«El concierto de San Ovidio» de Antonio Buero Vallejo, en el Teatro María Guerrero CDN
La producción elegida por el CDN para celebrar el centenario del nacimiento de Buero Vallejo es una de las obras de madurez del autor que supo hablar de cosas que no se podían hablar en la época que le tocó vivir combinando elementos históricos, abientes y lenguajes propios del neorrealismo con un enfoque existencialista e incluyendo numerosos elementos simbólicos. Estrenada en 1962, El concierto de San Ovidio se ha llevado pocas veces a escena ya que Buero Vallejo escribía obras con muchos personajes, caras para hacer un buen montaje que puede entenderse desde varios ángulos. En este caso la intención es hablar de la ceguera, entendida en su vertiente figurativa.
Un tema histórico para mostrar una clara crítica de la España en la que le tocó vivir, Buero crea un drama ambientado en la Francia prerevolucionaria, en la que estaban cuajando ya las ideas de libertad, igualdad y fraternidad, un empresario sin escrúpulos se presenta en un hospicio de monjas para elegir a unos mendigos ciegos para su próximo espectáculo musical prometiéndo sacarles de la pobreza y aprovechándose de su condición de invidentes para ridiculizarlos en una feria de París alegando que es un gran filántropo.
Como ven, un argumento perfecto para hablar de muchas cosas, entre ellas de explotación laboral, la marginación, el escarnio, la hipocresía, engaño y lucha de clases. Temas actuales y por eso la obra se convierte en clásica a pesar de estar engendrada para criticar los valores de dictadura.
El espectador se va a enfrentar a una obra densa de dos horas de duración, con un estilo clásico y en la que Mario Gas se ha encargado de dirigirla manteniendo ese aroma imponente y antiguo de interpretación para disfrutar del discurso y añadiendo algunas pinceladas escénicas contemporáneas como la inserción de vídeo y la iluminación y escenografías evitando el realismo. Un montaje potente en el que los actores están magníficos y tienen la oportunidad de desplegar toda su profesión arropados por la dirección limpia y concreta que tiene claro su discurso: la ceguera no es igual a la pérdida de la dignidad.
Luis Mª García Grande.
«Páncreas» en el Teatro Amaya
Todos sabemos que no se puede vivir sin páncreas. Todos nos preguntamos acerca de nuestra muerte y algunos, hasta la pronostican. Tres personas se conocen en una singular circunstancia que tiene que ver con su tránsito y se convierten en amigos, en cómplices que se van a ayudar para conseguir sus fines, unos fines que tienen como tapadera esa muerte en la que tanto pensamos.
Patxo Tellería nos sumerge en el lado oscuro de la naturaleza humana, en la desconfianza, en el miedo y en la inseguridad que nos provoca ese abismo que es la muerte. Juan Carlos Rubio dirige a un gran elenco de actores para barnizarlos de esa mediocridad lúgubre del ser humano que tan bien conocemos. Todo a través de una comedia, tragicomedia o híbrido raro que logra crear una joya única.
El teatro Amaya nos brinda la oportunidad de poder volver a disfrutar de esta obra que ya pasó por el Centro Dramático Nacional y que ha recibido numerosos elogios. Además, en este turno, junto a Fernando Cayo y Alfonso Lara se incorpora José Pedro Carrión, todo un veterano con tablas para dar y regalar.
Luis Mª García Grande
Sin diferencias en el CDN
Este año se ha celebrado la cuarta edición del Festival: Una mirada diferente. Una propuesta que nació con el objetivo de mejorar la visibilidad y la participación activa de los creadores con discapacidad en el marco profesional de las artes escénicas.
En esta edición, se ha apostado por mostrar al público propuestas de calidad tanto de compañías nacionales como internacionales haciendo especial hincapié en impulsar la creación de nuevos espectáculos que trabajen con la diversidad. También se han mantenido las propuestas de talleres y encuentros en el área de investigación y análisis con el fin de seguir capacitando a los profesionales de la escena para incluir a creadores diferentes en sus proyectos y debatir con otros profesionales sobre nuevas vías para mejorar la participación igualitaria en las artes escénicas. Un programa cada vez más ambicioso que plantea múltiples fórmulas creadoras alrededor de las diferencias. En la recta final, hubo unas píldoras exquisitas llamadas «Contagio» que, mediante un juego de colores, nos sumergían en rincones del teatro donde la sorpresa e ingenio nos esperaban para sentirnos diferentes y ver que no hay diferencias si se cree en la belleza y la magia.
Adolfo Simón
La rosa tatuada en el CDN
La directora Carme Portaceli se pone al frente de La rosa tatuada, un drama escrito por Tennessee Williams que el Centro Dramático Nacional produce para recuperar la obra del dramaturgo estadounidense. Aitana Sánchez-Gijón y Roberto Enríquez encabezan el cartel. Su argumento cuenta la historia de Serafina Delle Rose, una viuda italo-americana afincada en Luisiana que decide retirarse del mundo y guardar luto para siempre tras la muerte de su marido. Pero con el paso del tiempo, Serafina va descubriendo que el origen de su sufrimiento es el encierro que lleva a cabo, por lo que se ve en la obligación de decidir entre volver a disfrutar de la vida o padecer una existencia de dolor hasta el fin de sus días. Una lectura contemporánea del texto donde prima las relaciones personales de los personajes en un decorado que recuerda los recortables infantiles.
Adolfo Simón
Presentación en el CDN del libro: Producir sin dolor
18 de marzo a las 20´30 horas.
Más info en: http://cdn.mcu.es/publicaciones/coleccion-laboratorio/
Emociones privadas y sociales
A veces, sin tener la misma temática, dos obras de la cartelera, nos dejan un mismo sabor amargo en el paladar, ese que se instala cuando ves la realidad como un espacio que te acorrala en el callejón de la lucha diaria por la subsistencia personal o laboral. En Verano en diciembre de Carolina África que todavía se puede ver en el CDN, asistimos a una historia intimista que nos sitúa frente a ese espacio familiar y generacional en el que varias mujeres han de encontrar su lugar bajo el sol tibio del salón de casa. Un montaje sencillo y emotivo que dirige la mirada sobre las emociones y relaciones de un grupo de mujeres en el presente y el imaginario. Y en Cuarta Pared, se ha podido ver el montaje Sobre el fenómeno de los trabajos de mierda de La Calórica. Este montaje que ha estado en Madrid durante una semana, nos introduce en los mecanismos terribles que se ponen en marcha desde el poder para manipular al individuo y hacerle «títere» de sus intereses. Una propuesta en clave de cabaret y monólogo discursivo que daba agilidad al montaje.
Adolfo Simón
Colección Laboratorio 6 del CDN – HISTORIA Y ANTOLOGÍA DE LA CRÍTICA TEATRAL ESPAÑOLA (1763-1936) I de Fernando Doménech y Eduardo Pérez Rasilla
Con este libro, del que se publica ahora el primer volumen, que incluye la crítica desde sus orígenes en el Diario estranjero de Francisco Mariano Nifo, hasta el comienzo de la Guerra Civil en 1936, se pretende ofrecer al público un panorama amplio, pero no exhaustivo, de lo que ha sido la crítica teatral en España, de quiénes han sido los críticos más destacados de su momento, cuáles eran sus principios estéticos y cómo han contribuido a modelar el teatro español
Entre las ausencias, el avisado lector encontrará la de algunos nombres fundamentales en la historia de la cultura española, como Miguel de Unamuno, José Ortega y Gasset, Cipriano de Rivas Cherif o Luis Araquistáin. Si han quedado fuera de esta selección es porque se ha limitado a la crítica de estrenos, es decir, al periodismo del día a día, el que está atento a las novedades de cada teatro, el que en otros tiempos procuraba sacar sus críticas al día siguiente del estreno.
Un libro esencial y necesario no solo para investigadores si no también para cualquier creador o amante de las artes escénicas. De imprescindible lectura.
QRLA
Teatro terminal
La muerte siempre ha sido un tema muy sugerente a la hora de crear ficción, la muerte o sus alrededores. Estos días se han representado dos piezas ácidas y curiosas sobre ese momento previo al camino de luz o cuando ya se habitan las tinieblas.
En «Páncreas» de Patxo Tellería, presentada en el CDN, asistimos a un ritual de aire inglés y en verso en el que tres personajes juegan a una ruleta rusa imaginaria, proponiendo un desenlace terrible en función de quién aprovecha mejor lo que tiene el otro y que no valora en vida, en el fondo hay una crítica desalmada a una sociedad que consume y trafica con todo.
En Lagrada, la Compañía Hongaresa ha presentado “Serenata para un país sin serenos” de Lluisa Cunillé y Paco Zarzoso, un tándem muy fructífero que escribe a cuatro manos que genera textos muy sugerentes en los que mezclan la realidad con la ficción a partes iguales. Aquí nos sumergen en una Fedra contemporánea muy inquietante que dialoga con el sonido de un violonchelo en el tanatorio donde vela la muerte del marido junto a su hijastro…Dramaturgia esencial y transgresora.
Adolfo Simón
«Don Quijote» de la Compañía Nacional de Danza en el Teatro de la Zarzuela
Estas Navidades vamos a poder disfrutar de un montaje excepcional de la Compañía Nacional de Danza. Hace muchos años que no se montaba un ballet académico en gran formato para ser mostrado al público por esta compañía, concretamente desde 1989 (!).
Por eso ha sido todo un acierto elegir «Don Quijote» para retomar el repertorio de puntas y José Carlos Martínez ha montado la obra basándose en las coreografías originales de Marius Petipa y Alexander Gorski sobre la partitura de Ludwig Minkus con gran acierto y suficiente capacidad para alcanzar una calidad exquisita.
«Creo que la CND ha evolucionado mucho desde que llegué, cuando era exclusivamente contemporánea y tuve que volver a introducir el trabajo en puntas para completar mi proyecto, con la puesta en escena de un ballet de repertorio y con música en vivo» ha comentado el director.
Se ha dotado de poética los personajes de Don Quijote y Sancho, que acompañan a los bailarines principales que rememoran el pasaje de Las bodas de Camacho de la segunda parte del libro. Además se ha buscado salir de la rigidez de la escuela rusa incorporando pasos más españoles de bolero y fandango, completando enriqueciendo esa labor de Petipa y Gorski y haciendo más compacta e interesante la obra para el público español. Hay que mencionar la gran capacidad de trabajo que ha debido suponer, no sólo para Martínez sino para toda la compañía, sacar adelante semejante tarea a pesar de la escasez de medios y presupuesto con el que cuenta.
Para todo esto se ha ayudado de la labor de la bailarina de la compañía de Antonio Gades: Mayte Chico, que ha declarado que «Petipa estuvo en España y llevó a Rusia el baile español, pero, claro, los rusos son más envarados bailando. He querido hacer el Don Quijote que Petipa habría soñado, sin alejarme del espíritu tradicional».
Por destacar algo en concreto dentro de este montaje, hay que decir que en el segundo acto sobresale la escena de las dríadas, con un cromatismo en vestuario y luces sorprendente y la resolución que se ha pensado en la escena en que Don Quijote se enfrenta a los Molinos de Viento, creando la puerta hacia ese mundo maravilloso lleno de dríadas por el que transita su adorada Dulcinea.
En lo que respecta a los bailarines principales invitados en el estreno, Joaquín de Luz y Seh Yum Kim, estuvieron a la altura de semejante partitura y montaje, luciendo y exhibiendo toda su profesionalidad en sus solos y pas a deux.
En definitiva, todo un bombón para disfrutar solo o en familia del resurgimiento esplendoroso del ballet clásico en la CND.
Luis Mª García Grande
Rapsodia para un hombre alto de Félix Estaire en el CDN
Es la final del mundial de baloncesto. El marcador está ajustadísimo. Una falta personal y tres tiros libres por delante. El tiempo se ha muerto. ¿Qué ocurre en la mente del jugador que tiene en sus manos la gloria o el fracaso de su equipo? El resultado real del partido en escena (es decir, según se encesten o no los tiros libres) determinará el final entre las distintas posibilidades de continuidad y desenlace que ofrece la pieza. El teatro es un espacio metafórico, en él se puede contar una guerra a través de un juego. El autor y director de esta propuesta que surje del ciclo «Escritos en la escena» nos habla del hombre y su complejidad a la hora de enfrentarse a una decisión trascendental que, en esta ocasión es unos tiros a la cesta pero en la vida, los tiros van directos al corazón. Un ejercicio interesante por la sencillez y precisión escénica que clarifica los planos dramatúrgicos del texto.
Adolfo Simón
Nora, 1959 de Lucía Miranda en el CDN
La radio fue la compañía de soledades y tardes interminables de muchas mujeres que cosían o preparaban la comida a la espera del marido. Durante décadas, la radio fue un espacio de fuga, a través de sus programas de música dedicada, seriales y programas de misterio; era una manera de vivir otra realidad ya que la propia solía ser mucho menos bonita que las melodías de las canciones o de los consejos castos de los consultorios sentimentales. Esta propuesta de Nora, 1959 nos sitúa en ese tiempo, en ese momento histórico en el que el silencio era el techo de muchas casas…Hay momentos en la propuesta que saltan por encima de la circunstancia concreta y nos permite ver más allá de esas paredes enclaustradas, nos ayudan a entender mejor porque la mujer nunca puede elegir libremente… Al final, el público se va con la canción de «Quiéreme mucho» en la cabeza…¿Qué es querer bien hoy?…Todavía está sin respuesta esta pregunta desgraciadamente.
Adolfo Simón
Corrupción al cuadrado
Hay dos propuestas en el CDN, arriba en el Teatro María Guerrero: Los Caciques y abajo, en la Sala de la Princesa: Bangkok que tienen un nexo común, lo que provoca en una sociedad la corrupción. En la primera, Carlos Arniches ya tiene claro en su tiempo que un país que no se libera de los corruptos, no puede crecer en libertad ya que, de este modo, está sujeto a un mecanismo perverso que sólo consigue contaminar todo lo que se pone en contacto con esta enfermedad eterna. Ángel Fernández Montesinos opta por hacer una puesta en escena sobria, centrada en el trabajo de los actores y de la historia que cuenta la obra, huye de cualquier efectismo superfluo que distraiga la atención del espectador. En Bangkok, Antonio Morcillo plantea una situación delirante que, curiosamente, pertenece a nuestra realidad…El encuentro fortuito entre un empleado de un aeropuerto sin uso y un viajero perdido en ese lugar muerto antes de empezar a volar. Hay un juego metafórico muy interesante entre los animales que cuidan del lugar y lo que estos dos hombres pueden significar en la sociedad de hoy y, además, hay otro tercer nivel en el que se convierten en símbolos que dan trascendencia hacia otro plano vivencial. Curioso y sencillo trabajo, lleno de estímulos para un espectador inquieto.
Adolfo Simón
Reikiavik de Juan Mayorga en el CDN
La literatura dramática es palabra y el teatro es juego. De estos dos ingredientes, necesarios para crear drama e interés en escena, sabe mucho Juan Mayorga, atrás queda el autor que escribía en el gabinete y llenaba los folios de encrucijadas y teoría filosófica. En este texto, endiablado como todos los suyos; no hay camino en el laberinto que lleve a una sola salida, siempre hay capas de ideas y temas que se superponen para mostrarnos la vida y sus entresijos. Como digo, en este texto hay de nuevo otro viaje de descubrimiento para los personajes que se enroscan en sí mismos y se muestran en espejos donde ven su deformidad y su rostro amable, para, al final, encontrar el sentido de la existencia, pues este texto, el autor lo ha escrito sabiendo que mecanismos de juego quería poner en movimiento, que convenciones activar para que su partida de ajedrez tenga mil finales posibles y una jaque mate inevitable. Para que este juego dramático ocurra, necesitaba unos actores implicados hasta la extenuación en su propuesta literario-escénica y los ha encontrado en Daniel Albaladejo, César Sarachu y Elena Rayos. La función dura dos horas pero cuando uno sale, le quedan muchas más para seguir haciendo movimientos de ajedrez en la cabeza.
Adolfo Simón
II Jornadas de Plástica Teatral: La luz a escena en el CDN
Un muy buen arranque ha tenido hoy la segunda edición de las Jornadas de Plástica Teatral en el Teatro Valle-Inclán. Tras la presentación del acto, se inauguró la exposición: Tránsito por la escenografía española contemporánea. A continuación, Daniel Canogar expuso una espléndida conferencia apoyada con audiovisuales con el título: Luz y arte. Tras un descanso se realizó una mesa debate bajo el título de Luz y espectáculo. Tras la comida, Paco Azorín reflexionó sobre su trayectoria como Iluminador/Escenógrafo/Director con el título de Luz y dramaturgia. Para cerrar la sesión de la tarde, tres apartados técnicos en los que reflexionar sobre los pros y contras de la luz de led.
En la segunda y tercera jornada, hay que destacar las conferencias escénicas de Alain Corthout con el título: Luz en grandes eventos e Iluminación: emoción vs. representación de Miguel Ángel Rodríguez Lorite y la clase magistral de Fernando Marcos sobre Fotografía y escena: La luz y el objetivo o el objetivo de la luz. Sin dura, para los profesionales de la escena siguen unas jornadas para ordenar y organizar conceptos conocidos y nuevos.
En la recta final de este interesante ciclo para los profesionales de las artes escénicas asistimos a la clase magistral de Javier Chavarría: «Somos luz. Una reflexión sobre la indumentaria y el sujeto iluminado: absorción/refracción/proyección.
Probablemente, el momento más importante y emocionante de estas jornadas ha sido el necesario homenaje a ese artista del espacio escénico y el teatro que fue Andrea D´Odorico.
Como cierre hubo otra conferencia interesante a cargo de Jennifer Tipton: Composición de la luz para el escenario.
Y dos proyecciones, el documental Gabor de Sebastián Alfie y una proyección en la fachada del teatro.
Así se cerrarron las jornadas de este año, ahora, a por la tercera.
Adolfo Simón
Tamar Novas: El teatro para mí es una forma de mantenerme vivo y despierto
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Yo empecé a trabajar como actor con 11 años en «La lengua de las mariposas», una película de Jose Luis Cuerda, con Fernando Fernán Gómez. Entré en el cine por casualidad. Tras «Mar Adentro» empecé a formarme como actor y compaginaba mis estudios en la universidad. Mi primera experiencia en el escenario fue con «La noche justo antes de los bosques», un monólogo de Koltés, dirigido por Carlos Neira, el primer maestro de teatro que tuve en Santiago de Compostela. Al empezar pronto y por la suerte de haber tenido trabajo regular como actor, no he tenido la experiencia de ningún otro oficio. Mis otras facetas están relacionadas con el audiovisual (algunos cortos que dirigí en la facultad, banda sonora, montaje…)
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro para mí es una forma de mantenerme vivo y despierto, una diversión y un oficio que cultivar, una forma de sentirme útil y al servicio de algo que hasta ahora ha tenido mucho sentido en mi vida.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Me he balanceado con mucha fortuna, he trabajado con mucha gente que admiro y de la que he aprendido muchísimo… pero espero que queden aún muchas aventuras profesionales interesantes, acabo de empezar!.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Creo que el teatro es una necesidad, y por tanto cumple una función vital para las personas. El teatro puede servir para despertarnos, agitar conciencias o dar luz sobre asuntos que están más en la sombra. Yo disfruto del teatro cuando un espectáculo me entretiene, o me acerca realidades que desconocía. Pero lo más especial y difícil para mí en el teatro, sea como espectador o actor, es sentir que la vida misma está presente en una sala, que puede ocurrir cualquier cosa y que público y actores comparten un espacio común en el que viajar. Creo que esa sensación es un misterio que merece la pena.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
No puedo estar más contento, he participado en el CDN con «El viaje a ninguna parte», que fue una experiencia maravillosa (una pena no haber podido llevar este espectáculo a otras ciudades), después he rodado con Gerardo Herrero «La playa de los ahogados», que se estrenará próximamente, «Códice», de Jorge Casinello para la TVG y «Un otoño sin Berlín», ópera prima de Lara Izagirre, con Irene Escolar, Ramón Barea y Paula Soldevilla, entre otros. Ahora estoy a punto de empezar a grabar una serie que tiene un repartazo y una gran historia…, además de estar con «Hambre, Locura y Genio».
¿Cómo surgió tu participación en el montaje de Hambre, locura y genio…?…Háblanos de este trabajo…
En los últimos años he tenido la inmensa fortuna de trabajar en varios montajes con Juan Carlos Corazza. Ha sido y sigue siendo mi maestro. Que siga contando conmigo es una alegría para mí, porque con cada trabajo noto un crecimiento enorme como actor, además de tener espacio para trabajar en la música, y aprender de todo el proceso. El trabajo con él es una investigación continua, con una libertad absoluta dentro de un lenguaje y dirección muy específica. Hay una participación colectiva constante de todo el equipo durante el proceso de creación. La imagen más clara que me viene para explicar el proceso es la de una orquesta cuyos músicos tienen espacio, no sólo para aportar y tocar como más les gusta, sino para ensayar y cambiar continuamente, en búsqueda de respetar al máximo la partitura, en este caso de Strindberg, con dos obras cortas de gran complejidad. No hay muchas ocasiones como actor ni espectador de acercarse a este autor, y de esta manera, no sólo porque es compleja, sino porque es un alimento y disfrute inmenso para el actor.
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Cada trabajo y circunstancias son un mundo, pero lo fundamental para mí es respetar la obra, encontrar y cumplir la misión que tiene mi personaje en la historia y ponerme al servicio de que sea un trabajo vivo. Y eso, por lo menos a mí, me requiere mucha dedicación y entrega, por eso uno de los pasos fundamentales es enamorarme del proyecto y estar bien acompañado.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Creo que es devastador, y sobre todo, poco inteligente.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
De las últimas cosas que he visto lo que más he disfrutado es «The valley of astonishment», de Peter Brook. Disfruto siempre de sus montajes porque hay mucho juego, sencillez, y sobre todo porque todo está muy vivo.
¿Proyectos?…
Viajar a Mexico con «Hambre, locura y genio», tengo unas ganas enormes. Empiezo a grabar una serie para TVE , y tengo una película para después con una historia, reparto y director magníficos… No puedo contar nada más de ninguno de estos dos proyectos…
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Apostar por lo que creemos que es bueno para la gente, aunque suponga un riesgo, en la medida que cada uno pueda, claro…
Las ideas de Federico León en el Festival el lugar sin límites/CDN
Un artista y su colaborador trabajan en el estudio de este último desarrollando diferentes proyectos artísticos. Lo que parece ser el encuentro informal entre dos amigos se convierte paulatinamente en una intensa jornada creativa. En este espectáculo con cierto carácter performático, la propia acción es una reflexión sobre como surgen y se elaboran las ideas…Pero esto podría quedar limitado a un artista y su cuaderno de apuntes, aquí, se muestra, sobre diferentes soportes técnicos una reflexión actual sobre el arte y sus diferentes perspectivas, sin olvidar referencias a otros artistas, aunque no se nombren. Con un punto lúdico y despreocupado, se abordan los grandes temas y preguntas del hecho creativo. Un juguete diabólico que atrapa al espectador en la tela de araña del momento creativo que despierta otro y este propone uno más, así hasta el infinito. Una experiencia muy inspiradora para cualquier creador artístico en proceso de búsqueda.
Adolfo Simón
Hard Candy de Brian Nelson en el CDN
Thonggrrrl14 y Lensman319 llevan semanas chateando y flirteando en la red. Por fin han decidido conocerse. Thonggrrrll14 es Hayley, una adolescente de unos 14 años, y Lensman319 es Jeff, un afamado fotógrafo de moda de 32 años. Tras un breve encuentro en una cafetería, Hayley accede a ir a casa de Jeff con el pretexto de escuchar un concierto. Pero Hayley tiene un sofisticado plan, que empieza por tenerle secuestrado en su propio apartamento. Está empeñada en desenmascarar a Jeff como pederasta y también como asesino de la desaparecida Donna Mauer. Y de este modo, obligarle a asumir las consecuencias de sus actos. Para conseguirlo hará todo un despliegue de recursos sorprendentes para una chica de 14 años, aunque Jeff no se lo pondrá fácil. El cruce de caminos creativos entre el Laboratorio Rivas Cherif (CDN) y el Laboratorio de Creación (LAZONAKUBIK) está dando resultandos interesantes, lástima que se muestran poco tiempo en programación. El caso que nos ocupa, Hard Candy, en adaptación de Lola Blasco y puesta en escena de Julián Fuentes Reta da un giro al cuento que siempre nos han hecho creer sobre esa caperucita frágil y débil que se encuentra con el lobo en el bosque, en este caso, la adolecente toma las riendas de una situación en la que ha de vengar a muchas niñas abusadas a lo largo de la historia. Una propuesta dura, llena de hallazgos escénicos que mantienen al espectador pegado a la butaca del teatro.
Adolfo Simón
Rodrigo García en el Lugar sin límites
Salí y me perdí por las calles de Lavapiés, tenía una sensación de pérdida de orientación extraña, como si hubiese aterrizado en otro planeta, como si viniese de otro lugar, atravesando el tiempo…¿Dónde había estado?…En esos paisajes agrestes y profundos que construye Rodrigo García en la escena. No ha podido arrancar mejor el ciclo de El Lugar sin límites que ha organizado Teatro Pradillo junto al CDN que con un tríptico alrededor de la figura de este creador. Arrojad mis cenizas sobre Mickey ha sido la primera piedra de este edificio en construcción, un territorio en el que entró la grúa de la censura para agrietar sus paredes al no permitir que se realizase una escena con animales. ¿Animales?…Animales torpes los que se quisieron abalanzar sobre la piel de la obra…Y…Animales monstruosos los que desfilaron por la escena diciendo palabras de fuego y realizando acciones de hielo. Sus performers son mediums modernos que realizan rituales contemporáneos conectados con los ritos más ancestrales…Allí estaban, para mostrarnos la miseria del presente y el futuro, ante los ojos atónitos de una familia ejemplar que se escondía tras los cristales de su coche último modelo. Rodrigo García escribe cada vez con palabras más afiladas, son dardos que lanza contra la pantalla del teatro y contra nuestro cerebro. Y propone situaciones y escenas llenas de violencia callada, de caricias agrias para mostrarnos que detrás de la máscara del confort y la modernidad está el mundo vacio y alineado.
Vago por las calles, atravesando semáforos en rojo y termino en la puerta de Pradillo para asistir al segundo plato de este menú ingesto, para quedarme suspendido en el silencio que se crea en la sala cuando el performer fuma mirando como el animal-víctima agoniza golpeando un micro suspendido en el aire, en la performance poética: Accidens. Un golpe seco corta la vida y el olor de la muerte, mientras es cocinado llena la sala…El tiempo suspendido, el silencio denso…la mirada perdida del performer mientras fuma, los pasos firmes hacia el público…el ruido al saborear la copa de vino o al morder la carne quemada nos remite al bestialismo más salvaje que habita en algún rincón de nuestra cabeza, en esos que fuimos hace no mucho en el corazón de las tinieblas…Al horror del hombre como verdugo de los demás…Al terror que genera la muerte atrapando la vida entre sus fauces…
La noche se llena de fantasmas y monstruos y acudo a la mañana siguiente al vermú que se hizo con Rodrigo en el Reina Sofía, donde dejó sus impresiones suspendidas en nuestros oídos, cuando le doy un abrazo al despedirme de él y antes de seguir repitiendo sus palabras en mí cabeza…recuerdo al Rodrigo que conocí hace treinta años camino de Cabueñes, y su mirada es la misma, la mirada de un niño atrapado en un animal herido…
Dijo…
sobre El cuerpo… La incomodidad… Materia y movimiento…no soy profesional del cuerpo.
sobre La palabra… Formación clásica… Lector de Beckett… ¿Como liberar el acontecimiento escénico de la palabra?… He realizado experimentos formales para encontrar el lugar de la literatura… He buscado que los actores no representen la palabra… Finalmente escribo en una pantalla para tener un acto íntimo con los espectadores…
sobre La música… Con la música ocurre lo mismo que con la literatura… Hemos buscado mucho… Al principio pinchábamos música… Después indagamos con el ruidismo… Y al final entiendo que el lugar de la música puede ser performatica… Recorrer un abanico de lo clásico a lo popular… Lo mal hecho da humanidad al trabajo…
sobre La violencia… Ya sabemos que es cuando te pasa en la vida… El teatro es un espacio protegido… Donde se transmite amor… Otra cosa es un ambiente de tensión y angustia…eso si me gusta… La violencia está en la calle…
sobre La Censura… No quiero caer aquí en contar anécdotas… Pero en Varsovia no pude hacer Golgota… Sentimos miedo por la reacción de la gente sobre un texto que no conocía… El público tenía que entrar a escondidas al teatro…
Sobre Irse de España… Podemos celebrar este Festival que empieza está interesando… Es un asunto de voluntad… El proyecto que finalmente estoy dirigiendo en Francia tiene un programa nada convencional… Porque la Ministra apostó por el riesgo… Porque consideró que es urgente… Porque es urgente… Estoy todo el tiempo tratando de explicar cuál es el sentido de lo que allí programo… Mucha gente teme a ese Centro Dramático… Y he de explicarles que es para ellos…
Sobre…¿Hay posibilidades?… Es complicado por los ajustes presupuestarios… He cambiado el nombre para que conecten con el teatro… «Humano, demasiado humano»… Allí no he encontrado gente interesada en la investigación… Resulta paradójico cuando allí se puede vivir del teatro… Aquí hay una gran irresponsabilidad al no apoyar a las nuevas generaciones… Espero que cambie de una puta vez…
Sobre El Exilio… No considero que viva en Francia… Ya me exilie una vez de Argentina a España… Mi casa está en Gijón… Me gusta el castellano y aquí tengo a mis amigos… No sé qué va a pasar, no me gusta planificar… Necesito vivir y que me pasen cosas…
Sobre La Paciencia… ¿Disponibilidad?… ¿Puede el publico… Al final de Golgota, dejar de lado su teléfono móvil para escuchar un concierto de música maravillosa?… No hay que caer en el tiempo de consumo de una obra… Lo pensamos para el placer…
Sobre Sus referencias literarias.. Muller, Berhart… Beckett… Robert Pinxon… Y los poetas… Las poetas sobre todo.
Sobre Los Retos… Lo más importante será la nueva pieza que voy a hacer con los actores en Montpelier y muy poco presupuesto…Tengo la sensación de algo con cuerpos y ruido generado por los performers… Igual no habrá palabra…No sé que voy a hacer y me gusta mucho esa sensación… Como si no hubiera hecho nada antes… Se llamara 4 porque van a ser cuatro actores, no hay presupuesto para mas…
Sobre El Teatro… Un espacio de libertad. Aunque pocos artistas se toman esa libertad para crear.
Sobre Los Procesos de creación… Escribo por las mañanas y ensayo por la tarde… Siempre que puedo alargo mi tiempo en la escritura… Si puedo elegir… Elijo estar con las palabras y los libros. Un acto de recogimiento y soledad…
Sobre La Representación… Para mí, los performers son lo más importante en el teatro… Trabajo con compañeros de viaje que pensamos parecido y tenemos una visión particular de las cosas… Les propongo algo y ellos lo llevan más lejos de lo que imagine en un principio…
Sobre El Futuro… Rapto del Serrallo de Mozart… Ópera en Alemania…junio 2016… Otro proyecto en la ópera de Montpellier… Rafael Sendo va a componer la música para un texto que voy a escribir por encargo…
Adolfo Simón
«Fortune Cookie» de José Manuel Mora en el CDN
Producto de la colaboración de Laboratorio Rivas Cherif (CDN) y el Laboratorio de Creación (LAZONAKUBIK), «Fortune Cookie» aborda el ritmo vital trepidante del individuo de hoy, a merced de estímulos externos, y la paradójica consecuencia de olvidarse de vivir.
Carlota Ferrer dirige este texto de José Manuel Mora en el que las trayectorias vitales de diferentes individuos se entrecruzan en un marco de crisis existencial. Un interesante trabajo corporal, que incluye coreografía de artes marciales, y una fuerte apuesta estética oriental sientan las bases de una ambiciosa dramaturgia que aglutina en una tormenta de nieve las dispares circunstancias de los personajes: la incapacidad de amar que instala al individuo en vacías aventuras pasajeras, la inhumana situación de discriminación de las niñas en China, VIH y la necesaria protección en las relaciones sexuales y un largo etcétera de temas dignos de un gran cenital propio.
El título del trabajo se corresponde con el de una obra que uno de los personajes, Rosalba (Esther Ortega), quiere producir y distribuir como último esfuerzo desesperado por recuperar el amor de su vida. Al mismo tiempo, el personaje Autor (Joaquín Hinojosa) incluye en «Fortune Cookie» reproducciones de conversaciones y situaciones reales. Lleva el teatro a su realidad también como solución a su crisis.
Entre otras cosas, en «Fortune Cookie» se lee una llamada a la libertad y fuerza vital que el teatro ofrece como ningún otro espacio.
Actualmente, hay una creciente tendencia a refugiarse en la filosofía oriental como escape de la hiperestimulación que gobierna nuestras vidas, igual que, en momentos de enfermedad, muchas personas se acercan a la religión en busca de sosiego frente a la idea de muerte. ¿Estamos crónica y espiritualmente enfermos los que vivimos en la vorágine de actividad de este tiempo? ¿Es el teatro la religión que todos, sin saberlo, buscamos para purgar nuestros demonios?
Quique Rojas.
Caballos de Menorca (Titerescena) en la Plaza de Lavapiés-CDN, gratis.
13 y 14 de junio a las 12 horas.
Más info en: http://cdn.mcu.es/espectaculo/caballos-de-menorca-titerescena/
Grandes Maestros de la Escena, dedicada a V. E. Meyerhold en el CDN
Grandes Maestros de la Escena, dedicada a V. E. Meyerhold.
El acto tendrá lugar en la Sala de la Princesa (Teatro María Guerrero – Centro Dramático Nacional)
15 de junio a las 8 de la tarde.
Que Revienten los Artistas 
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