«El Banquete» en el Teatro de la Comedia de la CNTC
El Banquete se inserta dentro del proyecto 3 jóvenes y clásicos 3 que consiste en unir tres intérpretes de La Joven con tres actores veteranos que se enfrentan a un gran desafío: pasar del escenario a la distancia corta, suprimir la cuarta pared y aprovechar la cercanía con el público para matizar cada personaje, cada conflicto y cada situación, en busca de una transmisión directa, sincera pero precisa y, muchas veces, tan arriesgada como emocionante. Para ello, la sala Tirso de Molina se transforma en un salón donde los intérpretes reciben a los espectadores y los invitan a asistir a un banquete de la mano de grandes personajes del teatro universal y crear una experiencia teatral diferente a través del symposium, que significa literalmente «beber en común».
Suena una campana y los actores nos invitan a brindar, es la hora del vino, de la charla, del placer y los personajes van apareciendo entre los convidados para estimular nuestra imaginación a través de caracteres clásicos por todos conocidos. Lola Bladrich, la primera anfitriona, acogedora, excelsa nos acoge en esta reunión, Gonzalo de Castro transita entre el público transformándose contínuamente, Jimmy Castro se hace preguntas universales mirando calaveras, Pablo Béjar nos trae la frescura de la lírica joven, Aleix Melé interfiere en nuestra reunión dinamizando el discurso y siendo la excusa del cambio de registro y Manuela Velasco sube a balcones para buscar romeos.
Helena Pimenta y Catherine Marnas dirigen este montaje de variados personajes teatrales clásicos, espejos de nuestra sociedad, presente o pasada. Ellas saben, debido a su experiencia y a su amor al teatro clásico, enlazar Julietas con avaros, Quijotes con Edipos y Segismundos con damas bobas.
Álvaro Tato firma la dramaturgia de esta borrachera perfecta y sin resaca de personajes que se entremezclan con nosotros y que nos trasladan mediante nuestra imaginación a otras épocas y lugares. Somos la especie fabuladora, según Nancy Huston, nuestra imaginación suple a nuestra fragilidad… tenemos ese don y tenemos que aprovecharlo.
Brindemos para que los personajes, el teatro y estos montajes sigan fluyendo en nuestras vidas.
Luis Mª García Grande
El Alcalde de Zalamea de Calderón de la Barca dirigida por Helena Pimenta en la CNTC
A veces hay actores mudos en escena que ven pasar el drama por su piel, transpirando, supurando, destilando olores, colores, texturas…La hija de Madre Coraje asiste muda toda la representación para situarnos en ese lugar de impotencia terrible ante la tragedia inevitable. En este Alcalde Zalamea ya hay una situación clara y contundente desde el principio, que nos acompañará subliminalmente toda la representación. Hay dos personajes de hoy que juegan a la pelota vasca contra el muro que verá transitar, en ese frontón, todo el juego peligroso que llevará a los personajes a un callejón sin salida. El muro viaja por el tiempo, llenándose de sonidos y arañazos, expulsando desde sus grietas el olor pestilente de una sociedad que no sabrá mantenerse fiel a el civismo si no que caerá en la trampa de los bajos instintos. De la ligereza de momentos de tránsito, se pasa, acelerando el corazón de la escena para que los personajes caigan a un abismo mortal. Una propuesta arriesgada al no caer en la decoración escénica si no en una lectura clásica atravesada de contemporaneidad. Y, además, por fin se ha vuelto a abrir el Teatro de la Comedia, con una restauración excelente…¿Alguien da más?.
Adolfo Simón
RAFA CASTEJÓN: El teatro es un lugar de encuentro y reflexión
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Pues prácticamente desde que nací estoy en ello.
Mis padres eran actores así que mamé el teatro desde el principio. Dormía en las cestas de la ropa, tomaba la papilla con los técnicos…En las compañías de zarzuela donde mis padres estaban contratados siempre que había un papel de niño lo hacía yo: La revoltosa, Agua, azucarillos y aguardiente, El bateo, La leyenda del beso, y un largo etc. La primera vez que salí a un escenario tenía 4 años. Durante años trabajé en compañías de zarzuela; en la Compañía “Isaac Albéniz” cuyo empresario era Juanjo Seoane y su director Ángel Fdez. Montesinos, en el Teatro Lírico Nacional La Zarzuela cuyo director era Joaquín Deus, combinándolo con mis estudios, hasta la edad de 12 años. Ahí me tomé un respiro de las tablas y me dediqué a estudiar exclusivamente. A los 19 “retomé” la carrera y hasta ahora.
¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Di mis pasitos como técnico de iluminación y regidor pero al final me decanté por la interpretación. La cabra tira al monte.
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Un lugar de encuentro y reflexión. Y según el tipo de teatro un arte imprescindible y necesario.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
He cumplido ya las bodas de plata como profesional. 25 años.
Creo que el balance es muy positivo. Tengo mucha suerte de poder vivir exclusivamente de la actuación, que me apasiona. Esto, lamentablemente, no lo pueden decir muchos compañeros en estos momentos tan duros para la profesión. Me siento privilegiado. También reconozco que trabajo muy duro para que esto sea así pero con todo y con eso algunas veces tampoco depende sólo de ti.
He podido trabajar con directores excelentes: Helena Pimenta, Juan Carlos Corazza, Calixto Bieito, Adolfo Marsillach, mi hermano Jesús Castejón, Tamzin Townsend, Juan Carlos Perez de la Fuente, Emilio Sagi y un largo etc.
He interpretado papeles maravillosos, entre otros: el Marqués de Poza del Don Carlos de Schiller, el Don García de La verdad sospechosa, el Autor de Comedia sin título, Samuel en El niño judío, Carlos en el Método Gronholm, y taaantos otros…
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Siempre recuerdo las palabras que les dirige Hamlet a los actores. «…cuyo objeto ha sido y sigue siendo poner un espejo ante la vida; mostrar la faz de la virtud, el semblante del vicio y la forma y carácter de toda época y momento…»
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Desde que en el 2012 entrara a dirigir la compañía Helena Pimenta y me llamara trabajo en la Compañía Nacional de Teatro Clásico. Una etapa maravillosa con tres exitazos consecutivos y con grandes compañeros de reparto; “La vida es sueño”, “La verdad sospechosa” y “Donde hay agravios no hay celos”.
¿Cómo surgió tu participación en el montaje de Hambre, locura y genio…?…Háblanos de este trabajo…
Aparte de actor, dentro de la Compañía Teatro de la Reunión, soy productor junto a Juan Carlos Corazza de la misma, así que siempre estamos pensando, dentro de nuestras modestas posibilidades, en textos para poder llevar a escena. Juan Carlos organizó un taller de investigación y creación sobre varias obras cortas de Strindberg en el Centro Cultural Conde Duque, donde en estos momentos Teatro de la Reunión tiene su sede, e invitamos a Antonio Fuentes (el director y programador del Teatro Lara) a ver este trabajo, a Antonio le encantó y nos propuso llevarlo al Lara.
Elegimos dos obras de las cinco con las que estábamos trabajando en ese taller y empezamos la preproducción, producción y explotación de lo que Juan Carlos llamó “Hambre, locura y genio” título genérico que abarca las dos obras “Débito y crédito” (si no me equivoco nunca representada en nuestro país) y “El pelícano”, esta obra mas conocida y representada, del autor sueco mas importante de todos los tiempos.
La temporada en el Off del Lara ha sido un éxito total de crítica y público con el 100% de ocupación y con muchísima gente quedándose en la calle sin entradas.
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
No me gusta mucho la palabra método, la verdad. Lo asocio con una especie de rigidez.
Y creo que tiene que ser todo lo contrario. Flexibilidad, movimiento, búsqueda, investigación. Probar de una manera u otra hasta que encuentras la mejor para esa historia y ese personaje. Ser objetivo. Dejar el ego en la puerta de la sala de ensayo. No juzgarte ni juzgar. Alimentar la imaginación. Confianza.
Si se necesita mucho compromiso con el trabajo y con la profesión. Mucho ensayo. En casa, con los compañeros… trabajo, trabajo y trabajo. No decía eso Chejov en Tres hermanas??
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Es la muerte!!
Pero si hay compañías que tienen que suspender su gira por el maldito iva!!!!
Y otras que no pueden ni empezar a trabajar!!
Y los números no le salen al gobierno. Está comprobado que se recauda menos porque desaparece el tejido industrial!! Entonces???? Por qué no lo bajan ya???
A nuestra compañía (16 personas en este momento) nos mata. Llega la hoja de taquilla y es para echarse a llorar!!
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Lamento decirlo pero han sido unos meses de tanto trabajo con “Hambre, locura y genio” y “Donde hay agravios no hay celos” que tengo la sensación de que lo último que vi fue a la Xirgu en Yerma!!!! 🙂
¿Proyectos?…
La gira de «Donde hay agravios no hay celos” con la CNTC, después….los Dioses dirán…
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Esa: seguir creando!! E intentar que sea con profundidad!!
Borja Rodríguez: En el mundo globalizado de los acontecimentos virales virtuales, el Teatro es la experiencia, el acontecimiento, lo que sucede, lo auténtico.
¿Cómo surge el proyecto de La hermosa Jarifa?…
El núcleo somos un grupo de profesionales que llevábamos tiempo coincidiendo esporadicamente en espectáculos y que teníamos muchas ganas de juntarnos a contar lo que a nosotros nos apetecía, pues nos entendemos perfectamente, a veces, sin necesidad de abrir la boca. Queríamos hacer un clásico diferente, que contara cosas potentes y que nos ofreciera otros ojos para la puesta en escena. Yo tenía en mente la Historia del Abencerraje desde muy joven, y fuimos a por ello.
Háblanos del montaje…
Desde el principio tratamos de apelar a la imaginación del espectador, con una voz antigua, muy hermosa, como la de los cuentos arcaicos ilustrados con miniaturas preciosas, para meterlo rápidamente en una emboscada por los campos de olivos de Andalucía, en tierra de frontera con la luna presente. Esto te atrapa. A los cinco minutos sucede una lucha a espada de uno contra cinco que pone los pelos de punta, y pronto descubrimos que los motores que provocan esa lucha no permiten a los contrincantes terminar de arrancarse el corazón allí mismo -que es lo que realmente desean-. Entonces vamos descubriendo qué es realmente lo que ocurre allí; viajamos a la Granada de los Abencerrajes, a la tierra de Al Ándalus, a la vida en frontera, y a una historia de entendimiento entre dos seres completamente diferentes, pero donde cada uno encontrará su virtud en la piel del enemigo.
¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportasen ideas en la puesta en escena?…
Por supuesto. Un actor, por oficio, hace lo que tú le digas, pero eso son zapatos prestados. Parto del convencimiento de que si les das la oportunidad de encontrar sus tesoros, los harán suyos y los defenderán a muerte.
¿Cómo ha sido el trabajo con ellos?…
Soy padre desde hace cinco años y medio. Esto me ha dado la oportunidad de ver mi trabajo con otros ojos, y aportar lo que he aprendido en este sentido; motivar un proceso, plantear las cosas como proyectos, jugar, sorprendernos… pero llega el momento de la Educación Responsable, en el que hay que atar bien los lazos de ese «juego» y negociar a favor de las bases de lo que quiero; pero ya todos saben las reglas del juego.
Quiero destacar que en ese proceso, he tenido la inmensa suerte de contar con Nuria Castejón y Cristina Arias (danza y movimiento) Pepa Pedroche (voz, verso y coros) Pedro Almagro (Lucha escénica), Alberto Pérez Centella (Música) y Anabel Maurín (Ayudantía de Dirección) donde cada uno ha ayudado a conformar este inmenso puzzle.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear esta obra?…
Hay mil. Mi primera formación en Arte Dramático la cursé en Andalucía, en Córdoba, donde viví un total de diez años. Vivía en la Judería, junto a la Mezquita, donde unos cristianos aterrizaron una catedral en mitad de sus naves hace unos cuantos siglos. La Prestación por Objeción de Conciencia la hice en el Museo Arqueológico de Córdoba, y estudié al tiempo Historia del Arte, donde aprendí a amar el Arte Musulmán. Teatralmente, desde pequeño, y como no me gustaba el fútbol, mis ídolos han sido diferentes, pues a mí no me gustaba Butragueño o Hugo Sánchez, sino Helena Pimenta, Etelvino Vázquez, Ricardo iniesta, Agustín Iglesias, Lluis Pascual, etc… y creo que todos están ahí inevitablemente.
¿Cómo surgió la invitación de la Compañía Nacional de Teatro Clásico?…
Pensamos que una propuesta así debía estar desde el principio en la mesa del Clásico. lo propusimos. Siguieron el proyecto desde el comienzo. Vieron el resultado y aquí estamos.
¿Por qué haces teatro?…
Pues eso mismo digo yo… llevo un buen rato intentando contestar esta pregunta (39 años) y soy incapaz…
Háblanos de tus últimos proyectos…
Los 900 días (El Camino de la Vida) una obra sobre la supervivencia de una compañía de Cómicos dentro del Cerco de Leningrado, donde la gente se comía unos a otros, y donde entendieron que su Cultura sería la tabla de salvación, así se dieron las últimas piruetas al Arte y a la Expresión artística ¿Sabes que durante los tres años de asedio, de guerra y de hambre no cerraron los Teatros en Leningrado? Esta función, Los 900 días, se presenta en Mayo e inicia gira en Octubre. Este proyecto es dentro de mi compañía -La Morgue- pero también dirijo y escribo para otras compañías.
¿Qué balances haces de tus trabajos como director de teatro?…
Hay dos pensamientos en contradicción: cada proyecto que encaro parece que comienzo de cero; pero al mismo tiempo parece que he estado preparándome toda la vida para ese nuevo proyecto.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
En el mundo globalizado de los acontecimentos virales virtuales, el Teatro es la experiencia, el acontecimiento, lo que sucede, lo auténtico.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro en España?…
El IVA es sólo una parte de la devastación inmensa. Es intencional: la gente tiene que conformarse con trabajar, tiene que conformarse con comer, tiene que conformarse con respirar, y estar agradecido por ello. «Ni un español sin pan ni un hogar sin lumbre». Así se podrá hacer lo que se quiera con ellos, robar en su cara, traerlos de aquí para allá…
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…Edipo, dirigida por Sanzol, y Antígona, dirigida por Miguel del Arco. Me ha conmovido mucho el trabajo en común de una forma de afrontar el texto y saber que hay esperanza hacia las formas de reflexión (de la estética, de la dramaturgia, de la interpretación). Allí hay directores, iluminadores, escenógrafos, etc trabajando con un sentir común y sin muchas ganas de concesiones.
¿Proyectos futuros?… Lo más inmediato es que acabo de empezar ensayos sobre un texto del Satiricón de Petronio que es una auténtica preciosidad, con tres actores inmensos: Pepe Viyuela, Elena González y Susana Hernández, y un equipo de creación y producción de lujo, que se estrenará en Octubre. Me siento muy afortunado y entusiasmado.
¿Cómo ves la situación teatral en nuestro país?…
Si a ti te duele un brazo, automáticamente demandas sanidad, buscas un médico. Pero si tú tienes una carencia cultural, no buscas una biblioteca, un cine, un teatro: te embruteces. El público que se está destruyendo no podemos confiar en que volverá.
¿Se pueden hacer propuestas combativas hoy en día?…
«Decía Artaud que nuestra forma de expresión debería parecerse a los gestos que hacen entre las llamas los condenados a la hoguera.» En fin. Luego nosotros tratamos de sobrevivir.
DONDE HAY AGRAVIOS NO HAY CELOS de Rojas Zorrilla en la Compañía Nacional de Teatro Clásico
Hasta el 14 de diciembre se puede disfrutar de Donde hay agravios no hay celos de Francisco de Rojas Zorrilla con dirección de Helena Pimenta y versión de Fernando Sansegundo. Una historia de equívocos llena de locura e ingenio en la puesta en escena y en los gags que propone la versión y que los actores desarrollan exquisitamente para deleite del público.
Adolfo Simón
Ciclo La voz y la palabra
Hoy, en la Biblioteca Nacional, dentro del ciclo La voz y la palabra, la directora de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Helena Pimenta, y los actores Marta Poveda y Fernando Sansegundo (en la foto) hablarán de «Calderón y de La vida es sueño. Del texto al escenario». http://www.bne.es/es/Actividades/Ciclos/Temporales/2014/CicloVozyPalabra/Vozypalabra3.html?pagina=0
Presentación del libro: TEATRO 1989-2014 de Juan Mayorga
Participan: Helena Pimenta, Claire Spooner,
Daniel Montero y Juan Mayorga.
Se cerrará el acto con una lectura dramatizada de fragmentos del libro a cargo de Daniel Albadalejo y Pedro Casablanc.
MARTES 3 DE JUNIO, 19,00 H. / BIBLIOTECA NACIONAL DE ESPAÑA
*Paseo de Recoletos, 20. Madrid.
Salón de actos / Entrada libre / Aforo limitado.
Marta Poveda nos habla de sus proyectos para la escena
¿Cómo surge la propuesta que se presentáis en Surge Madrid?…
Fue un precioso ofrecimiento de Vanessa Espín… ella conoció el texto en un taller de José Sanchís Sinisterra, y nos ofreció las tablas del Teatro del Barrio. Nos hace mucha ilusión estrenar este texto en esta sala.
Háblanos de la obra…De tu personaje…Del montaje…
Una mujer que un día dice: “hasta aquí”. No más golpes. Ha decidido defenderse de la bestia, encerrarla, poder con ella. Mónica es una mujer “socialmente elaborada” que ha decidido recuperar su instinto, su cuerpo, su naturaleza, su pasado, su yo. El espectáculo lo trata desde una concepción del espacio muy esencial con un par de referencias que son más que suficientes para llegar muy lejos. El espectador habita la casa de esta mujer, que acaba de ser un campo de batalla y la acompaña en el tránsito de su reinvención, en la toma de su decisión… vivirá una duda emocional y moral muy radical. Sería interesante descubrir qué hubiera hecho cada uno de los espectadores que vengan a ver la función.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?…
Supongo el camino que elige cada actor le va llevando cada vez con más certeza a trabajos que tienen que ver con sus inquietudes artísticas. Con José simplemente sería imposible no embarcarme. Es mi maestro, mi amigo, mi ejemplo, mi referente. Lo admiro a todos los niveles. Es un científico del teatro, un investigador en constante evolución a quien no le importan lo más mínimo ofrecer resultados comerciales ni la imagen. Una no se puede perder cualquier posibilidad de trabajar a su lado. José y yo tenemos mucha química como director/actriz.
¿Qué te anima a participar en ellos?…
Me anima el equipo artístico principalmente. Si se genera un grupo de creación con objetivos creativos, el proceso sin duda será jugoso… a partir de ahí se puede hacer cualquier cosa. Lo más maravilloso del teatro es que es un trabajo de equipo… al menos así lo entiendo yo.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Después de asomarme un poquito en el instituto, comencé a estudiar en la Cuarta Pared. Tuve la suerte de que mi primer maestro, Juan Pedro Enrile, me condujo directamente a amar el teatro. Fue un primer año increíble, lleno de descubrimientos. Mis labios tocaron aterrados las palabras de Brecht y de Delibes. Caí en las riendas. Seguí estudiando en la Cuarta Pared, donde me enseñaron que el actor, ante todo es un creador. Y allí mismo pude conocer a Sinisterra con quien empecé a trabajar en Barcelona, en la Beckett. Estudié también en el Teatro de la Danza, y con ellos estuve dos años haciendo Las bicicletas son para el verano, que dirigió Luis Olmos con Gloria Muñoz, Gerardo Maya, David Lorente, Lucía Quintana, Pedro G. De las Heras, Enriqueta Carballeira, Charo Soriano… Eso es como hacer un master. Una verdadera gira de cómicos como las que cuenta Fernán Gómez.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en teatro?…
Hasta el momento el recorrido está siendo vibrante, cañero, divertido, inmenso, duro, fácil, difícil, frágil, emocionante… cada día comprendo que cada día me queda más por aprender. El teatro es infinito.
¿Cómo creas los personajes? ¿Tienes un método?…
Cada proceso para mí es completamente diferente ya que cada historia, cada texto y todo lo que los rodea es diferente. A veces, hago un trabajo de mesa muy exhaustivo, otras me lanzo directamente al charco, otras es algo que nace del físico, otras es más cerebral… Cada equipo, cada director y elenco es un planeta… uf… difícil de contestar.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Con la CNTC hemos estado embarcados en dos espectáculos: La vida es sueño y en La verdad sospechosa, drama y comedia. Hemos hecho temporada en Madrid y giras con muchas y bonitas plazas. También intentando impulsar proyectos que espero tarde o temprano vean la luz.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Estrenar en Almagro una comedia de Rojas Zorrilla, Donde hay agravios no hay celos. Un reparto llenos de bicharracos de la escena: Oscar Zafra, Mónica Buiza, David Lorente, Clara Sánchis, Fernando Sansegundo, Natalia Millán, Rafa Castejón y Jesús Noguero. De nuevo dirige Helena Pimenta. ¡Con muchas ganas! Almagro es un festival increíble, el ambiente que se respira allí como de “vacaciones teatrales”.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
La subida del IVA provoca un alejamiento entre la sociedad y la cultura. La cultura es un arma contra la ignorancia. La ignorancia es un arma de destrucción masiva …
¿Qué te parece la iniciativa de Surge Madrid?…
Cualquier iniciativa artística, si es buena para la gente, si hace “feliz”, me parece positiva.
¿Cómo ves la situación teatral en estos momentos en nuestra ciudad?…
Tremendamente viva. Un hervidero de ideas que afloran en respuesta a la represión en muchos casos, lo cual es esperanzador….
¿En nuestro país?…
Me parece que hay muchas carencias. Hay ciudades en las que apenas se puede acudir al teatro, a conciertos, a danza, no hay suficiente oferta… Y desde luego no es por falta de ella, sino por el “no uso” de ella. En todos los lugares de este país hay artistas, grupos de artistas, proyectos, espectáculos, compañías con mucho que ofrecer. Si por mí fuera, en cada pueblo debería haber un teatro explotado al máximo, para todas las edades, y con participación por parte de todos, talleres, grupos, cursos… Es una utopía con la que me gusta soñar.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
He visto un montón de cosas que me han encantado pero te digo un par. Las heridas del viento: Kiti Mánver y Dani Muriel han elaborado una composición de personaje que los pone “en pelotas” a nivel emocional, con unos matices deliciosos. El texto me traspasó la piel y el espacio siempre me cautiva, el hall de Lara. Hace meses vi un espectáculo que me emocionó muchísimo, El viaje a ninguna parte.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?… Seguir creando y hacer teatro en tiempos de crisis. Quizá te suene ingenuo, pero eso no nos lo quita nadie. Eso lo podemos hacer siempre, en las circunstancias que sea. Sólo hace falta hacerlo, y a partir de ahí cualquier cosa es posible.
Josep María Mestres nos habla de su trayectoria en el mundo del teatro.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la dirección?…
Empecé estudiando interpretación en distintas escuelas, de manera más o menos diletante, mientras estudiaba en la universidad. Una vez tuve el título bajo el brazo, para contentar las aspiraciones paternas, decidí que ya era hora de hacer lo que realmente me gustaba y entré en el Institut del Teatre de Barcelona. De entrada, yo quería ser actor. Casí no conozco a nadie que se haya metido en el mundo del teatro con la idea inicial de convertirse en director de escena. Le pedí a Pere Planella, un profesor al que admiraba, si me dejaba asistir a los ensayos de uno de sus espectáculos, y a partir de aquí fuí descubriendo y me fuí introduciendo en el mundo de la dirección. Y hasta aquí… Pero a menudo siento unos deseos irreprimibles de pisar el escenario y, como reprimirse no es nada bueno, siempre que puedo vuelvo a ser actor, aunque sea sólo un ratito.
¿Tu trabajo en el teatro lo has compatibilizado con otros trabajos?…
Pues la verdad es que tengo que considerarme un privilegiado. Desde que empecé a trabajar en el teatro he podido subsistir, mal que bien, en él y de él. Director, actor, profesor… pero siempre en el teatro.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…Háblanos de los montajes más significativos…
Me vienen a la mente dos palabras: eclecticismo y free lance. Creo que son las que mejor definirían mi trayectoria. He trabajado tanto en el teatro público como en el privado, he pasado de lo clásico a lo contemporaneo, he hecho comedia (muuucha!), farsa, drama, melodràma, tragedia… Y no ha sido algo buscado, más bien ha ido sucediendo de manera fluida. De mis primeros montajes destacaría Yvonne, princesa de Borgonya de Gombrowicz (éramos muy jóvenes, muy “locos” y muy libres) a la siguió Kràmpack de Jordi Sánchez (un espectáculo que gustó a todo el mundo)… Dakota, que fue el primer estreno de Jordi Galcerán, Klowns, un espectáculo de payasos con el recientemente fallecido Joan Montanyès en el Teatre Lliure, Unas polaroids explícitas de Mark Ravenhill, Un matrimonio de Boston de Mamet, con la Lizarán, la Vilarasau y la Marco también en el Teatro Lliure… Las variaciones Goldberg de Tabori, en Valencia, es un espectáculo que recuerdo muy especialmente. En el Teatre Nacional de Catalunya, en los últimos años, he podido montar espectáculos de grandes autores y de gran formato: Nit de Reis (Noche de Reyes) de Shakespeare, El ventall de Lady Windermere (El abanico de Lady Windermere) de Óscar Wilde, La casa dels cors trencats (La casa de los corazones rotos) de Bernard Shaw, Un mes al camp (Un mes en el campo) de Turguéniev… y tantos otros. Tengo también un especial cariño por el estreno de Purgatorio de Ariel Dorfman en el Matadero, por lo que supuso la relación con el autor, por el trabajo con Viggo Mortensen y Carme Elías… Bufff, me dejo tantas…!
¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?…
La principal es que los profesionales: actores, directores, escenógrafos, figurinistas, iluminadores, técnicos… todos están mejor formados. Somos más y mejores profesionales. Y se ha conseguido “dignificar” cada vez más esta profesión. Desgraciadamente, en los últimos tiempos, y a causa de los recortes, la subida del IVA y la dejación de las instituciones respecto de la cultura, estamos perdiendo logros que nos había costado horrores conseguir… ¡y va a ser muy difícil recuperarlos!.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Se me hace difícil objetivarlo, porque cada caso es especial y único. A veces hay espectáculos muy deseados: por el texto, por el autor, por la gente con la te embarcas para hacerlo, y eres tu quien tira del carro para sacarlos adelante… Y otras veces te llama el director de un teatro público, una empresa privada o el grupo “x” y te propone montar un espectáculo a partir de un texto determinado. Y te puedo asegurar por experiencia que no siempre lo más “deseado” acaba siendo lo más interesante. Pero sí te puedo decir que, no importa de donde provenga la propuesta, lo más “motivador” siempre es el texto.
¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
Absolutamente. Me encanta repetir con los actores, las actrices y los colaboradores con quienes establezco complicidades. Todo resulta mucho más fàcil. Aunque es verdad que siempre se agradece trabajar gente “nueva”. Siempre he intentado encontrar el equilibrio entre lo conocido, lo seguro y lo nuevo, el terreno inexplorado. Y así la “familia” teatral se hace cada vez más numerosa…
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Antes de “La Cortesía de España”, las últimas puestas en escena que he realizado han sido Dispara/Agafa Tresor/Repeteix (Dispara/Coge Tesoro/Repite) de Mark Ravenhill en el Teatre Lliure y Llibertat! de Santiago Rusiñol, para el Teatre Nacional de Catalunya.
Háblanos del estreno con la Compañía Nacional de Teatro Clásico…
¿Cómo surgió este proyecto?… ¿Cómo ha sido el proceso?…
Con una llamada de Helena Pimenta: “¿Quieres montar una obra de Lope con la Joven Compañía?”, a lo que respondo “¡Sí!” sin chistar. “¿Cual?”, es mi siguiente pregunta; “La Cortesía de España”, me responde Helena, e inmediatamente ambos estallamos en risas. “¡Ya verás como te gusta!” me aseguró Helena. Y efectivamente, me enamoré de la obra a la primera lectura. A partir de ahí todo fue rodado: me fuí familiarizando con la obra, con el verso de lope, con sus formas estróficas (ten en cuenta que se trataba de mi primer montaje a partir de un texto del Siglo de Oro), asistí un tiempo a los talleres de interpretación, verso, canto… que estaba realizando la compañía… A partir de aquí realicé la distribución de los personajes y… empezamos los ensayos. Yo siempre me he sentido muy cómodo con el verso, tengo la sensación de tener el camino trazado, es como circular por las vías del tren: el color, el ritmo, el tono, la respiración… todo está escrito. Sólo hay que descifrar el código y hacerse amigo del texto, aprehenderlo. Lo demás surge sólo. Por otro lado, en La Cortesía de España, Lope despliega todos sus encantos: el verso transita de lo más lírico y espiritual a lo más pragmático e, incluso, grotesco. Hay comicidad, intriga, romance… Todo con una profunda emoción y una descarada sensualidad. ¿Donde estaba escondido? ¡Hay muchos textos de Lope que esperan a ser contrastados con el público de hoy! A mi desde luego me han quedado muchas ganas de repetir.
También he tenido claro desde un principio que el proyecto tenía un componente pedagógico. Con lo cual, el resultado era el objetivo (¡importantísimo!), pero también era importante el proceso, la formación de las actrices y los actores de la compañía.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Estoy trabajando en un monólogo con Mónica Glaenzel. Se trata de M.A.R.I.L.U.L.A, un texto de Lena Kitsopopulu, una joven autora griega interesantísima. Una mujer y un país en crisis. Algo muy cercano. Y también tengo algún que otro projecto que siento no poder desvelar hasta que los teatros no hagan pública su programación.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
¡Cómo les va a sentar! Pues muy mal. Y a las pruebas me remito. Por un lado los números cantan: la asistencia del público a los teatros ha descendido peligrosamente, y por otro, aunque todos hacemos esfuerzos para disimularlo o compensarlo, la producción y la factura (el aspecto…) de los espectáculos está empezando a decrecer. Ya hace tiempo que empiezan a proliferar los monólogos, los espectáculos con sólo dos actores, con escenografías sólo “insinuadas” o con cámara negra… Lo positivo es ver como la gente no deja de trabajar, de luchar aunque no sea en las condiciones óptimas…
¿Cómo es la realidad teatral ahora en Barcelona?…
No muy distinta de la que se vive en Madrid. Por un lado, los que estamos trabajando más o menos regularmente, estamos luchando por hacer el teatro que nos gusta e intentando preservar los derechos y las condiciones de producción adquiridos a base de largo tiempo de esfuerzo y tesón. Y por otro, están surgiendo voces nuevas que luchan por encontrar donde expresarse: nuevos y muy interesantes autores, directores, actores… Hay la sensación de que se está gestando algo nuevo: nuevas formas de expresión, de producción… pese a lo dificultoso del momento.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
El caballero de Olmedo de Lluís Pasqual, por la poética de Lluís, por la Machi, por el flamenco, por la persecución de la belleza…; La verdad sospechosa de Helena Pimenta, por su melancólica asertividad, por lo bien que explica la historia Helena, por proporcionar diversión a partes iguales, por mis amigos David Lorente y Marta Poveda…
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Ir a la búsqueda de lo comprometido sin dejar de ser lúdicos.
JUAN GÓMEZ-CORNEJO SÁNCHEZ, Iluminador de “El viaje a ninguna parte” nos habla de su trayectoria
¿Cómo surge tu participación en el proyecto de El viaje a ninguna parte?…
Primero por invitación de la directora Carol López, es la primera vez que trabajamos juntos, y después por invitación del C.D.N. También por la propuesta de Álvaro Luna (video escena) que somos habituales colaboradores y que el sí que había trabajado con Carol López.
¿Qué balance haces de tu larga trayectoria como iluminador?…
Que difícil resumir y hacer balance, sobre todo porque “lo de larga” es bien cierto ya.
El balance es positivo, me siento un ser afortunado por desarrollar una profesión que me apasiona y además me permite vivir de ella. El tener una formación autodidacta (de forma irremediable en este país) te da inseguridad pero por otro lado te obliga a descubrir y aprender de forma continuada en el proceso. La investigación es constante y eso te motiva continuamente y no te deja parar. Analizas tus trabajos y los de tus compañeros y eso te mantiene vivo y te permite seguir aprendiendo.
¿Cuáles han sido los proyectos para los que has realizado un diseño de iluminación en el último año?…
“La verdad sospechosa” con dirección de Helena Pimenta para la C.N.T.C.
“Maribel y la extraña familia”, “El cojo de Inishmaan” bajo la dirección de Gerardo Vera para Grey Garden.
“El Crédito” dirección Gerardo Vera. Producción Carlos Larrañaga
“Los Justos” con dirección de Javier Hernández. Producción de 611 Teatro.
“Conversaciones con mama” con dirección de Juan Echanove. Pentación.
“Emilia” dirección de Claudio Tolcachir, para Producciones Teatrales Contemporáneas.
¿Cuándo te llega la propuesta de un proyecto te dejan margen de creación o te piden lo que necesitan?…
Normalmente si me llaman es para que yo haga mi propuesta, lógicamente con unas pautas de dirección para que todo se encamine hacia el mismo lugar. Te piden necesidades pero más de tipo dramático que tú traduces en propuestas de luz.
¿A partir de qué creas los diseños de iluminación?…
A partir del texto, de la música, del espacio propuesto y fundamentalmente de la historia que se quiere contar. Y sobre todo de la propuesta de dirección que debe de ser nuestra mayor aliada y servirnos de guía. Todo debe de confluir en un mismo punto.
¿Qué iluminadores tienes como referencias? ¿Por qué?…
Uno en este “arte tan joven” siempre tiene en la cabeza a los maestros, a los que cuidan de una forma especial la luz y han marcado un estilo con sus espectáculos. Bob Wilson, Robert Lepage, Robert Carsen, a veces no son tanto iluminadores si no directores que tienen un especial cuidado con la luz y se acompañan de grandes iluminadores. Puedo seguir citando a Jennifer Tipton, Vinicio Cheli, Max keller, y en cine Vittorio Storaro, Alcaine, Aguirresarobe, etc. También una gran cosecha Española de directores e iluminadores estupendos con los que comparto esta pasión por la luz. Evito citarlos para no olvidarme de ninguno. Perdón, si citare a Josep Solbes que nos abrió camino y que desgraciadamente ya no está entre nosotros.
¿Hay una carencia de formación a nivel iluminación en la profesión teatral de nuestro país?…
Total y absoluta y esto hay que remediarlo lo antes posible. Estamos en Europa y en estos aspectos formativos no lo parece. Hay pequeñas incursiones más en la parte técnica que en la artística pero es curioso que mientras que en la RESAD (Real Escuela Superior de Arte Dramático) existe la especialidad de escenografía no existe la de Iluminación. También sucede lo mismo en el Instituto del Teatro en Barcelona. Si alguien quiere estudiar Iluminación se tienen que ir fuera de España irremediablemente.
¿Cuál ha sido tu formación en esta materia?…
Como ya he dicho bastante autodidacta, no quedaba otra que aprender sobre el terreno y apuntándome a todo “curso viviente” relacionado con el tema de la luz. Viendo espectáculos, analizándolos. Mi labor como director técnico en La histórica Sala Olimpia (ahora teatro Valle Inclán) y posteriormente en el Teatro Central de Sevilla durante la Expo 92 me permitió disfrutar dese dentro de muchísimos espectáculos y aprender de ellos. Y continuamente aprendo de mis colegas con los que comparto, no solo oficio si no, la ilusión por la luz.
¿Qué iluminación has visto últimamente que te haya interesado?…
Interesarme casi me interesa todo, yo soy un espectador muy agradecido y siempre saco cosas positivas. Podría decir que me ha interesado el trabajo de Lluis Pascual- Fernando Ayuste con “El Caballero de Olmedo” en la CNTC.
“The Indian Queen”de Peter Sellars con iluminación de James Ingalls en el Teatro Real.
Sorprenderme realmente hace tiempo que no veo nada que me sorprenda, echo de menos espectáculos que nos visitaban antes con un componente visual importante. Estamos descuidando este tipo de propuestas y son tan necesarias para el espíritu como las minimalistas (escuetas) en a las que últimamente estamos tan acostumbrados.
¿Están bien dotadas técnicamente las salas actualmente?…
Si nos fijamos en las grandes capitales, centros oficiales, teatro de ópera y de musicales, más o menos te diría que sí, que no están mal equipados.
Si nos vamos de gira con algún espectáculo y visitamos el resto de España “de bolo” como se suele decir (montaje y actuación en el mismo día) te diría que, sin ánimo de ser pesimista, la cosa deja mucho que desear y la presentación de los espectáculos queda bastante desmejorada por el tema de los equipos. Te tienes que adaptar continuamente y esto en ocasiones es bastante frustrante. Las dotaciones técnicas en general no cumplen ni los mínimos.
¿Se nota la crisis actual en la demanda de iluminación?…
Si claro ¡cómo no¡ sobre todo en los presupuestos y cuando te dicen que el espacio es “vacío” (concepto moderno que ha perdido absolutamente su significado, ahora quiere decir que no hay “ni un duro” para escenografía) y que todo “lo arreglamos con la luz” pero que no hay presupuesto para más material de iluminación. Como ya te lo sabes le buscas el lado gracioso que por momentos no aparece por ningún sitio.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempo de crisis?…
No dejar de inventar y no permitir que nos quiten la ilusión por este maravilloso trabajo. Esto que cada cual lo interprete y traduzca a su modo.
¿Qué proyectos tienes entre manos?
Lo más inmediato remontar “La vida es sueño” en el teatro Pavón para la C.N.T.C. ahora en el mes de Marzo.
“Amo y criado” con Helena Pimenta para la C.N.T.C que se estrenara en el Festival de Almagro.
“El señor de las Moscas” con José Luis Arellano para la Joven Compañía.
Como el arranque de la entrevista era el estreno de “El viaje a Ninguna Parte” déjame volver a esta obra tan de actualidad.
Ha sido un trabajo de disfrute y total entrega de todo el equipo artístico. Es de agradecer la generosidad absoluta de todos los actores para contar de una forma tan poética algo que a “los cómicos” nos resulta tan familiar. El proceso me ha hecho olvidar que mi cometido era la luz.
Desde aquí les doy las gracias a todos y a la directora Carol López por dejarme participar en tan gratificante experiencia.
«Vendado es Amor, no es ciego» en el Teatro Pavón
La compañía Nacional de Teatro Clásico nos ofreció el pasado lunes, dentro del ciclo que dedican a lecturas dramatizadas, «Vendado es Amor, no es ciego» de José de Cañizares y con música de José de Nebra. La propuesta ha sido asesorada por Juan Antonio Hormigón y dirigida por Raúl Arbeloa, que ha sabido conjugar muy bien la escenografía sencilla, compuesta por un suelo en varios niveles forrado de hierba y unos portentosos cuernos que nos adelantan la trama de la obra, con la orquesta en el escenario. Además se utilizan proyecciones de pinturas de la época que encuadran la zarzuela de una manera sencilla y eficaz y junto con un vestuario descontextualizado y original, recordando a los colegios privados y a escenas de caza nos sumergen en los mundos de Venus, diosa del Amor y concupiscencia y Diana, la cazadora que ordena castidad entre sus discípulos vestidos de uniforme colegial.
Para lograr montar todo esto se ha colaborado con la Escuela Superior de Canto de Madrid y el Conservatorio Profesional de Música Arturo Soria, que han aportado jóvenes valores en canto y música. «Vendado…» fue estrenada en 1744, siendo la zarzuela es esta época un género comercial y fusionando formas italianas del dramma per musica con elementos característicos de las comedias de música y de la antigua zarzuela cortesana: estructura en dos actos, alternancia de partes habladas y cantadas, uso de los cuatros y de formas populares como seguidillas o fandango,inclusión de personajes del gracioso y graciosa y mezcla de lo serio y lo cómico.
La obra es la primera zarzuela barroca y esperemos que no la última que se representa a propuesta de la CNTC en el Pavón, lo cual es un punto a su favor y una propuesta novedosa que no deja de entrar dentro de lo que es el Teatro clásico Español.
Luis Mª García Grande
PREMIOS ADE 2013
La RESAD de Madrid acogió ayer la gala de entrega de premios de la Asociación de Directores de Escena (ADE), como maestro de ceremonias actuó con elegancia y discreción Carlos Rodríguez, quien a lo largo de todas sus intervenciones y mediante citas inteligentemente escogidas introducía los premios que se entregaban, los discursos de apertura e institucionales corrieron a cargo del presidente Eduardo Alonso y su secretario general Juan Antonio Hormigón, la situación actual de crisis y presión del IVA cultural sirvió de motivo a estos y a muchos de los discursos que se ofrecieron tanto por parte de los ganadores del premio, como de aquellos a los que se entregaban, a destacar las palabras de Santiago Sánchez, que habló en nombre de todos, un total de doce, entro ellos él mismo, que recibían la medalla que la ADE concede a los asociados de 25 años de continuidad en la asociación. Los premiados Eladio Pablo, por su traducción de “Cielos» de Wajdi Mouawad; Juan Antonio Hormigón, por su estudio teatral “El legado de Brecht”; Luis Perdiguero, por su iluminación en el montaje de “Transición”; María Araujo, por el figurinismo de “El lindo don Diego; Alejandro Andújar y Esmeralda Díaz por la escenografía de “La vida es sueño”; Denis Raffter consiguió el Premio Adolfo Marsillach po una labor teatral significativa; Helena Pimenta por la mejor dirección –y es el tercero- de “La vida es sueño”. Se entregó por primera vez el recién creado premio de Honor de la ADE a título póstumo a Julio Castronovo. La Tarascas de la ADE fueron para Santiago Martín Bermúdez y el Centro Uruguayo de Madrid, por el Centro lo recogió una brava Lucila Maquieira que acabó su discurso con un emotivo VIVA EL TEATRO!. A destacar los discursos de Jesús Campos Presidente de la Asociación de Autores de Teatro, Fernando Marín de AISGE y Denis Raffter que recibieron una fuerte ovación. Una gala que, a diferencia de otras, no requiere del glamur de focos y moda y se respira cultura de gente de teatro inteligente. Felicidades a los premiados y hasta el año que viene.
Ángel Savín
La verdad sospechosa en la Compañía Nacional de Teatro Clásico
Vivimos unos tiempos en los que los pequeños grandes hombres se convierten en los dueños del mundo a base de mentiras y manipulaciones. Esta idea tan moderna es el eje que vertebra la obra de Juan Ruíz de Alarcón y que, si en el texto podría desprenderse que la figura del protagonista es un niño malcriado que vuelve a casa de papá tras prepararse y que tiene dotes de un don Juan de rebajas, no es así como se enfoca ese perfil porque, de ese modo, tal vez nos dejaría fuera de esa lista de gente gris que también usa estrategias para conseguir sus fines aunque sea fraudulentamente. Y todos los elementos de la puesta en escena dirigida por Helena Pimenta conducen a ese objetivo…Una escenografía de apariencia sencilla que se convierte en una caja de sorpresas donde los personajes habitan como ratas en sus agujeros. Y un elenco espléndido, coral, mostrando así que no hay jerarquías en ese mundo de ensoñación donde la realidad finalmente se impone.
Adolfo Simón
Antonio Muñoz de Mesa nos habla de su experiencia con el teatro
¿Qué es el teatro para ti?…
El Teatro es un juego de descubrimiento de uno mismo a través del otro. Es un «pilla pilla» donde el actor se la liga y el espectador trata de que no le capturen. Si el espectáculo es bueno, el espectador se la termina ligando.
¿Por qué haces teatro?…
Por lo mismo que hago pis. Está el riñón, el uréter, la vejiga, la uretra, las glándulas sudoríparas, los pulmones, el hígado y el Teatro.
¿Cómo surgió el proyecto de La Visita?…
Leo una noticia en la prensa: «La Iglesia equipara el abuso sexual de un cura en Holanda con un accidente laboral». No me lo puedo creer. Escribo el texto entre otras cosas para «entender» esta noticia. Lo termino y se lo doy a Olga Margallo, a Iván Villanueva y a Rosa Mariscal. Les gusta y lo hacemos 🙂
¿De qué va el texto?¿Cómo ha sido el proceso de escritura?…
El Texto va de cómo el beneficio económico se coloca por encima del bien común en una institución supuestamente altruista. «La Visita» es un thriller donde se pone de manifiesto cómo el ser humano corrompe las instituciones que supuestamente le protegen. El proceso de escritura fue muy interesante porque al principio lo escribí para dos actores y terminé cambiando el personaje del agente de seguros por el de una mujer para añadirle otro conflicto más: el de la lucha de sexos. Las instituciones religiosas, en su gran mayoría, siguen imponiendo el Patriarcado. El otro día mi hija me preguntó que por qué Dios es hombre y con barba y no mujer y con minifalda.
¿Qué lectura escénica se ha hecho en la puesta en escena sobre tu texto?…
Hemos jugado básicamente con el lenguaje del thriller y con un proceso simbiótico donde ambos personajes, al principio enfrentados, se transmutan el uno en el otro. Una especie de «milagro» en el que la agente de seguros termina dando el sermón de la montaña y el sacerdote hace apología de los mercados. Desde el punto de vista plástico se juega con la metáfora del fútbol como elemento que aglutina la Iglesia y el Mercado.
¿Qué balance haces de tus últimos proyectos como autor?…
Estreno lo que escribo. No puedo pedir más. El balance es muy bueno desde este punto de vista porque me permite madurar como autor. Puedo ver físicamente lo que sólo estaba escrito en papel. Puedo observar la reacción del público a lo que escribo. Puedo sacar conclusiones de lo que funciona, de lo que emociona y también de lo que falla o es pretencioso.
¿Cuál ha sido tu evolución como autor?…¿Estás escribiendo algún texto ahora?…
Estoy escribiendo un nuevo texto que espero estrenar la temporada que viene y esta temporada estreno «La Mala Memoria», dirigida por Julián Fuentes-Reta con Ruth Gabriel, Liberto Rabal, Asunción Balaguer y Carlos Álvarez Novoa. Como autor soy cada vez menos exhibicionista y más técnico. Me interesa mucho más la carpintería teatral como medio para contar una historia y provocar emociones que encontrar un «estilo propio». Hace años mi obsesión era imponer «mi estilo» a una historia. Hoy no. Es una liberación.
¿Cómo ves el panorama teatral en nuestro país?…¿En nuestra ciudad?…
El Teatro tiene que profesionalizar aún más sus herramientas de captación de público. Desde el punto de vista artístico no tenemos tanto problema. Hay profesionales muy buenos en todas las áreas. Me preocupa más la comunión con el público. Madrid está profundizando en su relación con el público a través de nuevos espacios y propuestas, como «La Casa de la Portera» pero necesitamos renovar también los espacios «tradicionales» para que no se relacione el Teatro con la Arqueología. Mi hija me cuenta que a veces ella tiene la sensación de que la llevan al Teatro como la llevarían a ver vasijas de la Grecia Clásica. Propuestas como «Mi Primer Clásico» que ha puesto en marcha el equipo de Helena Pimenta son revolucionarias porque incluyen al espectador en la estrategia de programación. En una estrategia de programación el espectador debería tener el mismo peso que los autores, los directores y los repartos que se proponen. El público es la estrella del evento teatral. Con esto no estoy diciendo que hay que darle al público lo que quiere ver. Entre otras cosas porque el público (y me incluyo) lo que quiere es «DESCUBRIR», y este verbo se carga el argumento anterior.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes en las ayudas al teatro?…
El verbo «afectar» se queda muy corto. La subida del IVA es Terrorismo de Estado. La identidad y el valor de las personas madura con la Educación, la Cultura y la Sanidad. Las consecuencias de estas «políticas de ajuste» se pueden resumir en el «sálvese quien pueda». En este país estamos secuestrados por un bipartidismo artificial que se empeña en rentabilizar las dos Españas para perpetuar unas organizaciones que ya no nos representan de manera adecuada. Se supone que «la masa» es ahora más inteligente y tiene más voz y criterio que cuando se crearon las democracias del siglo XIX. La militancia y las ideologías deben dejar paso a «las inteligencias» y a las ideas. El Teatro también vive secuestrado por su «Síndrome de la Izquierda». Los espejismos ideológicos nos impiden avanzar hacia una sociedad donde la tecnología, la educación, la economía y la cultura se pongan al servicio del bien común. Estoy hablando de una sociedad en red que a su vez sirva de red (para caídas como las que acabamos de sufrir). Lo mismo que la industria discográfica, cinematográfica y editorial están haciendo una transición de lo analógico a lo digital donde el público influye en los productos que demanda, la Democracia está obligada a abrirse y descentralizar sus centros de decisión. La clase política le tiene miedo al ciudadano en lugar de aprovecharse de su potencial. Desde este punto de vista el Teatro debe ser incluyente y no excluyente. Es una de las misiones del arte. Lo más radical que podríamos hacer ahora desde los escenarios es «desradicalizar» al espectador. Liberarle de la herencia «Izquierda vs Derecha». No hablo de ser apolítico. Hablo de actualizar unos modelos políticos que provocan mucho sufrimiento en el mundo. Desde el Teatro podemos contribuir a esta evolución contando historias que empoderen al espectador. Se ha hecho siempre. Mira «Antígona» de Sófocles.
¿Qué obra has visto últimamente que te interesase?¿Por qué?…
«Los Iluminados», «Cosas Nuestras de Nosotros Mismos» y «Feel Good». Tres espectáculos muy distintos que demuestran un altísimo nivel artístico y una comunión brutal con el público. Espectáculos muy emocionantes y comprometidos sin ser militantes. Me gusta el Teatro que tiene muchos niveles de lectura pero que nunca sacrifica el elemento popular de «enganchar» al espectador. En este sentido me encanta el Teatro Aficionado. Cuando me peleo con mi profesión voy a ver a grupos aficionados 🙂
¿Alguna idea para seguir creando en estos tiempos de crisis?…
Lo peor que podemos hacer en estos tiempos es rebajar la calidad de lo que producimos. La salvación está en seguir buscando la excelencia. Seguir teniendo como norte la calidad de los espectáculos.
Javier Hernández-Simón en verano…
¿Qué balance artístico haces de este año?…
Desde el punto de vista personal, no me puedo quejar. He estado inmerso en la gira de “La vida es sueño” que ha sido todo un fenómeno de crítica y público, y en el proceso de ensayos de “La verdad Sospechosa” que se estrenó en el pasado Festival de Almagro. Ambas producciones de la CNTC. En este aspecto he tenido la grandísima suerte de contar con la confianza de Helena Pimenta y ser su ayudante de dirección.
En un nivel más general, artísticamente creo que ha sido un buen año, en el que han surgido proyectos muy interesantes. Siempre ocurre en épocas de crisis, los ingenios se agudizan…aunque por desgracia, no siempre estos proyectos tienen la repercusión que deberían. Verdaderamente nos encontramos en una situación agonizante.
¿Cómo estás pasando el verano?…
La verdad es que está siendo un verano intenso y feliz, ya que tras el estreno de “La verdad Sospechosa” en Almagro…me he sumergido en los ensayos de “Los Justos” de Albert Camus, en el que participo como director de escena, y que está siendo producido por mi compañía 611teatro. Esta obra es un sueño que yo tenía desde hace algo más de 10 años, y por fin hemos reunido el dinero para levantarla…nos dejamos todos nuestros ahorros…pero bueno…hay que arriesgarse ¿no?. Se trata de una versión de la obra de Camus que hemos realizado entre el dramaturgo bilbaíno José A. Pérez y yo, situando la acción en una célula de E.T.A. a finales de los 70.
¿Has visto algún espectáculo interesante?…
Pues entre la gira y los ensayos, apenas he podido ver nada… si creo que “la verdad sospechosa” es una obra que va a despertar el interés del público, la verdad es que Helena Pimenta está en un momento artístico impresionante. Soy muy afortunado de poder trabajar a su lado, porque estoy aprendiendo muchísimo.
Tengo muchas ganas de ver el último trabajo de la compañía La Tristura “El sur de Europa, días de amor difíciles” y también el último trabajo de la compañía Almaviva “Fuenteovejuno, ensayo sobre la violencia”.
¿Qué libro estás leyendo?…
Como estoy en proceso de ensayos de “Los Justos”, ahora mismo no estoy leyendo nada que no tenga que ver con el tema. Ahora mismo mi libro de cabezera es “Sangre, votos, manifestaciones: ETA y el nacionalismo radical 1958-2011” De Gaizka Fernández y Raúl Lopez.
En cuanto termine los ensayos de “Los Justos” y estrenemos “La verdad sospechosa” en Madrid, me está esperando “Viaje al fin de la noche” de Louis-Ferdinand Céline.
¿Proyectos para el otoño?…
En Otoño será el estreno oficial de Los Justos en Alcira (Valencia) y estaré haciendo temporada en el Pavón con la CNTC…con eso creo que estaré mucho más que ocupado…por suerte.
Festivales, Certamenes y Encuentros
Muestra de videodanza DANZATAC 2013
CONVOCATORIA MUESTRA DE VÍDEODANZA
En respuesta a la diversidad de propuestas, géneros y experiencias que vinculan el audiovisual y la danza, se abre la convocatoria para el Festival de Danza de Tacoronte, DanzaTac 2013, que tendrá lugar en el municipio de Tacoronte (Tenerife – Islas Canarias) entre los días 12 y 19 de octubre de 2013.
Debido al crecimiento de los proyectos que desarrolla este colectivo, para esta edición, el evento se propone como una muestra independiente y asume una identidad propia bajo el nombre de DanzaTac. El Mundo en movimiento.
En el Festival de Danza de Tacoronte, DanzaTac2013, además de la muestra de los materiales audiovisuales, serán organizados encuentros, conferencias, debates, talleres, performance y exposiciones que nos ayuden a compartir y dar progresión a las diversas posibilidades de conjunción del Audiovisual y la Danza.
Daremos amplia acogida a materiales audiovisuales que se incluyan en este apartado: Vídeo Danza como forma de expresión artística
Para su exhibición, los materiales se seleccionarán previamente por el comité organizador.
Tacoronte, será durante esos días escenario ideal para el análisis de materiales audiovisuales relacionados con la danza, donde se conjugan la imagen, el movimiento, la historia, la imaginación y los artistas.
Bases de participación:
• La Muestra de Vídeodanza DanzaTac2013 es de carácter internacional y es un evento competitivo.
• El premio consistirá en la asignación al director o productor del trabajo seleccionado por la organización de un importe de hasta 500 euros para entrar en coproducción con otro trabajo de videodanza a estrenar en la edición DanzaTac 2014.
• Todos los materiales deberán presentarse en soporte audiovisual DVD, Pal. Con una duración máxima de 20 minutos.
• Cada material debe acompañarse de la ficha técnica, así como del currículo del director y en su caso la del coreógrafo.
• Los vídeos que se presenten a la Muestra de Vídeo – Danza DanzaTac2013 serán exhibidos en el Auditorio de Tacoronte, Tenerife, en la fecha estimada por la organización dependiendo del programa final establecido, y estará comprendida entre los días 12 y 19 de octubre, notificándolo en http://www.danzatac.com. Estas proyecciones se organizan sin ánimo de lucro, no obstante, se solicita la autorización expresa de sus productores a fin de realizar las exhibiciones que correspondan.
• El material debe enviarse a la siguiente dirección: Festival de Danza de Tacoronte, DanzaTac. Calle Calvario, 36, 38350, Tacoronte. Tenerife. Islas Canarias. España, antes del día 1 de octubre de 2013.
Es propósito de este festival, crear y desarrollar una Videoteca especializada en esta manifestación artística, por lo que se agradece la donación de los materiales presentados al festival.
IV Jornadas de Danza del Conservatorio Superior de Valencia
Los días 10, 11 y 12 de abril, el Conservatorio Superior de Danza de Valencia va a celebrar sus IV JORNADAS DE DANZA 2013, con clases de distintas disciplinas y estilos, así como tres charlas- coloquio sobre temas relacionados con las especialidades que se cursan en nuestro centro: Pedagogía de la Danza y Coreografía e interpretación.
Más info en: http://www.danza.es/descargas/JORNADASDEDANZA2013_Horarios_generales.pdf
I Jornadas de Metodologías y Didáctica en la tutela de trabajos Fin de Grado en Artes Escénicas
Estas jornadas surgen de la necesidad de abordar las metodologías de investigación y los procesos didácticos que contribuyen y favorecen la realización y presentación de los Trabajos Fin de Grado y de Fin de Título en Artes Escénicas. El análisis sobre la dirección de estos proyectos proviene de la experiencia adquirida a través de la primera promoción en Artes Escénicas de la Universidad Nebrija, así como de la voluntad de abrir nuevas perspectivas de investigación y compartir los hallazgos didácticos en este ámbito de conocimiento con el profesorado de otros centros.
La adaptación española al Espacio Europeo de Educación Superior (EEES) en lo que se refiere al espacio universitario se produce a partir de la promulgación del R. D. 13/2007 por el que se establece la ordenación de las enseñanzas oficiales universitarias. A través de este decreto se regulan las estructuras de los títulos de Grado y Máster en las que destaca, al margen de la traducción de los procesos de enseñanza y aprendizaje en Créditos Europeos (ECTS) la obligatoriedad de que los alumnos realicen un trabajo individual, que debe estar diseñado curricularmente entre 6 y 30 Créditos.
Por otro lado, las titulaciones superiores de arte dramático, música y danza a través de la LOE (2006) quedan incorporadas al EEES y también han sido diseñadas curricularmente con una estructura similar, en la que también se recoge la obligatoriedad de que el alumno tenga que realizar un Trabajo final, denominado Trabajo de Finalización de Titulación.
Las enseñanzas artísticas superiores (también las universitarias) como el resto de las disciplinas de las ciencias sociales, las humanidades, cuentan con un déficit histórico en este tipo de actividades académicas, en comparación con otras áreas de conocimiento como las ingenierías. Existe, de este modo, una necesidad de que las experiencias de tutela y los resultados de aprendizaje de los TFG sean compartidos tanto en la comunidad universitaria, como entre el profesorado de las enseñanzas artísticas superiores, y asimismo, se constata un déficit en la formación del profesorado que tiene que asumir la tutela de los trabajos de Finalización de Titulación/Trabajos Fin de Grado.
Por lo tanto, estas jornadas pretenden complementar la formación del profesorado en metodología y didácticas de la tutela en los campos de las artes escénicas.
Más info en: Anabel Rodríguez arodrigu@nebrija.es
VIII Certamen Coreográfico de Sabadell
Pueden participar en el Certamen todas las piezas de danza contemporánea y danza moderna. Las piezas pueden tener una duración mínima de 8 minutos y una de máxima de 15 minutos.
No hay limitación en el número de bailarines.
Se pueden presentar coreografías con un solo bailarín, pero en este caso las coreografías deben tener una duración entre 4 y 6 minutos como máximo.
Inscripciones antes del 5 de julio
Más información: http://www.lestruch.cat
petitmon2002@hotmail.com
El Instituto del Teatro de Madrid se vuelca en la III Semana Complutense de las Letras
El Instituto del Teatro de Madrid (ITEM) se vuelca esta III Semana Complutense de las Letras en su actividad teatral desde lo académico hasta las tablas más contemporáneas. Toda una semana de teatro en su más amplio espectro se abre ante todos los alumnos de la Universidad Complutense y toda la ciudad de Madrid. Y esto es porque este año el ITEM genera actividades tanto en el campus de la UCM como en el centro de Madrid. El recién estrenado espacio Nave 73 (C/ Palos de la Frontera, 5) acogerá los días 22 al 23 de abril las II Jornadas de Nuevos Teatristas Españoles e Hispanoamericanos. El día 24 la jornada se realizará en el Paraninfo de la UCM. En 2011 se crearon estas jornadas con una gran acogida en el seno de la Universidad. Este año se recuperan las jornadas con la presencia de dramaturgos emergentes y propuestas escénicas breves, así como lecturas dramatizadas, que mostrarán las últimas creaciones en España y en Latinoamérica.
En colaboración estrecha con Metro de Madrid, el ITEM lanza la iniciativa CRONO-TEATRO. Una idea que intenta llevar el teatro a nuevos espacios como a un vagón de tren o al propio andén. Propuestas de 2 minutos para los vagones que viajen de Metropolitano a Moncloa, y de 5 minutos para los andenes de estas mismas estaciones. Textos intrépidos para espacios escénicos sin pausa. Para los amantes de la lectura de textos dramáticos, ese mismo día 25 en la Librería Alberti dará lugar la presentación de Cuentos a la Escena, dentro de la colección Varia Escénica del ITEM, con la presencia de su autor, Alberto Castilla y Antonio Zapatero. Y como colofón a la III Semana Complutense de las Letras, el Instituto del Teatro de Madrid presenta su primer ciclo del “Proyecto 3 Vías”. Un proyecto que integra la investigación filológica con la práctica escénica en el seno de la universidad. De viernes a domingo en Nave 73, a las 20.30, el ITEM presenta tres montajes que responden a la Vía Greco-Latina, presentan Heroínas [Medea – Ariadna – Fedra], a partir de diversos textos clásicos de Eurípides, Ovidio o Séneca; la Vía Siglo de Oro, con el montaje Historia del Loco Cardenio, de W. Shakespeare, Fletcher y Cervantes; y la Vía Contemporánea, que presenta Las moscas, de J.P. Sartre. Al concluir cada representación tendrá lugar un encuentro con los creadores para contrastar opiniones con el público asistente.
Más info en: http://pendientedemigracion.ucm.es/BUCM/semanaletras3/
XXX Jornadas de Teatro del Siglo de Oro de Almería
Con la fidelidad con la que llega cada año la primavera regresan un año más las Jornadas del Siglo de Oro de Almería que este año cumplen su trigésima edición para ofrecer una programación que agrupa algunas de las producciones más recientes de obras escritas hace más de cuatro siglos, pero que conservan todo su esplendor e interés, tanto para quienes las producen y protagonizan como para un público deseoso de disfrutar con nuevas producciones de clásicos de la literatura española y europea. Este año, además, «las Jornadas recuperan las ponencias, aunque sea parcialmente, y contarán con la de Fernando Domenech de la RESAD que hablará sobre la adaptación de ‘La vida es sueño’ producida por la Compañía Nacional de Teatro Clásico y la que ofrecerá Carlos González en torno al espectáculo ‘Coplas de Buen Amor’ que se estrena en esta edición», señala la directora de este evento almeriense, Ascensión Rodríguez, que confía además en recuperar para este ciclo de conferencias los créditos universitarios. Esta edición que se desarrollará entre el 4 y el 19 de abril tanto en la ciudad de Almería como en las localidades de Roquetas de Mar, El Ejido y Vícar, ofrece una programación en la que destacan el estreno absoluto de Coplas del Buen Amor y del espectáculo Perrault en danza o la presencia de la Compañía Nacional de Teatro Clásico que llega con el último espectáculo creado por su directora Helena Pimenta, La vida es sueño.
Más info en: http://www.teatrosiglodeoro.org/
La novedad volverá a ser la tónica destacada de Umore Azoka-Feria de Artistas Callejeros de Leioa 2013 y uno de cada tres espectáculos seleccionados se estrenará en esta cita que se celebrará entre el 16 y el 19 de mayo. Entre las más de 300 propuestas artísticas recibidas, los organizadores han seleccionado para ser exhibidos en esta edición 55 espectáculos, que provienen en su mayor parte de Euskadi, Catalunya y Francia, aunque también habrá propuestas llegadas del resto del Estado y de Holanda, Reino Unido, Polonia, Rusia, Rumanía, Italia, Israel o Turquía.
(Leioa 02/04/2013) Euskadi con una docena de compañías, Catalunya con un total de 16 espectáculos diferentes y Francia, desde donde llegan nueve espectáculos, forman la columna vertebral de Umore Azoka 2013. En el programa tienen cabida propuestas de teatro, circo, danza, clown, títeres, música y performances.
Umore Azoka-Feria de Artistas Callejeros de Leioa 201
Las compañías vascas serán, además, las que presenten un mayor número de estrenos, ocho, en concreto los que ofrecerán Al Di Là, Bapatean Zirko, Cachaba Teatro, Deabru Beltzak, Ertza, Gaupasa/Nacho Vilar Producciones, Ipso Facto y Trapu Zaharra. La presencia de compañías llegadas desde Catalunya se materializará con tres estrenos absolutos, otros tantos estrenos en calle y un working progress, mientras que desde Francia llegará La Mini Compagnie con un estreno absoluto, otras tres compañías presentarán sus espectáculos por primera vez en el Estado y tres más en calle. El programa contempla también tres estrenos más de compañías llegadas de Andalucía, Castilla y León y Valencia. Umore Azoka 2013 contempla además otros ocho espectáculos llegados de Holanda, Polonia, Italia, Israel, Reino Unido, Rusia, Rumanía y Turquía, muchos de los cuales se exhibirán por primera vez en el Estado.
Más info en: http://www.umoreazoka.org/fr/noticias.php
La vida es sueño de Calderón de la Barca en la Compañía Nacional de Teatro Clásico
La vida es sueño de Calderón de la Barca en la Compañía Nacional de Teatro Clásico
Versión de Juan Mayorga – Dirección de escena de Helena Pimenta.
La vida es sueño es probablemente la obra cumbre de nuestro teatro clásico, es un texto que consigue elevar filosóficamente a todos los que entran en sus entrañas literarias. Juan Mayorga ha hecho una versión sútil con la que acerca el texto a nuestra época, algo que se agradece porque se mantiene la obra original evitando que suene museística para el público de hoy. Pocas veces hay la oportunidad de ver tanto talento reunido en una producción…el vestuario, la luz y el espacio escénico se fusionan para conseguir una propuesta plástica fantástica, por momentos, asistimos a imágenes surgidas del Museo del Prado. Pero para que un texto o un cuadro cobre vida, han de entrar en juego los actores, los magos de la escena, sin ellos las ideas se quedan planas, han de poner en juego su imaginario y su sangre para que todo adquiera sentido y aquí, todos, desde Blanca Portillo hasta la figuración, están en estado de gracia. El teatro es un oficio de artesanos, si cada pieza o plano no suma, el resultado es desastroso, sin embargo, en esta nueva mirada escénica sobre La vida es sueño, todas las piezas de un complejo mecanismo de relojería encajan y el nivel de coherencia que hay en todo el espectáculo tiene una responsable, Helena Pimenta, que aquí, consigue uno de sus trabajos más impresionantes y bellos.
ADOLFO SIMÓN
Guillermo Heras nos habla de los proyectos que ha dirigido o dirige en la actualidad…
Guillermo Heras nos habla de los proyectos que ha dirigido o dirige en la actualidad…
¿Cuál es el proyecto que estás realizando en MEXICO D.F?…Háblanos de él…
He realizado la puesta en escena de la obra de Juan Mayorga “Cartas de amor a Stalin”. Esta es ya la cuarta propuesta que hago de esta excelente obra. Cada una de ellas en países diferentes España, Venezuela, Portugal y ahora en el DF con la Compañía Nacional de México que dirige el maestro Luis de Tavira. La experiencia ha sido muy gratificante por el alto nivel creativo y productivo del entorno en que he podido trabajar y entra dentro de mi persistente visión de encontrar un espacio escénico iberoamericano de integración e intercambio.
¿Cómo ves el teatro en México?…
Actualmente la escena mexicana está atravesando un gran momento creativo debido a factores como:
a) Una consolidación de propuestas que provienen de los Estados (sus Comunidades Autónomas) y que van más allá de un persistente sistema institucional basado sobre todo en la producción capitalina del DF.
b) Un interesante recambio generacional en el segmento de la dirección de escena, que sigue teniendo un fortísimo discurso y personalidad entre los históricos del teatro mexicano, pero al que se unen ahora numerosos directores con ideas muy diversas a la tradición dominante.
c) Una excelente aportación dramatúrgica que abarca desde las generaciones más consolidadas a nombres que surgen en todo el país con propuestas sumamente atractivas y diversas.
¿Cómo ves desde la distancia la situación teatral en nuestro país?…
Mi vinculación a España desde el punto de vista creativo es cada vez más residual. Estoy convencido que aquí estoy en “un territorio de nadie” y por eso prefiero hacer trabajos de gestión como la Muestra de Autores de Alicante o el Programa Iberescena y volcar mi energía de dirección escénica en laboratorios y, talleres y montaje en toda América donde me siento más a gusto. Tal vez sea un desapego circunstancial porque sé que ahora más que nunca hay que arrimar el hombro, pero necesito volver a encontrar un entorno (soy muy poco individualista) para canalizar esos proyectos de creación que, sin duda, tengo en la cabeza. No obstante ahora mi sueño es contar con un grupo de integración de voces e ideas de toda Iberoamerica.
¿Cuál es tu balance de Iberescena hasta el momento?…
Muy positivo dado que solo tiene seis años de vida pero ya ha repartido una importante cantidad de dinero (en cinco años en torno a los seis millones de euros) y varios de los proyectos a los que se han ayudado están circulando y teniendo una cierta repercusión en el mundo escénico. No obstante soy consciente de lo mucho que se necesita avanzar, del presupuesto real que se debería alcanzar y los enormes retos que tenemos de dar a conocer a todos los sectores el propio Programa.
¿Cuál es tu balance del Festival de Autores de Alicante a día de hoy?…
Veinte años de Muestra de Autores es desde luego un largo trayecto. Sin duda tengo luces y sombras a mis espaldas. Por un lado, lo que sin duda se ha conseguido cuando era una experiencia que cuando empezó nadie daba un duro (no había aún el euro) por ella. Pero al cabo del tiempo y habiendo entrado en los tiempos de la crisis y los recortes siguen existiendo para mi tareas pendientes: fomento de las coproducciones, proyección exterior mayor, programaciones más sostenidas en el año, la creación de un Centro de Dramaturgia Contemporánea en un espacio singular de Alicante como son Las Cigarreras…..en fin sueños y deseos que no se si veré cumplidos en el tiempo. Pero con mi equipo seguimos luchando para que la Muestra se celebre y que cada año haya un panorama de lo que nuestros dramaturgos logran estrenar en cualquier parte del Estado y con cualquier forma de producción.
¿Qué texto o puesta en escena te ha interesado de lo que has visto últimamente?…
Sin duda la que más me ha emocionado e interesado la puesta del Teatro de La Complicité en el Festival de Otoño en Primavera de Madrid de ese excepcional texto que es “El maestro y Margarita” de Bulgakov. Además me abrió los ojos para esta nueva puesta del texto de Mayorga de “Cartas de amor a Stalin”. También me han interesado las propuestas de los colombianos de La maldita Vanidad, los mexicanos de Lagartijas al sol o la sorprendente vitalidad de la escena argentina de Buenos Aíres.
¿Qué proyectos tienes a corto plazo?…
Reponer la ópera de Tomás Marco que va al Festival Cervantino de Guanjuato. Estrenar a una nueva autora mexicana, Mariana Hartasanchez, con una obra suya “La navaja en el espejo”. Una sensible obra sobre nuestra guerra civil, bajo una óptica muy personal y que estrenaremos en octubre en la ciudad mexicana de Queretaro….Para el año próximo coordinaré un Laboratorio América de clásicos gracias a la invitación de Helena Pimenta. Este primer proyecto se hará en el teatro San Martín de Buenos Aires con jóvenes actores de allá. La dramaturgia la estoy trabajando ahora sobre un texto insólito de Rojas Zorrilla, “Los áspides de Cleopatra”. Lógicamente seguiré con mis trabajos de gestión hasta que el cuerpo aguante pues es preciso continuar el trayecto de Iberescena y ver si seguimos salvando un año más la Muestra de Autores de Alicante. También seguiré con mis talleres de investigación, espero terminar algunas de obras que tengo cocinando y publicar un libro sobre mi experiencia en la gestión
¿Cómo ves la realidad del teatro que se hace en Latinoamérica?…
Esta sí que es una pregunta que necesitaría todo un artículo en profundidad. Hablar de un continente como el americano es hablar de una extensión enorme de kilómetros pero también de sensibilidades y formas de producir y crear. Desde luego para mí es un territorio apasionante porque permite experimentar con más libertad que los clichés que últimamente han acotado la escena europea….y sobre todo, la española. La dramaturgia actual latinoamericana acumula tal cantidad de voces y expresiones que posibilitan un caleidoscopio sumamente atractivo para encarar esos textos desde puestas en escena libres de prejuicios. Cierto que las condiciones de producción son limitadas pero tal y como se ha puesto la crisis en nuestro país es mucho más fácil no sentir el peso de lo productivo como un impedimento, sino más bien como un reto a la experimentación y a la búsqueda.
¿Crees que va a cambiar el panorama de producción teatral tras los recortes en cultural?…
Pues muchos tendrán que superar el miedo escénico acostumbrándose a nuevas formas de financiación, producción y creación si quieren seguir en sintonía con las nuevas realidades que está produciendo la llamada crisis. Cuando se viene del teatro independiente esto no es muy importante porque ya hemos superado varias crisis, aunque efectivamente se notarán cambios que no sé muy bien adonde conducirán.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Contesto con unas reflexiones que he escrito para un reciente trabajo que se me pidió sobre posibles medidas ante la situación:
1.- Abandonar los tópicos sobre bondades y defectos en las diferentes formas de producción de las artes escénicas, evitar las confrontaciones estériles entre ellas y dotarlas de medidas específicas para sus necesidades y desarrollo. Buscar las sinergias y posibles colaboraciones entre los diferentes modelos de producción.
2.- Concretar formas de colaboración, específicamente, entre el sector público y privado.
3.-Asentamiento de Compañías Residentes con una reglamentación más certera, apertura de espacios para las creaciones emergentes o la optimización de bienes y servicios de las Administraciones en fórmulas de cesión a las compañías y grupos.
4.- Replantear el concepto de subvención puntual. Apoyar proyectos a medio y largo plazo. Investigar en la línea de establecer contratos/programas en diferentes territorios de la actividad escénica,
5.- Profundizar en las estrategias de PROMOCIÓN -(distintas a las de PUBLICIDAD, pero sin olvidar estas en su justa medida)- para lograr mayor rendimiento, comunicación y relación con los diferentes segmentos de espectadores hoy existentes y los posibles por configurar.
6.-Convencer a la sociedad política y a la civil que las Artes Escénicas son una herramienta excelente para activar la economía, creando puestos de trabajo, aumentando el PIB y aportando espacios de calidad de vida.
7.- Ahondar en proyectos que promuevan la movilidad artística, fortaleciendo redes hoy en crisis y abriendo otras tanto de carácter local, nacional e internacional.
8.- Buscar nuevas formas de financiación para los proyectos escénicos. Diversificación de estrategias internas y externas que van desde la mejora de la utilización de recursos en gastos corrientes a la implantación de programas de repertorio en las compañías. Investigar en terrenos que, aparentemente, no tengan relación directa con las prácticas escénicas.
9.- Exigir desgravaciones fiscales al mundo de la cultura, rebajas de impuestos y desarrollar una Ley de Patrocinio no excluyente a cualquier tipo de proyectos.
10.- Investigar en los procesos de co-financión no solo con las Administraciones públicas y privadas consolidadas sino también con pequeños aportantes económicos -(crowdfunding)- que, incluso, puedan involucrarse en los proyectos artísticos y productivos de otras formas diferentes a las actuales.
11.- Reformar los modelos de distribución actualmente existentes. Encontrar nuevas formas de cooperación entre programadores y compañías.
12.- Situar al espectador como verdadero protagonista y eje esencial de las relaciones escénicas. Estudiar formas de vinculación mayores entre los proyectos y su recepción ciudadana.
13.- Replantear los modelos de festivales, muestras, ferias, bienales, ciclos, etc….con el objetivo de que sirvan como auténticos dinamizadores de los mercados existentes y otros por crear.
14.- Fortalecer vínculos de movilidad de artistas y proyectos con el objetivo de abrir nuevos canales y mercados de distribución.
Núria Gallardo hace, en esta entrevista, un recorrido por su ya larga trayectoria.
Núria Gallardo hace, en esta entrevista, un recorrido por su ya larga trayectoria.
Aunque parezca mentira… ¿Llevas cuántos años trabajando?…
Muchos, afortunadamente… Empecé a los 8 años en TVE haciendo un “Estudio 1” llamado “Almudena o Historia de sus personajes”. Sumando, sumando casi 37 años trabajando. Y espero que sean muchos más.
Me gustaría que hicieras un recorrido por ese tiempo…y cuéntame tu experiencia en alguno de los proyectos, vale?…
Uff… Sería muy largo pero te puedo decir que he trabajado con directores maravillosos. Desde Pedro Amalio López, Alfredo Castellón o Manolo Gutiérrez Aragón en televisión; Fernando Fernán Gómez en cine; o Jesús Cracio, Lluís Pascual, Calixto Bieito, Juan Carlos Pérez de la Fuente, Amelia Ochandiano, Miguel Narros o José Carlos Plaza en teatro, entre otros.
Mi primer director de teatro fue el maravilloso José Luis Alonso, qué te voy a contar… maestro de maestros… y he trabajado con actores de la talla de José Bódalo, Guillermo Marín, José María Rodero, Carlos Lucena, Manuel Galiana, Carlos Hipólito, Helio Pedregal, Blanca Portillo, Marisa Paredes, Chema Muñoz, Luisa Martín… He tenido y tengo la suerte de trabajar con tres generaciones diferentes: la de mis padres, la mía y la nueva generación.
Siempre que me embarco en un proyecto me entrego con toda el alma. Cada uno de ellos ha tenido su momento, pero lo que sí te puedo decir es que con los años aumenta la responsabilidad y las mariposas en el estómago antes de salir al escenario.
En el periodo de la infancia, el trabajo era para mí algo que se acercaba más al juego; mientras mis amigas jugaban con muñecas yo lo hacía con personajes…; entre los 12 y 14 años esta profesión se definió como lo que más me gustaba hacer en el mundo, mi futuro; fue cuando el teatro entró en mi vida y a partir de entonces empecé a estudiar, a prepararme, a continuar con mi formación hasta ahora….
¿Has tenido la tentación de escribir o dirigir alguna vez?…
Sí, he dirigido en 6 ocasiones y es algo que me apasiona. Y, si tengo la oportunidad, me gustaría seguir haciéndolo.
La última fue “La casa de Bernarda Alba” de F.G.Lorca y antes en Ibiza con producción de Antonio Cantos dirigí “La Ley De La Selva” de Elvira Lindo. Y previamente, “Faustina; Madre De Alejandro Casona” de Pilar Murillo; “Trío De Dos” de Jesús Alonso; “En Todas Las Nubes Hay Un Dragón” de Javier Albalá y “La Soledad Del Actor” de Joaquín Casares.
En cuanto a escribir, ya me gustaría…. Hago mis pinitos con mis niños en el Programa de Voluntariado de Cruz Roja para Centros de Día Infantil escribiendo obritas cortas para fin de curso y Navidad… pero son palabras mayores.
¿Qué te hace decidirte a la hora de participar en un proyecto?…
El texto, el personaje, el director, los compañeros… lo que la historia nos quiere contar,… todo un poco. Pero lo más importante es que me enamore del proyecto que se va a crear porque es/será una parte de mi vida durante un tiempo y hay que darlo todo, tengo que estar enamorada… jajaja.
He tenido mucha suerte ya que tanto las obras que me han ofrecido como los directores con los que he trabajado han sido de lujo y con ofertas como éstas es fácil enamorarse…
Además cada una de ellas ha surgido en el momento justo para hacerme seguir creciendo como profesional y como persona.
¿Qué pasa con la televisión y el cine con Núria Gallardo?…
Eso me pregunto yo,….. Y mira que les tiro los tejos… y ellos ni caso!!!
Bromas aparte, supongo que hubo un momento en mi vida en el fui encadenando un montaje tras otro de teatro y cuando me di cuenta ya se habían olvidado de mi. Ya sabes, como decía Fernando Fernán Gómez en “El Viaje a Ninguna Parte”: “¡Si te olvidas de las cosas/gente es fácil que los demás se olviden de ti!” y si yo dejé de aparecer en la pequeña pantalla la gente se olvidó de que seguía estando allí para trabajar…
A pesar de todo, tengo confianza en que reanudemos nuestras relaciones en breve y a algún director se le ocurra salirse de lo habitual y se acuerde de mí.
¿En qué medida tiene que ver que tu familia sea de artistas para que te hayas dedicado a este mundo?…
En todas las medidas… Ten en cuenta que, cuando yo era un bebé, los técnicos de las compañías de teatro dónde trabajaban les hacían a mis padres una cunita de madera para que durmiera en el camerino en las giras… Conocía todas las funciones, las veía entre cajas con “Burguitos” el apuntador y, si se descuidaban, me colaba en el escenario para actuar. Con estos antecedentes, creo que estaba abocada a terminar siendo actriz. Lo que sí me remarcaron los dos es que era y es un mundo muy difícil; hay “siempre” poco trabajo, se pasa “hambre”,…. Y todo tipo de cosas para que me desenamorara de mi profesión pero, como ves, aquí estoy.
¿Cómo te preparas un personaje?…
Primero empiezo por la obra, qué queremos contar, en qué estilo nos vamos a mover, que significa para nosotros, si es espejo de la realidad de ahora y en qué medida…. Y después abordo el personaje.
Quién es, qué busca, qué quiere, cuáles son sus cualidades, qué le ha llevado a hacer lo que hace… pero desde parámetros simples, fáciles de traducir al entendimiento y de identificar. Después encuentro los puntos comunes desde lo emocional (lo que me acerca y lo que me aleja del personaje) y para todo esto también me dejo llevar por la intuición. Después hay que ir a ensayar el primer día y compartir tu investigación con el equipo de dirección y compañeros y a partir de ahí empezar a crear.
Me gusta la confianza y entrega que hago a la dirección…. Es una pieza clave ya que son mis ojos desde fuera cuando yo estoy sumergida dentro, por eso es muy importante que todos estemos contando la misma historia, el mismo sueño y desde ahí, volar.
¿Qué importancia ha tenido la formación en tu trayectoria?…
Ha sido y es muy importante en mi vida. Desde el año 86/87 que empecé a estudiar en el Laboratorio de William Layton, no he dejado de seguir investigando y formándome…
Creo que es fundamental como profesional y como persona, ya que nosotros creamos a partir de un material sensible como es el “ser humano” que, como la vida misma, está en constante evolución y descubrimiento y cuantas más armas tenga para conocer a mi personaje, más fácil me resultará llegar a su esencia.
Además, es importante que estés en constante estado de actividad porque nunca sabes cuándo te van a llamar para trabajar y como dice mi maestro “Que cuando la inspiración te llegue, te pille trabajando”.
¿Cómo ves el panorama teatral en nuestro país tras los últimos recortes y subida del I.V.A.?…
La subida del I.V.A…. un despropósito, una locura, no creo que se tenga idea de las repercusiones que todo esto va a causar.
La cultura y la educación deberían ser los parámetros con los que se mide la riqueza de un país… y está claro que alguien no estudió esa lección de pequeño.
No sólo va a perjudicar al trabajo del actor, sino al de toda la arquitectura teatral. Ya no se pueden hacer giras/bolos porque los teatros/ayuntamientos no tienen dinero para pagar, no hay apuestas para la formación e investigación (seguro que los recortes acabarán con las pequeñas ayudas a las salas y escuelas), algunos no podrán resistir el envite y tendrán que clausurar sus salas… no me quiero poner catastrófica pero si querían elegir mal de dónde recortar lo han hecho de lujo.
La educación y la cultura son el futuro de un país… ellos mismos deberían saberlo.
Claro que siempre podemos terminar “vendiendo zanahorias”, verdad?
Somos más ingeniosos y seguro que terminaremos saliendo adelante.
¿Qué proyecto tienes entre manos para los próximos meses?…
Pues ahora mismo no tengo nada entre manos. Acabo de participar en un Taller de Investigación teatral con Andrés Lima y salgo con el corazón lleno y el alma inspirada. Y voy a seguir preparándome, evolucionando, creciendo y sorprendiéndome.
Antes del verano realicé un curso de Teatro musical con Carmen Conesa, Concha Milla, Denise Perikidis y Lola Barroso…. Imagínate, ahora estoy descubriendo mi faceta como cantante y, además, continuaré mi formación audiovisual con Macarena Pombo en Central de Cine, investigación teatral con Jose Carlos Plaza,…etc.
Como verás, no me gusta estar quieta… soy hiperactiva,… bueno además de mi voluntariado con mis niños que son mi otra pasión (estoy diplomada en Magisterio Infantil).
¿Cuál ha sido la última obra que has visto?¿Qué te pareció?…
He visto “La Vida es Sueño” dirigido por Helena Pimenta e interpretado por Blanca Portillo, Joaquín Notario, Fernando Sansegundo, Marta Poveda, Pepa Pedroche, David Lorente, Rafa Castejón,…etc., y me dejo emocionada.
Yo ya conocía la función (hice Rosaura con Calixto Bieito), pero más allá de la estupenda interpretación y la belleza del montaje, lo que se trasluce es un equipo de gente, unida y de acuerdo en la concepción de una idea y lanzándose al vacío. Las palabras y la acción de Calderón toman forma y llegan al espectador y le tocan con sencillez y profundidad.
Y también he visto a Ana Belén en el Teatro Español haciendo un recital “A los hombres que amé” y estuvo maravillosa, grande, inmensa. De Ana no puedo más que expresar mi admiración ya que soy fan número uno desde que era pequeña. Sería un sueño para mí trabajar algún día con ella.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
No dejar de prepararse y no dejar de hacer. Nosotros estamos en perpetuo estado de crisis. El teatro es un “enfermo moribundo” desde que yo soy consciente de esta profesión pero ahí seguimos.
Si como dice Hamlet “El teatro es espejo de la realidad” la verdad es que ahora tenemos un buen suministro para poder ser su espejo, su crítica, su guía….
El hambre agudiza el ingenio, así que habrá que seguir luchando por lo que creemos, lo que soñamos con ilusión e imaginación y sino…. “venderemos zanahorias”.
Le gusta el teatro? Compre una zanahoria!!
http://www.publico.es/culturas/442245/le-gusta-el-teatro-compre-una-zanahoria
Que Revienten los Artistas 
Debe estar conectado para enviar un comentario.