Ignacio García nos habla de sus trabajos como director de escena
¿Cómo surge el proyecto de Arizona?…
Arizona es un proyecto de larga gestación. Yo tuve ocasión de leer el texto de Juan Carlos Rubio en 2006 y ya entonces me pareció un texto magnífico son sus dosis equilibrada de comedia, amargura y absurdo, lleno de muchos y variados referentes. Me atrajo mucho la idea de convertirlo en un musical de bolsillo en el que se combinara un gran homenaje a la música americana del siglo XX y la comedia musical en particular, con una visión crítica de los fundamentalísimos que alberga aquél país en sus excesos nacionalistas. El proyecto lo retomé con fuerza cuando comencé a ir a México al creer que allí tendría una gran fuerza debido a la temática sobre la frontera y a su dolorosa actualidad en aquel país. Por suerte encontramos entusiasmo tanto en México como en España y la colaboración del CDN aquí, y el ministerio mexicano a través del INBA, el Centro Cultural Helénico, el FONCA y Ocesa en México. Ese ha sido el viaje hasta poner en marcha ARIZONA… después pude tener un elenco magnífico y grandes colaboradores y comenzó el viaje y el disfrute.
¿Hubo ocasión, durante el proceso, para que los actores aportasen ideas en la puesta en escena?…
Por supuesto, los actores han sido un constante alimento del espectáculo y del trabajo de puesta en escena. Aurora Cano y Alejandro Calva son dos espléndidos actores que ha dado vida a Margaret y a George de una manera prodigiosa, haciendo personajes de carne y hueso y llenos de verdad en sus contradicciones. El proceso ha sido peculiar ya que lo espaciamos en el tiempo al tener yo que compaginar ensayos en México con venidas a España para otros proyectos, pero eso ha permitido que todo fuera posándose con tiempo y que ellos pudieran hacer suyo el trabajo y alimentarlo desde sus propuestas.
¿Hay algún referente técnico o estético del que has partido para esta puesta en escena?… Háblanos de ello…
En el título de la obra, el autor la denomina como «Una tragedia musical americana». Eso fue determinante en mi visión estética de la obra, ya que tomamos muchos referentes de la comedia musical intentando mezclarlos con el absurdo a veces y con la tragedia en otras, pero sin perder la luz, el brillo y el sonido de ese fabuloso género. Esa influencia se funde con lo kitsch de la cultura norteamericana y su mezcla ecléctica de estilos que abarca desde lo sublime a lo más «underground».
¿Cómo ha sido el proceso de creación?…¿Qué has querido contar desde la dirección?…
El texto habla de las fronteras mentales e ideológicas, de los límites y sus consecuencias, y esa ha sido la linea fundamental de nuestro trabajo, hablar de quienes quieren buscar diferencias y separar y disgregar. También de quienes son al tiempo verdugos de los habitantes de su Sur, cualesquiera que éstos sean, y víctimas de una tormentosa manipulación ideológica y mediática. El Tea Party, el proyecto Minute Man, el Sheriff Joe Arpaio y la pareja que forman George y Margaret son distintos brazos del mismo árbol, con gradaciones y responsabilidades diferentes.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como director?…
Que es un don de el cielo poder dirigir tanto y en géneros, estilos y países tan diferentes, y poder seguir aprendiendo y alimentándome de todas estas experiencias. El balance es muy positivo desde esta experiencia y desde la posibilidad de experimentar en formatos escénicos muy variados. Soy muy consciente de la dificultad del momento y de la fortuna que esto significa, pero me considero aún un aprendiz del oficio de director con toda su complejidad. Otra de las satisfacciones es poder compaginar armónicamente la dirección de teatro y de ópera ya que creo que ambas se complementan y suponen caras de una misma moneda.
¿Qué espectáculo has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Hace pocas semanas vi El círculo de cal (así titulan allí lo que nosotros llamamos El círculo de tiza caucasiano de Brecht) bajo la dirección de Luis de Tavira en la Compañía Nacional de Teatro de México y me pareció un espectáculo espléndido, con un complejísimo trabajo de máscaras y de gran guiñol. Y la vigencia del texto de Bracht es arrolladora.
¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes a la escena?…
Creo que no tiene sentido gravar y penalizar la creación con todo lo que ello significa. Entiendo que la dificultad del momento es grande y que el esfuerzo debe afectar a toda la sociedad, incluida la cultura, pero creo que se están cometiendo errores graves en el mensaje de esta distribución del esfuerzo, y éste es uno de ellos. Por supuesto que afecta la subida del iva y va a seguir afectando, pero es necesario seguir convenciendo al público de que a pesar del esfuerzo que deben hacer para ir sigue valiendo la pena. Debe ayudarnos a valorar al público.
¿Proyectos?…
Por suerte muchos y variados. En lo que queda de 2013 dirigiré Il Trovatore en Sevilla, La sangre de Antígona de José Bergamín en la Compañía Nacional de México, para el Festival Cervantino de Guanajuato, y después haré La Forza del Destino en Bilbao y La Boheme en Oporto. Y parece que en 2013 ya aparecen proyectos de teatro y de ópera dentro y fuera de España. Una gran fortuna en estos tiempos difíciles. Hay que seguir peleando.
Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis
No dejar nunca de creer que podemos seguir haciendo espectáculos, si no con los medios de antes, confiando en el talento de nuestros dramaturgos y actores, que es mucho. Nunca hay que renunciar al teatro como conciencia de una sociedad, y momentos como éste, duros en lo económico, lo social y lo moral, son los que más necesitan de un teatro que reflexione, divierta y refleje su oscuro contexto.
Guillermo Heras nos habla de los proyectos que ha dirigido o dirige en la actualidad…
Guillermo Heras nos habla de los proyectos que ha dirigido o dirige en la actualidad…
¿Cuál es el proyecto que estás realizando en MEXICO D.F?…Háblanos de él…
He realizado la puesta en escena de la obra de Juan Mayorga “Cartas de amor a Stalin”. Esta es ya la cuarta propuesta que hago de esta excelente obra. Cada una de ellas en países diferentes España, Venezuela, Portugal y ahora en el DF con la Compañía Nacional de México que dirige el maestro Luis de Tavira. La experiencia ha sido muy gratificante por el alto nivel creativo y productivo del entorno en que he podido trabajar y entra dentro de mi persistente visión de encontrar un espacio escénico iberoamericano de integración e intercambio.
¿Cómo ves el teatro en México?…
Actualmente la escena mexicana está atravesando un gran momento creativo debido a factores como:
a) Una consolidación de propuestas que provienen de los Estados (sus Comunidades Autónomas) y que van más allá de un persistente sistema institucional basado sobre todo en la producción capitalina del DF.
b) Un interesante recambio generacional en el segmento de la dirección de escena, que sigue teniendo un fortísimo discurso y personalidad entre los históricos del teatro mexicano, pero al que se unen ahora numerosos directores con ideas muy diversas a la tradición dominante.
c) Una excelente aportación dramatúrgica que abarca desde las generaciones más consolidadas a nombres que surgen en todo el país con propuestas sumamente atractivas y diversas.
¿Cómo ves desde la distancia la situación teatral en nuestro país?…
Mi vinculación a España desde el punto de vista creativo es cada vez más residual. Estoy convencido que aquí estoy en “un territorio de nadie” y por eso prefiero hacer trabajos de gestión como la Muestra de Autores de Alicante o el Programa Iberescena y volcar mi energía de dirección escénica en laboratorios y, talleres y montaje en toda América donde me siento más a gusto. Tal vez sea un desapego circunstancial porque sé que ahora más que nunca hay que arrimar el hombro, pero necesito volver a encontrar un entorno (soy muy poco individualista) para canalizar esos proyectos de creación que, sin duda, tengo en la cabeza. No obstante ahora mi sueño es contar con un grupo de integración de voces e ideas de toda Iberoamerica.
¿Cuál es tu balance de Iberescena hasta el momento?…
Muy positivo dado que solo tiene seis años de vida pero ya ha repartido una importante cantidad de dinero (en cinco años en torno a los seis millones de euros) y varios de los proyectos a los que se han ayudado están circulando y teniendo una cierta repercusión en el mundo escénico. No obstante soy consciente de lo mucho que se necesita avanzar, del presupuesto real que se debería alcanzar y los enormes retos que tenemos de dar a conocer a todos los sectores el propio Programa.
¿Cuál es tu balance del Festival de Autores de Alicante a día de hoy?…
Veinte años de Muestra de Autores es desde luego un largo trayecto. Sin duda tengo luces y sombras a mis espaldas. Por un lado, lo que sin duda se ha conseguido cuando era una experiencia que cuando empezó nadie daba un duro (no había aún el euro) por ella. Pero al cabo del tiempo y habiendo entrado en los tiempos de la crisis y los recortes siguen existiendo para mi tareas pendientes: fomento de las coproducciones, proyección exterior mayor, programaciones más sostenidas en el año, la creación de un Centro de Dramaturgia Contemporánea en un espacio singular de Alicante como son Las Cigarreras…..en fin sueños y deseos que no se si veré cumplidos en el tiempo. Pero con mi equipo seguimos luchando para que la Muestra se celebre y que cada año haya un panorama de lo que nuestros dramaturgos logran estrenar en cualquier parte del Estado y con cualquier forma de producción.
¿Qué texto o puesta en escena te ha interesado de lo que has visto últimamente?…
Sin duda la que más me ha emocionado e interesado la puesta del Teatro de La Complicité en el Festival de Otoño en Primavera de Madrid de ese excepcional texto que es “El maestro y Margarita” de Bulgakov. Además me abrió los ojos para esta nueva puesta del texto de Mayorga de “Cartas de amor a Stalin”. También me han interesado las propuestas de los colombianos de La maldita Vanidad, los mexicanos de Lagartijas al sol o la sorprendente vitalidad de la escena argentina de Buenos Aíres.
¿Qué proyectos tienes a corto plazo?…
Reponer la ópera de Tomás Marco que va al Festival Cervantino de Guanjuato. Estrenar a una nueva autora mexicana, Mariana Hartasanchez, con una obra suya “La navaja en el espejo”. Una sensible obra sobre nuestra guerra civil, bajo una óptica muy personal y que estrenaremos en octubre en la ciudad mexicana de Queretaro….Para el año próximo coordinaré un Laboratorio América de clásicos gracias a la invitación de Helena Pimenta. Este primer proyecto se hará en el teatro San Martín de Buenos Aires con jóvenes actores de allá. La dramaturgia la estoy trabajando ahora sobre un texto insólito de Rojas Zorrilla, “Los áspides de Cleopatra”. Lógicamente seguiré con mis trabajos de gestión hasta que el cuerpo aguante pues es preciso continuar el trayecto de Iberescena y ver si seguimos salvando un año más la Muestra de Autores de Alicante. También seguiré con mis talleres de investigación, espero terminar algunas de obras que tengo cocinando y publicar un libro sobre mi experiencia en la gestión
¿Cómo ves la realidad del teatro que se hace en Latinoamérica?…
Esta sí que es una pregunta que necesitaría todo un artículo en profundidad. Hablar de un continente como el americano es hablar de una extensión enorme de kilómetros pero también de sensibilidades y formas de producir y crear. Desde luego para mí es un territorio apasionante porque permite experimentar con más libertad que los clichés que últimamente han acotado la escena europea….y sobre todo, la española. La dramaturgia actual latinoamericana acumula tal cantidad de voces y expresiones que posibilitan un caleidoscopio sumamente atractivo para encarar esos textos desde puestas en escena libres de prejuicios. Cierto que las condiciones de producción son limitadas pero tal y como se ha puesto la crisis en nuestro país es mucho más fácil no sentir el peso de lo productivo como un impedimento, sino más bien como un reto a la experimentación y a la búsqueda.
¿Crees que va a cambiar el panorama de producción teatral tras los recortes en cultural?…
Pues muchos tendrán que superar el miedo escénico acostumbrándose a nuevas formas de financiación, producción y creación si quieren seguir en sintonía con las nuevas realidades que está produciendo la llamada crisis. Cuando se viene del teatro independiente esto no es muy importante porque ya hemos superado varias crisis, aunque efectivamente se notarán cambios que no sé muy bien adonde conducirán.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Contesto con unas reflexiones que he escrito para un reciente trabajo que se me pidió sobre posibles medidas ante la situación:
1.- Abandonar los tópicos sobre bondades y defectos en las diferentes formas de producción de las artes escénicas, evitar las confrontaciones estériles entre ellas y dotarlas de medidas específicas para sus necesidades y desarrollo. Buscar las sinergias y posibles colaboraciones entre los diferentes modelos de producción.
2.- Concretar formas de colaboración, específicamente, entre el sector público y privado.
3.-Asentamiento de Compañías Residentes con una reglamentación más certera, apertura de espacios para las creaciones emergentes o la optimización de bienes y servicios de las Administraciones en fórmulas de cesión a las compañías y grupos.
4.- Replantear el concepto de subvención puntual. Apoyar proyectos a medio y largo plazo. Investigar en la línea de establecer contratos/programas en diferentes territorios de la actividad escénica,
5.- Profundizar en las estrategias de PROMOCIÓN -(distintas a las de PUBLICIDAD, pero sin olvidar estas en su justa medida)- para lograr mayor rendimiento, comunicación y relación con los diferentes segmentos de espectadores hoy existentes y los posibles por configurar.
6.-Convencer a la sociedad política y a la civil que las Artes Escénicas son una herramienta excelente para activar la economía, creando puestos de trabajo, aumentando el PIB y aportando espacios de calidad de vida.
7.- Ahondar en proyectos que promuevan la movilidad artística, fortaleciendo redes hoy en crisis y abriendo otras tanto de carácter local, nacional e internacional.
8.- Buscar nuevas formas de financiación para los proyectos escénicos. Diversificación de estrategias internas y externas que van desde la mejora de la utilización de recursos en gastos corrientes a la implantación de programas de repertorio en las compañías. Investigar en terrenos que, aparentemente, no tengan relación directa con las prácticas escénicas.
9.- Exigir desgravaciones fiscales al mundo de la cultura, rebajas de impuestos y desarrollar una Ley de Patrocinio no excluyente a cualquier tipo de proyectos.
10.- Investigar en los procesos de co-financión no solo con las Administraciones públicas y privadas consolidadas sino también con pequeños aportantes económicos -(crowdfunding)- que, incluso, puedan involucrarse en los proyectos artísticos y productivos de otras formas diferentes a las actuales.
11.- Reformar los modelos de distribución actualmente existentes. Encontrar nuevas formas de cooperación entre programadores y compañías.
12.- Situar al espectador como verdadero protagonista y eje esencial de las relaciones escénicas. Estudiar formas de vinculación mayores entre los proyectos y su recepción ciudadana.
13.- Replantear los modelos de festivales, muestras, ferias, bienales, ciclos, etc….con el objetivo de que sirvan como auténticos dinamizadores de los mercados existentes y otros por crear.
14.- Fortalecer vínculos de movilidad de artistas y proyectos con el objetivo de abrir nuevos canales y mercados de distribución.
Que Revienten los Artistas 
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