Angélica Liddell busca actrices para su próximo montaje
ATRA BILIS busca 5 chicas de entre 18 y 25 años aproximadamente para la producción «¿Qué haré yo con esta espada?», que se va a estrenar este verano en Avignon.
Las chicas han de tener pelo largo y rubio. No se requiere experiencia teatral previa, aunque sí es deseable que estén familiarizadas con la escena. En principio se trata de papeles sin texto (teatro físico). Se valorará cualquier aptitud
particular de las candidatas (baile, canto, instrumentos musicales…). Se requiere disponibilidad total en las siguientes fechas:
– período de ensayos (Madrid): 13 de mayo al 30 de junio, en horario de tarde.
– funciones: primera quincena de julio (fechas por confirmar).
Se remunerarán tanto los ensayos como las funciones.
La directora de la obra es, por supuesto, Angélica Liddell.
Las interesadas pueden enviar su currículum y dos fotos, un retrato y otra de cuerpo entero a la siguiente dirección:
borja.atrabilis@gmail.com
Angélica Liddell nos habla para QRLA de su visión y experiencia en el teatro.
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
.- el teatro es el lugar donde construyo mis cárceles y mis manicomios para poder ser, paradójicamente , más libre. Tal vez es el único lugar donde sé vivir y decir lo que pienso sin la presión del pacto social.
¿Qué balance haces de tu trayectoria como creadora de escena?…
.- Pues he pasado por procesos de trabajo muy distintos, desde los absurdos manifiestos que uno hace cuando es joven, la necesidad de justificarlo todo, hasta la aceptación de la creación como algo misterioso, demasiado complejo para ser explicado. Pero la angustia al meterse en una sala de ensayos es la misma que cuando empezaba.
¿Cómo surge el proyecto de Todo el cielo sobre la tierra(El síndrome de Wendy)?…Háblanos de la obra…
Justo después de la matanza de Utoya me marché de viaje a Shanghai. Fue allí donde empezó a formarse todo el sistema sanguíneo de la obra. Justo cuando quería hablar de la pérdida de la juventud, se cruzaron Breivick y Shanghai, y ambas cosas me revelaban el camino a seguir. Enseguida uní Utoya a Neverland, la isla del peter pan de barry, y en las calles de Shanghai encontré a unos ancianos que bailaban todo el día. De este modo la obra adquirió el asunto clásico de las tres edades. La juventud, representada por los muertos de Utoya, la madurez por Wendy, y la vejez por los bailarines de Shanghai.
¿Cómo fue el proceso de creación?…
Muy complicado. Había que traer a los ancianos de Shanghai, la orquesta de Viena, y a Mr Cho, el compositor, de Seúl. Tuvimos problemas como para llenar un libro. Uno de los muchachos que vino de Shanghai regresó a china a los tres días, se gastó todo el dinero en una maldita guitarra, lo sustituí por un joven alemán, que finalmente fue sustituido por una joven noruega…No estaba contenta con el resultado en Viena y cambié toda la primera parte un mes antes de estrenar en Avignon. Eso fue de infarto. Finalmente nuestra traductora de chino tuvo el coraje de enfrentarse a una escena con la que ahora estoy feliz.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear este espectáculo?…
No. Le doy mas importancia a la transformación. Las obras empiezan de una manera y se transforman como si fueran seres mutantes de una pelicula de Cronenberg, o algo asi, daría igual tener un referente, a veces la distancia entre el origen y la obra acabada es abismal. Podría pensarse incluso que parten de lugares distintos. Ademas le doy mucha importancia a todo lo que se va cruzando en mi camino durante el proceso.
¿Qué ha significado para ti el premio que te han concedido en la Bienal de Venecia?…
Pues fue precioso. Lo recibí con mucha ilusión, emoción. No sé. Sobre todo fue impresionante compartir ese momento con Romeo Castellucci. No puedo explicarlo bien. La experiencia en Venecia, desde el leon de plata hasta el trabajo que hice allí con doce actores fue una de las cosas mas hermosas que me han pasado en la vida. Estoy muy agradecida.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
El teatro no tiene ninguna función social. El teatro en una experiencia intima entre la obra y cada espectador, es una experiencia estética que permite al espectador entrar en crisis con su alma y con el mundo a través de la belleza. Es una epifanía.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
La cultura se crea mediante un maridaje entre la sensibilidad y el dinero. Cuando una de las dos cosas falla la cultura se derrumba. Y la mayor parte de las veces no es cuestión de dinero sino de sensibilidad. Y la sensibilidad no tiene que ver con los recortes. Muchas veces son los que se creen propietarios de la cultura los que niegan a otros creadores. Eso no se soluciona con dinero. Eso es una endogamia que no tiene solución.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
La creación no es un propósito, es algo inevitable para el creador.
¿Proyectos?…
Estoy trabajando en dos obras, una versión de la Lucrezia de Shakespeare. Y quiero seguir profundizando en la carta de san pablo a los corintios. Estrené una primera versión en el festival Citemor. Es casi una obra muda. Ahora que tengo el premio nacional de literatura dramàtica me tienta mucho hacer obras silentes. Es una manera de decir que la literatura dramàtica no existe. El teatro no es literatura dramatica.
Angélica Liddell en Todo el cielo sobre la tierra(El sindrome de Wendy)
De nuevo el misterio, el silencio, la calma que amenaza antes de la tormenta. Levedad en la escena, un ser fantasmagórico que aparece tratando de exorcizar los fantasmas de otro tiempo…Hay algo en esas imágenes que nos remite a otra época, en esos cuentos mortíferos que nos asaltan cada noche mientras dormimos, en esos sueños que se trenzan con pesadillas y que nos instalan en postales exóticas llenas de fetiches y colores imposibles. Ritual tribal, ritual mistérico, ritual mágico a fin de cuentas. Porque durante el descanso de cada sueño ha de posibilitar que volvamos a la vida con energías renovadas y no siempre es posible, a menudo, cuesta despertar y enfrentarse al día a día con una sonrisa en los labios, solo somos capaces de volver a pisar el asfalto escupiendo en él y adivinando entre las babas el futuro repugnante que nos espera porque los miedos, la impunidad…el horror, siguen instalados en nuestras cabezas y no podemos dejar de gritar hasta quedar mudos y después, llorar…y seguir…inevitablemente. Angélica, de nuevo, nos sacude y empuja al abismo.
Adolfo Simón
Avance del Festival de Otoño a Primavera
Angélica Liddell inaugurará en octubre el XXXI Festival de Otoño a Primavera
· La última obra de la dramaturga ‘Todo el cielo sobre la tierra (El síndrome de Wendy)’ podrá verse en los Teatros del Canal.
· También en octubre, Pablo Messiez presentará ‘Las palabras (Una historia de amor)’ en Cuarta Pared
· El cómico Patrice Thibaud regresará a Madrid con el estreno en España de ‘Fair Play (Juego limpio’)
06.agosto.13.- La laureada dramaturga, directora y actriz española Angélica Liddell inaugurará el próximo mes de octubre la XXXI edición del Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid. Su obra Todo el cielo sobre la tierra (El síndrome de Wendy) cierra la trilogía sobre China que la creadora inició con Maldito sea el hombre que confía en el hombre: un projet d’alphabétisation y que continúo con Ping Pang Qiu, ambas estrenadas también en pasadas ediciones del festival. Tras su aclamado paso por el Wiener Feswochen de Viena y el Festival d’Avignon, la artista estrenará ahora en España un montaje que habla de la pérdida de la juventud y del miedo a ser abandonado. La pieza, que podrá verse en los Teatros del Canal, toma como punto de partida el trágico tiroteo sucedido en 2011 en la isla noruega de Utoya, en el que perdieron la vida 69 jóvenes.
En 1993, Angélica Liddell (Figueres, 1966) fundó Atra Bilis Teatro, compañía con la que ha montado creaciones como La falsa suicida (2000), El matrimonio Palavrakis (2001), Once Upon a Time in West Asphixia (2002), Hysterica Passio (2003), Y como no se pudrió Blancanieves (2005), El año de Ricardo (2005), Boxeo para células y planetas (2006), Perro muerto en tintorería: los fuertes (2007) o Anfaegtelse (2008), entre otros títulos. El Festival de Otoño a Primavera acogió en 2011 el estreno absoluto de su montaje Maldito sea el hombre que confía en el hombre: un projet d’alphabétisation y, en 2012, el de Ping Pang Qiu. En 2009 había presentado también La casa de la fuerza, obra que causó un gran clamor dentro y fuera de España, confirmando a Liddell como una de las creadoras más interesantes del teatro contemporáneo internacional.
En palabras del teórico teatral Óscar Cornago, Liddell es acuñadora de un lenguaje de dialécticas imposibles y sus producciones oscilan entre el expresionismo desgarrador, la crítica social, la pureza, la escatología y la búsqueda del significado a través del dolor y la subversión. La artista ha sido merecedora de numerosos galardones, como el Premio de Dramaturgia Innovadora Escena Contemporánea – Casa de América 2003 por Nubila Wahlheim; el Premio SGAE de Teatro 2004 por Mi relación con la comida; o el Premio Valle-Inclán 2008 por El año de Ricardo. En 2012 recibió el Premio Nacional de Literatura Dramática por La Casa de la fuerza y, en 2013, el León de Plata de la Biennale di Venezia de Teatro. La crítica ha dicho de su teatro que es vanguardista y político, lleno de sentido y absolutamente necesario.
Otros dos grandes estrenos del festival en el mes de octubre
Tras su paso por el Teatro Palacio Valdés de Avilés, el dramaturgo, director e intérprete argentino Pablo Messiez presentará en octubre en la Sala Cuarta Pared su última creación, Las palabras (Una historia de amor). La pieza, una parábola cercana y tragicómica, habla con humor, ternura y delicadeza sobre la corrupción del lenguaje y sus consecuencias. Fiel representante de la última y aclamada generación de autores y directores argentinos, como Daniel Veronese o Claudio Tolcachir, Messiez saca de nuevo a escena (tras las exitosas piezas Los ojos y Las criadas, entre otras) su sencillez escenográfica, su particular visión de los cotidiano, la hegemonía del texto en escena y un cuidado trabajo actoral, siempre a caballo entre la comedia y la tragedia.
También en el mes de octubre, el tándem formado por el cómico y mimo francés Patrice Thibaud (heredero del buen hacer de Tati o De Funès) y el virtuoso instrumentalista Philippe Leygnac regresará a los escenarios madrileños con el estreno en España de Fair Play (Juego limpio) en los Teatros del Canal. La obra, elegante y deliciosa, reinterpreta las competiciones deportivas a golpe de carcajadas, eso sí, sin mediar ni una sola palabra en escena.
Lo mejor de la escena internacional en la Comunidad de Madrid
El Festival de Otoño a Primavera lleva más tres décadas acercando lo mejor de la creación contemporánea internacional a la Comunidad de Madrid. En esta XXXI edición, que se prolongará entre los meses de octubre de 2013 y junio de 2014, traerá a los escenarios de región (Teatros del Canal, Sala Cuarta Pared y Teatro Pradillo, entre otros) lo mejor de la escena actual. Por el momento, dentro de su programación se ha confirmado ya la presencia de creadores y compañías de renombre mundial de la talla de Peter Brook, Philippe Decouflé y su Compagnie DCA, Israel Galván y Akram Khan, Piccolo Teatro di Milano y El Conde de Torrefiel.
Desde mediados del mes de septiembre, será posible consultar la programación del XXXI Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid, la información de los espectáculos, los horarios y la venta de entradas y descuentos en la web oficial http://www.madrid.org/fo
LIDDELL EN LOS TEATROS DEL CANAL
La Sala Verde de los Teatros del Canal han presentado desde al 14 al 17 de este mes el montaje Ping Pang Qiu de Angélica Liddell, con la propia autora como actriz y acompañada de unos estupendos actores Lola Jiménez, Fabián Augusto Gómez Bohórquez, Sindo Puche y la perra Lola, todo vendido varios días antes, el público entregado a esta expresiva y comprometida mujer, que le da la vuelta a la revolución cultural china y lo explica desde el amor a China, desde el amor, hermosa palabra cuando está preñada de verdad. Un planteamiento de puesta en escena simple y honesto, un juego con sus compañeros de reparto, incluso con la perrita Lola, que va más allá y crea una complicidad que hace fácil y asequible el horror de lo que cuenta, tortura, censura, marginación, humillación como base de una sociedad que se llama así misma revolucionaria, Angélica se explica de maravilla, juega con el lenguaje incrementando notas en una repetición que se hace musical, que gusto que la autora sea capaz de decir tan bien su propio texto y la caligrafía china de excusa para seguir viviendo, he tenido la suerte de interpretar un personaje de una de sus obras y fue un regalo para mi, ahora solo me queda decir bravo y que no falten estos montajes nunca, son necesarios para hacernos pensar, para cuestionarnos nuestras ideas y saber que la belleza estalla a pesar del horror que le rodea. No hay nada más comprometido y comprometedor que decir lo que se siente de verdad y cuando se oye, qué duda cabe, el público lo agradece, tremenda ovación al final de la representación. Gracias
Ángel Savín
Paco Bezerra nos habla de sus proyectos.
¿Cómo surge el proyecto AHORA EMPIEZAN LAS VACACIONES?…¿De qué va la obra?…¿Cómo ha sido el viaje dramatúrgico de El Pelícano a tu propuesta textual?…
Luis Luque había pensado montarla, ya tenía los actores y todo, de hecho hasta había hablado con ellos y se lo había propuesto, así que me pidió hacer la versión y yo acepté. Podríamos decir que se trata de un encargo, como la obra anterior que hice con él, La escuela de la desobediencia. La obra va de una madre desnaturalizada que tiene muertos de hambre y de frío a sus hijos desde el día en que nacieron, y esto lo utilizo para hablar de nuestro presente. El viaje dramaúrgico ha partido de los personajes y conflictos del original, pero podría decirse que he reescrito la obra. He metido elementos nuevos y he eliminado a uno de los personajes. También me he inventado alguna escena que otra, la del final, por ejemplo, en la que creo que no hay ni una sola palabra escrita por Strindberg.
¿Hiciste algún tipo de documentación sobre el tema antes de realizar tu texto final?…
Partí de las lecturas del original, vi varias veces el Estudio Uno que interpretó en su día Irene Gutiérrez Caba y Tina Sáinz, y, a partir de lo que todo esto me sugirió, empecé a investigar sobre el hambre y el apetito. Entonces, descubrí una isla en la que nadie jamás había pasado nunca hambre, en el Pacífico Sur, Vanuatu se llama, el lugar con mayor calidad de vida de todo el planeta Tierra. Y eché la imaginación a volar a partir de ahí.
¿Cómo surge llevarlo a La Casa de la Portera?
Ya estaba en la propuesta de Luis, venía con el encargo, todo en el mismo paquete. Si yo no hubiese hecho la versión, él la hubiese estrenado igualmente en La casa de la portera.
Eres un autor premiado…¿Sirven los premios para que tus textos se visibilicen?…
Sí, pero para que se visibilicen los textos que no han sido premiados. Curiosamente, los textos que han ganado premios importantes no se han hecho, esos no se representan, se representan otros que me encargan, pero las obras que han ganado más premios aún no se han hecho.
¿Opinas como algunos autores, que no hay que publicar un texto hasta verlo estrenado?…
No, si yo pensara así ahora no tendría más que tres textos publicados, y dos de ellos versiones o dramaturgias de otras obras que no son mías, originales, entonces, habría publicado sólo Grooming. Además, si no se publican antes de estrenarse… ¿cómo llega el texto a manos de un director de escena? ¿Cómo puede montar alguien un texto si no está publicado? ¿O cuántas obras hubiésemos leído de Don Ramón del Valle-Inclán? Imagino que habrá dramaturgos que tengan contactos y que conzcan a productores y directores de teatros, pero si no conoces a nadie publicar es la única manera de que tu trabajo tenga cierta difusión. No, qué barbaridad, yo no pienso así, yo soy dramaturgo, escribo para la Literatura Dramática, no para la escena. Si mis obras se hacen, fenomenal, pero si no se hacen yo las voy a seguir escribiendo igualmente. ¿Por qué no iba a poder tener la gente acceso a leerlas?
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como autor?…
El balance ha sido positivo. He estrenado tres obras en el último año y medio, así que no me puedo quejar.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
La de siempre: la de plantearle preguntas al lector/espectador, no ofrecerle respuestas, la de hacerle dudar de lo que piensa, la de cuestionarle y ponerle en un dilema moral ante una situación determinada… Viene siendo así desde antes de que naciera Jesucristo. El teatro ha cambiado mucho, pero sólo en su forma, en el fondo, el teatro sigue siendo muy parecido al de hace más de dos mil años.
¿Qué te motiva o inspira para escribir teatro?…
El paisaje desértico de Almería, mi padre y mi madre, mi abuela, mi hermana, mi tía, mis vecinas y todo lo que sale por boca de estas personas que acabo de enumerar. Un pozo sin fondo.
¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
¿Y no está afectando ya?
¿Qué obra de teatro has visto últimamente? ¿Qué te pareció?…
Vi Alma de Dios, de Carlos Arniches y Enrique García Álvarez, con Cristina Marcos, Tomás Pozzi y Manuela Velasco, dirigida por Jesús Castejón, en el Teatro de la Zarzuela. Una maravilla. Me encantó. De hecho, creo que voy a escribir una Zarzuela, que es algo que los dramaturgos españoles no deberían haber dejado de hacer. La Zarzuela es lo más.
¿Cómo ves la autoría teatral en estos momentos en nuestro país?…
Pues muy bien, mejor que nunca, la veo tal que así: Alfredo Sanzol, Manuel Calzada Pérez, Sergi Belbel, María Velasco, Lluisa Cunillé, José Manuel Mora, Guillem Clua, Angélica Liddell, Carlos Be, Josep María Miró, Miguel del Arco, Juan Mayorga, Guillermo Heras, Jordi Galcerán, Luis García-Araus, Pau Miró, José Ramón Fernández, Marta Buchaca, Alberto Conejero, Lucía Vilanova, Antonio Rojano, Eva Hibernia, Gracia Morales, Zo Brinviyer, José Cruz, Jordi Casanovas, Juan Carlos Rubio, David Desola, Laila Ripoll… y se me olvidarán por lo menos ciento cincuenta más.
¿Proyectos?…
Me acaba de conceder el INAEM una beca para el Desarrollo de las Dramaturgias Actuales, creo que se llama, así que es la primera vez que me ayudan económicamente antes de escribir una obra y eso me alegra porque creo que han empezado a confiar en mí. Voy a escribir una obra que se llama El rescate del dragón.
Ping pang qiu de Angélica Liddell en el Festival de Otoño a Primavera
Occidente es un perro juguetón que atiende a la lectura de un fragmento de filosofía si se le da una golosina a cambio, un amante caprichoso y torpe. Este es uno de los primeros momentos de la última propuesta escénica de Angélica Liddell, con él se podría resumir la impotencia que siente la creadora ante este mundo que se devora a si mismo en un bucle vertiginoso y salvaje. Y para huir de este horror vacui se plantea imposibles que le permiten evadir su cabeza y su corazón. Y se enamora de China porque es un imposible y esa piel inagotable la fascina pero como en todo gran amor, descubre que el amante tiene un cuchillo debajo de la cama para cortar la yugular de la pasión, para tronchar las alas de la emoción, para amordazar la libertad de pensar y soñar. Y esta idea la deja desolada, frágil… Nunca ví tan frágil a Angélica, ella que siempre es un toro desbocado en escena…Ping pang qiu es un poema íntimo a dos voces, la suya y la de el resto de elementos vivos o no, que la acompañan en escena.
Adolfo Simón
Entrevista a CHÉVERE aprovechando su presencia en Escena Contemporánea
Balance de vuestra trayectoria…
Chévere lleva 25 anos como compañía y solo el hecho de haber llegado hasta aquí manteniendo la independencia creativa y profesional es un balance suficientemente positivo. Hemos hecho siempre lo que hemos querido, hemos hecho de todo, no nos hemos conformado con nada y hemos sobrevivido a nuestros errores y aciertos con dignidad.
¿Cómo surge el proyecto que presentáis en Escena Contemporánea?…¿De qué va la obra?…
Citizen surge en un momento de madurez creativa y estabilidad profesional como una experiencia de produción que debía ligar el funcionamiento de la compañía a una sala estable, la Nasa. Un proyecto de creación en proceso que se presentó al público a lo largo de toda una temporada. Citizen es una historia de ficción basada en un personaje real llamado Amancio Ortega, que ha construído un imperio llamado Inditex, más conocido como Zara. Esta ha sido una buena disculpa para hablar, ironizar y cuestionar los efectos de la globalización en relación con nuestras identidades individuales y colectivas.
¿Cómo fue el proceso dramatúrgico y de montaje de la obra?…
La obra se ha ido montando por partes, por episodios. Cada uno trataba un tema y se ubicaba en un momento concreto y en cada uno nos proponíamos usar un lenguaje y un tono distintos: el texto, la palabra, la imagen proyectada, el cuerpo, el humor, el melodrama, lo documental, la economía… A lo largo de una temporada se hicieron y estrenaron por separado tres episodios y al final los juntamos en una pieza completa, que es la que se presenta en Madrid.
¿Conoces la obra de otros creadores contemporáneos en España?…
Si, conocemos de primera mano el trabajo de muchos creadores contemporáneos españoles, sobre todo por nuestra actividad como anfitriones en la sala Nasa, por donde han pasado autores y compañías muy representativas de la escena más contemporánea durante casi veinte años, gente como Carlos Marquerie, Sergi Faustino, Sonia Gómez, Angélica Liddell, Rodrigo García, Legaleón-T, Olga Mesa, Colectivo 96, General Electrica, Elena Córdoba, Marcel.lí Antúnez, Konic thtr, Esteve y Ponce, F.T.I., Hnos. Oligor, Iker Gómez, La República, Cambaleo, Playground, Conservas, La Tristura… (escribiendo de memoria)
¿Qué opinas de la programación de Escena Contemporánea XIII?…
Creo que mantiene la pluralidad de propuestas, de lenguajes, miradas y procedencias que se le pide a un festival que trata la escena de creación contemporánea. Ofrece una panorámica interesante y personal de lo que se está haciendo, en la que caben con naturalidad la fría exactitud de La Veronal, el teatro juguetón del Pont Flotant, la mirada poética de La Tristura o la cruda exposición de David Espinosa, por poner sólo algunos ejemplos.
¿Qué función crees que ha de tener hoy la creación contemporánea para la sociedad en la que vivimos?…
La de ser una invitación a participar en los debates del presente ampliando la zona de juego más allá de la pura realidad de los hechos.
¿Qué os motiva o inspira para realizar proyectos que mostrar en vivo?…
Para nosotros el teatro es una manera de participar activamente en la sociedad en la que vivimos. Cada proyecto es la posibilidad de iniciar una conversación. A veces son cosas que oyes en un bar o en la calle, que lees en un periódico, en un libro o en un blog y que quieres oír en voz más alta. Otras veces son cosas tuyas que no te puedes callar. Pero siempre está la necesidad de oir a la otra parte, aquello que no solo eres tu ni los tuyos, aquello que es el público.
¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro para la escena alternativa?…
Sí. No de una manera definitiva, porque no estamos hablando de una escena que mueva mucho público en términos cuantitativos, pero si es una forma de debilitar aún más una red con mucha precariedad. Y más allá de los números, este IVA refleja la incomprensión de la clase política hacia la cultura y la injusticia con la que se trata a la creación artística en España.
¿Qué obra de teatro, danza o performance has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
He visto dos trabajos recientes muy interesantes de dos compañías de Galicia como Berrobambán y Voadora, y uno menos interesante de la compañía madrileña Animalario.
¿Cómo ves la creación contemporánea en el lugar donde trabajas?…
En Santiago de Compostela practicamente ha desaparecido de la cartelera y es sin duda la parte más precarizada de nuestro teatro. En cuanto a programación y creación se ha pasado de una situación envidiable a un panorama desalentador, consecuencia tanto de la debilidad estructural de los agentes creativos como de una política cultural de pura rapiña. Aún nos estamos preguntando como se puede destruir tanto en tan poco tiempo, y como no pudimos defender todo lo que habíamos conseguido.
¿Alguna idea para seguir creando en tiempos de crisis?…
Crear en tiempos de crisis mola más. Todo está más cerca de uno. Por ejemplo, en nuestro caso, la crisis ha convertido en necesaria la posibilidad de hacer teatro en escaparates o en las casas de la gente, nos ha ayudado a que otros vean lo bueno que es el teatro para transformar a las mujeres en hombres por un día, o para tratar los conflictos y abiciones de un grupo de adolescentes.
¿Proyectos?…
El más inmediato es el estreno de una nueva obra, que se titula Eurozone, el próximo 22 de febrero. Será en Teo, un pequeño ayuntamiento cercano a Santiago de Compostela, que ha acogido a Chévere como compañía residente. Allí además seguimos haciendo las Ultranoites, un cabaré político sobre la actualidad, que este año girará por otras ciudades gallegas. Y entre marzo y abril seguiremos desarrollando un proyecto de teatro en escaparates que se podrá ver en Pontevedra.
Avance del Festival de Otoño en Primavera
El Festival de Otoño a Primavera traerá a Zimmermann
& de Perrot, Angélica Liddell y Heiner Goebbels
• Del 31 de octubre al 4 de noviembre se podrá ver en los
Teatros del Canal el primer espectáculo: ‘Hans was Heiri’
• En este espacio el público podrá disfrutar de los nuevos
descuentos ‘Somos Tres’ (3×2) y ‘Somos 4’ (4×3)
23.oct.12.- Grandes nombres de la escena europea, como los británicos
Propeller y 1927, los suizos Zimmermann & de Perrot y Heiner Goebbels, la
imprescindible creadora española Angélica Liddell y compañías tan
afamadas y exóticas como el brasileño Grupo Corpo han confirmado ya su
presencia dentro de la XXX edición del Festival de Otoño a Primavera. El
avance de la programación que la Comunidad ha desvelado hoy incluye
también a la francesa Aurélia Thierrée y Fabrice Murgia & Dominique
Pauwels.
A lo largo de esta temporada, nuevas producciones se irán
incorporando al cartel del festival que se desarrollará entre el 31 de octubre
de 2012 y el 9 de junio de 2013. La página web http://www.madrid.org/ fo será el
medio por el que todo aquel que lo desee podrá permanecer informado de
las novedades que vaya experimentando la programación del festival.
La compañía suiza Zimmermann & de Perrot será la encargada de
comenzar la programación del festival, con el estreno en Madrid de su pieza
Hans was Heiri. El teatro sin palabras de Zimmermann & de Perrot está
basado en una precisa observación, la repetición humorística, la distorsión y
la transformación artística de las interacciones cotidianas. Esta compañía
usa cuerpos, objetos y música, y compone divertidas piezas teatrales fuera
de lo convencional, con una escenografía cambiante. Así es Hans was Heiri.
Alabada por la crítica como “una dulce locura”, la obra se construye sobre la
idea de que los seres humanos somos sorprendentemente similares en lo
que respecta a nuestras necesidades básicas y deseos. En compañía de
cinco destacados bailarines y artistas circenses, Zimmermann & de Perrot
se las arreglan para trasportar una vez más al público a lugares más allá de
cualquier expectativa.
Las funciones tendrán lugar en la Sala Roja de los Teatros del Canal
de la Comunidad de Madrid , del 31 de octubre al 3 de noviembre, a las 20
horas, y el día 4 de noviembre, a las 18 horas. Como novedad, para las
entradas de este espectáculo se ofrecen al público dos nuevos descuentos:
‘Somos 3’ (compra 3 y paga 2) y Somos 4 (4 x 3).
Otras novedades
Angélica Liddell y su compañía Atra Bilis Teatro presentarán su nueva
creación de teatro documental, Ping Pang Qiu___, una obra sobre la
escritura china, la disciplina, la pasión y el exceso. Por su parte, el reputado
compositor y director Heiner Goebbels acerca de nuevo a Madrid, de la
mano del ThéâtreVidy-Lausanne, la puesta en escena de la enigmática y
poética Max Black.
Tildada por la crítica internacional como una “absoluta hipnotizadora”,
Aurélia Thierrée regresa a Madrid con Murmurs tras la calurosa acogida que
recibiera su anterior pieza El oratorio de Aurélia, programada por el Festival
de Otoño en primavera en 2010. Todo un despliegue de ilusionismo
escénicoque podrá verse en losTeatros del Canal.
Desde Brasil llegará la formación de danza Grupo Corpo para
presentar un doble programa dentro del marco del Festival con dos de sus
piezas más aplaudidas, O Corpo y SemMim. Poco después el tándem
formado por la compañía belga LOD y los creadores Fabrice Murgia y
Dominique Pauwels acercará a los escenarios madrileños Ghost Road.
Propeller, una de las compañías británicas más consolidadas y
aplaudidas de las últimas décadas, especializada en la representación de
las obras de Shakespeare, presenta dos nuevos espectáculos, Twelfth Night
(Noche de reyes) y The Taming of theShrew (La fierecilla domada).
Finalmente, una de las compañías emergentes más imprescindibles
de la escena teatral europea, la británica 1927, representará The Animals
and Children Took to the Streets (Los animales y los niños tomaron las
calles), una pieza que, lejos de toda convención, se deja llevar por la
estética del cine mudo, para mezclar el teatro y la música con
impresionantes películas y animaciones.
Un nuevo formato para el festival
El festival ha cambiado su configuración para adaptarse a los nuevos
tiempos y acercar a Madrid lo mejor de la escena nacional e internacional a
lo largo de todo el año. Hace ahora tres décadas, el Festival de Otoño nació
con la finalidad de ofertar una serie de espectáculos de vanguardia
internacional a los que la región no tenía entonces acceso. Hoy, la
Comunidad de Madrid disfruta de una oferta cultural rica, ecléctica y variada,
hecho que posibilita que el Festival de Otoño evolucione y cambie su
formato, para ampliar la posibilidad de mostrar al público los espectáculos
no solo durante un mes concreto, sino en el momento en el que se producen
y siempre que puedan visitar Madrid.
La programación del XXX Festival de Otoño a Primavera se integra en
el cartel regular y continuado de los Teatros del Canal , y también podrá
verse en salas tan señeras como La Abadía, Cuarta Pared o el Teatro
Pradillo. Un año más, los escenarios madrileños brillarán con propuestas
singulares y de calidad para convertir a la región en el epicentro europeo del
teatro, la música y la danza contemporáneos.
Es posible consultar el avance de la programación del XXX
Festival de Otoño a Primavera, así como información de los espectáculos
que se van confirmando, horarios, venta de entradas y descuentos en
Que Revienten los Artistas 
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