PHESTUDIOS: IMAGEN NO DISPONIBLE
Con el objetivo de desarrollar nuevos proyectos en torno a las artes visuales y plásticas, fomentar la participación ciudadana, apoyar a jóvenes artistas e investigar nuevos formatos para la presentación y difusión artística, la Comunidad de Madrid y PHotoEspaña se unen para crear el proyecto PHEstudios: imagen no disponible.
La propuesta plantea reflexiones sobre la presencia latinoamericana en Madrid, en el contexto de la XVIII edición del Festival PHotoEspaña, dedicada a la fotografía de dicho continente. PHEstudios: imagen no disponible es un guiño al mensaje que el ordenador genera automáticamente cuando no reconoce el formato de una imagen. Para estos jóvenes artistas la imagen digital es el punto de partida de muchos de sus proyectos. No obstante, durante el proceso de creación, esta imagen se ve manipulada hasta perder su apariencia inicial o desaparecer por completo para transformarse en poema, pintura, relato o performance. La imagen, así, se presenta camuflada y deja de estar disponible.
Durante los meses de junio y julio tendrán lugar diversos eventos en espacios públicos y no tradicionalmente expositivos, como las calles y plazas de la ciudad, locales de toda naturaleza, canales digitales y redes sociales. Metro de Madrid, colaborador del proyecto, funciona como plataforma de difusión cediendo sus soportes de comunicación. Así, los colectivos han diseñado carteles anunciando la actividad, que ya pueden verse en los pasillos y andenes, y el canal Metro Madrid emite un anticipo del evento organizado por el colectivo Los Hijos en la Discoteca Estrella. Además de las acciones específicas, la primera semana de julio se realizará una presentación de todos los trabajos que han participado en PHEstudios en la Nave de Motores de Metro Madrid, en Pacífico.
PlayDramaturgia
(Javier Cruz y Fernando Gandasegui)
Más info en:
playdramaturgia@gmail.com
Presentación: Et al. #1 – Pliegos de Teatro y Danza
Miércoles 21 de enero, 17:30 h
La Trasera – Facultad de Bellas Artes UCM
C/ Greco, s/n. Ciudad Universitaria
entrada libre hasta completar aforo
Una propuesta de PLAYdramaturgia sobre la Editorial Pliegos de Teatro y Danza
Más info en:
teatropradillo.com
bellasartes.ucm.es
aflera.com/pliegos
Ciclo en torno a LOIE FULLER
INTERMITENCIAS DEL ASOMBRO. ESCÉNICAS, CINE Y CONFERENCIAS EN TORNO A LOÏE FULLER
El ciclo analiza la relación de la coreógrafa norteamericana con las prácticas artísticas actuales, mediante propuestas escénicas, conferencias y proyecciones.
Carlos Marqueríe con la compañía Lucas Cranach, Patricia Caballero, Charlotte Vanden Eynde y Heine Avdal & Yukiko Shinozaki protagonizan la propuesta escénica.
La Casa Encendida de Fundación Caja Madrid presenta “Intermitencias del asombro” un ciclo, comisariado por Ana Buitrago, con propuestas escénicas, conferencias, cine y documentación que se desarrolla en paralelo a la exposición “Escenarios del cuerpo. La metamorfosis de Loïe Fuller” -hasta el 4 de mayo en las Salas A, B y C- y que, desde lo escénico como medio o temática, relaciona el legado de la artista norteamericana con las prácticas artísticas actuales.
La programación se inicia el 4 de marzo con la primera sesión de “Cine en torno a Loïe Fuller”. Presentada por la coreógrafa Sofía Asencio, se proyectará la película “Signer’s Suitcase” (1996, 80′), de Peter Liechti, una road movie alrededor de Europa que sitúa al espectador entre lo visionario de Loïe Fuller y los espejismos del artista suizo Roman Signer. El 11 de marzo, la artista e investigadora Paula Caspão, presentará la segunda sesión. “Intermitencia hacia la intermedialidad. Entre efecto y afecto”, muestra una recopilación de vídeos heterogéneos y perspectivas cine-coreográficas que proponen diversas relaciones con la práctica artística multifacética de Loïe Fuller.
El miércoles 5 de marzo tendrá lugar la primera de las tres conferencias performartivas que, de la mano de distintos expertos, profundizarán en la figura y personalidad de la artistas norteamericana. El escritor y arquitecto Fernando Quesada, conducirá esta primera sesión, a la que siguen otros dos debates, el 12 y el 19 de marzo, moderados y presentados por Paula Caspão y Jaime Conde-Salazar, respectivamente.
Además del cine y las conferencias, un atractivo programa de representaciones escénicas se podrá ver a partir del 6 de marzo. En “Entre las luces y las sombras: libertad”, Carlos Marqueríe junto a la compañía Lucas Cranach, a través de su poética de la imagen y la palabra, se adentra en una dramaturgia de la luz y la sombra como algo político, comprometido e implicado que señala la ocupación de la luz por el poder y permite que desde la oscuridad resuenen las pequeñas luces que son espacios y voces de resistencia, creando maravillosas constelaciones de destellos y reflejos en movimiento que recuerdan las de Fuller pero que no buscan la evasión en las formas puras, sino que señalan la necesidad de un acercamiento a lo humano, a lo próximo, a la intermitencia entre la aparición y la desaparición.
“Chronoscopio” y “Aquí la gloria y después la paz – marzo 2014” de Patricia Caballero, el 13 y 14 de marzo, “Shapeless” de la bailarina y coreógrafa Charlotte Vanden Eynde, el 22 y 23 de marzo, y Nothing’s for Something, de Heine Avdal & Yukiko Shinozaki, el 28 y 29 de marzo, completan las propuestas escénicas dedicadas a Loïe Fuller.
“Intermitencias del asombro” también ofrece un espacio de documentación audiovisual situado en la Entreplanta, ¿Has visto alguna vez fuego en La Casa Encendida? creado por PLAYdramaturgia y Jaime Conde-Salazar, y el laboratorio de movimiento “El estado de danza. Conversaciones con la luz y la gravedad” dirigido por Patricia Caballero.
Durante la construcción de este ciclo la figura de Loïe Fuller se ha convertido no sólo en ese cuerpo-pantalla/caleidoscopio de formas y colores en movimiento que ella planteaba, sino también en pantalla sobre la que cuestionar activamente el acercamiento al asombro, al no-saber, al cuerpo como lugar y potencia, a la forma y los conceptos de lo puro. Cuestionar el movimiento como acto y acción, lo cinético entendido como progreso, la relación con la ficción y el “efecto” del efecto; e interrogarse sobre cómo habitar, desde lo íntimo y lo político, los espacios de luz y de sombras, dejando existir lo borroso, lo que no se sabe nombrar y adentrarse en esa intermitencia entre aparición y desaparición, entendida como pasaje “entre”, que permite asombrarse y vislumbrar otros posibles.
LOIE FULLER
Loïe Fuller fue una de las figuras más relevantes e influyentes en el medio artístico del siglo XX. El personaje que ella misma encarnaba, sus creaciones coreográficas y sus innovaciones técnicas han influido notablemente en las aportaciones conceptuales y logros de coreógrafos, realizadores, directores teatrales y cinematográficos, pintores, escultores, arquitectos y artistas performativos de nuestra época.
Mundialmente conocida a finales del siglo XIX por la creación de su famosa “danza serpentina”, fue musa inspiradora del pabellón diseñado por Henri Sauvage para la Exposición Universal de París en 1900.
La obra de Loïe Fuller sucedió, ante todo, como una experiencia escénica compartida en vivo. Por esta razón resulta casi inevitable que la exposición dedicada a la artista norteamericana vaya acompañada de un programa escénico que proponga un acercamiento a su obra desde lo teatral. Evidentemente, no se trata de emprender un proceso arqueológico de restauración; más bien es una propuesta de acercarse de un modo tangencial, desde prácticas y lenguajes presentes en la creación actual a cuestiones latentes en su trabajo y que en ocasiones son encarnadas desde posicionamientos diferentes, desde una reflexión crítica enraizada en nuestro presente.
Toda la información sobre el ciclo en: intermitenciasdelasombro.wordpress.com
LOS TORREZNOS nos hablan de sus últimos proyectos.
¿Cómo fueron vuestros inicios creativos?…¿Qué facetas habéis realizado hasta hoy?…
Nos conocimos en 1990 en un taller de Isidoro Valcárcel Medina. Hemos trabajado y generado proyectos autogestionados (CIB Circo Interior Bruto/ ZAT Zona de acción temporal) y desde hace quince años desarrollamos el proyecto de Los Torreznos. Venimos del ámbito de la performance o arte de acción. Desde posiciones cercanas a este territorio desarrollamos también trabajos en el ámbito de la imagen y el sonido
¿Qué es lo escénico para vosotros?…¿Por qué esta exposición en el Museo?…Habladnos de ello…
Nosotros preferimos hablar de «lo presencial».
El trabajo presencial que puede darse en una escena, o en cualquier lugar.
Justamente la situación en el CA2M plantea un posible enfoque de «lo presencial» sin estar presente.
La idea es poder desarrollar trabajo creativo usando fundamentalmente el tiempo y dejando en segundo lugar al espacio, justo al contrario de lo que suele ser habitual en el territorio del arte contemporáneo. La presencia como detonante temporal
¿Qué balance hacéis sobre vuestra trayectoria?…
Pues un balance muy positivo. Hasta el momento hemos podido hacer lo que queríamos. Al principio sin ningún tipo de ayuda y ahora con mayor reconocimiento. El haber podido atravesar ya tres décadas te permite una visión general más amplia que te ayuda a valorar más y mejor el viaje hasta el presente
¿En qué proyectos habéis participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
En el último año hemos estado muy enfocados a preparar este proyecto del CA2M una “exposición” que durará cuatro meses donde convivirán trabajos presenciales y no presenciales bajo el techo de la institución artística. Antes hemos estado en distintos festivales de performance en Europa y también poniendo a prueba nuestra capacidad creativa en circunstancias muy especiales, como por ejemplo, en los campamentos de refugiados del Sahara, o en un festival en Ramala, Palestina. También hemos construido un proyecto escénico y teatral, muy distinto a lo que estamos acostumbrados, sobre una propuesta de Isidoro Valcárcel Medina.
¿Qué proyectos tenéis entre manos?…
Ahora mismo vamos a preparar una nueva pieza presencial que se estrenará en Mayo. El material que tenemos entre manos gira en torno a la economía y como afecta cada vez con mayor intensidad a la totalidad de los ciudadanos. ¿Quién decide?. ¿Cuál es el margen de decisión?. ¿Quién gobierna? ¿Cómo escaparse?.
¿Cómo creéis que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos culturales?…
La falta de apoyo económico a la cultura, debilita las estructuras, hace desaparecer proyectos y recorta las iniciativas. El actual gobierno debería afinar su sensibilidad y hacer un esfuerzo por acercarse a los creadores.
Afortunadamente, la creatividad de las personas es independiente de todo esto.
¿Qué montaje escénico que hayáis visto últimamente, os ha interesado?¿Por qué?…
Cosas muy dispares. Nuestro abanico es amplio. Un par de piezas, el otoño pasado, de un ciclo de teatro europeo en el Valle Inclán, excelentes. Un ciclo en el teatro Pradillo llamado Apuntes en Sucio donde se mostraban piezas en proceso de PlayDramaturgia, Cris Blanco, Sandra Gómez y Ana Salomé Branco. La pieza Introducción a la Introducción de la Societat Doctor Alonso… por suerte seguimos disfrutando encontrándonos cosas interesantes y sugerentes.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Seguir buscando.
Hacer lo que te da la gana.
No hacer caso ni a modas ni a condiciones externas.
No depender de las ayudas.
Ir ligero de equipaje
Disfrutar mucho de lo que uno hace
David Espinosa nos habla de su personal visión de la escena
Balance de vuestra trayectoria…
Empece a estudiar arte dramático en el 94… y todavía amanece, que no es poco…
¿Cómo surge el proyecto que presentáis en DT dentro de Escena M?…
En casi todas las piezas nos cuestionamos el propio hecho teatral, la relación entre actor-espectador-espacio-tiempo, planteando variantes dentro de esta ecuación, y en este caso coincidió que estaba trabajando como intérprete en una obra de gran formato, para el festival Grec de Barcelona… y me empezó a rondar por la cabeza la idea de que haría yo realmente si tuviera esas condiciones…
¿De qué va la obra?…
«Mi Gran Obra (un proyecto ambicioso)» es lo que yo haría si tuviera un presupuesto ilimitado, el teatro más grande del planeta, 300 actores en escena, una orquesta militar, una banda de rock, animales, coches y un helicóptero. Una utopía escénica a escala 1:87 que intenta cuestionar el sentido de los grandes proyectos, del arte megalómano.
¿Cómo fue el proceso dramatúrgico y de montaje de la obra?…
Con los colaboradores, un músico y un arquitecto, empezamos hablando mucho sobre utopías, de la evolución en la historia del concepto, de cómo sería una sociedad y una cultura ideal, qué cambiaríamos cada uno del modelo actual, y en concreto de la utopía de hacer un megaespectáculo… hasta que apareció el «cuerpo» de la pieza, los actores (figuras humanas de maquetas de trenes) y entonces todo se centró en cómo dar movimiento, transformación, a estas figuras, para potenciar la teatralidad, la sensación de presente, por un lado a un nivel físico, de desplazamiento, y por otro a un nivel de significado, llenando la acción de giros dramáticos… Y al final organizamos esas escenas o acciones de manera que no hubiera un discurso lineal, sino un esquema de ideas, de atmósferas, que retratan diversos aspectos del ser humano y que juegan con el concepto de escala.
¿Conoces la obra de otros creadores contemporáneos en España?…
Claro, muchos de ellos son amigos o colegas cercanos… es un círculo relativamente pequeño, a veces es un poco triste ver que siempre somos los mismos viendo las cosas que se hacen… a mi me parece que aquí hay gente muy potente creando, es una pena que la situación político-económica sea tan precaria y cueste tanto trabajar en condiciones y darle visibilidad…
¿Qué función crees que ha de tener hoy la creación contemporánea para la sociedad en la que vivimos?…
Sinceramente siempre dudo mucho de la utilidad de lo que hacemos… yo te puedo hablar de lo que me aporta a mi, y en ese sentido cada vez me interesa más la práctica, el proceso de construcción, que la exhibición, tanto como actor/creador como espectador… lo del «espacio de encuentro» y «generar comunidad» que ahora está tan de moda en el discurso, a mi me tira un poco para atrás… no me siento muy cómodo en los grupos… yo necesito hacer, elaborar algo, es mi manera de reflexionar sobre mi realidad y lo que me envuelve, es un juego que me divierte, y es una vía de escape… así consigo ver menos la tele, que me engancha mucho, sobre todo los deportes y la telebasura…
¿Qué te motiva o inspira para realizar proyectos que mostrar en vivo?…
Pues como digo es una necesidad vital, en varios sentidos… por un lado es una búsqueda de respuestas, y por otro una búsqueda de ingresos, que en el super se emperran en hacerme pagar la comida…
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro para la escena alternativa?…
¿La del 18 al 21? joder, ya casi había olvidado que hace poco estaba al 16… es fuerte como te la van colando… evidentemente afecta, pero claro al ser porcentajes afecta más a los que más dinero mueven… nuestras cantidades eran ridículas, así que ahora el 21% de 0 = 0.
¿Qué obra de teatro, danza o performance has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Acabo de ver una instalación, «Adyton», de un escultor muy joven, Carlos Valverde, que me ha sorprendido mucho. Plantea el espacio de una manera que acaba convirtiéndote en actor de la propuesta, dejándote una sensación de experiencia viva, performativa muy potente… era como jugar al Lara Croft, y reflexionar al mismo tiempo sobre la idea de obra, de expectativas, del papel del espectador… no sé, igual he flipado solo, pero me ha parecido muy inteligente y muy irónica…
¿Cómo ves la creación contemporánea en el lugar donde trabajas?…
En cataluña hemos pasado una época en que las instituciones dentro de sus limitaciones (económicas e intelectuales) apoyaban bastante, y eso parece que se ha terminado, sin embargo sigue habiendo gente con ganas, buenas ideas y capacidad de sacrificio, así que surgen nuevas iniciativas, aunque también hay gente que se está bajando del carro, agotada…
¿Alguna idea para seguir creando en tiempos de crisis?…
El streaming! en el 2010 hice una pieza, «felicidad.es», que usaba el skype como medio escénico: el público estaba en el teatro y yo actuaba desde casa… así que te ahorrabas costes de hotel, viajes, etc…jajaj ahora hay muchas iniciativas como tvtron de teatron o playdramaturgia que promueven el arte escénico en la red…
¿Proyectos?…
Pues me gustaría incluir en la instalacion, Hekinah Degul, en la escena del autocine, una superproducción de Hollywood, «Mi Gran Obra 2 (un proyecto aún más ambicioso)»… ya estoy comprando dinosaurios de plástico en el chino…
CUATRO CITAS INTERESANTES
*Bailar, ¿es eso lo que queréis?
Un proyecto comisariado por Elena Córdoba, Ana Buitrago y Jaime Conde Salazar
Con la participación de:
Katsunori Nishimura • Rocío Molina • Chus Domínguez • Mar López • Anuska Alonso • Nilo Gallego • Claudia Faci • Oscar Dasí • Jorge Horno • Sergi Fäustino • Elena Alonso • Antonio Fernández Lera • Maryluz Arcas • Emilio Tomé • Tania Arias • Chefa Alonso • Jorge Frías • Laura Toro • Cy Williams
13 a 15 de diciembre, a partir de las 20h en Pradillo (Madrid)
*THÉA# 1 – Primer festival teórico en torno al diálogo entre el streaming y las artes escénicas.
Organiza Playdramaturgia. 12/12, en Espacio Intermediae/Matadero Madrid.
*CIRCUNDANCES: ciclos de artes del movimiento. Sobre prácticas colaborativas.
Presentaciones de Idoia Zabaleta y Mugatxoan, y taller con Ion Munduate y Blanca Calvo. 14 a 17/12, en Espacio Inestable y El tutú de la abuela, Valencia.
*Jornadas abiertas. III Encuentro Creación Escénica Contemporánea. ¿A qué estamos jugando?
Organizado por Óscar Cornago (CSIC / ARTEA) y Carolina Boluda (CETAE). 13 a 16/12, en Valencia.
Que Revienten los Artistas 
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