Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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“Llévame hasta el cielo” en Teatro Galileo

A veces tenemos la sensación de que si no nos lanzamos al abismo no resolveremos los problemas que nos rodean y que nos hacen la vida difícil y Lolita ha decidido lanzarse a producir teatro en estos tiempos tan inciertos. Después, pequeños seres luminosos nos guían para no acabar cayendo en ese agujero… “Llévame hasta el cielo” plantea estos pequeños agujeros negros que nos quieren tragar y de los cuales, a veces nos salvan seres que aparecen por casualidad en nuestras vidas. Hacer una comedia de nuestras pequeñas tragedias no es fácil, producir obras de teatro y mojarse tampoco… pero siempre mejor con amigos como Juan Carlos Rubio o Luis Mottola. Fresca, rápida y divertida, la pieza y la protagonista, para pasar el verano en el patio del Galileo, esta pequeña pieza nos ameniza el verano caluroso y asfixiante de Madrid.

Luis Mª García

llévame hasta el cielo


“Juana” en el Teatro Español

El Teatro Español acoge a “Juana” del 4 al 22 de diciembre en un montaje dirigido y coreografiado por Chevi Muraday y con la dramaturgia de Juan Carlos Rubio. Juana parte de una propuesta escénica que se basa en el papel de la mujer a lo largo de la historia y en la búsqueda de un destino femenino en la tierra a través de la excusa de un nombre: Juana, y de inspiraciones en las mujeres que han poseído el mismo y que lucharon fuertemente por ser ellas mismas imbulléndose en una actriz contemporánea, Aitana Sánchez-Gijón, capaz de contener y representar a través de la palabra y la danza su espíritu libre y luchador.

Sor Juana Inés de la Cruz, Juana “la loca”, La Papisa Juana, Juana de Arco, Juana Doña… fueron mujeres adelantadas a su tiempo, comprometidas, condenadas desde su nacimiento solamente por el hecho de ser mujer. Chevy Muraday no ha intentado mezclarlas en un montaje danza-palabra sino que ha ido un paso más allá haciendo que convivan de forma orgánica el texto, la dramaturgia, el movimiento y la danza y destilen los motivos psíquicos que llevaron a estas mujeres a sacar su fortaleza para ser ellas mismas. Ayudado por Alberto Velasco, Maximiliano Sandford y Carlos Beluga, crea un halo de complementariedad al texto demostrando que ha llegado a un punto de perfección en su trabajo coreográfico que lo distingue del resto.

El resultado es un trabajo estéticamente muy potente, donde  la propuesta escénográfica, a través de sus texturas y movilidad,  también es importante y juega un papel fundamental en el discurso que los autores quieren transmitir. Aitana Sanchez-Gijón se adapta perfectamente al lenguaje coeográfico de Muraday y Losdedae, sumándole la magia y profesionalidad de su interpretación, tan medida, tan comprometida como las mujeres que representa.

Luis Mª García Grande

 


“Páncreas” en el Teatro Amaya

Todos sabemos que no se puede vivir sin páncreas. Todos nos preguntamos acerca de nuestra muerte y algunos, hasta la pronostican. Tres personas se conocen en una singular circunstancia que tiene que ver con su tránsito y se convierten en amigos, en cómplices que se van a ayudar para conseguir sus fines, unos fines que tienen como tapadera esa muerte en la que tanto pensamos.

Patxo Tellería nos sumerge en el lado oscuro de la naturaleza humana, en la desconfianza, en el miedo y en la inseguridad que nos provoca ese abismo que es la muerte. Juan Carlos Rubio dirige a un gran elenco de actores para barnizarlos de esa mediocridad lúgubre del ser humano que tan bien conocemos. Todo a través de una comedia, tragicomedia o híbrido raro que logra crear una joya única.

El teatro Amaya nos brinda la oportunidad de poder volver a disfrutar de esta obra que ya pasó por el Centro Dramático Nacional y que ha recibido numerosos elogios. Además, en este turno, junto a Fernando Cayo y Alfonso Lara se incorpora José Pedro Carrión, todo un veterano con tablas para dar y regalar.

Luis Mª García Grande

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“Muñeca de Porcelana” en las Naves del Español

Un millonario le acaba de comprar un avión a su joven prometida como regalo de bodas. Su intención es jubilarse y dedicarse enteramente a ella. Durante el último día en la oficina, antes de reunirse con ella, instruye a su joven ayudante para poder atender sus negocios desde la distancia. Justo antes de salir recibe una llamada de última hora que deseará no haber aceptado nunca.

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“Muñeca de Porcelana” es la primera producción que se hace en el mundo después de su estreno absoluto en diciembre en Broadway de la mano de Al Pacino. Allí no ha recibido muy buenas críticas, no por el texto, sino por la interpretación. Aquí no podremos decir lo mismo porque José Sacristán ha sabido afrontar con toda su maestría un texto complicado, en el que no existen muchas réplicas y en el que la memoria juega un papel muy importante a la hora de ponerlo en escena. Pero este señor actor tiene su técnica bien estructurada y desarrollada y acaba dejando a Al Pacino a la altura del betún. Soberbio, con la fuerza y tensión actoral que requiere el personaje, Sacristán destripa el texto de Mamet, se mete en su laberíntica estructura y trepidante ritmo y lo hace suyo aparentando una facilidad supina para sumergirse en la piel de un millonario con la mente podrida. No hay otra palabra más adecuada para definir su interpretación que Maestría.

Javier Godino le ayuda en esta tarea, con una correcta interpretación y dejándose guiar por manos expertas.

Mamet es especialista es destripar la condición humana más corrupta, en crear personajes con poder pero que en el fondo son pusilánimes y pobres de espíritu que se dedican a joder a todo el que se atreve a acercarse a ellos. Esta construcción del personaje se va desarrollando a través de una dramaturgia enrevesada, con múltiples aristas que se van soldando sutilmente y van encajando hasta crear un poliedro perfecto y brillante. Pero para encajar todas las piezas es necesario un gran trabajo de dirección y actoral y una conexión entre ambos o se corre el riesgo de que la soldadura se despegue y la crítica se eche encima. No es éste el caso español, en el que el director Juan Carlos Rubio ha sabido templar el soplete y rematar muy bien esas aristas.

Teatro con mayúsculas. Imprescindible. Obligatorio verla.

Luis Mª García Grande.

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“Tres” en el Teatro Lara

Una simple reunión de ex-compañeras del instituto puede provocar numerosas situaciones y dar lugar a malos entendidos, dramas, comedias y enredos. Este es el punto de arranque de “Tres”.  Quino Falero y Juan Carlos Rubio han creado una comedia con todas las letras. Perfecta para pasar un rato entretenido, con situaciones divertidas y también con profundidad de pensamiento en algunas materias, con un ritmo rápido, adecuado a la comedia, con varios estereotipos bien llevados a escena y con una chispa de erotismo ¿por qué no?

Las actrices que dan vida a esta reposición en el Lara y el actor-hombre-objeto, están en su salsa interpretando cada una su estereotipo asignado. La inversión de la típica comedia española en la que había tía buena que se deja enredar por señor maduro es una invención criticable, pero que en este caso cumple su función para introducirnos al tema de la maternidad tardía y familia desestructurada.

Aunque no sean mujeres cincuentonas al borde de la menopausia disfrutarán de este ataque al machismo interiorizado, así que pasen y vean.

Luis Mª García Grande

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Ética y memoria en los Teatros del Canal de Madrid

El cabaret de los hombres perdidos…
El cabaret de los hombres perdidos está a punto de cerrar. El ruido de una carrera alerta a los personajes que se hallan en el Tatoobar. Un muchacho es perseguido, alcanzado, golpeado. Aun así logra escabullirse y entrar en el cabaré. Todavía no sabe que esa persecución, le ha llevado a una nueva forma de vivir. Dentro le están esperando el Destino, un tatuador y Lullaby, que le curarán las heridas y escenificarán cómo puede ser su futuro. El muchacho quiere ser cantante, pero la oferta que recibe es diferente. Cuando no sabes cómo continuar, cuál debe ser el siguiente paso, cuando la vida te ha maltratado y crees que todo se ha terminado… Atención! lo único que no puedes perder es la esperanza. Todavía quedará un lugar al que puedes acudir: El Cabaret de los Hombres Perdidos. Allí te aguarda el destino, con uno o más caminos a elegir. El amor, lo sórdido, lo bello, lo divertido. El cabaret siempre ha sido el refugio de los perdedores, de los que ya han traspasado los límites…Allí puedes encontrar el cielo o el infierno. Este musical teatral de pequeño formato nos muestra el interior de un local regentado por una especie de Fausto moderno que hace y deshace a su antojo sobre los seres que quedan atrapados en sus redes. Un espectáculo con dosis de provocación y de interacción con el público que asiste a la representación; de algún modo, todos seremos víctimas esa noche de las fauces del Cabaret de los hombre perdidos. http://www.teatroscanal.com/espectaculo/cabaret-hombres-perdidos/
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El príncipe…
El príncipe de Maquiavelo funde textos de las obras más conocidas del autor italiano, dándole voz a un fascinante personaje para demostrarnos que el poder, de cualquier ideología y época, obedece siempre a las mismas reglas, sea cual sea el fin, sean cuales sean los medios. Cinco siglos después, El príncipe sigue siendo objeto de debate… ¿Es un manual escrito para que los gobernantes sepan cómo manejar al pueblo o es un aviso al pueblo acerca de cómo somos manejados por los gobernantes?. La ambigüedad es una constante en la obra y vida de Maquiavelo y no habría que diferenciar la una de la otra. En esta versión teatral de los textos de Maquiavelo, realizada con fino bisturí por Juan Carlos Rubio que también se ha encargado de la puesta en escena, lo que se confirma de nuevo es que Fernando Cayo es uno de los mejores actores de nuestro tiempo y que todavía no ha tenido la oportunidad de encontrar ese personaje que le dé el nivel de popularidad que se merece, para acceder a trabajos de gran proyección. De todos, modos, es una suerte para el público, tener la ocasión de ver a este alquimista de la escena transitar por ella como si fuese su espacio natural. Todo en su trabajo parece fácil pero es de una complejidad increíble. Poco a poco va desgajándose del artificio inicial del personaje para mostrarnos la vulnerabilidad del mismo al final de la pieza. Además, han organizado unos encuentros con políticos para ahondar en lo que plantea éticamente la obra que están siendo muy interesantes.
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/el-principe-de-maquiavelo/cayo

La Celia…
Musical homenaje a la vedette hispano-argentina Celia Gámez. En una excepcional recreación de Celia Gámez, Ivanna Rossi hilvana sus éxitos, sus amores y sus escándalos a través de catorce de sus canciones más emblemáticas, entre las que se cuentan Los nardos, La novia de España, Copacabana, El Pichi, El beso y Luna de España. La joven vedette argentina Celia Gámez llegó a Madrid en 1925 con apenas 21 años y merced a un hecho fortuito se convirtió de la noche a la mañana en “La Celia”, estrella absoluta de la revista que reinó en los escenarios de España durante más de 50 años. Emilio Sagi construye un emotivo recuerdo de la memoria de un tiempo que sigue presente en el recuerdo de muchos admiradores de esta famosa y querida cantante. Con unos biombos y unas líneas de bombillas, se recrea no solo una época si no también, la teatralidad de su vida y sobre todo, la de su paso por la escena nacional de la cual, fue estrella durante casi un siglo. Un musical sencillo pero lleno de poesía vivencial y musical.
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/la-celia-musical/#tabs1-repartocayo1Adolfo Simón


Windermere Club en el Centro de Arte Fernán Gómez

Oscar Wilde, como todos los grandes autores, nos sobreviran, a nosotros y a nuestras travesuras. Es bueno, que se pierda el respeto a los dramaturgos sagrados, no pasa nada, el texto original seguirá ahí y las propuestas ligeras pasarán al olvido. Hemos visto verdaderos desastres a la hora de adaptar un texto clásico a nuestros días. En este caso es un divertimento a partir de la obra de Wilde, Juan Carlos Rubio va al eje de la obra y la traslada a Miami y usa el aroma del culebrón para exponer la critica que en su día se hizo a la sociedad con este texto. Los actores juegan a acentos y el espacio juega a mostrarnos los rincones donde bailan, pasan calor y mienten estos frívolos tópicos de la sociedad.
Adolfo Simónwilde


Lectura dramatizada de Música para Hitler

El lunes 9 de marzo, a las 18:00, en la Sala Berlanga de la SGAE-Madrid, Yolanda García Serrano y Juan Carlos Rubio presentarán: MÚSICA PARA HITLER en una lectura dramatizada. Entrada libre hasta completar aforo.musicahitler


Miguel de Molina al desnudo en el Teatro Infanta Isabel

Hubo un tiempo en este país… ¡si cabe más oscuro! en que una suerte de tiranía intentó juzgar la libertad del Rey de la copla…
Desterrado el silencio durante demasiados años en el “misterioso país de las lágrimas”, ha vuelto de su exilio. En presencia de Ángel Ruiz, escritor y alado intérprete de Miguel de Molina al desnudo, sentí que con “el corazón se puede ver bien, que lo esencial es invisible para los ojos” y que ese, mi arrebatado corazón, me dijo en el estreno de esta conmovedora creación, producida por el televisivo Jorge Javier Vázquez, y dirigida con maestría por Juan Carlos Rubio, que no se debe juzgar a Miguel, que al gran Molina sólo se le puede contemplar, escuchar y amar.
Admiro su libertaria escuela de la vida, consagrada al ejercicio de una única pasión: la creación autodidacta sin ataduras, adoradora de un único ideal, el de la LIBERTAD y la firme creencia de que todos los seres humanos, siendo tan diferentes, anhelamos al unísono la verdad y la felicidad.
No aceptar nunca una orden, tuvo el precio de la precoz partida, la persecución, la tortura y el exilio para siempre jamás.
Musical autobiográfico en el que la confesión con alegre desparpajo, revuelve en las butacas a un público que embargado por un torrente de vida, comparte con el protagonista confidencias, sentimientos, profundos deseos, anhelos y tristezas. Y también alegrías, envueltas en un puñado de canciones, impregnadas del mágico piano de César Belda.
Paloma Martín

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Naim Thomas nos habla de sus últimos trabajos para la escena

naim¿Cómo surge el proyecto de Aladín?…¿De qué va la obra?…¿Y tu personaje?…
Pues el proyecto surge a raíz de una llamada del director que creyó en mis posibilidades para hacer el personaje, que de hecho, es una responsabilidad. La obra va sobre un ladrón, que roba para comer, y cómo su vida cambia al encontrarse con la princesa Jasmin en el bazar. No es una nueva versión, es una adaptación teatral muy fiel a la película y al cuento de las mil y una noches. Mi personaje es el archiconocido Aladín, cuyos valores son tan fuertes que incluso sin tener para comer, él roba para los demás.

¿Cómo ha sido el proceso de creación del montaje con el director?…
Él lo tenía todo montado en su cabeza, lo único que tuvimos que hacer fue plasmar y encarnar o intentar acercarnos a lo que él tenía en mente. Creo que la compañía ha logrado, aunque al 100% es prácticamente imposible, acercarnos al ideal que Jose tenía en la cabeza.

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¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actor en teatro?…
Más que un balance que haga yo, creo que las nominaciones a los diversos premios como los Broadway World Spain 2011 (40 El musical) y Broadway World Spain 2013 (Esta noche no estoy para nadie) y mi nominación a los premios Gran Via y Chivas Telón en 2008 (El Rey de Bodas) todas como mejor actor protagonista, hablan por mi trabajo. Eso y los teatros llenos en los tiempos que corren, para mi son el mejor balance posible. Para mi el hecho de vivir de lo que me gusta, me paguen y encima me aplaudan me convierte en un afortunado.

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¿Cuál es tu método de trabajo?…
Pues, mi método de trabajo es acercarme al perfil psicológico del personaje para poder conocer sus características psicológicas y a raíz de ahí intentar hacer el personaje que fluya y lo más real posible, dentro del código de teatro, que es distinto al de cine.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Pues todas las posibles: Elemento de transmisión cultural, crítica (social, política…) y entretenimiento. Creo que hay cabida para todo tipo de teatro y todo tipo es no sólo interesante sino también necesario.

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¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
La subida del I.V.A afecta a los de siempre : A los que no somos ricos, a ellos les bajan el I.V.A. del arte (pintura, escultura…) para que puedan adquirir arte a precios más razonables… Creo que la crítica que ejerce el artista/actor incomoda en este gobierno tan democrático, nótese la ironía.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Lo mejor que he visto últimamente ha sido “Las Heridas del Viento” de Juan Carlos Rubio con Kiti Mánver, actriz a la que adoro en todos los sentidos, y Dani Muriel, me parece que hace un trabajo espectacular. Me tuve que quedar diez minutos más, sentado en la butaca, en shock, por un trabajo tan bonito, tan bien escrito, tan bien actuado y tan maravilloso.

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¿Proyectos?… ¿Proyectos? Siempre, no soy alguien de quedarme parado mirando. Me gustan los nuevos retos, pero decirlos suele resultar un imán para la mala suerte.

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MIGUEL DE MOLINA FRENTE AL ESPEJO

La Sala Berlanga de la SGAE, que no conocía y está francamente bien, presentó ayer lunes 20 de enero la lectura dramatizada de la obra escrita e interpretada por Ángel Ruiz, acompañado al piano por Mariano Marín y bajo la dirección de Juan Carlos Rubio, ” Miguel de Molina frente al espejo”. La memoria de tantos españoles que se vieron obligados al exilio se recuperaba desde la historia de uno de sus artistas más castigados y olvidado por el régimen franquista, Miguel de Molina en una aparente rueda de prensa nos hace un recorrido por su vida desde que nació en 1908 hasta su muerte en Buenos Aires, su patria de acogida, tras muchas amargas peripecias. Un hombre moderno, hoy en día seguiría siéndolo, visto el derrotero conservador que guía a la sociedad del siglo XXI, que desde su humilde origen nota como el arte le sale por los cuatro costados y se ve empujado a dejar a su familia para terminar donde siempre soñó, un escenario donde vaciar sus anhelos y sus pasiones con sus cantes y sus bailes. Amigo, conocido o compañero de Lorca, Rafael de León, la Piquer, la mismísima Evita y toda la tragedia de su vida personal envuelta en la alegría de su persona y su capacidad para entretener al mundo. Su experiencia republicana y la guerra, maldita, que casi le mata y el exilio de esta España, a veces madrastra, a la que querer tanto no cuesta nada y su Málaga natal a la que siempre extrañó hasta su muerte. Mientras esto se cuenta Ángel Ruiz nos canta y nos baila y nos hace reír y llorar y nos conmueve con la luz que sólo los grandes artistas saben proyectar. Espero que el montaje se haga realidad pronto y que triunfe por los escenarios donde se presente. El público respondió enloquecido y agradecido por un rato bien hermoso.
Ángel Savín

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La Sala Berlanga acoge la lectura dramatizada musical ‘Miguel de Molina frente al espejo’

Escrita e interpretada por Ángel Ruiz, acompañado por Mariano Marín al piano y dirigida por Juan Carlos Rubio
La Sala Berlanga acogerá el próximo lunes, 20 de enero, a las 20 horas (entrada libre hasta completar aforo), la lectura dramatizada musical Miguel de Molina frente al espejo, escrita e interpretada por Ángel Ruiz, acompañado por Mariano Marín al piano, dirigida por Juan Carlos Rubio, y organizada por la Fundación SGAE.
Miguel de Molina frente al espejo surgió después de que Ángel Ruiz ya interpretase al artista en La copla quebrada, de Borja Ortiz, en 2008. “A partir de ahí me fascinó el personaje y comencé a investigar sobre él. La obra es fruto de un trabajo de los últimos tres años”, explica el autor.
El texto, que se plantea como una forma de hacer justicia a la trayectoria vital y artística de Miguel de Molina, recupera la figura del artista desde el presente para ajustar cuentas con el pasado. “El objetivo es dar a conocer la historia de una persona que fue un adelantado a su tiempo. Un provocador y un hombre moderno en la España de los años 30 tanto por su forma de vivir, como de hacer copla y de bailar”, expone Ángel Ruiz.
Concebido como un monólogo en el que Miguel de Molina se enfrenta asimismo, la obra supone un recorrido emocional por la trayectoria del artista. “De él sabemos que se tuvo que ir de España, pero no su historia. Lo que más le dolió en su exilio es que fuera un desconocido en su propio país. Era una persona que en los últimos años de su vida se encontraba muy solo”, añade el autor.
Bajo esta perspectiva, en Miguel de Molina frente al espejo, las canciones, una selección de temas de autores clásicos de la copla como Quintero León y Quiroga, Mostazo, Perelló o Valverde, sirven de apoyo al desarrollo de la obra. La lectura dramatizada musical es el primer paso para un montaje que tendrá lugar a lo largo de este 2014.

Sinopsis:
De Miguel de Molina se puede decir que todos han oído sus canciones, pero que muy pocos conocen la personalidad arrolladora y la verdadera historia de un hombre que trasformó la copla y transgredió el género patrio en la escena. En este espectáculo, un dialogo abierto con el público, Miguel se enfrenta a su pasado, pero desde nuestro presente, trazando un puente en el que poder encontrar conexiones entre su vida, su mundo y nuestro entorno más cercano. La conmovedora historia de uno de los más singulares artistas de nuestro país y su lucha por ser eterno y no caer en el olvido. Un texto escrito e interpretado por Ángel Ruíz, como Miguel de Molina, Mariano Marín al piano, y dirigido por Juan Carlos Rubio. Un puñado de canciones y de emociones que nos conectarán con un mito inolvidable: Miguel de Molina.
Más información en:
http://www.fundacionsgae.org

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Copyright de la fotografía: David Ruano.


Ramón Barea, Premio Nacional de Teatro y protagonista de Montenegro en el CDN nos habla de su trayectoria en el teatro

bareaQRLA empieza su andadura en el 2014 con una entrevista a Ramón Barea.

¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
De veinteañero en Bilbao, formé un grupo”profesional al calor del Teatro Independiente que se llamó COMICOS DE LA LEGUA, en el estaba Alex Angulo entre otros actores. Anteriormente había hecho teatro aficionado. Fui, de adolescente, un espectador compulsivo de teatro. Quería ser actor, aquello me fascinaba.

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¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Es mi vida. A veces pienso que las actividades artísticas encubren una forma de canalizar una patología, probablemente desemboqué en esto porque era una manera de vencer mi timidez, no se…pero ahora mismo no imaginmo otra vida sin ser actor.

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¿Qué balance harías sobre trayectoria?…
Valoro mucho el haber podido trabajar de manera continuada en teatro, cine, televisión, haber podido escribir, dirigir… es lo mejor que me podía haber pasado. Y aun me queda guerra que dar.

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¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?…
Yo comencé haciendo teatro de grupo, creación colectiva…era un poco una postura militante, de grupo, aunque ya desarrollaba labores de dirección y de escritura dramática. Ahora hecho de menos precisamente aquellos equipos estables de trabajo. Eran una forma de crecer, de arroparse, pero también una actitud de equipo estable de trabnajo que ahora es menos frecuente. Todo el mundo hace la carrera por libre, y por individual.

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Un lugar de encuentro y de reflexión, un espacio compartido.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Este año estuve en LA MONJA ALFEREZ bajo la direcciñon de Juan Carlos Rubio. En el PABELLON 6 de Bilbao dirigí el espectáculo HOY ULTIMA FUNCION, y ahora estoy metido hasta el cuello en el MONTENEGRO.

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¿Cómo surgió tu participación en Montenegro?…
Me llamó Ernesto Caballero, y no veas tu como me alegré de esa llamada. Por volcver a trabajar con Ernesto y por poder hacer ese persponaje tan especial que es Juan Manuel Montenegro.

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¿Cómo ha sido el trabajo con el director?…¿Y con el resto del equipo?…
Ernesto me gusta mucho porque nunca trabaja sobre lo previsible, siempre lleva sus trabajos un poco mas lejos de lo que consigue en los primeros ensayos. Esto a los actores nos produce vértigo, inserguridad, inicialmente, pero luego es un viaje muy gozoso hacia algo desconocido. Me gusta que se genere caos e incertidumbres en los ensayos.

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¿Qué visión se da de la obra de Valle Inclán?…
Yo creo que hace una lectura simbolista, que se usan las acotaciones de Valle como uuna sugerencia para crear los ambientes, las atmósferas, pero que Ernesto no ha querido hacer simple ilustración. Me ha parecido muy valiente. Valle Inclán que parece un autor “de siempre” está por descubrir, por interpretar.Parece una paradoja pero creo que es así.

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¿Qué proyectos tienes entre manos?…
En cine, haré una peli “rara” fuera de las que ha hecho anteriormente con BORJA COBEAGA, sobre un negociador socialista con ETA, y en teatro estoy enredando con JUAN MAYORGA en un proyecto que tiene y en el que va a contar conmigo como actor, junto con Edu Soto. Va de ajedrez.De jugadores de ajedrez.

¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?..
El IVA es mortal, yo confío en la marcha atrás de la decisión.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Me gustó mucho EL PENAL DE OCAÑA de Nao D´amores por ser una pequeña pieza, entrañable y magníficamente interpretada.

¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Las de siempre, no esperar a que nos llamen, a que nos contraten, trabajar, actuar en espacios diferentes. Ofrecer teatro en el barrio, en el entorno cercano. Cuando el mensaje es: no se puede hacer nada mas, es cuando mas hay que moverse.

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¿Qué ha significado para ti el Premio Naciona de Teatro?…
Fue una alegría enorme. Primero gran sorpresa porque yo no soy el actor de moda, ni estoy en la cresta de la ola, soy un corredor de fondo, un currante del teatro. Pero por esta misma razón me alegró especialmente la decision del jurado. Siento que el premio pertenece a mucha gente que ha viajado conmigo en mi vida profesional, y me he alegrado comprobar que lo han sentido así. Feliz, feliz, y además me he quitado varios préstamos bancarios que me acosaban. Seguimos, seguimos….


Las heridas del viento de Juan Carlos Rubio en el Teatro Lara

¿Qué hace falta para que haya teatro-teatro?…Pues muy sencillo, una buena historia y unos actores en la cuerda floja de la escena. En Las heridas del viento hay una historia interesante que sorprende a cada paso de la pieza, no hay un momento en el que la atención del espectador decaiga porque la sucesión de giros que da la trama obliga a que no pestañeemos. Y además, el autor vivo, lo es más que nunca en esta función, acompaña la acción durante todo el tiempo, siendo cómplice con los intérpretes de todo lo que va sucediendo, dando el relevo a la voz de ellos para que cuenten su historia. El director está aquí sutilmente, solo da ocasión a que el autor se encuentre con los actores en esa frontera entre realidad y ficción. La historia nos atrapa porque todos hemos vivido un amor al límite o hemos dejado que nos amasen sin cortapisas, aunque después hayamos tenido que lamernos las heridas que el viento deja a su paso. Solo unas sillas, unos focos y a Mina de fondo…Ah! no, me olvidaba de los más importante, dos actores en un combate emocional contundente: Dani Muriel dando réplica a Kiti Manver que aparece bajando una escalera desde otro tiempo, otra realidad y frente a los ojos del público se transforma, en un juego queer, en el hombre que guarda todos los secretos de la función. Kiti Manver alcanza en este trabajo un nivel interpretativo difícil de superar, a partir de ahora habrá que llamarla: La Manver.
Adolfo Simón

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Juan Carlos Rubio no habla de sus proyectos como autor y director.

rubio¿Cómo surge el proyecto de Las heridas del viento?…
Después de dirigir LA MONJA ALFÉREZ en el CDN, un montaje con 13 actores y un gran despliegue escenográfico y técnico, decidí embarcarme en algo mucho más intimo, personal, necesitaba volver a unas premisas más básicas y cercanas: dos actores y un texto. Y pensé que LAS HERIDAS DEL VIENTO era el texto ideal. Se ha estrenado en más de diez países, pero yo nunca la había dirigido. Y le tenía ganas.

¿De qué va la obra?…
Tras la muerte de su padre, David encuentra unas cartas de amor de otro hombre dirigidas a su progenitor. Sorprendido (y dolido) por el descubrimiento decide visitar a ese supuesto amante, Juan. Pero las cosas no son como parecían a primera vista. ¡Hasta ahí puedo contar!.

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¿Hiciste algún tipo de búsqueda o documentación sobre el tema antes de empezar a escribirla?…
No, basé el texto en experiencias propias, sensaciones vividas. Tengo padre, en mi familia hay secretos, como en todas, he tenido amores no correspondidos y amores a los que no he correspondido. He escrito sobre un tema que me toca.

¿Cómo fue el proceso de escritura?…
La obra la escribí en dos meses en 1999. Después la he revisado varias veces, pero la fundamental sigue siendo lo que escribí entonces. Fue un proceso rápido, sabía lo que estaba escribiendo.

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¿Cómo ha sido el trabajo con los actores?…
Maravilloso. Kiti es mi alma gemela, nos entendemos con solo una mirada, hay una confianza y un respeto mutuo inmenso. Llevamos colaborando ocho años en cinco montajes ¡Y lo que nos queda! Cuando le planteé el reto de interpretar a un hombre no lo dudó, se lanzó de cabeza. Es una actriz descomunal. A Dani le pude dirigir en LA MONJA ALFÉREZ y le quería para interpretar a David. Es un actor increíble, con una sensibilidad y entrega especiales. Le adopto desde ya para mi troupe teatral. Hacen una pareja excepcional.

¿Cómo llevas a cabo el trabajo de puesta en escena al ser autor-director?…
Dejo a cada uno que haga su trabajo. Como autor propongo un texto, como director encuentro la manera de ponerlo en pie. Y si hay algún problema les pongo en contacto. Se llevan bien, hace tiempo que colaboran…

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¿Opinas, como algunos autores, que no hay que publicar un texto hasta verlo estrenado?…
Creo que no hay formulas, depende del momento. He publicado antes de estrenar y después, no es algo que me preocupe. Es verdad que después de dirigir mis textos salen nuevas versiones. Quizá sea mejor publicar después.

¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como autor/director?…
Me siento muy afortunado de haber podido dirigir tanto y contar con equipos artísticos tan fabulosos. Y de que los productores hayan confiado en mí. es un balance totalmente positivo.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
La que siempre ha tenido: mover sentimientos, conciencias, alegrar los malos momentos y poner el dedo en la llaga de las injusticias y realidades que nos han tocado vivir. El teatro es la esencia misma del ser humano, el más fiel retrato de sus miserias y grandezas.

¿Qué te motiva o inspira para escribir teatro?…
Me inspira todo. Un recuerdo, una noticia, una sensación, una mirada, un atardecer… Estoy abierto a cualquier estimulo. De hecho mi teatro es muy plural, paso de un tema a otro sin ningún reparo, de un tono a uno de un plumazo. Me interesa todo. Y me motiva una necesidad vital de contar historias.

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¿Cómo está afectando la subida del I.V.A. y los recortes en las ayudas al teatro?…
Es un hecho lamentable, una vergüenza que habla muy mal de nuestros dirigentes. La cultura no es un artículo de lujo. El teatro ha sufrido un golpe muy duro. Pero seguiremos adelante de una u otra manera.

¿Qué obra de teatro has visto últimamente? ¿Qué te pareció?…
Fui a ver MASTER CLASS, con Norma Aleandro. Me pareció sencillamente magistral. Una master class de teatro.

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¿Cómo ves la autoría teatral en nuestro país en estos momentos?…
Mejor que hace años, al menos por la cantidad de obras que suben a los escenarios. Estoy feliz de ver obras que no he leído ni visto antes escritas por gente que vive aquí. Es lo normal ¿no?. Al menos es lo que ocurre en otro países que tenemos como referente: Francia, Reino Unido…

¿Proyectos?…
Muchos. Pero mi realidad ahora se llama LAS HERIDAS DEL VIENTO, cada lunes en el hall del Teatro Lara. Estoy volcado en ello en cuerpo y alma. Y merece la pena la dedicación. El público nos está acogiendo con entusiasmo.

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Núria González nos habla de sus proyectos teatrales

nuriagon¿Cómo surge el proyecto de Taitantos?…¿De qué va la obra?…¿Y tu personaje?…
A mi me llega el texto de Olga Iglesias, lo leo y me río. Es la única manera que conozco de empezar bien con una comedia.
El asunto que aborda, el paso del tiempo y cómo lo enfrentamos cada uno, es universal: a todo el mundo le afecta, sea o no consciente de ello. Y me interesa, claro!
Y por fin está el flechazo con Susana Duarte: una mujer madura que hasta el momento se consideraba un ejemplo a seguir y de repente se siente excluída en el reino que creía haber conquistado. Con Susana todo es un “sube y baja y sube…”un rato te enfadas con ella, otro rato te ríes, otro empatizas con su vulnerabilidad…No te permite instalarte en nada…no deja respirar al espectador, ni a la actriz!.

¿Cómo ha sido el proceso de creación del montaje con el director?…
Ha sido muy interesante buscar con él a una Susana contradictoria, perdida como una amnésica en un mundo conocido, revolviéndose contra lo inevitable: con prepotencia ahora, luego con desesperación. Cómicamente desquiciada. Coté ha construido un recorrido emocional sólido por el que transita el tren Susana siempre a punto de descarrilar.

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¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz en teatro?…
El balance es muy positivo para mi:”Tres” escrita y dirigida por Juan Carlos Rubio fue un gran éxito, y disfruté con Kitti Manver, Aurora Sánchez y Octavi Pujades de muchas funciones en todas partes.
Luego repetimos con “La monja Alférez” en el María Guerrero: una aventura completamente distinta: un texto de Domingo Miras, un personaje histórico… Bueno varios: aparte de la Catalina vital y seductora, interpretaba a la monja Catalina de Aliri y al Papa Urbano VIII. Trece actores… Magia, espadas, malabares, juegos de equilibrio….todo condensado, comprimido, una locura! Precioso espectáculo, muy especial.
Y ahora TAITANTOS una comedia de Olga Iglesias Durán a la que no conocía, dirigida por Cote Soler por primera vez y por primera vez sola en el escenario…Pues otra locura!!! Mayor, creo yo!
Afortunadamente las ganas le pudieron a los miedos y por si quedaba alguna duda, el público nos llena el teatro y se engancha a la peripecia de Susana Duarte desde el minuto uno haciendo las delicias de esta actriz que no puede estar más agradecida por esta respuesta.

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¿Preparas de forma distinta un personaje para tv, cine o teatro?…¿Cuál es tu método de trabajo?…
Mi trabajo es buscar una persona en una montaña de palabras. Eso va primero siempre, si no la encuentro… Ni cine ni teatro ni tele, sin eso no hago “na”. Mucho más tarde que eso vienen las peculiaridades del medio, las directrices…Podemos hablar de diferencias si queremos(aquí hay que proyectar la voz, aquí llevas un micrófono…) pero lo básico es lo mismo: que haya personaje.
Mi método no existe, al menos de momento. Cada vez me siento impelida a abordar las cosas de forma diferente. Pero todo el mundo tiene que empezar revolviendo entre las palabras, es lo único que tienes al principio.

¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Muchas…Emocionar, hoy y siempre. Excitar nuestras mentes, hacernos pensar por nosotros mismos. Hacer que nos juntemos para disfrutar un viaje diferente.
En el caso de Taitantos ayudar a reírse de las pesadillas.

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¿Cómo está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Hablando de pesadillas!!
Yo no sabría darte cifras. Pero cada vez es todo más complicado. Hay que hacer grandes esfuerzos, desde dentro y desde fuera, para que algo salga adelante. Nosotros empujando los proyectos, los teatros tratando de facilitar el acceso y el público que no nos abandona a pesar de todo. El otro día me enteré por un compañero de que un espectáculo tan lucrativo como el fútbol no paga su 21 por ciento. Un dato más de que la cosa es una maniobra indecente y dirigida a la cultura.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Vi el “manual de la buena esposa” dirigida por Quino Falero, hicieron un gran trabajo, estuvieron fantásticas las actrices. Ahora estoy pendiente del estreno de “Las heridas del Viento” en el Lara. Deseando ver a Kitti y Daniel.

¿Proyectos?…
Que Taitantos esté mucho tiempo en cartel, y eso sólo se consigue si venís a verme, así que mi primer proyecto es convenceros de qué lo hagáis: hasta el 13 de octubre en el Teatro Lara todos los fines de semana, y a partir del 15 de octubre, todos los martes en el Alcázar Cofidis. Nos mudamos, pero no muy lejos, a la calle de Alcalá. Seguidnos, os vais a reír tengáis la edad que tengáis.

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Arizona de Juan Carlos Rubio en el CDN

Arizona es un texto de Juan Carlos Rubio que reflexiona sobre las fronteras, la migración, la estupidez humana y los límites de su manipulación, además de ser un tragicómico retrato del alma de dos seres humanos perdidos en el desierto de la vida. Con un sencillo argumento, dos gringos que van a la frontera estadounidense con México, en el estado de Arizona, a defender su patria de los posibles intrusos y a «reflexionar sobre las fronteras», el autor inventa un mundo de vacíos, de incomunicación entre países y entre seres humanos, un friso del absurdo que inventamos cada día con las aduanas intelectuales. Que poco hace falta para que haya TEATRO, así, en mayúsculas, en un escenario. En Arizona, una nueva propuesta en ese espacio de La Princesa que tan buenas muestras de teatro nos está dando en esta temporada del CDN, dos actores fantásticos…Alejandro Calva y Aurora Cano, nos deleitan con el absurdo de una existencia supeditada al miedo al otro. Ellos hacen creíble la historia de Rubio a ritmo de musical de bolsillo y desde fuera, Ignacio García sujeta la acción poética desde la dirección.
Adolfo Simón

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Ignacio García nos habla de sus trabajos como director de escena

IgnacioGarcía¿Cómo surge el proyecto de Arizona?…
Arizona es un proyecto de larga gestación. Yo tuve ocasión de leer el texto de Juan Carlos Rubio en 2006 y ya entonces me pareció un texto magnífico son sus dosis equilibrada de comedia, amargura y absurdo, lleno de muchos y variados referentes. Me atrajo mucho la idea de convertirlo en un musical de bolsillo en el que se combinara un gran homenaje a la música americana del siglo XX y la comedia musical en particular, con una visión crítica de los fundamentalísimos que alberga aquél país en sus excesos nacionalistas. El proyecto lo retomé con fuerza cuando comencé a ir a México al creer que allí tendría una gran fuerza debido a la temática sobre la frontera y a su dolorosa actualidad en aquel país. Por suerte encontramos entusiasmo tanto en México como en España y la colaboración del CDN aquí, y el ministerio mexicano a través del INBA, el Centro Cultural Helénico, el FONCA y Ocesa en México. Ese ha sido el viaje hasta poner en marcha ARIZONA… después pude tener un elenco magnífico y grandes colaboradores y comenzó el viaje y el disfrute.

¿Hubo ocasión, durante el proceso, para que los actores aportasen ideas en la puesta en escena?…
Por supuesto, los actores han sido un constante alimento del espectáculo y del trabajo de puesta en escena. Aurora Cano y Alejandro Calva son dos espléndidos actores que ha dado vida a Margaret y a George de una manera prodigiosa, haciendo personajes de carne y hueso y llenos de verdad en sus contradicciones. El proceso ha sido peculiar ya que lo espaciamos en el tiempo al tener yo que compaginar ensayos en México con venidas a España para otros proyectos, pero eso ha permitido que todo fuera posándose con tiempo y que ellos pudieran hacer suyo el trabajo y alimentarlo desde sus propuestas.

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¿Hay algún referente técnico o estético del que has partido para esta puesta en escena?… Háblanos de ello…
En el título de la obra, el autor la denomina como “Una tragedia musical americana”. Eso fue determinante en mi visión estética de la obra, ya que tomamos muchos referentes de la comedia musical intentando mezclarlos con el absurdo a veces y con la tragedia en otras, pero sin perder la luz, el brillo y el sonido de ese fabuloso género. Esa influencia se funde con lo kitsch de la cultura norteamericana y su mezcla ecléctica de estilos que abarca desde lo sublime a lo más “underground”.

¿Cómo ha sido el proceso de creación?…¿Qué has querido contar desde la dirección?…
El texto habla de las fronteras mentales e ideológicas, de los límites y sus consecuencias, y esa ha sido la linea fundamental de nuestro trabajo, hablar de quienes quieren buscar diferencias y separar y disgregar. También de quienes son al tiempo verdugos de los habitantes de su Sur, cualesquiera que éstos sean, y víctimas de una tormentosa manipulación ideológica y mediática. El Tea Party, el proyecto Minute Man, el Sheriff Joe Arpaio y la pareja que forman George y Margaret son distintos brazos del mismo árbol, con gradaciones y responsabilidades diferentes.

¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como director?…
Que es un don de el cielo poder dirigir tanto y en géneros, estilos y países tan diferentes, y poder seguir aprendiendo y alimentándome de todas estas experiencias. El balance es muy positivo desde esta experiencia y desde la posibilidad de experimentar en formatos escénicos muy variados. Soy muy consciente de la dificultad del momento y de la fortuna que esto significa, pero me considero aún un aprendiz del oficio de director con toda su complejidad. Otra de las satisfacciones es poder compaginar armónicamente la dirección de teatro y de ópera ya que creo que ambas se complementan y suponen caras de una misma moneda.

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¿Qué espectáculo has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Hace pocas semanas vi El círculo de cal (así titulan allí lo que nosotros llamamos El círculo de tiza caucasiano de Brecht) bajo la dirección de Luis de Tavira en la Compañía Nacional de Teatro de México y me pareció un espectáculo espléndido, con un complejísimo trabajo de máscaras y de gran guiñol. Y la vigencia del texto de Bracht es arrolladora.

¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes a la escena?…
Creo que no tiene sentido gravar y penalizar la creación con todo lo que ello significa. Entiendo que la dificultad del momento es grande y que el esfuerzo debe afectar a toda la sociedad, incluida la cultura, pero creo que se están cometiendo errores graves en el mensaje de esta distribución del esfuerzo, y éste es uno de ellos. Por supuesto que afecta la subida del iva y va a seguir afectando, pero es necesario seguir convenciendo al público de que a pesar del esfuerzo que deben hacer para ir sigue valiendo la pena. Debe ayudarnos a valorar al público.

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¿Proyectos?…
Por suerte muchos y variados. En lo que queda de 2013 dirigiré Il Trovatore en Sevilla, La sangre de Antígona de José Bergamín en la Compañía Nacional de México, para el Festival Cervantino de Guanajuato, y después haré La Forza del Destino en Bilbao y La Boheme en Oporto. Y parece que en 2013 ya aparecen proyectos de teatro y de ópera dentro y fuera de España. Una gran fortuna en estos tiempos difíciles. Hay que seguir peleando.

Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis
No dejar nunca de creer que podemos seguir haciendo espectáculos, si no con los medios de antes, confiando en el talento de nuestros dramaturgos y actores, que es mucho. Nunca hay que renunciar al teatro como conciencia de una sociedad, y momentos como éste, duros en lo económico, lo social y lo moral, son los que más necesitan de un teatro que reflexione, divierta y refleje su oscuro contexto.

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“Tres segundos” en la Sala Triángulo-La Alternativa

“Tres segundos”es un homenaje a la radio, al teatro y a las historias de ficción contadas en la radio. Desde la perspectiva del espíritu contemporáneo, actual y fresco, que proporciona el siglo XXI en la forma de describir y narrar situaciones, cinco autores Juan Carlos Rubio, Emilio Williams, Carlos Be, Carles Harillo y Jesús Ortega han prestado sus piezas para este proyecto que cuenta con una dramaturgia como hilo conductor que permite que esas cinco historias puedan ser subidas a un escenario sin perder la esencia inspiradora de la radio.
Este planteamiento de la compañía Efecto Teatro es muy loable pero, teniendo en cuenta que en los orígenes de la radio, se realizaban verdaderos espectáculos de variedades en vivo a través de las ondas y que después se han realizado muchos experimentos en programas dramáticos radiados.”Tres segundos” muestra pocos elementos de juego contemporáneo al reflejar tan solo el diálogo o monólogo en un espacio donde solo acompañan a los actores unos aparatos de radio de distintas épocas. El humor es la constante de los textos y solo, al final, hay una explosión escénica que da sentido a realizar estas lecturas en la escena.
Simón Ribes.
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Paco Bezerra nos habla de sus proyectos.

PacoBezerra¿Cómo surge el proyecto AHORA EMPIEZAN LAS VACACIONES?…¿De qué va la obra?…¿Cómo ha sido el viaje dramatúrgico de El Pelícano a tu propuesta textual?…
Luis Luque había pensado montarla, ya tenía los actores y todo, de hecho hasta había hablado con ellos y se lo había propuesto, así que me pidió hacer la versión y yo acepté. Podríamos decir que se trata de un encargo, como la obra anterior que hice con él, La escuela de la desobediencia. La obra va de una madre desnaturalizada que tiene muertos de hambre y de frío a sus hijos desde el día en que nacieron, y esto lo utilizo para hablar de nuestro presente. El viaje dramaúrgico ha partido de los personajes y conflictos del original, pero podría decirse que he reescrito la obra. He metido elementos nuevos y he eliminado a uno de los personajes. También me he inventado alguna escena que otra, la del final, por ejemplo, en la que creo que no hay ni una sola palabra escrita por Strindberg.

¿Hiciste algún tipo de documentación sobre el tema antes de realizar tu texto final?…
Partí de las lecturas del original, vi varias veces el Estudio Uno que interpretó en su día Irene Gutiérrez Caba y Tina Sáinz, y, a partir de lo que todo esto me sugirió, empecé a investigar sobre el hambre y el apetito. Entonces, descubrí una isla en la que nadie jamás había pasado nunca hambre, en el Pacífico Sur, Vanuatu se llama, el lugar con mayor calidad de vida de todo el planeta Tierra. Y eché la imaginación a volar a partir de ahí.

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¿Cómo surge llevarlo a La Casa de la Portera?
Ya estaba en la propuesta de Luis, venía con el encargo, todo en el mismo paquete. Si yo no hubiese hecho la versión, él la hubiese estrenado igualmente en La casa de la portera.

Eres un autor premiado…¿Sirven los premios para que tus textos se visibilicen?…
Sí, pero para que se visibilicen los textos que no han sido premiados. Curiosamente, los textos que han ganado premios importantes no se han hecho, esos no se representan, se representan otros que me encargan, pero las obras que han ganado más premios aún no se han hecho.

¿Opinas como algunos autores, que no hay que publicar un texto hasta verlo estrenado?…
No, si yo pensara así ahora no tendría más que tres textos publicados, y dos de ellos versiones o dramaturgias de otras obras que no son mías, originales, entonces, habría publicado sólo Grooming. Además, si no se publican antes de estrenarse… ¿cómo llega el texto a manos de un director de escena? ¿Cómo puede montar alguien un texto si no está publicado? ¿O cuántas obras hubiésemos leído de Don Ramón del Valle-Inclán? Imagino que habrá dramaturgos que tengan contactos y que conzcan a productores y directores de teatros, pero si no conoces a nadie publicar es la única manera de que tu trabajo tenga cierta difusión. No, qué barbaridad, yo no pienso así, yo soy dramaturgo, escribo para la Literatura Dramática, no para la escena. Si mis obras se hacen, fenomenal, pero si no se hacen yo las voy a seguir escribiendo igualmente. ¿Por qué no iba a poder tener la gente acceso a leerlas?

¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como autor?…
El balance ha sido positivo. He estrenado tres obras en el último año y medio, así que no me puedo quejar.

¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
La de siempre: la de plantearle preguntas al lector/espectador, no ofrecerle respuestas, la de hacerle dudar de lo que piensa, la de cuestionarle y ponerle en un dilema moral ante una situación determinada… Viene siendo así desde antes de que naciera Jesucristo. El teatro ha cambiado mucho, pero sólo en su forma, en el fondo, el teatro sigue siendo muy parecido al de hace más de dos mil años.

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¿Qué te motiva o inspira para escribir teatro?…
El paisaje desértico de Almería, mi padre y mi madre, mi abuela, mi hermana, mi tía, mis vecinas y todo lo que sale por boca de estas personas que acabo de enumerar. Un pozo sin fondo.

¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
¿Y no está afectando ya?

¿Qué obra de teatro has visto últimamente? ¿Qué te pareció?…
Vi Alma de Dios, de Carlos Arniches y Enrique García Álvarez, con Cristina Marcos, Tomás Pozzi y Manuela Velasco, dirigida por Jesús Castejón, en el Teatro de la Zarzuela. Una maravilla. Me encantó. De hecho, creo que voy a escribir una Zarzuela, que es algo que los dramaturgos españoles no deberían haber dejado de hacer. La Zarzuela es lo más.

¿Cómo ves la autoría teatral en estos momentos en nuestro país?…
Pues muy bien, mejor que nunca, la veo tal que así: Alfredo Sanzol, Manuel Calzada Pérez, Sergi Belbel, María Velasco, Lluisa Cunillé, José Manuel Mora, Guillem Clua, Angélica Liddell, Carlos Be, Josep María Miró, Miguel del Arco, Juan Mayorga, Guillermo Heras, Jordi Galcerán, Luis García-Araus, Pau Miró, José Ramón Fernández, Marta Buchaca, Alberto Conejero, Lucía Vilanova, Antonio Rojano, Eva Hibernia, Gracia Morales, Zo Brinviyer, José Cruz, Jordi Casanovas, Juan Carlos Rubio, David Desola, Laila Ripoll… y se me olvidarán por lo menos ciento cincuenta más.

¿Proyectos?…
Me acaba de conceder el INAEM una beca para el Desarrollo de las Dramaturgias Actuales, creo que se llama, así que es la primera vez que me ayudan económicamente antes de escribir una obra y eso me alegra porque creo que han empezado a confiar en mí. Voy a escribir una obra que se llama El rescate del dragón.

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Razas de David Mamet en el Teatro del Arte

En estos tiempos en los que cada día nos desperatamos con una mala noticia referida al teatro y su supervivencia…Que la ciudad de Madrid pueda apuntarse un par de tantos en su cartelera teatral, es una gran alegría. Por un lado, un nuevo espacio abre sus puertas, con paso decidido y valiente: El Teatro del Arte. Donde estuvo el Teatro de Cámara, han desembarcado un grupo de artistas para remozar el lugar y adaptarlo a los tiempos que vivimos…Ha quedado acogedor y bello. La segunda noticia es la posibilidad de disfrutar de otra obra de ese gran autor contemporáneo que es David Mamet; en estos momentos podemos disfrutar de dos piezas de Mamet en Madrid. Aquí vuelven a surgir bajos los focos los personajes de Razas, una pieza-debate que plantea muchas cosas que a menudo se piensan y que no se nombran por quedar políticamente correctos. La obra es una delicia mordaz que transcurre a rítmo vertiginoso, convitiéndonos en espectadores de excepción del espectáculo de la justicia; algo que está en primera línea estos días en los medios de comunicación. Los actores: Toni Cantó, Bernabé Rico, Pedro Gutiérrez y Montse Plá salen al ring imaginario a pelear por su espacio vital…los cuatro funcionan como el mecanismo de un reloj dirigidos con mano firme por Juan Carlos Rubio.

Adolfo Simón

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Concha lo que quiere es BAILAR…

Concha Velasco, una actriz a la que nunca le han dado un “Goya” pero que ha trabajado más que todas las que tienen uno en su estantería, repasa toda su vida en un espectáculo que José Mª Pou y Juan Carlos Rubio le han confeccionado a su medida. Bien merecido lo tiene después de tantos años trabajando, de tantos años de sacrificio pero también de alegrías por los papeles que ha representado. Ella se lo sigue tomando con humor y con mucha vitalidad a sus recién cumplidos 73 años. El espectáculo es un “corta-pega” de varias de sus obras y monólogos sobre su vida que, a pesar de esto, ella representa con la frescura y ganas de la primera vez y con un poco de humor y sarcasmo aludiendo a todos sus éxitos y también “fracasos”; de estos últimos ha salido siempre airosa y “trabajando como una burra”.  Pero si algo tiene Concha es que no se ha achantado por nada, ha sabido plantarle cara a todo y hacer de su capa un sayo. Una mujer fuera de serie y todo terreno que todavía tiene mucho que decir y que contar a nosotros y a su nieto, con el que está viviendo nuevos sentimientos como abuela.

En su espectáculo reivindica a la mujer, no sólo a las que ha representado, que son muchas; no tiene vergüenza en confesarse católica, a su manera, pero católica; en reconocer sus errores; en hablar de sus amantes y nos confiesa que ella no quería ser actriz, quería bailar, que es para lo que desde pequeña en ese frío Valladolid se había formado…¡ojalá que siga bailando y que la veamos!

Luis Mª García.

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