver si reconozco en mí todo lo que me toca de lo que voy a tener que ocuparme y después ponerme a ello, memorizar, buscar emociones, conflictos, imaginar mucho, inventármelo todo en mi cabeza y pasarlo por el cuerpo, por lo que yo soy, que generalmente es el cuerpo, porque lo que uno es en materia y de forma tangible es el cuerpo. Aunque luego se vaya a lo mejor todo fuera, en cuanto entra la figura del director… pero no importa… nunca está de más, imaginar mucho, hay que soñar… La realidad está bien pero a veces se queda corta.

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¿Cómo ha sido el trabajo con el director?… Maravilloso. Dos semanas de lectura de texto para dejar claro lo que el quería ver y lo que podíamos dar. Otras dos semanas a toda velocidad dibujando un montaje a brochazos y después el resto del tiempo lo dedicamos a hilar fino a rellenar y a pasar constantemente las escenas para pulirlas y renegociar en algunos casos cosas con tiempo para investigar algunos puntos. Sergi Belbel no sé si es más sabio que mago o al revés. Además de una persona muy agradable y cercana. Un lujo de verdad. El es autor además de director y ayuda mucho al actor con pequeños trucos que vienen de toda una vida dedicada con pasión pero sobre todo con mucho amor a este oficio.

¿Qué proyectos tienes entre manos?… Me han ofrecido hacer de Catalina de Rusia en una Zarzuela muy especial que se va a montar en Madrid para Junio. La función se llama Catalina. No voy a cantar ni a bailar (qué más quisiera) es una propuesta diferente. Viene de la mano de un dramaturgo y director de escena, Álvaro del Amo, pero esto aún no lo he cerrado así que… pasa palabra.
Y por supuesto la gira: La gira de La Punta del Iceberg, ojalá podamos viajar por toda España y por fuera… Otro sueño… No importa, no pasa nada… esperaré.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…Poco que decir, las cifras hablan por si mismas. No ha servido para nada, más que para que se vacíen los teatros, se nos castigue a los cómicos y se redondee una política penosa y desastrosa en lo cultural de este gobierno. Pero como no me gustan los que gobiernan y no se merecen que les hagamos publicidad de su deplorable gestión y gobierno, lo dejo aquí. A esta gentuza no les dedico ni una línea más.

¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?… Soy muy mala espectadora de teatro, no es que no me guste el trabajo de mis compañeros no, no soy la típica actriz resabiada que sólo le gusta lo que hace ella. No, es que me parece que en general me acerco al teatro a ver poesía y no la encuentro. Supongo que porque soy una espectadora ávida de lo lírico… Ahora mismo no me acuerdo más que del último que vi en la Abadía, antes justo de estrenar nosotros, “Las Ratas” de Alex Rigola…

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¿Por qué?… El texto entraba como una caricia y los actores eran impecables, para mí fue un regalo. Se apagan las luces y soy una espectadora, empecé a escuchar y el texto tan hermoso se ocupó de mí.

¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?… La de siempre; el amor a lo que hacemos y la certeza de que es necesario: la sociedad necesita a personas como nosotros para que el teatro, el cine, las ficciones televisivas continúen. El arte es fundamental para el ser humano.

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José Pascual nos habla de sus trabajos para la escena

pascual¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la dirección?…
Comencé como ayudante de dirección en el CDN. Luego pasé a dirigir.

¿Tu trabajo en el teatro lo has compatibilizado con otros trabajos?…
Con ninguno reseñable.

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Todavía ninguno. Estoy inmerso en ella y me resulta difícil tomar distancia y juzgarla.

¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?…
Creo que es más variado, más atrevido también. Me parece que la situación es mucho más dinámica de lo que era antes y que autores y directores se enfrentan a su trabajo con mayor libertad y capacidad de asumir riesgos que hace unos años.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…¿Cómo surgió Kafka enamorado?…Háblanos de él…
Es una suma de circunstancias. Está por un lado mi propio interés en una obra teatral o en una idea. Después, las posibilidades de llevarla a cabo que se presenten. En el caso de “Kafka” el origen del proyecto es una propuesta que Ernesto Caballero nos hizo a Luis Araújo y a mí para trabajar juntos. Luis había leído poco antes una biografía de Kafka y estaba muy interesado en el personaje. Por mi parte, desde que leí hace años “El otro proceso de Kafka”, libro de Elías Canetti en el que analizaba la relación entre el escritor y Felice Bauer a partir de las cartas cruzadas entre ambos, tenía la idea de hacer algo con ese material. Esa confluencia de intereses y el apoyo del CDN hizo posible el espectáculo.

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¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
Sí. Es importante trabajar con colaboradores con los que te entiendas. El trabajo en común ayuda a generar ese entendimiento.

¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
“La Anarquista” y “Kafka enamorado”.

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¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Ninguno en concreto. Las posibilidades de poner en marcha un proyecto u otro dependen más a menudo de las circunstancias (producción, actores…) que de mis propias decisiones.

¿Hay algún proyecto que nunca pudiste realizar y te gustaría?…
Por supuesto, muchos, pero prefiero no detallarlos. Como digo en la respuesta anterior, el azar y las circunstancias juegan un papel importante a la hora de llevarlos a cabo.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
El efecto conjunto de ambos factores es devastador. La producción está casi paralizada. La distribución se ha reducido al mínimo y los pocos proyectos que se ponen en marcha lo hacen desde bases precarias.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
El montaje de “Ubu Roi”, dirigido por Declan Donellan, que pudo verse hace poco en el María Guerrero. Me pareció un excelente ejemplo de como abordar un clásico del siglo XX desde una mirada contemporánea y a la vez cuestionar muchas de las ideas habituales sobre la obra de Jarry.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Supongo que habrá que hacerse a la idea de que las cosas no van a cambiar en mucho tiempo, y buscar (y encontrar) nuevas maneras de poner en pie espectáculos que generen interés en los espectadores.

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Lola Casamayor nos habla de su trayectoria como actriz

casamayor¿Qué es para tí el teatro? ¿Por qué haces teatro?…
Meterte en la piel de otros, aportarles emociones, pensamientos, acciones; jugar con otros que también se transforman, y trasmitirle todo eso al espectador, hacerle que sienta con uno, que se plantee cosas y a la vez ser testigo de ese viaje al que le invitamos, eso es magia… y me da la vida.

¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Empecé en el grupo de teatro independiente Cizalla, dirigido por Enrique Centeno. El primer día que me subí a un escenario tenía tal miedo que estuve a punto de irme, pero me daba más miedo enfrentarme al director si no salía a escena que a los espectadores, así que salí… y luego ya no puede parar.

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¿Cómo surge la posibilidad de interpretar a Perfecta?
Un día me llamó Ernesto (con el que había trabajado en anteriores ocasiones) convocándome a su despacho. Suponía que era una propuesta de trabajo, y me encantó que mi amigo me la hiciera de esa manera oficial. No sabía que proyecto tenía en mente, pero cuando me contó que quería que hiciera a la Perfecta de Galdós… nunca le agradeceré bastante la apuesta que hizo conmigo.

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¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportaseis ideas en la puesta en escena?…¿Cómo ha sido el trabajo con Ernesto Caballero?…
Más que aportar ideas para la puesta en escena lo hacemos sobre acciones a realizar, formas de entender el personaje… Ernesto es enormemente abierto a lo que da el actor y hay un margen de libertad muy amplio a la hora de trabajar. Pero también hay que tener una gran ductilidad porque no para de buscar cómo mejorar el espectáculo, y va cambiando cosas incluso después del estreno y del reestreno.

¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear el personaje?…
No

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¿Por qué no haces más televisión o cine?…
No es que esté rechazando proyectos, pero hay épocas en que aparecen más posibilidades y otras que menos. Me encantan ambos medios, y estoy deseando volver a trabajar frente a la cámara.

¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz en teatro?…
Un balance harto positivo. La Perfecta producción del CDN en el María Guerrero, todo un lujo; llenando la temporada pasada, por lo que volvemos ésta. Y “Ahora empiezan las vacaciones”, una excelente versión del Pelícano de Strindberg escrita por Paco Bezerra y dirigida por Luis Luque, que disfruté interpretando con mis compañeros Juan Codina, Raquel Pérez y Raúl Tejón, en La Casa de la Portera, lo más del off madrileño, también con enorme éxito: los espectadores salían verdaderamente conmovidos.

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¿Preparas de forma distinta un personaje para audiovisual que si es para teatro?…¿Cuál es tu método?…
No, el personaje lo preparo igual, otra cosa es que la técnica para interpretarlos en un medio o en otro sea distinta. No considero que tengo un método, al final es una mezcla de cosas que has aprendido de maestros, en la escuela, de cursos, de la experiencia…

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
La de hacer de espejo de nosotros mismos, unas veces riéndonos de nosotros, otras contando nuestros dramas. Hacer pasar un buen rato al espectador, trasladándole a otro mundo, ya sea para reir, llorar, aportarle ideas, otro punto de vista sobre las cosas…

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¿Cómo está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Le están asfixiando, no se le da aire por ningún lado. Es una tremenda injusticia obviar que el teatro es cultura y considerarlo como un mero entretenimiento, y un insulto que el fútbol y los toros tengan un I.V.A. más reducido. El objetivo recaudatorio no se ha cumplido y aún así persisten en ello. Pero por otro lado el teatro está acostumbrado a estar en la cuerda floja y nunca morirá. En estos momentos de crisis galopante se están abriendo muchos espacios alternativos, mini salas, donde se representan ocasionalmente multitud de espectáculos, lo triste es que sea en régimen de autoexplotación, y que ésta vía en muchas ocasiones no sea una elección sino la única alternativa.

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¿Cuál fue la última obra de teatro que viste?¿Qué te pareció?…
El “Ubú roi” dirigido por Declan Donelan. Un excelente espectáculo magistralmente interpretado y dirigido con una libertad y una limpieza (no exenta de caos y monstruosidad) que mantienen al espectador hechizado en la butaca. La actualización de la propuesta demuestra lo vigente del texto, y su sentido del humor, la fascinación y el asco que produce es un acierto total.

¿Proyectos?…
Esperamos que “Ahora empiezan las vacaciones” tenga un mayor recorrido y demos un salto a un teatro, estamos en ello. Luego tengo un proyecto de televisión y otro de teatro, pero están demasiado en ciernes para hablar de ellos.

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Núria González nos habla de sus proyectos teatrales

nuriagon¿Cómo surge el proyecto de Taitantos?…¿De qué va la obra?…¿Y tu personaje?…
A mi me llega el texto de Olga Iglesias, lo leo y me río. Es la única manera que conozco de empezar bien con una comedia.
El asunto que aborda, el paso del tiempo y cómo lo enfrentamos cada uno, es universal: a todo el mundo le afecta, sea o no consciente de ello. Y me interesa, claro!
Y por fin está el flechazo con Susana Duarte: una mujer madura que hasta el momento se consideraba un ejemplo a seguir y de repente se siente excluída en el reino que creía haber conquistado. Con Susana todo es un “sube y baja y sube…”un rato te enfadas con ella, otro rato te ríes, otro empatizas con su vulnerabilidad…No te permite instalarte en nada…no deja respirar al espectador, ni a la actriz!.

¿Cómo ha sido el proceso de creación del montaje con el director?…
Ha sido muy interesante buscar con él a una Susana contradictoria, perdida como una amnésica en un mundo conocido, revolviéndose contra lo inevitable: con prepotencia ahora, luego con desesperación. Cómicamente desquiciada. Coté ha construido un recorrido emocional sólido por el que transita el tren Susana siempre a punto de descarrilar.

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¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz en teatro?…
El balance es muy positivo para mi:”Tres” escrita y dirigida por Juan Carlos Rubio fue un gran éxito, y disfruté con Kitti Manver, Aurora Sánchez y Octavi Pujades de muchas funciones en todas partes.
Luego repetimos con “La monja Alférez” en el María Guerrero: una aventura completamente distinta: un texto de Domingo Miras, un personaje histórico… Bueno varios: aparte de la Catalina vital y seductora, interpretaba a la monja Catalina de Aliri y al Papa Urbano VIII. Trece actores… Magia, espadas, malabares, juegos de equilibrio….todo condensado, comprimido, una locura! Precioso espectáculo, muy especial.
Y ahora TAITANTOS una comedia de Olga Iglesias Durán a la que no conocía, dirigida por Cote Soler por primera vez y por primera vez sola en el escenario…Pues otra locura!!! Mayor, creo yo!
Afortunadamente las ganas le pudieron a los miedos y por si quedaba alguna duda, el público nos llena el teatro y se engancha a la peripecia de Susana Duarte desde el minuto uno haciendo las delicias de esta actriz que no puede estar más agradecida por esta respuesta.

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¿Preparas de forma distinta un personaje para tv, cine o teatro?…¿Cuál es tu método de trabajo?…
Mi trabajo es buscar una persona en una montaña de palabras. Eso va primero siempre, si no la encuentro… Ni cine ni teatro ni tele, sin eso no hago “na”. Mucho más tarde que eso vienen las peculiaridades del medio, las directrices…Podemos hablar de diferencias si queremos(aquí hay que proyectar la voz, aquí llevas un micrófono…) pero lo básico es lo mismo: que haya personaje.
Mi método no existe, al menos de momento. Cada vez me siento impelida a abordar las cosas de forma diferente. Pero todo el mundo tiene que empezar revolviendo entre las palabras, es lo único que tienes al principio.

¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Muchas…Emocionar, hoy y siempre. Excitar nuestras mentes, hacernos pensar por nosotros mismos. Hacer que nos juntemos para disfrutar un viaje diferente.
En el caso de Taitantos ayudar a reírse de las pesadillas.

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¿Cómo está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Hablando de pesadillas!!
Yo no sabría darte cifras. Pero cada vez es todo más complicado. Hay que hacer grandes esfuerzos, desde dentro y desde fuera, para que algo salga adelante. Nosotros empujando los proyectos, los teatros tratando de facilitar el acceso y el público que no nos abandona a pesar de todo. El otro día me enteré por un compañero de que un espectáculo tan lucrativo como el fútbol no paga su 21 por ciento. Un dato más de que la cosa es una maniobra indecente y dirigida a la cultura.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Vi el “manual de la buena esposa” dirigida por Quino Falero, hicieron un gran trabajo, estuvieron fantásticas las actrices. Ahora estoy pendiente del estreno de “Las heridas del Viento” en el Lara. Deseando ver a Kitti y Daniel.

¿Proyectos?…
Que Taitantos esté mucho tiempo en cartel, y eso sólo se consigue si venís a verme, así que mi primer proyecto es convenceros de qué lo hagáis: hasta el 13 de octubre en el Teatro Lara todos los fines de semana, y a partir del 15 de octubre, todos los martes en el Alcázar Cofidis. Nos mudamos, pero no muy lejos, a la calle de Alcalá. Seguidnos, os vais a reír tengáis la edad que tengáis.

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Carlos Sarrió nos habla de la experiencia de 30 años de Cambaleo

carlossarrió¿Cómo surgió Cambaleo?… ¿Cuáles son las premisas para seleccionar los proyectos de la Compañía?…
Cambaleo nace en 1982, de la unión de siete personas que comenzaron la andadura como compañía y con intención de hacer un teatro contemporáneo, personal y que recogiera el legado de las vanguardias del siglo XX. A lo largo de todos estos años ha habido cambios y evoluciones sustanciales (empezamos haciendo teatro de calle), ahora básicamente seguimos haciendo un teatro de creación propia y en el que cada proyecto suponga un reto en algún sentido, estamos muy atentos a lo que sucede y nuestros montajes suelen ser una respuesta o una pregunta ante lo que está sucediendo.

¿Qué balance hacéis de estos años de existencia de la Compañía?…
No nos hemos parado a valorar este asunto. Para nosotros desde el principio el teatro ha sido una manera de vivir, de posicionarnos ante y en el mundo. Se podría decir que hacemos teatro para aprender a hacer teatro y también para aprender a vivir. En estos 30 años hemos hecho de todo y hemos tratado de mantener un camino que no sabemos dónde va, pero del que sí sabemos y no olvidamos de donde viene. Podríamos decir que cada nuevo espectáculo es un paso siguiente con respecto a lo que se planteaba en el anterior. De toda esta experiencia ha sobrevenido una profesión, una sala que gestionamos. Siempre hemos partido de la base de que un miembro de Cambaleo no sólo es un actor, también ha de ser director, pedagogo, dramaturgo, gestor… todos los aspectos del teatro han de tener una marca ética y estética.

¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de las diferentes producciones realizadas?
Bueno… en 30 años pasan muchas cosas, muchas personas que han estado y ahora no están, colaboraciones. Empezar haciendo teatro de calle nos llevó a desarrollar propuestas en las que la imagen era la base de la dramaturgia, poco a poco al empezar a hacer teatro “en el interior” fue apareciendo el texto y con esto el trabajo de escritura. Podemos decir que ahora es una mezcla de ambos (imagen y texto) aunque poco a poco el texto ha ido cobrando más importancia. En cualquier caso los textos con los que trabajamos son más bien ensayos, textos sin contexto, poemas, desarrollo de ideas (incluso cuando hemos trabajado diálogos), digamos que en el texto no está la puesta en escena, si lees alguno de los textos difícilmente puedes deducir cómo era el espectáculo. Hemos trabajado mucho sobre un tipo de imagen que sugiere contenido, ahora lo que pasa es que la imagen lleva también texto.

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¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?…
Para poder desarrollar un lenguaje propio es imprescindible contar con un equipo estable, puede variar con el tiempo por diversas circunstancias, se evoluciona, se cambia, pero las cosas las hacen personas y es muy interesante que un equipo de creación pueda desarrollar sus ideas a largo de varios espectáculos.

¿Os ayuda tener un espacio estable de trabajo para realizar los procesos de creación?… ¿Se trabaja así con menos presión?…
Hay muchos tipos de presión, pero desde luego tener un espacio te permite tener una relación muy particular con el tiempo, si me preguntas cuanto tardamos en hacer un espectáculo no te lo sabría decir, te puedo decir el tiempo que tardamos en el proceso final, pero el hecho de tener un espacio te permite, probar cosas dos años antes de lanzarte a la producción. Pero está la presión de mantener el espacio, gestionar una sala, hacer la programación… todo eso es un reto y no es baladí, pero vaya una cosa por la otra.

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¿Cómo es el trabajo con el equipo artístico durante los procesos?… ¿Hay una línea ética y estética en la Compañía?…
Depende mucho del espectáculo, pero se trabaja todo a la vez, aunque materiales como la escritura, proyecciones de video, selección de músicas, ideas básicas de iluminación siempre tienen un trabajo previo. Trabajamos en un tipo de teatro que sirva para la reflexión y aunque no es fácil plantear algo novedoso a las personas que vienen a vernos, lo intentamos. Sabemos que la realidad sólo se puede cambiar desde la realidad, pero en las ficciones que planteamos tratamos de dar puntos de vista nuevos o críticos con esta. Hay mucho de testimonio en los espectáculos, experiencias propias, tratamos un lenguaje actoral lo más cercano posible a nosotros mismos y aunque ser uno mismo encima de un escenario no sé si es posible, lo intentamos

¿Se pueden realizar propuestas combativas y alternativas en estos tiempos de crisis?…
Eso se puede hacer siempre y si quieres comunicarte con las personas que compartes este momento de la historia no queda más remedio, otro asunto es qué significa “combativo”, por ejemplo, nuestros espectáculo han sido siempre muy políticos aunque no siempre de la misma manera, antes de que estallara la crisis económica éramos más explícitos en la crítica social que ahora. Pienso que la defensa en escena de un lenguaje poético, ahora, es combativo, sobre todo viendo como nos empujan violentamente hacia un pensamiento único que consiste en que el papel que tienes en el mundo es producir, consumir, procrear, votar cada cuatro años y estar calladito.

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¿Tenéis espectáculos en repertorio?… ¿En gira?…
Lo de tener gira ahora, es complicado, tenemos un espectáculo para niñ@s “La Rayuela” con texto de Suzanne Lebeau y un espectáculo para adultos que es un solo de Antonio Sarrió y texto mío “Pequeño gesto”

¿Hay un planteamiento distinto si hacéis un montaje para adultos o para niños?…
Las exigencias artísticas son las mismas, pero con el teatro para la infancia somos muy meticulosos, pensamos que ahí hay una gran responsabilidad, los niños son personas como nosotros pero que tienen otras circunstancias y tratamos de llegarles con sinceridad, alejándonos de ser didácticos, sin prepotencia. En este sentido llevamos años trabajando textos de la autora canadiense Suzanne Lebeau, su compromiso con la infancia es admirable.

¿Qué proyectos tenéis entre manos?…
Ahora mismo estamos en un momento de espera… yo estoy escribiendo un nuevo texto, pero vamos a ir poco a poco.

¿Creéis que los recortes y el aumento del I.V.A. van a afectar a los proyectos de teatro?…
Creo que esta estafa financiera que estamos sufriendo, va a acabar con la Cultura tal y como la conocemos, unos años más aplicándose esta ideología financiera, basada en el empobrecimiento de la mayoría y en el recorte de libertades, nos retrotraerá a situaciones de los años 70, aunque todavía no soy capaz de prever que papel jugará el teatro en esta situación.

¿Qué montaje que hayáis visto últimamente, os ha interesado? ¿Por qué?…
Me gustó Gólgota picnic de Rodrigo García, me hizo mucha ilusión ver en el María Guerrero un espectáculo de Rodrigo. También Miniaturas de Teatro Ensalle, me gusta mucho como va creciendo esta compañía con cada nuevo espectáculo. Hay más pero lo dejaré para otro momento…

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Alicia Blas nos habla de su trayectoria como escenógrafa y pedagoga

Ablas¿Cómo fueron tus inicios en el diseño escenográfico?…
Me resulta muy extraño oír esta pregunta formalizada en pasado. Los años pasan para tod@s, pero, creo que afortunadamente, sigo considerándome una principiante. Alguien que está “empezando”; aunque lleve más de 20 años en la profesión… Bromas aparte, lo que atrajo a la frustrada alumna de arquitectura que era entonces, fue precisamente el carácter efímero del diseño escenográfico; y la posibilidad que brindaba de realizar un trabajo conceptual que, de alguna forma, “siempre queda inacabado”, pero que al mismo tiempo, y paradójicamente, es muy concreto, artesanal y definido por plazos estrictos.
En plena crisis personal, toparme con el Curso experimental de Escenografía que se ofertaba en la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid fue providencial. Los compañeros de un Taller de Maquinaría Teatral en el que participaba en la Sala Cuarta Pared, me informaron de la existencia de la convocatoria de sus primeras pruebas de acceso. Sin mucho pensarlo, me presenté al examen, y entré en la RESAD. Allí pronto tuve oportunidad de explorar, y de diseñar escenografías, con y para mis compañeros y profesores. Fue en el año 92. No he salido de allí: Primero como alumna de Escenografía, luego de la carrera de Dirección de escena, y más tarde como docente, siento mi trayectoria como parte de un contínuum fluido.

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¿Lo has compatibilizado con otros trabajos?
Claro. Sobre todo he dado clases de espacio escénico. Pienso que mi verdadera vocación es la investigación. Tampoco veo mucha diferencia entre la enseñanza y diseñar: son sólo formas de “hacerse preguntas” y de trabajar con “gente”… Me acerco a los distintos medios con igual curiosidad y respeto, e intento integrarme en las estructuras de producción en las que he tenido la suerte de participar, con idéntico compromiso personal: Siempre abierta. La experiencia en el medio teatral, por ejemplo, me ha sido muy útil en mis incursiones en el diseño publicitario, e incluso en el interiorismo. Y a la inversa… Así se aprende mucho.

¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?
Creo que soy afortunada, y más en los tiempos que corren, por encontrar un campo tan mutante en el que desarrollar mi creatividad, y mi vida… Un medio que exige una reinvención constante, y que ayuda a prepararse para los cambios y las crisis que llegan con el tiempo… Quizás en su momento, parecía una locura dedicarse a la experimentación pedagógica y al diseño teatral. Sin embargo, su inestabilidad me ha instruido para las “no muy favorables” condiciones de hoy, y me permite mantener la esperanza de seguir adelante también ahora; apoyándome en la satisfacción de hacer algo con lo que disfruto. Más allá de reconocimientos externos.

¿Cómo surgió tu participación en La Rendición? ¿Qué has querido proponer desde el espacio?
Trabajar en el espacio escénico de La Rendición ha sido una muestra de esas oportunidades de disfrute que se pueden obtener en las ocasiones imprevistas. Un verdadero regalo que empezó como un encargo, casi un reto: el lanzado por el CDN al proponerme diseñar una escenografía sostenible para las tres obras programadas como parte del Ciclo de la novela al teatro, en la pequeña Sala de la Princesa del María Guerrero. Creo que no se había hecho algo similar antes, y ha sido un privilegio que se acordaran de mí.
Incluir La Rendición en esa propuesta global parecía complejo: Una puesta en escena ya estrenada exitosamente en el Microteatro, y que partía de un proyecto muy personal impulsado por la adaptadora del texto, Isabelle Stoffel, que también lo interpretaba. Había un importante cambio de escala y la dificultad de integrarse en un equipo ya constituido; sin embargo, la relación con Isabelle y con su director, Sigfrid Monleón, fue desde el primer momento muy fluida, y pronto encontramos, tanto Pilar Velasco, la iluminadora de todo el ciclo, como yo, nexos a partir de los cuales desarrollar el aspecto espiritual, casi místico, de una temática aparentemente muy profana. Remitir a un “espacio sagrado”, íntimo y público al mismo tiempo, fue la propuesta principal del espacio.

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¿Cómo te surgieron las ideas para este proyecto? ¿Cuánto margen tuviste para crear durante el proceso?
A lo largo de todo el Ciclo, medio en serio, medio en broma, hablamos de “milagros” y “sincronías”: Las distintas influencias se conectaban con una sencillez que a veces asustaba. Como el punto de partida era aprovechar “a favor” las características de la Sala de la Princesa, y las condiciones materiales del proyecto, nunca sentí que se coartara mi libertad creativa. Además, contábamos con el apoyo del gran equipo técnico del María Guerrero, y la forma casi circular de La Princesa y la cercanía al espectador ayudaban a crear la atmósfera buscada: envolvente e inmersiva. Similar a la de los teatros anatómicos del Renacimiento italiano, y dotada de la cualidad casi táctil y sensorial característica de la arquitectura oriental, que lo emparentaba con un “espacio sagrado”.
Incluso las columnas con las que está salpicada la sala eran perfectas para remitir en esta ocasión, al ábside de un templo cristiano o al interior de una estupa budista. Rodeadas de nuestros biombos-bastidores traslúcidos, sólo tuvimos que pintarlas de los colores “adecuados”. Y estos aparecieron en una de las primeras reuniones con Sigfrid e Isabelle: En ella me contaron como Toni Benley, la autora del libro en el que está basada la obra, tenía su dormitorio enteramente pintado de dorado por el misterioso amante protagonista. Me pareció que usar el tópico del oro y el rojo púrpura podía ser interesante para crear una “sala relicario”, contenedora de memorias y recuerdos fetichizados; materializables gracias a sombras. A ambos le encantó la idea. Que Toni se emocionara cuando asistió al estreno fue un honor añadido, pero para conseguir el ambiente buscado fue decisivo que la iluminadora no sólo no se asustara ante la propuesta, sino que muy al contrario la alentara, e insistiera en las posibilidades de experimentar con la luz sobre dichas texturas. Busqué el material adecuado, e hice muchas pruebas y experimentos: añadir pan de oro al washi (papel tradicional japonés) fue un gran hallazgo… Bajo la delicada iluminación de Pilar Velasco tiene un comportamiento casi mágico.

¿En qué proyectos has participado durante el último año?
Desde mis tiempos como estudiante de escenografía, no había tenido una actividad escénica tan frenética y estimulante como la de este año. A pesar de la crisis, o quizás precisamente por ella, se están haciendo cosas… Por supuesto, no todas llegan al público, y muchas cuentan con muy pocos recursos económicos. Pero la implicación y las ganas que ponen los equipos, a veces consiguen compensar lo exiguo de las partidas presupuestarias.
Entre los que llegaron a puerto, además del espacio para La Rendición, he diseñado para el mismo ciclo del CDN, la escenografía de Atlas de geografía humana de Almudena Grandes, dirigida por Juafra Rodríguez; he colaborado con la creación de las marionetas para los audiovisuales de Los cuentos enchufados que Christina Rosenvinge presentó en la programación infantil del Día de la música del Matadero, y he participado como coordinadora del diseño del espacio escénico del Don Juan Tenorio dirigido por César Barló en el Campo de Cebada de la Plaza de la Latina.

¿Qué proyectos tienes entre manos?
Ahora estamos sumergidos en los ensayos de la última obra del ciclo del CDN: Kafka enamorado. Está siendo muy interesante, porque José Pascual, su director, lo está planteando como un trabajo en proceso, con todo el equipo implicado en los ensayos. Incluyendo el autor del texto, Luis Araujo… Se estrena a mediados de marzo.
Para después, estoy involucrada en un par de proyectos promovidos por jóvenes directores. Casualmente, ambos parten de ideas de creación y autoría colectiva; así que, de distinta forma, seguiré en la misma línea. No puedo adelantar mucho, porque aún no están del todo en marcha, y no quiero gafarlos.
Lo que si he hecho ya, es matricularme en un Máster en Redes Sociales y Aprendizaje Digital. Me gustaría, gracias a él, relacionar las estructuras horizontales de aprendizaje cooperativo que se desarrollan en las redes sociales, con mis clases de Pedagogía Teatral en la RESAD y con la práctica creativa en el teatro. Investigar sobre esto, es mi próximo gran proyecto personal. A ver si consigo encauzarlo…

¿Crees que los recortes y el aumento del I.V.A. van a afectar a los proyectos de teatro?
Los recortes y la subida del I.V.A. no sólo afectarán, sino que ya están afectando al teatro… Como el resto de las consecuencias de la crisis sistémica que nos asola. Lo hacen a la sociedad en su conjunto y a los proyectos vitales de todos sus ciudadanos, así que no podemos pretender permanecer en una isla. El teatro, como el resto de la cultura, forma, y debe formar parte, de la colectividad. En lo bueno y en lo malo… Únicamente espero que no sólo lleguen los aspectos más negativos. Quiero ser optimista, y tengo fe en que las transformaciones también pueden traer cosas buenas: Nuevas formas de trabajar, de vivir y de desarrollar la creatividad… Algo se atisba en las redes sociales y en las asambleas ciudadanas. Desgraciadamente, como en tantos otros aspectos, parece que siempre son los más débiles los más perjudicados, y muchas de esas esperanzas están viéndose frustradas.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado? ¿Por qué?
Como dije antes, creo que se están haciendo cosas interesantes y diversas. Me cuesta elegir; pero ya que tengo que hacerlo, voy a seleccionar dos que destacaron por la ambición de sus “dimensiones” y, cada una a su manera, por su riesgo. Sobre todo en el “espacio”. Ya que no se desarrollaron en ámbitos escénicos convencionales.
La primera, y aunque puede estar mal destacarlo aquí, porque participé de alguna manera en ella, es el Don Juan Tenorio 2012 del Campo de la Cebada. Pero mi colaboración como coordinadora de espacio, fue lo suficientemente despegada, como para poder valorarlo como espectadora… Me interesó la utilización de un lugar público y al aire libre, para contar una historia a través de un recorrido físico que lo vinculaba con la arquitectura pre-existente. El intento de recuperar un ritual de encuentro comunitario por medio de un texto muy popular y tradicionalmente asociado a un momento del año, la relación con el barrio en su fase de ensayos y construcción, y fundamentalmente la ilusión puesta por un equipo enorme que trabajó sin ningún tipo de contrapartida económica, pero con gran profesionalidad y dedicación. El propio proceso fue un ejemplo de cómo se puede trabajar en red, en comunidad, y ejemplifica que, como decía su director César Barló, repartiendo el trabajo y aunando voluntades, pueden hacerse grandes cosas con pocos medios económicos.
La otra propuesta está en las antípodas como producción; ya que fue una de las más costosas del año: aproximadamente un millón de euros. También se pensó para una estructura espacial poco frecuente: circular completa. Juego de cartas 1: Picas, de Robert Lepage, en el Teatro Circo Price de Madrid, fue muy criticada desde ciertos sectores. En general, puede ser comprensible no “ver bien” que, en una época como la actual, se inviertan tantos recursos en una obra que para su estreno mundial, llevado a cabo en España, ni siquiera estaba “acabada”… Sin embargo, si lo analizamos como parte de una producción en proceso, en la que salas de más de 13 países de todo el mundo, se han unido para fomentar la experimentación teatral y crear la Red de espacios circulares 360º, adquiere otra perspectiva. Esa es la mía.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Bueno te diré lo que suelo recomendar a mis alumnos: Creo que no hay que perder la esperanza y las ilusiones. No hay que ser impaciente, ni dejarse llevar por el desaliento. Me parece que romper la mediocridad gris de la depresión social y resistir a la tiranía de los apremios es una forma de rebeldía.
Pero es difícil: Las cambios importantes llevan su tiempo, y ahora podemos estar en uno de dimensiones enormes. Mientras ocurren, “hay que seguir comiendo”, así que la mayoría estamos abocados a hacer un arte de trincheras y resistencia… Supongo que hay que cambiar de prioridades. Estoy muy orgullosa de que muchos de mis antiguos y nuevos alumnos, ahora convertidos en compañeros y maestros, sean mis guías para este viaje. El punto de vista de la gente más joven, me está ayudando a asumir las difíciles transformaciones que el nuevo paradigma cultural obliga a hacer; con su capacidad de adaptación y flexibilidad, su generosidad y su sentido del colectivo y la comunidad… Sólo instalados en la cultura de lo que está por venir y evolucionar, se puede valorar positivamente lo que nos está tocando vivir: la crisis, la decadencia, lo inacabado, lo mudable e incompleto; y podremos encontrar la belleza y el disfrute en las cosas no convencionales, sencillas, algo toscas e imperfectas. Ya que sólo dando importancia lo que tenemos cerca y dentro, podremos alcanzar las cotas más altas y lejanas; personales y profesionales. Como dice David Lynch en Atrapa el pez dorado: Las ideas son como peces. Si quieres pescar pececitos, puedes permanecer en aguas poco profundas. Pero si quieres pescar un gran pez dorado, tienes que adentrarte en aguas más profundas. En las profundidades, los peces son más poderosos y puros. Son enormes y abstractos. Y muy bellos.
Desgraciada, o afortunadamente, nos hemos quedado casi sin “pececitos”… Así que no nos queda otro remedio que buscar nuevos caladeros, aún por explorar. Para mí, la sistematización de un trabajo procesual, la búsqueda de una metodología que te permita trabajar en equipo y la aceptación de lo inevitable, sólo es una forma de ayudar a zambullirnos más al fondo, en busca de ese gran pez. Esperemos no ahogarnos en el camino.

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¿Qué es una creación Pop?…Jorge Calvo nos lo aclara en esta entrevista.

JorgeCalvo¿Cómo surge el proyecto de LAS HUÉRFANAS?…
Miguel me paso antes de verano los dos textos que tenía escritos para ver que me parecían y este me gustó para mi desde el primer momento. Le dije que quería hacerlo y que había pensado en Jose Martret para el otro personaje porque parecía escrito para que él lo interpretara. Miguel me dijo que él también había pensado en nosotros dos y ahí decidimos arrancar.

¿Hubo ocasión durante el proceso para que se modificaseis la dramaturgia los actores al realizar la puesta en escena en La casa de la portera?…
El texto no hubo que modificarlo para hacerlo en La Casa De La Portera porque desde el primer momento me pareció perfecto para hacerlo allí. Sí se hicieron cambios durante el proceso, pero los típicos que se hacen cuando se trabaja un texto con libertad y jugando con lo que los actores aportamos durante el proceso.

¿Cómo ha sido el proceso de creación?…
El proceso de creación ha sido largo, difícil y muy enriquecedor para encontrarle el punto exácto que queríamos conseguir. No ha sido solo tarea de Miguel, que estuvo en el proceso con nosotros para hacernos entender bien como eran esos personajes, se ha conseguido un equipo fuerte para hacer lo que usualmente se llama Creación Colectiva y que yo prefiero llamar Creación Pop.

Trabajas en televisión, cine…pero siempre que puedes vuelves al teatro…¿Es importante para ti?…
El teatro me fascina, me encanta, me hace sentir muy bien, es el medio en el que más cómodo me encuentro y por eso me gusta hacer buenos proyectos, desde hace mucho tiempo nunca me conformo con cualquier cosa. Respeto mucho el teatro y aunque este haciendo otra cosa siempre vuelvo. El año pasado estaba haciendo Amar En Tiempos Revueltos y no pude renunciar a hacer al mismo tiempo Luces De Bohemia y El Inspector. Acabé agotado pero mereció muchisiiiisimo la pena el esfuerzo.

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¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actor en teatro?…
El balance es muy positivo. Hacer De Ruben Darío en Luces De bohemia fue algo increíble, agradezco tanto a Lluis Homar que confiara en mi. Tabajar un texto de Valle Inclán es un lujo. Después estuve en El Inspector con Miguel Del Arco y fue otro regalazo. Me permitió crear e inventar un personaje que no estaba en la función y que se convirtió en el mejor de los tres que tenía que interpretar. Además el proceso con Lluis y con Miguel fue radicalmente distinto, no se puede pedir más…bueno si, hacer Las Huerfanas, y aquí estamos.

¿Cómo ha sido el trabajo con el director?…
Como te dije antes este no ha sido un proceso con un director como se hace habitualmente. Una Creación Pop, como a mi me gusta llamarlo, nace desde sitios intelectualmente complejos hasta lugares absolutamente intuitivos o espontáneos.

¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad actual?…
Yo creo que el teatro fundamentalmente tiene que ENTRETENER. Adoro la palabra ENTRETENIMIENTO. Que sea desde el lugar que sea pero que entretenga, y creo que se puede entretener desde muchos lugares y cada uno tiene que elegir el suyo. Además no todo el mundo se entretiene con lo mismo, se puede entretener desde la intelectualidad, desde la vanguardía o desde la comedia más ligera, o mezclando todo, porqué no? Y en cualquier caso lo importante es que haya una buena historia que contar porque si la hay enseguida se mueven conciencias.

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¿Crees que afectarán los recortes al teatro en lo que veremos durante los próximos meses en los escenarios?…
Claro que afectaran, pero no menos que lo que ya afectan desde hace mucho tiempo. Fijate que cuando Lluis Pascual dirigió Luces De Bohemía en el año 84 para el María Guerrero en el reparto había 41 actores y nosotros el año pasado en la dirigida por Lluis Homar, también para el María Guerrro, éramos 15. Estuvimos dos meses en Madrid y no pudimos hacer gira, en cambio en la de Pascual estuvieron creo que dos ó tres años. Lo del 21% de IVA es vergonzoso y una muestra clara de lo que nuestro gobierno aprecia nuestro trabajo.

¿Te preparas de manera distinta un personaje para tv, cine o teatro?…
Todos los medios son muy distintos y todos los procesos también, no tengo una receta clara para hacer los personajes, confío mucho en los directores cuando tienen muy claro su proyecto y eso hace que tu proceso de trabajo también cambie.

¿Cómo preparas los personajes?…
A mi madre, que era una gran cocinera, cuando le preguntaban como hacía sus guisos siempre respondía los mismo, “CON LAS MANOS” jjajajjajajaj…yo te digo lo mismo, no reveló los ingredientes, aunque si te diría que sigo al pie de la letra lo que me enseño Yolanda Monreal, mi profesora de interpretación, que siempre decía que lo más importante era La Observación.

Háblanos de QUÉ MARAVILLA!…¿Para cuándo una próxima?
Que Marávilla es un gran show de cabaret underground que dura varias horas y que hago cuando me apetece. Es un Espectáculo que he hecho 10 veces en tres años y que cada vez es completamente distinto. Define todo lo que yo soy,lo que me gusta y en el soy absolutamente libre. Tengo la suerte de contar con unos colaboradores de lujo, desde Jose Martret que es parte fundamental e inspiración creativa hasta un moton de artistas que han pasado por el escenario de Laydown( el local donde se representa). Desde Loles León, Alaska. Hugo Silva, Chevy Muraday, Concha Cuetos, Asier Etxeandía, Vivían Caoba, Diabeticas Aceleradas y un montón de artistas desconocidos y otros Undergound. Prometo hacer una pronto e invitarte.

¿Proyectos?…
Proyectos hay, en breve empiezo a ensayar LA CHUNGA de Vargas Llosa dirigida por Joan Ollé para el Teatro Español de Madrid.

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Ester Bellver nos habla en esta entrevista de protAgonizo y Todas a la una, sus últimos trabajos para la escena.

Ester Bellver nos habla en esta entrevista de protAgonizo y Todas a la una, sus últimos trabajos para la escena.

Me gustaría que nos contaras como ha sido el viaje de tu anterior espectáculo…Desde cómo surge hasta el recorrido particular que has experimentado con él hasta la última función…
Es muy difícil relatar en pocas palabras cuatro años de una experiencia tan intensa como protAgonizo en la que no puedo diferenciar lo profesional de lo personal. El viaje no ha terminado aún, continúan saliendo funciones y disfruto mucho haciéndolas. Aunque estrene otros espectáculos no lo voy a abandonar, quedará en repertorio.
protAgonizo no fue algo previsto, un día me puse a escribir y no paré de hacerlo en seis meses. Escribía a todas horas. No lo hacía pensando en montar un espectáculo; algo pedía salir y simplemente no me opuse a ello. Le pasé el texto a algunos allegados, entre ellos a Agustín García Calvo, autor al que admiro y estimo. Él fue quién, tras la lectura, me animó a que hiciera una representación teatral con ello. Me puse a ensayar sin muchas pretensiones: si salía algo que mereciera la pena llevar a escena bien y si no, pues lo había intentado y me había servido de entrenamiento. Tras tres meses de ensayos hice un pase abierto para cotejar el trabajo con algunos amigos. Ellos me dieron el visto bueno y no solo eso: una amiga a la que le gustó mucho se ocupó de venderme un bolo en su pueblo, Aretxabaleta. Así fue que se estrenó protAgonizo. Después traté de traerlo a Madrid y fue la sala El Montacargas quien nos dio escenario. El espectáculo tuvo un éxito inesperado, se abarrotó enseguida de público y se prorrogó hasta cuatro meses. Nos llamaron después de Triángulo y posteriormente de AZarte. En ambas salas se prorrogó. También empezaron a salir bolos por el territorio nacional y finalmente, ¡sorpresa!, nos ofrecieron presentarlo en la sala de La Princesa del teatro María Guerrero, donde también se prorrogaron las funciones. ¿Quién hubiera podido imaginar esto? Aún ahora no me creo que haya sucedido. Llevamos hasta la fecha 141 representaciones que se han ajustado a muy diversos escenarios y circunstancias. Me gustaría mucho sacarlo fuera de España, especialmente tengo la ilusión de llevarlo a Argentina, pero todavía no lo he conseguido.
No puedo dejar de hablar de otro rincón muy importante que se ha venido desarrollando en este caminar sin tampoco darme mucha cuenta y que ha sido todo un descubrimiento. Se trata del terreno de la comunicación, el “marketing”, es decir, lo que es diseñar la campaña publicitaria de un espectáculo a partir de diversas acciones o performances (buzoneo de juanolas, pintar rombos -logo del espectáculo- a tiza por las calles, pintar cartones por las basuras con la información en lugar de poner carteles, intervenir otros carteles, intervenir muebles, contenedores…, y todo tipo de deshechos. Hacer fotos a todo lo que tuviera forma de rombo a mí paso y publicarlo en facebook, dar papelitos a la gente por la calle, etc). Me lo he pasado bomba inventando y realizando multitud de juegos que, además de dar muy buenos resultados, me ha proporcionado ratos muy lúdicos. Repartiendo papelitos he disfrutado de tener un contacto directo y por tanto humano con el público. Gracias a uno de estos papelitos llegamos al CDN. Estaba un día repartiendo a la puerta del Teatro Español y era Gerardo Vera –ex director de este teatro- quien extendía su mano para recogerlo.

¿Crees que vivimos tiempos en los que hay que tomar iniciativas personales si no aparecen de otro tipo?…
Como ya los ‘abuelos’ griegos decían “las cosas cambian para seguir siendo las mismas”. No creo que estos tiempos sean especialmente diferentes de otros, siempre es difícil sacar adelante proyectos ‘no comerciales’ o sometidos a modas y sin un respaldo económico un poco holgado. Pero cuando las cosas no salen por un lado salen por otro. Confío mucho en lo inesperado, no hay que desesperar. Muchas veces nos ofuscamos en algo y no vemos más allá. La vida siempre nos sorprende con caminos que no estaban contemplados en nuestro mapa. Suelen ser los más atractivos y reveladores.

¿Cuál sientes que ha sido tu trabajo en el anterior espectáculo…actriz, dramaturga, directora…?
¡Luchar contra todas ellas! ¡Intentar liberarme de ellas!
En el programa de mano pone que soy la actriz, la autora y la directora del espectáculo; hay que rellenar la ficha artística y cumplir un poco con lo acostumbrado…, pero, en cuanto a la dirección, siempre me han dado ganas de poner: un espectáculo sin dirigir, porque esa es la sensación que tengo. He marcado una partitura con algunos movimientos, eso sí, pero me siento muy libre de improvisar cada día según las reacciones del público y del propio directo sin atender rigurosamente a la propuesta de un director. Si se tercia cambiar algo sobre la marcha, o incluso darle la vuelta, lo hago. Asumo ese riesgo. Las funciones salen muy diferentes unas de otras. El texto, aunque lo he escrito yo, es como si hubiera salido solo, como si lo hubiera escrito otro y, en el trabajo como actriz, también he atentado un poco contra las normas: rompo, no la ‘cuarta pared’, la quinta. Un ejemplo: si no me acuerdo de lo que viene en el texto no pasa nada, en lugar de disimular se lo digo tranquilamente al público y saco el libreto frente a ellos para recordarlo. Comparto en el escenario mis errores y miserias, y la gente se reconoce en ellos. Por eso nos entendemos bien. Desempeño también las labores de producción, marketing y comunicación. Este trabajo requiere muchas horas y dedicación pero lo hago con mucho gusto, es un juego para mí, otro escenario.

¿Cuáles han sido las reacciones del público durante las representaciones?…
protAgonizo es un espectáculo que emociona y toca profundamente al espectador. Haciendo este espectáculo he descubierto cuán parecidos somos y que lo que consideramos tan íntimo y particular es absolutamente común. El público se reconoce en las vivencias y recuerdos de uno. Mucha gente me ha venido a decir que sentía que le estaba contando su vida; a otros les salía dar las gracias. Yo creo que sienten que algo que estaba dormido se les ha despertado. Lo que es precioso es ver cómo de repente una persona desconocida te habla como si fueras su amiga. Es así como me tratan tras la representación.

¿Cómo ves el panorama teatral actual tras los recortes en cultura?…
¿Cómo lo voy a ver? Pues que esto se derrrumba, el sistema y con él la cultura que esté sometida a él. Tarde lo que tarde, se cae. Eso es inevitable porque este mundo, tal y como está planteado, es un despropósito. El teatro de verdad sin embargo no morirá nunca, las adversidades le hacen fuerte. Sí es verdad que tengo mis miedos y me cuestiono si se podrá seguir viviendo de él, pero en esas mismas está mucha gente de otras profesiones.

Háblanos de tu nuevo trabajo…¿Cómo surge…de qué va?…
Se titula Todas a la una y se trata de una selección de textos de diversa índole (drama, poesía, canción, relato, romance, cuento…) de Agustín García Calvo. Ya os he comentado antes que es un autor al que admiro mucho. Agustín es Premio Nacional de Teatro, de Ensayo y de Traducción. Sin embargo, su extensa, rica y variada obra, inconcebiblemente está injustamente marginada de los escenarios. Con esta puesta en escena pretendo acercársela al público al menos un poco. Vaya para la muestra este botón.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
No pensar en ella, no creer mucho en esas cosas y tirar ‘pa lante’.

“Todas a la una” se podrá ver en Madrid todos los domingos de octubre y noviembre/12.